A vida e a obra do pintor francês Claude Monet (1840-1926) são tema da exposição Paisagens Impressionistas de Monet no Shopping Pátio Higienópolis. Inaugurada nesta sexta (13), a mostra ficará em cartaz até 19 de setembro.

Sob curadoria de Karina Israel e Patricia Secco, a mostra divide a vida do artista em oito diferentes ambientes interativos — e instagramáveis. Todos os espaços são embalados por trilha sonora composta pelo paulistano Alexandre Guerra.

Em cada sala, há um temática distinta. Na primeira, o ateliê de Monet é reproduzido. Na sequência, há uma recriação das ruas de Paris, cidade onde o artista nasceu.

Na terceira sala, fica uma reprodução do La Nouvelle Athènes, o chamado “café dos impressionistas”, estabelecimento em que artistas da época se reuniam e debatiam a arte. Ao final da exposição, pode-se ver uma ponte cenográfica, réplica da Ponte Japonesa instalada no jardim da residência do pintor, em Giverny (França), local de sua morte.

“Teremos em algumas salas projeções que apresentam não apenas obras de Monet, mas também algumas cenas de sua vida, bem como cenas da natureza, na qual ele se inspirava para pintar”, diz a curadora Patricia Secco. Todas os espaços contam com a presença de instrutores que vão auxiliar os visitantes. Os ingressos (40 reais o preço inteiro) podem ser adquiridos previamente na plataforma Sympla ou presencialmente.

Paisagens Impressionistas de Monet
Shopping Pátio Higinenópolis, piso Higienópolis.
De segunda a sábado das 10h às 21h30; domingos e feriados das 12h às 20h.
Até 19 de setembro.

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A luz do Sol, que entra pelo teto de vidro do octógono, área central da Pinacoteca, encontra as cores da instalação Portal (2020). A obra é composta de uma escultura musical com formato de rosto de mulher e painéis de onde saem pirâmides com criaturas em fibras de vidro. Os personagens parecem emergir de uma experiência de transcendência — e muita espera. A exposição da qual participam, chamada OSGEMEOS: SEGREDOS, tinha abertura marcada para 28 de março. Com a pandemia, foi adiada. Quase sete meses depois, os bonecos amarelados característicos dos maiores nomes do grafite no Brasil torcem para que a capital possa entrar na fase verde do Plano São Paulo, norte da flexibilização da quarentena. Essa é a condição posta pela Prefeitura para que museus voltem a funcionar — e os paulistanos possam enfim mergulhar no mistério dos irmãos Gustavo e Otávio Pandolfo.

Caso não haja nenhuma reviravolta, a previsão é receber os visitantes a partir de quinta (15). Até o dia 23, a entrada será gratuita, mediante cadastro no site da Pinacoteca. Mesmo no contexto de crise, o orçamento destinado à exposição (a maior do calendário 2020) foi mantido. Pela Lei Rouanet, a Pina captou 11,5 milhões para este ano (Egito Antigo: do Cotidiano à Eternidade, à espera para voltar ao CCBB, custou 12,3 milhões). Além da área do octógono, a mostra ocupa um dos pátios do prédio na Praça da Luz e sete salas do 1º piso. Serão apresentados mais de 1.100 itens, dentre esculturas, pinturas, fotografias e desenhos. “Esse número variou muito durante a montagem, todo dia, entrava coisa nova”, explica o curador responsável, o alemão Jochen Volz, que também ocupa o cargo de diretor do museu.

Volz trabalhou por cerca de um ano e meio na construção da exibição, que tem ares panorâmicos, já que revisita a trajetória dos artistas, nascidos no bairro do Cambuci. “Fizemos um levantamento do nosso acervo desde os anos 80. Trouxemos algumas obras que estavam lá fora, tem também trabalhos feitos há muito tempo, mas nunca mostrados”, explica Gustavo. “Nós temos muitos segredos, vamos revelar alguns deles aqui. Foram esses segredos que nos fizeram encontrar o universo que a gente acredita (e se chama Tritrêz). É uma busca espiritual”, complementa Otávio.

A aventura dos visitantes começa na entrada principal da Pinacoteca, onde os irmãos também estilizaram o letreiro. Agora, a espécie de placa é luminosa, na cor vermelha, e com tipografia em estilo bomb, aquela das letras gordinhas, uma vertente do grafite. No corredor adiante, mais uma parada, está por lá a obra Piano (2019). Ela foi parte de um concerto que a dupla fez com o grupo de dança Flying Steps no Hamburger Bahnhof, instituição alemã de arte contemporânea. “Essa é uma peça central na exposição. Faz referência direta ao movimento hip-hop, do qual eles são herdeiros, e traz elementos importantes para o trabalho deles, como a música, a dança e essa verve dada à fantasia”, pontua o curador Volz. No tampo do instrumento musical, há um boneco fazendo um passo chamado Moinho de Vento. Foi o primeiro movimento que OSGEMEOS aprenderam. Isso, nos anos 80, na estação de metrô São Bento.

Naquela época, ali era um point que reunia futuras estrelas da cultura brasileira, como os rappers integrantes da banda Racionais MC’s e o MC Thaíde. “Uma vez por mês, a gente fazia um encontrão, com toca-discos. Cada um colocava sua dança. Eles eram bem garotos, 14, 15 anos, ou até menos”, relembra o produtor musical Humberto Martins Arruda, mais conhecido como DJ Hum, que foi o responsável pela criação do apelido dos artistas. “Em uma dessas reuniões, ficou aquela confusão: ‘Otávio, Gustavo, Gustavo, Otávio, você é quem mesmo?’. De repente, falei: ‘Ô, gêmeos do caramba, vem aqui logo.’ Não aguentei”, relembra DJ Hum.

A simbiose dos artistas está em todos os cantos da Pina. Em um dos pátios, há uma lua caída, com 1,65 metro de diâmetro, crateras e tudo o mais. No tronco principal da mostra, as sete salas do 1º andar, o percurso começa com desenhos feitos pelos irmãos desde a infância. Eles estão colados nas paredes por meio da técnica de lambe-lambe. Um carro pegando fogo, nas versões de Gustavo e Otávio, chama atenção. Perto das chamas, veem-se fotos do aniversário de 1 ano, data especial, já que o nascimento deles foi marcado por um erro. “Minha barriga estava muito grande, então o médico me pediu para fazer um exame. Ao olhar o resultado, disse que só tinha uma criança”, recorda a mãe deles, Margarida Kanciukaitis, de 77 anos. “Quando estava na sala de cirurgia, o médico puxou a placenta e veio outro menino, outra criança. O médico ficou tão desnorteado que saiu e me deixou com a enfermeira. Eles eram tão pequenininhos, todo mundo dizia que iam morrer.”

Depois daquilo, dona Margarida não teve cabeça para pensar em nomes para os rebentos. Gustavo foi escolha de uma prima, chamada Dina, e Otávio apareceu na placa do nome da via onde ficava a maternidade, a rua Tenente Otávio Gomes, na Liberdade. Com tanta emoção envolvida, os pequeninos foram cercados de atenção não só pela mãe e pelo pai, Walter Pandolfo, já falecido. O irmão mais velho, Arnaldo, os estimulava a desenhar desde cedo e a irmã, Adriana, também ficava por perto. “Era um cuidado mais maternal, queria até escolher a roupa deles”, diz ela.

A união dos quatro irmãos se mantém até hoje, agora no ateliê d’OSGEMEOS, no vizinho Cambuci. Arnaldo é quem cuida de detalhes de construção das engenhocas elétricas. Adriana é responsável pela contabilidade e organização da agenda dos dois. Ainda de olho no círculo familiar, é importante falar que os avós maternos, já falecidos, ainda se fazem presentes. Na primeira sala, haverá um blusão que a “vó”, Dorinda Marcilio, fez especialmente para eles. A influência do “vô”, Albino Kanciukaitis, amante de música clássica, é referenciada em uma instalação inédita, um desdobramento de uma exposição chamada Vertigem, realizada em 2009 no Museu de Arte Brasileira — Fundação Armando Alvares Penteado (MAB- Faap) e que depois viajou pelo país. Em uma das faces da obra observa-se um barco à deriva, onde se lê “Koln 3”. É o nome da embarcação que trouxe o ancião para o Brasil, quando ele tinha 9 anos. A instalação completa ocupa uma sala com 63 metros quadrados e é composta de quatro painéis. Em três deles, há uma trama quadriculada, que remete aos trabalhos da op art, movimento pautado por experimentos com ilusão de óptica.

Indo mais fundo, esse pessoal não quer retratar uma paisagem de modo verossímil. Pelo contrário, querem mostrar por meio de combinações de cores e formas, em composições geométricas, que é possível perceber elementos de diferentes formas. OSGEMEOS mergulham nessa onda, mas dobram a aposta. Seus personagens entram e saem dos losangos, de forma divertida, quase que dizendo que há ainda mais perspectivas para explorar. Mais adiante, um novo acontecimento. A teia colorida se desfaz, deixando um quadradinho cá, outro acolá. Chega-se então ao mar e observa-se um farol, com uma personagem misteriosa no topo. Novamente, Otávio e Gustavo parecem apontar para diferentes formas de apreensão. Ali, o que parece mais real é um tanto de sonho. “Te incomoda misturar?”, parecem sussurrar os bonecos amarelos, ao final da imersão. “Com certeza, há uma reflexão sobre a história da pintura, mas há também uma conexão com informações visuais que vêm de outras áreas, como a cultura popular e a televisão. Se a gente pensar no uso desses efeitos da op art, aconteceu nas artes visuais em algum momento, mas eles também estavam presentes na produção de clipes musicais. Na produção d’OS- GEMEOS, tudo se mistura”, explica Volz, que abre novos caminhos para a compreensão da obra e da produção dos artistas.

No grupo de trabalhos-que-você-tem-de-ver, há ainda no 1º andar duas telas feitas em 2013 em parceria com Banksy, o mais famoso dos artistas anônimos. Elas foram apresentadas embaixo do High Line, famoso parque suspenso de Nova York. “Uns amigos nos apresentaram, não fomos atrás. É só isso que podemos dizer”, diz, lacônico, Otávio. Ele destaca um trabalho inédito presente na mostra, um vagão de metrô todo grafitado, no estilo Nova York dos anos 70: “A gente tinha muita influência gringa, as informações não chegavam fácil, então um conseguia uma revista e passava para o outro.” Essa dificuldade acabou estimulando-os a criar sua publicação em 1995, a Fiz Graffiti Attack. “O lançamento foi lá no Cavear, uma casa noturna. Tinha artistas pintando, o Tinho, o Binho, e uma roda de break”, rememora Gilmar Del Marco, de 44 anos, fã de longa data da dupla. Também artista, ele guarda os exemplares da revista com ciúme: “Não empresto para ninguém. Você até acha na internet, mas virou coisa de colecionador. Quem tem, tem.” Uma busca rápida comprova a informação: o primeiro número pode ser encontrado por 400 reais na OLX.

Com entusiasmo, Dingos, apelido de Gilmar, fala da expectativa para a abertura da superlativa mostra na Pina. “De coração, essa exposição vai salvar o ano. Não é média. Estarei lá na fila, com álcool em gel e máscara, em respeito à minha família.” No mesmo fluxo de admiração, o artista Rui Amaral, hoje diretor de arte de programas da TV Globo, elogia a dupla: “Gosto muito do trabalho deles, são supertrabalhadores, insanos com o pincelzinho na mão. Eu os conheci quando eles tinham 13 anos e apareceram no Museu de Arte Moderna para me ver pintando um mural”. Rui também fala do preconceito de um circuito mais tradicional de artes visuais com que começa sua trajetória nas ruas. “A simplicidade e a ousadia incomodam o erudito. O cara pinta um monte de coisa, mas não estudou. É totalmente empírico. Não tem teoria de cor, de forma. Ele vem e vomita. Artes plásticas é como oboé, cravo e violino. E o grafite é samba”, teoriza.

Outra face da questão é também a rede que envolve os profissionais. “São dois caminhos bastante distintos, o do artista que sai da faculdade e desde jovem sabe que tem de manter uma série de relações, e o do artista que vem da experiência na rua e tem uma relação direta com a população. Ele precisa encontrar interlocutores em ambientes que não conhece”, aprofunda o debate o curador colombiano Pedro Alonzo, que trabalhou com OSGEMEOS em um mural em Boston. A obra foi depois alvo de reclamação na cidade americana, porque uma parte da população dizia ver ali um incitação ao terrorismo, devido ao fato de um boneco estar encapuzado (haja associação). Alonzo, que também assinou o texto do catálogo da exposição A Ópera da Lua, feito pela dupla de 2014, ressalta que a comunicação entre os dois irmãos é um ponto fundamental para entender as obras que fazem. “Eles parecem ter uma mente compartilhada, planejam o que fazem, mantêm um fluxo espontâneo quando produzem”, afirma ele, que rejeita associações da dupla com a turma de André Breton (1896-1966). “Eles têm elementos surreais, mas não é possível relacioná-los nem com Salvador Dalí (1904-1989), nem com René Magritte (1898-1967). É melhor falar que eles criam uma paisagem mental conjunta, com elementos fantásticos”, diz Alonzo.

A despeito de considerações teóricas sobre suas produções, OSGEMEOS continuam abertos à cidade e a seu turbilhão de sinais. Antes da pandemia, em um domingo, dia 8 de março, às 9 horas da manhã, eles partiram de seu ateliê no bairro do Cambuci junto à reportagem de VEJA SÃO PAULO. Eles caminharam calmamente, com suas mochilas, entre acenos e comentários sobre o dia a dia, em direção à Baixada do Glicério, área barra-pesada na região central. Os rastros de tinta pelas roupas e meias funcionavam como pistas para os transeuntes que cruzavam com eles. O tilintar que rompe os tecidos das mochilas também. Em um átimo de tempo, debaixo de um viaduto, perto da sede da igreja Deus é Amor, o barulho cessou. Eles pararam, se olharam e entraram em uma quadra abandonada, fazendo malabarismo com o corpo em uma fresta da grade enferrujada. Com uma garrafa de água na mão e uma esponja, Gustavo, que para o irmão é simplesmente Gu, começou o trabalho. “A gente pintou aqui há duas semanas, mas depois eles vieram e apagaram tudo, jogaram cal. Vamos limpar e fazer outro”, explica. Durante pouco mais de uma hora, os irmãos se revezaram para fazer um novo grafite. Um em pé. O outro agachado. Um fazendo o contorno da cara do boneco, que surge quando retirada a camada de cal. O outro, que pega uma bituca de cigarro no chão, pinta com tinta branca e faz o olho do novo personagem amarelado.

Os dois acompanham a movimentação de duas viaturas da Guarda Civil Metropolitana, que aparece e confisca os produtos vendidos por ambulantes na calçada. Mas é Otávio, em silêncio, que pede que o alemão Peter, amigo que participava do rolê, seja chamado e avisado que a situação ficou um pouco tensa. De novo, é ele, Otávio, que mostra em um papel a mensagem que deixaria por lá: “Debaixo de uma parede cinza existe um amor pela nossa cidade…”. Depois dos sorrisos, grade atravessada de novo, eles abraçam dois fãs que aparecem e fazem pedidos. “Faz uma tag, mano, aqui, na minha mochila”, diz um dos rapazes. Em poucos segundos, uma mensagem prateada marca o tecidos.

No percurso de volta, sem adrenalina, o que fica é sintonia entre a dupla e uma frase dita por um homem que passou por lá: “Eles voltaram. Os cara apagou o desenho, maior tiração”. Esse sentimento é reiterado pelo comerciante José Teodósio, morador da quadra debaixo do viaduto, que mantém lá uma banquinha onde vende espetinho de linguiça, cigarro e cachaça. “Para a gente, é bom que seja colorido. É a nossa casa”, diz o sergipano. Para a gente também, seu José.

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PROTOCOLOS DE SAÚDE NA PINA

Ingressos: não serão vendidos na bilheteria. Os visitantes devem adquiri-los na internet previamente. Na entrada, é preciso apresentar o tíquete impresso ou no celular.

Máscaras: o uso desse item de proteção é obrigatório em todas as dependências do museu. Atenção, não haverá doação ou venda de máscaras na entrada ou arredores.

Antecedência: seu horário de entrada no museu estará marcado em seu ingresso. A tolerância é de quinze minutos de atraso. Passado esse tempo, seu tíquete perderá validade.

Entrada: evite trazer bolsas e mochilas, pois é proibido portá-las nas salas da exposição. Todos passarão por um detector de metais. A temperatura do visitante será aferida.

Publicado em VEJA SÃO PAULO de 14 de outubro de 2020, edição nº 2708.  

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Imagine poder caminhar em meio a projeções de vídeo e som de tambores em pleno Pavilhão Japonês, no Parque Ibirapuera? Pois é exatamente essa experiência que a Fundação Japão em São Paulo promove a partir do dia 7 de março, em parceria com a Sociedade Brasileira de Cultura Japonesa e de Assistência Social (Bunkyo).

Em apenas cinco apresentações exclusivas do evento Japão Digital – Projeção Mapeada no Pavilhão Japonês, os visitantes atravessarão espaços com imagens projetadas previamente mapeadas por um software de tecnologia nipônica, criado especialmente para essas apresentações, em sincronia com exibições de taiko, tambor japonês, do grupo Wadaiko Sho. Também haverá exibições artísticas em diferentes espaços do pavilhão e projeções mapeadas interativas, que reagirão de acordo com a movimentação dos visitantes, atraindo de crianças a adultos.

O evento foi criado para celebrar os Jogos Olímpicos e Paralímpicos 2020, que serão realizados novamente em Tóquio, após 56 anos desde a primeira edição na capital nipônica. O local foi escolhido por ser um dos mais representativos pavilhões japoneses do Brasil.

“Este ano será muito marcante para o esporte e para o intercâmbio cultural Brasil-Japão, então essa foi a forma que encontramos de presentear a cidade de São Paulo e reafirmar esse laço”, afirma Masaru Susaki, diretor-geral da Fundação Japão em São Paulo.

Além das competições esportivas no Japão, o Bunkyo comemora, em 2020, 65 anos de atividades e a Fundação Japão em São Paulo, os 45 anos da instituição no Brasil.

Wadaiko Sho

O grupo de tambores japoneses foi criado pelo musicoterapeuta Setsuo Kinoshita e pela socióloga Mitsue Iwamoto, em 2002, e busca harmonizar a genialidade das culturas do Brasil e do Japão e as diferenças existentes entre elas, tanto em seu repertório quanto em suas atividades.

O nome foi inspirado na terapia japonesa que tem como base a arte dos tambores que visa desenvolver a saúde física, mental e social. O instrumento de percussão é tocado com a mão ou com o uso de uma baqueta e exige habilidade rítmica e preparo físico para sustentar batidas homogêneas e obter um som satisfatório.

Pavilhão Japonês

Construído com materiais e técnicas tradicionais nipônicas, o Pavilhão Japonês do Parque Ibirapuera tem como referência o Palácio Katsura, antiga residência de verão do imperador em Kyoto. Sua estrutura foi transportada desmontada, em navio, e reúne matérias-primas trazidas especialmente do Japão, tais como madeiras, pedras vulcânicas do jardim e lama de Kyoto – que dá textura às paredes, entre outros.

Sua construção no Brasil contou com numerosos imigrantes japoneses que atuaram como voluntários para auxiliar o corpo técnico vindo do Japão. Construído às margens do lago do parque, o pavilhão é composto de um edifício principal suspenso que se articula em um salão nobre e diversas salas anexas, salão de exposição, jardim, além de um belíssimo lago de carpas.

É um dos dois únicos pavilhões fora do Japão a manter suas características em perfeito estado de conservação. O outro é o Shofuso – Solar do Pinheiro e do Vento, atualmente instalado no Fairmount Park, na Filadélfia (Estados Unidos).

Serviço

Japão Digital – Projeção Mapeada no Pavilhão Japonês

Data: 7, 8, 13, 14 e 15 de março de 2020

Horários: 18h30 às 21h

Apresentações de taiko com projeção mapeada: às 19h e às 20h

Local: Pavilhão Japonês (Parque Ibirapuera)

Endereço: Av. Pedro Álvares Cabral, s/n, entrada pelos portões 3 e 7 (estacionamento) e portão 10 (pedestres), São Paulo, SP

Ingressos: R$ 15 inteira | R$ 7,50 meia

Pacotes família: https://www.sympla.com.br/bunkyo

Despejado da Cidade Universitária. Para muitos paulistanos, a imagem do Paço das Artes ficou cristalizada lá em 2016, quando a instituição, voltada à produção contemporânea, deixou o prédio que ocupava desde 1994 para dar lugar, dizia-se, a uma fábrica de vacinas contra a dengue do Instituto Butantan. O espaço acabou sendo utilizado para outras funções administrativas e o órgão cultural foi realocado de forma temporária dentro do Museu da Imagem e do Som (MIS), no Jardim Europa. A partir de sábado (25), a fachada do imponente Casarão Nhonhô Magalhães, novo endereço do Paço, deve conseguir ofuscar qualquer passado conturbado. “A sede praticamente fixa é uma conquista histórica na nossa comemoração de cinquenta anos”, celebra a diretora artística e curadora Priscila Arantes, no cargo desde 2007.

Na esquina da Avenida Higienópolis com a Rua Doutor Albuquerque Lins, o imóvel de 1937 foi encomendado pelo barão do café Carlos Leôncio de Magalhães (1875-1931). Ele não chegou a morar no local (morreu antes do fim das obras), mas sua esposa, Ernestina, e os filhos viveram lá por onze anos. A Secretaria de Segurança e da Delegacia Antissequestro passou a funcionar ali em 1974. Em 2005, o Estado vendeu a casa ao Shopping Pátio Higienópolis com uma cláusula no edital de licitação: parte da área deveria ser cedida por vinte anos, renováveis por mais vinte, à Secretaria de Cultura. A reforma geral teve início em 2009 e só em 2018 foi definido que o Paço ficaria nos mais de 300 metros quadrados do 2º pavimento inferior, onde era a garagem. “A inauguração havia sido anunciada para 2019, mas optamos pela data do aniversário de São Paulo. Não houve atraso, só uma readequação de calendário”, garante Priscila.

Para dar conta das particularidades das obras digitais exibidas ali, a direção encomendou ao arquiteto Álvaro Razuk um projeto de adaptação. “Era fundamental criar uma infraestrutura flexível, com barras no teto com tomadas para ligar projetores em diferentes configurações”, explica Razuk. Em caso de mostras de vídeo, é possível fazer um fechamento cenográfico das janelas, para deixar o ambiente escuro. Por se tratar de um patrimônio tombado, os limites arquitetônicos tinham de ser respeitados. “Foi preciso adequar as questões de acessibilidade, criando uma rampa de acesso.” Moradores da região chegaram a questionar a obra com a Associação dos Proprietários, Protetores e Usuários de Imóveis Tombados. Em vistoria conjunta com o Condephaat, a secretaria informou que todos os procedimentos e cartas patrimoniais de restauro estavam corretos, descartando irregularidades.

A primeira artista a ocupar o espaço é a gaúcha Regina Silveira. “Fazia questão de que fosse uma mulher brasileira, para contemplar a representatividade feminina na arte”, completa a curadora Priscila, que escolheu o nome Limiares para a exposição. “Fico muito feliz com a reabertura do Paço. Ele volta à cena a todo o vapor como uma instituição que estimula a produção de artistas jovens”, afirma Regina, uma veterana em trabalhos multimídia que costuma propor instalações site specific, ou seja, pensadas de acordo com as características de um ambiente determinado. As janelas do Casarão Nhonhô Magalhães são replicadas e sobrepostas na inédita peça Cascata, que recebe os visitantes logo na entrada. Antes, no jardim, Dobra brinca com a percepção do público. A escultura é uma espécie de banco distorcido, alongado. Para vê-lo completamente, é preciso se deslocar e testar novos pontos de vista.

Algumas videoinstalações, como Limiar e Lunar, serão doadas ao Paço das Artes no fim da temporada de exibição, em maio, inaugurando o seu acervo digital. “Com esse movimento, o Paço se torna um museu. É o resultado de um trabalho de legitimação dos artistas que já passaram por aqui”, diz Priscila. Além das projeções, a documentação museológica inclui instruções de montagem. Completam a doação os vídeos Campo (1977), A Arte de Desenhar (1980) e Morfas (1981).

Principal marca do Paço das Artes, a Temporada de Projetos foi mostrada ao público em 1997 e teve participação de nomes como Regina Parra e Ana Elisa Egreja. Professora da Faap e jurada da temporada, Nancy Betts fez a curadoria da exposição do paulista Vitor Mizael em 2013. “A partir desse mergulho, é possível estabelecer outras relações com a história da arte”, analisa Nancy. A convocatória nacional deste ano teve 344 inscrições. Dos nove projetos artísticos e um de curadoria selecionados, ao menos sete são de profissionais que trabalham em São Paulo, o que gerou críticas sobre a abrangência da ação. “Há a preocupação de contemplar outros estados, contudo nossa prioridade é a qualidade das propostas. Nesse momento, o que recebemos não atendeu aos requisitos”, explica Priscila Arantes. Ela também adianta o relançamento da residência artística da instituição em março de 2020, agora com caráter internacional e parceria com o Ateliê Air 351, em Cascais, Portugal.

Um dos desafios do Paço será ampliar o público. Na última década, 2014 foi o ano do recorde de visitação, com 84 539 pessoas. Na transição para o MIS, em 2016, a marca baixou para 42 192, e alcançou o patamar de 52 009 no ano passado. “Vamos sentir neste ano quanto a sede fixa influenciará o público e também patrocinadores para as mostras”, anseia Priscila. A entrada é gratuita e a programação deve incluir parcerias com o Shopping Pátio Higienópolis. “É muito positiva a chegada do Paço, tem total sinergia com o nosso pilar de cultura”, diz o gerente-geral do empreendimento comercial, Ednaldo Souza. Que a boa vizinhança dure pelo menos vinte anos — ou mais.

Publicado em VEJA SÃO PAULO de 17 de janeiro de 2020, edição nº 2670.