Top Gun: Ases Indomáveis (1986)

Com fotos deslumbrantes de caças F-14, a reportagem “Top Guns”, publicada em 1983 na revista California sobre o dia a dia da Escola de Armas de Caças da Marinha, serviu de base para o filme com Tom Cruise. Em troca do uso das aeronaves e das locações, a Marinha dos EUA deu a palavra final no roteiro. Funcionou: em 1987, primeiro ano cheio após a estreia, o alistamento para pilotos navais cresceu 500%.

Leia a reportagem original aqui (em inglês).

Os Embalos de Sábado à Noite (1977)

O britânico Nik Cohn publicou, em 1976, o artigo “Rituais tribais da nova noite de sábado”, sobre a efervescente cultura disco de Nova York, na New York Magazine. O personagem principal ali, Vincent, foi a inspiração para o Tony Manero de John Travolta. No aniversário de 20 anos do filme, Cohn admitiria que o texto era pura ficção. Vincent não existia: foi inspirado em um homem que ele conheceu em Londres.

Leia aqui (em inglês).

Argo (2012)

Em 1979, a CIA resgatou seis diplomatas de Teerã – eles estavam abrigados na casa do embaixador do Canadá e não podiam sair, sob o risco de virarem reféns dos revolucionários iranianos. Uma equipe viajou ao país dizendo que iria filmar um sci-fi canadense (Argo), e trouxe os diplomatas de volta disfarçados como membros da produção. Em 2007 a revista Wired publicou a reportagem que serviu de base para este filme, vencedor do Oscar.

Leia aqui (em inglês).

Velozes e Furiosos (2001)

Em 1998, o jornalista Kenneth Li escreveu para a revista Vibe sobre o fenômeno das corridas de rua ilegais e da customização de carros (sobretudo japoneses) nos EUA. Após ler a reportagem (intitulada “Corredor X”), o cineasta Rob Cohen convenceu a Universal a comprar os direitos sobre o texto de Li para criar o primeiro filme da franquia – hoje já bem distante da história original.

Leia aqui (em inglês).

A Hora do Pesadelo (1984)

Em 1981, o diretor Wes Craven leu no jornal Los Angeles Times sobre o filho de uma família de refugiados do Camboja (onde o governo promoveu um genocídio que matou 1,5 milhão de pessoas nos anos 1970). O menino começou a ter pesadelos terríveis e evitava dormir a qualquer custo. Até que dormiu. Os pais ouviram-no gritar, mas era tarde: ele morreu durante o sono. A história serviu de inspiração para este clássico do terror.

O caso do menino não foi isolado: nos anos 1980, dezenas de refugiados do Sudeste Asiático morreram nos EUA por razões desconhecidas durante o sono. A maioria das vítimas tinha entre 20 e 30 anos e pertencia ao grupo étnico hmong. Em 1981, o jornal New York Times escreveu sobre a morte de 18 pessoas do Laos, em condições semelhantes. Leia aqui (em inglês).

Novembro de 2021. Celebrando os 100 anos de nascimento de Paulo Freire, a Universidade de Cambridge organizou uma série de eventos, ao longo de duas semanas, para discutir o legado do educador brasileiro. Na ocasião, Susan Robertson, diretora da Faculdade de Educação da universidade britânica, declarou: “Por toda parte, as comunidades acadêmicas estão encarando dificuldades quanto à sua liberdade que nunca tínhamos imaginado. Freire oferece um caminho a seguir para os educadores nessa resistência. Tudo o que ele falava, ideias sobre conhecer mais, ser tolerante, ser curioso…, são recursos que nos permitem confrontar esses desafios, viver bem uns com os outros e com o planeta”. 

Em meio às homenagens, a universidade inaugurada no século 13 instalou em suas dependências um busto de bronze de Paulo Freire, e assim descreveu o pensador pernambucano: “Ele não foi apenas uma figura notável na educação, mas também um dos mais influentes cientistas sociais da história. Seu trabalho-chave, [o livro] Pedagogia do Oprimido, é um texto central na teoria da aprendizagem e usado extensivamente ao redor do mundo, inclusive aqui em Cambridge”. 

Não se trata de uma opinião de Susan Robertson. Mas de um fato. Segundo um levantamento da London School of Economics and Political Science, Pedagogia do Oprimido – obra que Freire publicou em 1970, quando vivia fora do país, perseguido pela Ditadura Militar – é o terceiro livro mais citado mundialmente no ramo das ciências sociais. Três anos antes, exilado no Chile, o recifense já havia lançado Educação como Prática da Liberdade, seu primeiro livro – tão bem recebido na comunidade acadêmica que lhe rendeu um convite para dar aulas em Harvard. 

E esse reconhecimento perdurou por toda a sua vida. Paulo Freire é o brasileiro mais homenageado de todos os tempos no ramo da educação, com 35 títulos de Doutor Honoris Causa em universidades americanas e europeias. Em 1986, recebeu o prêmio da Unesco de “Educação para a Paz”. 

Mas, se os livros chamaram atenção global, o que primeiro lhe rendeu evidência foi a criação, no início dos anos 1960, de um método de ensino inovador: ao mesmo tempo em que alfabetizava adultos em tempo recorde, trazia um exercício de cidadania por meio de debates. O objetivo era tornar os alunos capazes de refletir sobre a própria situação – geralmente precária, em se tratando de adultos iletrados – e reivindicar seus direitos. 

Mas esse educador, tão celebrado mundo afora, foi, desde o começo de seu trabalho, contestado em seu próprio país. O problema foi a associação do seu nome à ideologia das ditaduras comunistas do século 20. 

Em uma nota no final de seu livro Pedagogia do Oprimido, por exemplo, o autor compara o pensamento do ditador Mao Tsé-tung sobre educação à sua própria filosofia: diz que o chinês pensa, como ele, que o conteúdo da educação “não pode ser elaborado a partir das finalidades do educador, do que lhe pareça ser o melhor para seus educandos”. A afirmação parece inofensiva, mas citar um governante assassino de milhões como exemplo positivo não tinha como passar em branco. Ainda mais numa época em que o mundo estava dividido em dois pela Guerra Fria. 

A simpatia de Freire pelo comunismo inflamou rejeição nos círculos conservadores – rejeição que acabou amplificada, nos dias de hoje, com o aumento da polarização política no país. 

Um exemplo notório: quando ainda estava em campanha para a eleição presidencial de 2018, o então candidato Jair Bolsonaro, questionado sobre o que pensava do Ministério da Educação da época, garantiu: se eleito, iria “entrar com um lança-chamas no MEC e tirar o Paulo Freire lá de dentro”. A intenção seria transformar em cinzas as ideias do educador, claro, pois Freire mesmo tinha morrido havia mais de duas décadas – em 1997, de um ataque cardíaco. 

O nome do educador acabou misturado a Fidel Castro e ao stalinismo na feijoada de desinformação sobre o que o seu trabalho representou para a história da pedagogia. Para saber exatamente por que defender ou criticar esse pensador, e compreender a relevância de sua obra, precisamos voltar seis décadas no tempo. Quando Paulo Freire teve a sacada que guiou seu método de alfabetizar – num experimento jamais visto. 

Educação que brota do cotidiano

Nascido em 1921, no Recife, Paulo Freire formou-se em Direito, mas nunca atuou nessa área. Paralelamente, estudou filosofia da linguagem e foi ser professor de Língua Portuguesa, ainda para jovens do Ensino Médio.

Seu trabalho mais célebre, voltado para adultos analfabetos, começou quando foi indicado ao cargo de diretor do Departamento de Educação e Cultura do Serviço Social no Estado de Pernambuco, ainda em 1943. Mas foi graças a uma criança que teve a inspiração para o trabalho que o tornaria uma celebridade. 

Era início dos anos 1960 quando um achocolatado em pó, conhecidíssimo ainda hoje, já surgia com frequência em comerciais de televisão. A embalagem aparecia com um jingle repetindo o nome do produto: “Nescau, Nescau…” 

Lutgardes Costa Freire, então um menino de apenas 2 anos, viu essa propaganda inúmeras vezes. Num passeio de jipe com seu pai, então, o garotinho reconheceu a embalagem do produto numa placa em cima de um ponto de ônibus. E imediatamente começou a repetir: “Nescau, Nescau…”.

Naquele momento, Paulo, seu pai, teve o que as pessoas do século 21 chamam de insight. O intelectual concluiu que, se um menino de 2 anos conseguia “ler” a imagem de uma lata porque ela era onipresente em sua rotina, a alfabetização também precisava partir das experiências de vida das pessoas. Não de um ensino padronizado.

Resumindo, sua ideia foi esta: uma criança até pode testemunhar, em determinado momento, o pai de seu pai olhando para um cacho com frutos da videira. Mas “vovô viu a uva”, frase arroz de festa nas antigas cartilhas de alfabetização, não significa nada. Não lembra um acontecimento marcante. 

Freire entendeu que o aprendizado da leitura e da escrita precisaria estar conectado àquilo que é relevante. E que ele poderia acelerar processos de alfabetização a partir de “palavras geradoras”, que fizessem a diferença no entorno do aluno. Se um adulto analfabeto tivesse seu ganha-pão como jardineiro, seria mais fácil se interessar por ler e escrever a palavra “rosa” do que “uva” . 

Fazia sentido. E tinha um bônus. 

Aproximar a alfabetização do que era significativo para cada indivíduo seria um estímulo para quem via com desconfiança, ou timidez, uma sala de aula – algo corriqueiro em adultos que nunca tinham frequentado uma.

Basta fazer uma analogia com os olhos de hoje. Há quem tenha uma dificuldade maior em aprender inglês, e por isso resista aos cursos de idiomas. Mas, se a pessoa é contratada por uma empresa onde o estrangeirismo domina o ambiente (principalmente se estiver numa área de T.I., em que o inglês está quase pau a pau com o português), é provável que ela mude de ideia. E comece a se interessar por aprender o que vem depois do verbo to be.

Para Freire, essa aprendizagem pelo diálogo com o contexto individual (ou comunitário) seria o contraponto ao que ele chamava de “educação bancária” (na qual o professor “deposita” os ensinamentos na mente dos alunos) – a pedagogia padrão à qual quase todo mundo é submetido. 

Mas funcionaria? Ele provou que sim em um experimento histórico, numa cidade miserável do Rio Grande do Norte.

As 40 horas de Angicos

“Belota” não é um termo reconhecível para o cidadão urbano. Mas os sertanejos de Angicos, município pobre, a 170 quilômetros de Natal, sabiam bem em 1963 o que a palavra significa: é um enfeite usado tanto nas redes quanto nos utensílios dos vaqueiros. Seguindo a linha de alfabetizar a partir de nomes do cotidiano do aluno, esse foi o primeiro termo trabalhado no experimento de Freire e sua equipe, que ficou conhecido como “As 40 Horas de Angicos”. 

Por que “40 horas”? Porque, nesse período quase inacreditável de tão curto, adultos analfabetos da cidade potiguar, seguindo o método de Paulo Freire, já conseguiram ler e escrever uma série de palavras. Palavras que faziam parte de sua rotina. A alfabetização mais completa também foi (muito) rápida: levou 45 dias.

Parecia um milagre, mas 300 pessoas, entre homens e mulheres – a maioria, cortadores de cana da região –, estavam decodificando palavras num ritmo inimaginável pelos métodos convencionais.

Tudo começou em novembro de 1962, quando estudantes da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN), orientados por Freire, chegaram ao povoado com duas tarefas: levantar as particularidades do vocabulário local e divulgar a proposta de alfabetização que seria oferecida em breve. 

A cidade, aliás, não foi selecionada por acaso. Era o lugar em que havia o maior índice de analfabetismo do Rio Grande do Norte. Cerca de 75% dos habitantes não sabiam ler e escrever até então.

Desse levantamento feito pelos universitários, os pesquisadores registraram 410 palavras usuais e, dentre essas, pinçaram 15 para iniciar o experimento. Até que, em janeiro de 1963, o próprio Freire chegou para as aulas. Mas elas não eram bem o que a gente entende por aula.

Para cada lição, um debate

“De modo geral eu proponho ao grupo que comecemos uma conversa, e não propriamente uma conferência minha. Se não sei a resposta a uma pergunta, eu não minto”, explicou o educador em uma palestra de 1994. “Desde muito menino, aprendi que o não saber faz parte do saber.”

E assim foi. No dia 24 de janeiro de 1963, primeiro dia dos trabalhos com os alunos, não houve lição de Língua Portuguesa. O que se viu foi um papo aberto sobre a realidade local. Só quatro dias mais tarde, a palavra “belota” inaugurou as aulas propriamente ditas. Além de “belota”, os angicanos falavam muito em “Deus”, “esmola”, “triste”, “medo”, “chuva” e “conformação”. 

E os professores começaram a escrever na lousa e apresentar em slides as sílabas desses termos, passando depois às famílias silábicas (como mostrar que o “be”, de “belota”, é parente de “ba”, “bi”, “bo” e “bu”). Era o ponto de partida para que os estudantes seguissem para novas formações.

Cada palavra ensinada rendia um debate, para que os estudantes refletissem sobre o significado desses termos em seu cotidiano. “Na hora em que você conversa sobre suas questões e aprende a ler sobre elas, aquela ferramenta não enferruja, não é posta de lado”, afirma o advogado Marcos Guerra, que foi coordenador do projeto elaborado por Freire. 

Quando a palavra da vez era “trabalho”, por exemplo, a conversa girava em torno das condições dos trabalhadores: remuneração, garantias, horários de entrada e saída… “Eu aprendi a escrever meu nome, mas também reconheci meus direitos, porque a gente não tinha direito a nada. Não se tinha nem documento”, lembrou-se uma aluna sobrevivente daqueles tempos, a já idosa Luzia de Andrade, para o filme A is for Angicos, da cineasta americana Catherine Murphy – um documentário produzido pelo Consulado da Suíça em parceria com o Sesc (tem no YouTube).

Pense que, à época, indivíduos analfabetos eram proibidos de votar – isso só aconteceria a partir de 1985. Quando Angicos foi transformada por aquelas aulas não convencionais, então, os alunos não saíram do experimento apenas com a capacidade de escrita e leitura. A cidade ganhava ali 300 novos eleitores. 300 cidadãos.

De fenômeno da pedagogia a inimigo do Estado

Em março, ao final do experimento de 45 dias, o resultado ganhou as manchetes de jornais: os alunos já tinham o básico para se comunicar por palavras e frases escritas. A repercussão foi tanta que a cerimônia de encerramento do projeto contou com o então presidente da República: João Goulart.

Assim, da noite para o dia, Paulo Freire se tornou uma estrela da educação brasileira, e Jango, que era entusiasta das Reformas de Base, aprovou a multiplicação dessas experiências no chamado Plano Nacional de Alfabetização. Queria promover uma formação em massa de educadores que seguissem o método Paulo Freire.

As Reformas de Base eram a bandeira de Jango desde os tempos em que ele tinha sido vice de Juscelino (1956-1961): um conjunto de medidas que pretendiam atenuar o quadro de desigualdade social. Reforma agrária, administrativa, constitucional, eleitoral, fiscal, bancária e educacional. Nesta última, entraria Paulo Freire. 

Era uma reforma não apenas de como se fazia educação no Brasil, mas também de como se estendia a cidadania a pessoas privadas dos seus direitos. Só que ela não vingou. Assim que o golpe militar foi deflagrado em 1964, um ano após a experiência de Angicos, a Ditadura imediatamente extinguiu o Plano Nacional de Alfabetização. E prendeu Paulo Freire por 70 dias, acusado de traidor da pátria.

A ação dos militares foi absurda. Afinal, mesmo que fosse identificado com a esquerda (e o entusiasmo de João Goulart parecia um carimbo disso), Paulo Freire criou um método de alfabetização inovador, com resultados notórios. E não se dispensam iniciativas eficazes, mesmo que venham de adversários ideológicos. Mas é preciso lembrar que os tempos eram outros. O mundo vivia a Guerra Fria, e havia um medo real em parte da sociedade brasileira de que o país se tornasse um satélite da União Soviética. Principalmente entre a elite econômica. Daí tratar como “subversivo” qualquer um que parecesse alinhado aos movimentos internacionais de esquerda. Caetano Veloso, na época um artista muito mais interessado numa releitura do modernismo da Semana de 22 do que em política, foi preso e exilado por causa de uma bandeira num palco em que se apresentava – a imagem trazia a mensagem “Seja Marginal, Seja Herói”. Enfim, havia mesmo uma paranoia generalizada.

Vinte e um anos de Regime Militar relegaram Freire ao ostracismo (senão no campo da discussão acadêmica, que ganhou o mundo, na prática escolar). Salvo exceções mais experimentais, seu método não foi e não é aplicado no Brasil.

“Paulo Freire nunca foi aplicado na educação brasileira. Ele entra [nas universidades] como frase de efeito, como título de biblioteca, nome de salão”, diz José Eustáquio Romão, fundador do Instituto Paulo Freire, historiador e doutor em Educação. Freire entraria para a história não pelo fenômeno de rapidez na alfabetização, testada no Rio Grande do Norte, mas por suas teorias sobre pedagogia, estudadas no mundo inteiro. Teorias que tiveram sua síntese mais difundida numa obra que escreveu no exílio.

O livro

Depois de passar pouco mais de dois meses nas celas da Ditadura, Freire acabaria solto para viver na Bolívia, antes de morar por cinco anos no Chile – onde atuou para a Organização das Nações Unidas para a Agricultura e a Alimentação, e aproveitou a distância dos militares brasileiros para escrever livros. Quando foi convidado para ser professor visitante em Harvard, já havia concluído sua terceira, e mais importante, obra: Pedagogia do Oprimido.

Nela, Paulo Freire explica a importância de uma “pedagogia emancipatória do oprimido”. O autor procura orientar educadores a conscientizar e capacitar a população, de modo que ela não seja facilmente manipulada. Isto é, que desenvolva consciência crítica. “Quando a educação não é libertadora, o sonho do oprimido é ser o opressor”, escreveu – talvez sua frase mais famosa.

Dividir a sociedade entre opressores e oprimidos, vale notar, não reflete a complexidade das relações econômicas do mundo real. O próprio Freire, antes de ser perseguido pelos militares, não era um oprimido, tampouco um opressor. Era um membro da sociedade que conseguiu demonstrar seu talento com resultados objetivos. O mundo não é uma arena de bons contra maus, mas um palco de interesses e ideologias que não raro batem de frente.

Mas é preciso destacar um ponto. Paulo Freire alfabetizava cortadores de cana – uma classe indubitavelmente oprimida por péssimas condições de trabalho e de remuneração. Era natural, então, que ele entrasse em conflito com quem defende a manutenção das coisas como elas são.

Após a temporada chilena, Paulo Freire ainda passaria um ano em Cambridge, antes de se mudar para Genebra. Só voltaria ao Brasil em 1979, com a Anistia de Geisel. Aí, sim, o educador de Pernambuco decidiu entrar de fato para a política. Freire filiou-se ao PT e se tornou secretário de Educação da cidade de São Paulo quando Luiza Erundina foi prefeita, ocupando o cargo entre 1989 e 1991. Morreria seis anos depois, aos 75.

E a real é que seu maior legado, o de promover a consciência crítica na educação, paira acima das ideologias. Porque manipuladores nunca faltarão – seja à direita, seja à esquerda, seja ao centro.  

Contra o Gelo (2021)
Filme
Netflix
A história real de Ejnar Mikkelsen e Iver Iversen, dois exploradores dinamarqueses que desbravaram a Groenlândia em 1909: ela ainda não havia sido  mapeada, e a Dinamarca podia perdê-la para os EUA. Algumas coisas deram errado – e os dois travaram anos de luta contra o frio, a fome, os ursos, o esquecimento, a solidão.

Percy vs Goliath (2020)
Filme
Netflix
O lavrador canadense Percy Schmeiser pega sementes das suas melhores plantas e guarda para usar no ano seguinte. Ele não cultiva transgênicos. Mas  seus vizinhos sim, e um dia sementes da Monsanto vão, levadas pelo ar, parar na plantação de Percy – começando uma batalha que mudaria os rumos da agricultura global.

Reação Nuclear (2021)
Documentário
Netflix
Em 28 de março de 1979, às 4h da manhã, o reator 2 da usina de Three Mile Island, na Pensilvânia, ficou sem água e seu núcleo derreteu. Um acidente grave, que este doc em 4 partes mostra em detalhes assustadores: o reator esteve a 30 minutos de explodir, o que transformaria a costa leste dos EUA numa Chernobyl.

The Vow (2020)
Documentário
HBO Max
O grupo americano NXIVM (pronuncia-se “nécsium”) prometia ajudar mulheres executivas a ter sucesso no mercado de trabalho. Mas na verdade era um culto, que escravizava as participantes e as submetia a rituais sinistros. Neste documentário em nove partes, as vítimas contam como foi.

Você já viu um T. Rex nadando?

E um Tricerátops brincando com os filhotes? Já ouviu falar do Beelzebufo, um sapo gigante que tinha 150 dentes? E do Tetrahydraco, um pássaro cujas pernas viram asas? A nova série da BBC usa computação gráfica para recriar, com nível de detalhes inédito, a vida dos animais que habitaram o planeta milhões de anos atrás. O resultado é extraordinário.

Planeta Pré-Histórico. Disponível no serviço AppleTV+.

Por dentro do Juquery

O Hospital Psiquiátrico do Juquery, a 44 km de São Paulo, foi o maior manicômio do Brasil: em 122 anos de funcionamento, recebeu mais de 130 mil pessoas, muitas vezes submetidas a condições chocantes. Neste livro, o jornalista Daniel Sonim e o enfermeiro José da Conceição, que trabalhou 27 anos lá, relatam detalhes e práticas assustadoras – com gente colocada na solitária, presos políticos e até a insólita “malarioterapia”, que consistia em infectar os pacientes com malária.

Cinzas do Juquery. R$ 50.

Mario em campo

Você já deve ter jogado Mario Kart: é um megahit global, com 164 milhões de cópias vendidas. Mas e Mario Strikers? Nessa franquia, que está chegando ao console Nintendo Switch, Mario e seus conterrâneos disputam partidas de futebol amalucadas e divertidas, com os elementos típicos (bananas, cascos, bombas etc.) que fazem a graça de Mario Kart.

Mario Strikers: Battle League. Para Switch. US$ 60.

Hitler e a inflação

A Alemanha imprimiu dinheiro para financiar sua participação na Primeira Guerra. Perdeu, teve de pagar reparação aos demais países e fabricou mais dinheiro, gerando hiperinflação. Isso devastou a economia – e abriu espaço para Hitler. Neste livro, o jornalista Eduardo Szklarz (colaborador da Super) mostra como esse e outros fatores, como o antissemitismo, culminaram no Holocausto.

Nazismo – como isso pôde acontecer. R$ 63,90.

“Na madrugada de sábado para domingo, todos os exames acusarão enorme piora no meu estado geral“,

conta o escritor Ricardo Lísias neste livro, em que narra sua odisseia com a Covid-19. Desde o começo, quando pensou ter contraído “aquela variante que não faz nada”, até os piores momentos na UTI: dores, acessos de pânico e delírio, perda da audição, nove doentes em volta – e reflexões atormentadas sobre a vida e a morte. (BG)

Uma dor perfeita. R$ 55.

Depois de três anos de espera, Stranger Things está de volta com a 4ª temporada, dividida em dois volumes: o primeiro estreia nesta sexta (27); o segundo, dia 1º de julho.

Com episódios com mais de uma hora de duração (o último tem incríveis 2h30), a temporada promete ser a mais sombria até aqui, com direito a novo vilão (Vecna, um humanoide do Mundo Invertido) e casa mal assombrada (a Casa do Creel, apresentada em um teaser).

Se você não lembra de quase nada da 3ª temporada (depois de três anos, não se culpe), preparamos um guia com o desfecho de cada personagem até aqui. Confira:

Eleven (Millie Bobby Brown)

No último episódio da 3ª temporada, todos os personagens se reúnem no shopping Starcourt – que, na verdade, servia de fachada para a instalação militar soviética que tentou reabrir o portal para o Mundo Invertido.

Na luta final, El está ferida, já que havia sido mordida pelo Devorador de Mentes na casa de Jim Hopper (David Harbour). O ferimento aparentemente fez com que ela perdesse os seus poderes. Mas, mesmo sem eles, El ajuda Billy (Dacre Montgomery) a se livrar do controle do Devorador.

Três meses depois do fim do confronto, Eleven está sob os cuidados de Joyce Byers (Winona Ryder), já que Hopper morreu durante a explosão que destruiu a máquina que estava abrindo o portal. Ainda sem os seus poderes, El se emociona com uma carta de Hopper – no texto, ele se refere, pela primeira vez, como sendo o pai da garota.

Por fim, El diz a Mike que o ama e os dois se beijam. É uma despedida, já que ela vai acompanhar Joyce na mudança da família Byers para a Califórnia. El e Mike prometem se falar constantemente e se encontrar nos feriados de Ação de Graças e Natal.

Jim Hopper

A emocionante morte de Hopper foi o grande baque da 3ª temporada. Mas a Netflix não sustentou a tragédia por muito tempo. A cena pós-créditos do último episódio mostra uma prisão na Rússia que esconde um Demogorgon. Quando os guardas escolhem um prisioneiro para virar o jantar do monstro, um deles diz “O americano não!” e aponta para uma cela fechada. Foi um aceno para a possibilidade de Jim estar vivo.

O suspense acabou em fevereiro de 2020, quando a Netflix divulgou o teaser “From Russia with love…” (“Da Rússia, com amor”, referência ao filme homônimo de 1963 do 007). No vídeo, diversos prisioneiros estão em um lugar repleto de neve (provavelmente, a Sibéria), trabalhando na construção de uma ferrovia. O final do vídeo revela Hopper, sem cabelo nem barba, como um dos prisioneiros.

No trailer da 4ª temporada, Hopper aparece com outros prisioneiros. Ele está armado – pode ser uma rebelião, pode ser que o Demogorgon tenha escapado. Vale lembrar que, antes de comandar a polícia de Hawkins, Jim lutou na Guerra do Vietnã. Se ele deu conta dos soldados soviéticos da 3ª temporada, não desconfie da sua capacidade de escapar da prisão.

Joyce Byers

Joyce não decidiu sair de Hawkins de uma hora para outra – ela já vinha considerando a ideia desde o começo da temporada. Também, pudera: se o seu filho fosse sugado para o Mundo Invertido e o seu namorado fosse morto por monstros (saudades, Bob), você também pensaria o mesmo.

Ao longo dos episódios, Hopper começou a convencê-la a ficar na cidade. Com a sua morte, não teve jeito: Joyce fez as malas e se mudou com a família para a fictícia Lenora Hills, na Califórnia.

Mike Wheeler

Depois de se acertar com Eleven e Will (Noah Schnapp), com quem havia brigado durante a temporada, Mike precisou dizer adeus à namorada e ao melhor amigo. Foi duro: em sua última cena, ele chega chorando em casa, onde é confortado por sua mãe, Karen (Cara Buono).

No primeiro episódio da quarta temporada, seremos apresentados ao Hellfire Club (“Clube do Inferno”), o clube oficial do RPG Dungeons & Dragons do Colégio Hawkins – e que é presidido por um novo personagem, Eddie Bronson (Joseph Quinn).

Fazem parte do Hellfire Club também Dustin (Gaten Matarazzo) e Erica Sinclair (Priah Ferguson), a irmã caçula de Lucas (Caleb McLaughin), que está no time de basquete da escola. Antes de se mudar, Will prometeu aos amigos que, enquanto estivesse na Califórnia, não montaria nenhum grupo de RPG.

Max Mayfield

No último instante da batalha contra o Devorador de Mentes, Billy, meio-irmão de Max se sacrifica para salvar a todos. Em suas últimas palavras, ele pede desculpas à ela por todo o mal que ele havia causado.

Três meses depois da morte de Billy, Max aparece na casa dos Byers ajudando a encaixotar as coisas. Na cena, ela parece ter feito as pazes com Lucas – o casal passou quase toda a temporada brigando. Os dois cantam “Never Ending Story”, música-tema do filme História Sem Fim (1984) para tirar onde com Dustin, já que essa é a música que o garoto canta com sua namorada, Suzie.

Na quarta temporada, Billy está creditado em três episódios (um deles, inclusive, se chama “Querido Billy”). Mas é improvável que ele volte dos mortos; sua participação deve acontecer em alguns flashbacks.

Steve Harrington (Joe Kerry) e Robin Buckley (Maya Hawke)

Depois de escaparem da instalação militar soviética (não sem antes apanharem e receberem uma espécie de soro da verdade), Steve e Robin ajudaram a deter Billy e o Devorador de Mentes.

Um pouco antes da batalha final, Steve confessa estar gostando de Robin. Os dois têm uma conversa profunda sobre sentimentos e o período da escola (Steve era o cara mais popular do colégio e nunca havia prestado atenção em Robin). Durante o papo, Robin revela gostar de meninas e fica triste por ter frustrado Steve.

Mas o que poderia ser uma decepção amorosa se transforma em uma forte amizade. No final da temporada, Robin e Steve conseguem emprego em uma videolocadora. Na quarta temporada, eles aparecem investigando a casa mal assombrada junto a Dustin, Lucas e Max. Junto à Eleven e Billy, Steve é um dos personagens de Stranger Things mais comentados no Twitter.

Nancy Wheeler (Natalia Dyer) e Jonathan Byers (Charlie Heaton)

O casal tem uma emocionante despedida na antiga casa da família Byers. Jonathan reforça que o namoro à distância pode funcionar, já que o elo entre os dois é muito forte (“temos muitos traumas compartilhados”, diz ele, em referência a algo que Nancy falou em outro momento da série).

Na quarta temporada, é provável que veremos Nancy evoluindo em sua carreira como jornalista. Apesar de ter sido demitida do The Hawkins Post (e de ter matado o seu chefe, que estava possuído pelo Devorador de Mentes), Nancy é encorajada pela mãe a procurar outros jornais para escrever.

Por fim, vale relembrar que o prefeito de Hawkins, Larry Kline (Cary Elwes), foi preso após o seu envolvimento com os agentes soviéticos. E já foi revelado que Murray Bauman (Brett Gelman), que ajuda Hopper e Joyce a deter o plano dos russos, será um personagem recorrente na quarta temporada.

Operação Final (2018)
Filme
Netflix
Ficção que conta a história real da captura de Adolf Eichmann, um dos líderes do Holocausto. Ele criou e organizou a logística dos trens que levavam as vítimas para os campos de concentração. Ao final da guerra, fugiu e se escondeu na Argentina. Até ser encontrado pelo Mossad, o serviço secreto israelense.

Os Últimos Dias de Ptolemy Gray
Série
AppleTV+
O tio Gray (Samuel L. Jackson) está com Alzheimer. Mas recebe injeções de um novo medicamento, que reverte a doença e o faz recuperar as memórias. Inclusive coisas que ele preferia esquecer, traumas acumulados ao longo da vida. E a lembrança de um crime recente – que ele tentará vingar.

World’s snowiest city (2021)
Documentário
YouTube
A vida em Aomori, no Japão, a cidade onde mais neva no mundo: caem seis metros de neve no inverno. Isso transforma a aparência urbana e leva a medidas extremas, que incluem jogar a neve no mar ou guardá-la em lixões. Doc em três partes, em inglês (ative as legendas).

Persona (2021)
Documentário
HBO Max
Como o teste de personalidade Myers-Briggs, criado em 1944 por uma agrônoma e sua filha escritora, se tornou uma força global presente em 115 países – mas acabou desvirtuado e deu origem a uma indústria de ferramentas pseudocientíficas, usadas para selecionar (e discriminar)  candidatos a emprego.

1. A inspiração

Obi-Wan é baseado no General Rokurōta, personagem de A Fortaleza Escondida (1958), de Akira Kurosawa, a maior referência de George Lucas – que tentou escalar Toshiro Mifune, intérprete de Rokurōta, para interpretar o mestre Jedi. Mifune recusou – e o papel foi para o britânico Alec Guinness.

2. Mordeu a língua

Guinness não morria de amores pela trama, que descreveu como “um lixo de conto de fadas”. Mas ele se impressionou com o resultado nas telonas. E, como o seu salário era baseado em uma porcentagem das bilheterias, embolsou mais de US$ 73 milhões, em valores atuais. Mesmo assim, ele nunca gostou de ser reconhecido apenas por sua participação em Star Wars.

3. Etimologia

O nome do Jedi tem inspiração japonesa. “Obi” é uma faixa usada para amarrar quimonos. “Wan” faz alusão ao honorífico “san” (“senhor”), e “Ken” é um termo para espadas. Aliás, “Jedi” vem de “jidaigeki” (“drama de época”), gênero que apresenta histórias do Japão dos séculos 17, 18 e 19.

4. Lar, doce lar

Em 2010, durante uma convenção de Star Wars, o apresentador de TV Jon Stewart perguntou a George Lucas qual o nome do planeta natal de Obi-Wan, nunca mencionado nos filmes. Lucas respondeu “Stewjon”. A piada (um trocadilho com o nome de Jon) pegou – e entrou para o cânone da saga.

5. Vira-casaca

Inicialmente, Obi-Wan Kenobi seria um filme – mas a Disney reformulou o projeto após o fracasso nas bilheterias de Han Solo: Uma História Star Wars (2018). A série mostrará Obi-Wan exilado em Tatooine, de olho no jovem Luke Skywalker. Os vilões serão os Inquisidores, ex-Jedi que caçam outros Jedi para o Império.

6. Velho conhecido

A animação A Guerra dos Clones (2008-2020) mostrou que o vilão Darth Maul não morreu em A Ameaça Fantasma (1999). No desenho, ele mata Satine Kryze, o grande amor de Obi-Wan. Como Maul apareceu em Han Solo, especula-se que ele também dará as caras na nova série.

No universo criado pelo escritor Ian Fleming, a seção 00 do serviço de inteligência britânica (o MI6) é reservada a agentes com “licença para matar” – distinção que não existe na vida real; no mundo Bond ela é conquistada após o espião executar duas mortes a serviço do país (daí os dois zeros).

Depois de Bond, o 00 mais famoso é, sem dúvida, Alec Trevelyan, o 006, interpretado por Sean Bean o vilão de 007 Contra GoldenEye (1995), primeiro filme de Pierce Brosnan no papel principal. Mas ele é exceção: tanto nos livros de Fleming quanto na franquia cinematográfica, a participação dos 00 se resume a pequenas pontas – ou meras menções.

O 001, por exemplo, nunca foi mencionado em nenhum filme (veja lista completa abaixo). Mas é citado em Doubleshot, obra de Raymond Benson, um dos autores com permissão para escrever histórias do 007 após a morte de Fleming.

A primeira vez que os 00 coadjuvantes apareceram no cinema foi em 007 contra a Chantagem Atômica (1965). Nove agentes (Bond incluso) participam de uma reunião com o chefe M, na qual descobrem que a organização criminosa SPECTRE roubou duas bombas nucleares. Mesmo com o mundo em perigo, os outros 00 não abrem a boca durante a cena:

Vamos a cada um deles:

001 – Nunca foi mencionado em nenhum filme. Citado no livro Doubleshot (2000).

002 – É mencionado pela personagem Eve Moneypenny em 007 contra o Homem com a Pistola de Ouro (1974). Ela até o chama pelo nome: Bill Fairbanks. Mas o agente não aparece em cena. Em 007 – Marcado para a Morte (1987), 002 é um dos agentes mortos durante uma missão em Gibraltar, sul da Espanha.

003 – Aparece brevemente (e já morto também) na sequência de abertura de 007 – Na Mira Dos Assassinos (1985).

004 – Junto com 002, é um três agentes enviados a Gibraltar no filme Marcado para a Morte. O outro é 007 – o único sobrevivente da missão.

005 – Aparece apenas na reunião dos agentes 00 em Chantagem Atômica (1965).

006 – Alec Trevelyan. Depois de fingir sua morte, ele adota o codinome Janus e funda uma organização criminosa russa.

007 – Com a aposentadoria de James Bond, a agente Nomi assumiu o posto de 007 em Sem Tempo Para Morrer (2021).

008 – Só mencionado em dois filmes: 007 contra Goldfinger (1964) e Marcado Para a Morte (1987).

009 – Em 007 Contra Octopussy (1983), aparece no começo do filme em Berlim Oriental, disfarçado de palhaço no circo de Octopussy, filha de um antigo inimigo de Bond. Ele é ferido durante uma perseguição pelos gêmeos Mischka e Grischka e morre ao chegar à embaixada britânica. A morte do 009 (bem como o Ovo Fabergé falso que carregava) é o que dá início à investigação de 007.

Em 007: O Mundo Não é o Bastante (1999), é dito que o agente 009 foi o responsável por colocar uma bala na cabeça do terrorista Victor Zokas (também conhecido como Renard).

Por último, em 007 Contra Spectre (2015), Q (Ben Whishaw) diz a Bond que o carro Aston Martin DB10, originalmente designado para ele, foi transferido para as mãos do agente 009. Não que ele tenha se importado, já que Bond roubou o carro no dia seguinte.

0011 – Mencionado apenas no livro O Foguete da Morte (1953), de Ian Fleming.

Os agentes 00 também fazem aparições em quadrinhos e jogos da franquia James Bond.

Pergunta de @marcelopatriciox, via Instagram
Fonte: Marcos Kontze, editor-chefe do site James Bond Brasil.

Vida e morte de um robô biológico

Documentário sobre a rotina de Luna, uma vaca leiteira, e seu bezerro. É filmado do ponto de vista dos bovinos, com poucos diálogos e uma carga quase insuportável de tristeza. A ordenha diária, os hormônios, a reprodução, a separação dos filhotes, a existência horrível imposta a seres vivos e conscientes – que tratamos como robôs (palavra checa que significa “escravo”) de carne e osso.

Cow. Disponível no serviço de streaming MUBI (grátis por 7 dias, depois R$ 29,90 por mês).

O maior inimigo do homem

Ele tem 10 trilhões de soldados espalhados pelo mundo, equipados com dezenas de armas biológicas letais – e matou aproximadamente 52 bilhões de humanos ao longo da história (quase a metade de todos os que já viveram). O mosquito não costuma meter medo, mas deveria: ele, como o historiador Timothy Winegard mostra neste livro, é o nosso grande predador.

O Mosquito. R$ 56,60.

Como o Universo pode acabar

Neste livro, a astrofísica americana Katie Mack explora cinco possíveis desfechos para a extinção de todas as coisas, como o Big Crunch (uma contração absoluta, inversa ao Big Bang), a “morte térmica” (o esgotamento da energia livre) e o Big Rip: uma desintegração em que todas as partículas ficam infinitamente distantes entre si – e o tempo para de correr.

O Fim de Todas as Coisas. R$ 54.

Minutos de paz

Sabe quando você está trabalhando ou estudando e precisa parar um pouco? O que você faz, dá uma olhada nas notícias ou em redes sociais? Capaz de ficar mais estressado ainda. Melhor jogar Tetris. Este é online e tem vários modos, como o “Zen” – em que as peças caem devagar, ao som de músicas relaxantes. Também dá para jogar com outras pessoas.

Tetr.io. Grátis.

“À medida que a meritocracia progride, suas conquistas impõem uma nova e opressiva hierarquia“,

escreve o economista Daniel Markovitz, da Universidade Yale, neste livro. Ele conta como a meritocracia, um conceito surpreendentemente recente (o termo é de 1958) acabou se transformando numa armadilha – até para quem crê se beneficiar dela.

A Cilada da Meritocracia. R$ 53,90.

Os fãs da Marvel têm motivo de sobra para comemorar nesta semana. Na quinta (5), chega aos cinemas Doutor Estranho No Multiverso da Loucura, continuação do filme de 2016 estrelado por Benedict Cumberbatch. O filme traz personagens do longa anterior, como os magos Wong (Benedict Wong) e Mordo (Chiwetel Ejiofor), e também Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen), que assumiu definitivamente o posto de Feiticeira Escarlate na série Wandavision (2021).

Não só. Quem comanda o filme é Sam Raimi, diretor da primeira trilogia do Homem-Aranha. Ele foi escolhido não apenas pela sua experiência com super-heróis, mas também para trazer elementos de terror e suspense ao filme, que mergulhará no conceito do multiverso, com versões alternativas (algumas delas, assustadoras) dos personagens. Antes do Aranha, Raimi fez fama com Uma Noite Alucinante: A Morte do Demônio (1981) e outros filmes do gênero.

Mas em meio a tantas figuras conhecidas, um novo nome chama a atenção: America Chavez, heroína criada em 2011 nos quadrinhos e que aqui faz a sua estreia no Universo Cinematográfico da Marvel (o MCU). Vamos conhecê-la.

Do começo

Nos quadrinhos da Marvel, existe um lugar chamado Utopian Parallel (algo como “Paralelo Utópico”), uma dimensão fora dos limites do tempo e do próprio multiverso. É lá que a história de America começa.

Amalia e Elena Pacoso Chavez eram pesquisadoras que trabalhavam em uma cura para uma rara doença genética que acometia America e sua irmã, Catalina. Desesperadas, elas aceitam participar de um tratamento experimental em uma unidade de pesquisa do Utopian Parallel chefiada pelo magnata Sr. Gates.

O que elas não sabiam é que Gates, secretamente, usava magia interdimensional do Demiurgo, uma força cósmica. Temendo que suas filhas se machucassem, o casal tentou resgatar America, Catalina e as outras crianças que estavam no centro de pesquisa. Mas acabaram morrendo.

Sem querer, America usou suas habilidades recém-adquiridas, vindas da energia do Demiurgo, e criou um portal para escapar (Catalina não conseguiu acompanhá-la). A garota foi parar no bairro de Washington Heights, em Nova York, e foi acolhida por uma família, os Santana. Sem memórias do que havia acontecido em Utopian Parallel, a jovem passou a acreditar que vinha de uma outra dimensão, onde suas mães eram princesas.

Quais são os seus poderes?

America Chavez possui super força e super velocidade, além de conseguir voar. Mas sua maior habilidade é a capacidade de conjurar portais, através dos quais ela viaja no tempo e no multiverso.

Quando ficou mais velha, America entrou para a Brigada Juvenil (Teen Brigade), um grupo aliado dos Vingadores. Ela se juntou também aos Vingadores da Costa Oeste e engatou um romance com Alloy, outra heroína do grupo.

Mais tarde, America reencontrou a irmã, Catalina, que contou a verdade sobre o seu passado em Utopian Parallel. Ela ainda ingressou na Sotomayor, uma universidade interdimensional (pois é).

Vale dizer que Chavez não é a primeira a usar a alcunha de Miss America. A primeira personagem com esse nome foi Madeline Joyce, heroína criada em 1943, quando a Marvel ainda se chamava Timely Comics. Mas não tinha nada a ver: Madeline era uma terráquea, sobrinha de um milionário e que ganhou os poderes (força, velocidade, resistência) após um acidente no meio de uma tempestade elétrica.

No cinema

Em Multiverso da Loucura, quem interpreta America Chavez é a atriz canadense Xochitl Gomez, de 16 anos. Antes do filme, ela ficou conhecida pela série O Clube das Babás, da Netflix.

De acordo com Sam Raimi, a ideia inicial da Marvel era apresentar a personagem em Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa (2021), que também lida com o multiverso. Mas acabou ficando para Multiverso da Loucura.

(A produção do novo Doutor Estranho, vale dizer, foi conturbada. Scott Derrickson, diretor do primeiro filme, abandonou a continuação por diferenças criativas. Em 2020, Michael Waldron, criador da série Loki, foi chamado para escrever o roteiro ao lado de Raimi – e os dois reescreveram toda a história. Até o começo de 2022,o longa ainda estava passando por refilmagens.)

Como uma heroína latina e LGBTQIA+, Chavez traz uma representatividade importante ao MCU. “Esses são aspectos importantes da personagem nos quadrinhos, e nosso desejo sempre foi adaptar isso da forma mais verdadeira possível”, disse Kevin Feige, presidente do Marvel Studios, durante coletiva de imprensa realizada no domingo (1).

Feige ressaltou que, apesar da importância, esse lado da personalidade de America não será a única coisa que irá defini-la. “Afinal, ela é uma garota passando por algo muito traumático da sua vida: descobrir que pode viajar pelo multiverso.”

No filme, America terá 14 anos – menos do que normalmente é descrito nos quadrinhos. “Esse é um filme muito adulto, bem pesado em certos momentos”, disse Xochitl. “Eu quis me assegurar que a America, mesmo em meio a tudo o que estava acontecendo, mantivesse a sua juventude e resiliência.”

Depois do Batman de Robert Pattinson, que estreou nos cinemas em março, o Homem Morcego vai ganhar outra adaptação audiovisual em 2022. Quer dizer, só em áudio. Na próxima terça-feira (3), chega ao Spotify Batman Despertar, áudio série original da plataforma criada por David S. Goyer, roteirista responsável pela trilogia O Cavaleiro das Trevas, de Christopher Nolan.

Na história, Bruce Wayne trabalha como patologista forense em Gotham City. Ele não se lembra dos seus dias como Batman – seus pais, Thomas e Martha Wayne, inclusive, estão vivos. Bruce fica obcecado com o Ceifador, o mais novo serial killer da cidade. Tão obcecado que Thomas, chefe do Hospital do Gotham, pede ao filho que se afaste do trabalho e comece a se consultar com o Dr. Hunter, um estranho psicólogo.

O roteiro original de Batman Despertar foi desenvolvido nos Estados Unidos. Mas a série foi adaptada para outros idiomas, com direção e atores locais de mais oito países: França, Alemanha, Índia, Indonésia, Itália, Japão, México – e Brasil.

“A primeira coisa que decidimos foi que [Batman Despertar] não seria uma dublagem ou um trabalho de animação, mas algo único, diferente”, disse o cineasta Daniel Rezende (Bingo – O Rei das Manhãs, Turma da Mônica: Laços), diretor da versão brasileira da áudio série, em coletiva de imprensa realizada na última quinta (28).

Leitor assíduo das histórias do herói, Rezende confessou que nunca tinha feito algo parecido até então – mas que isso foi, justamente, o que o levou a topar o projeto. “Desde os meus primeiros trabalhos como montador, eu sempre achei que o som contava a história melhor que a imagem”, relembrou o cineasta, cuja montagem de Cidade de Deus foi indicada ao Oscar, em 2004. “Na ilha de edição, eu fechava os olhos e prestava atenção apenas no áudio. Se ele ficava legal, então eu voltava e consertava a imagem.”

Haja gogó

Para criar algo novo a partir do material original, Rezende quis que a produção de Batman Despertar fosse um “processo de desconstrução contínuo”. Para isso, chamou atores de diferentes frentes (teatro, audiovisual, dublagem) para que encontrassem, juntos, o tom da série.

Quem dá vida ao Batman é o ator Rocco Pitanga. Já sua irmã, Camila, interpreta Kell, ajudante de Bruce Wayne no necrotério. “É a primeira vez que eu contraceno com o meu irmão”, lembrou a atriz, que revelou poucos detalhes sobre a sua participação na história, sob o risco de entregar spoilers.

O vilão Ceifador é interpretado por Hugo Bonemer. E a atriz Tainá Müller empresta sua voz para Barbara Gordon, filha do Comissário Gordon e que, na ausência do Batman, vai recorrer a outro detetive de Gotham: o Charada (Augusto Madeira).

A equipe contou com fonoaudiólogos para auxiliar nos aquecimentos (e desaquecimentos) vocais. “Aprendi que colocar a língua para trás, no céu da boca, ajuda a ir deixando a voz mais grave”, disse Tainá, que ressaltou que as interpretações no estúdio eram cheias de caras e bocas. “É bem diferente de atuar na frente das câmeras. Vale de tudo para transmitir a imagem pela voz.”

“Para mim, a respiração era o grande apoio da atuação”, disse Camila, que precisou tomar cuidado com o roteiro impresso que tinha em mãos. “Todo mundo lia as suas falas em uma tablet, menos eu. Tive que virar as páginas bem devagarzinho para não fazer barulho e estragar a gravação.”

Para entrar no personagem, Rocco fez um intensivão do Homem Morcego. “Durante as gravações, eu não assisti a nada que não fosse do Batman”, relembrou o ator. “Fiquei isolado no hotel, vi a série Gotham e até fiz exercícios. Não, meu corpo não aparece em cena. Mas me ajudou a mergulhar na personalidade desse Bruce Wayne.

Batman Despertar traz um Batman negro, e não só na versão brasileira. Nos EUA, quem vive o herói é Winston Duke, o M’Baku de Pantera Negra. “O Batman é muito humano. Ele enfrenta uma dor comum e, em meio a ela, busca defender o coletivo. Por que não poderia ser negro?”, questiona Rocco. “É claro: pela voz, cada um pode reconhecer o herói à sua maneira. Mas acredito que a série pode inspirar positivamente. É uma simbologia muito forte.”

“Uma provocação aos fãs”

Não é a primeira vez que o Batman dá as caras (ou melhor, a voz) em uma produção 100% áudio. Nos anos 1940, o personagem apareceu em alguns episódios do programa de rádio do Superman. Em 2010, a BBC lançou o áudio drama Batman: The Lazarus Syndrome, no qual o Comissário Gordon investiga o assassinato do herói. E em 2021, o HBO lançou Batman: The Audio Adventures, uma comédia que presta homenagem à série de TV do Batman dos anos 1960.

A diferença aqui é a escala do projeto. De acordo com o Spotify, esse é o maior lançamento simultâneo da plataforma – e o primeiro fruto da parceria firmada com a Warner Bros. e a DC Comics. O acordo, anunciado em 2020, prevê a criação de vários conteúdos com os personagens da editora. No Brasil, Despertar será a terceira série original de ficção do serviço, depois de Sofia e do (ótimo) sci-fi Paciente 63.

“Despertar é uma atualização do Batman em vários níveis”, defende Tainá, tanto em relação ao formato quanto ao conteúdo da história, que promete embaralhar e recontar a origem consagrada do herói. “É uma provocação aos fãs do personagem”, disse Camila.

Ouça o trailer de Batman Despertar:

1420
Canal
YouTube
O que os russos acham da invasão da Ucrânia? Estão sentindo as sanções econômicas no dia a dia? O que pensam sobre os EUA? Gostariam que a URSS voltasse a existir? Essas e outras perguntas, respondidas por gente comum nas ruas de Moscou. Vídeos legendados em inglês (ative as legendas em português).

À Beira do Abismo (2012)
Filme
Netflix
Nick sobe ao parapeito de um hotel em Nova York. Diz que vai pular e se matar. Mas enquanto não faz isso, uma história diferente se revela: na verdade, aquilo é uma encenação, que ele (um policial condenado por um crime que não cometeu) armou para tentar provar sua inocência.

Como ser Warren Buffett (2017)
Documentário
HBO Max
As origens, os negócios e o dia a dia de Buffett: filho de um deputado americano, ele foi trabalhar no mercado financeiro e hoje tem US$ 117 bilhões. É o quinto homem mais rico do mundo – mas mantém sua rotina frugal, que inclui um café da manhã de US$ 3 no McDonald’s.

Noite na Terra em Cores
Série
AppleTV+
Série documental que usa novas câmeras, lentes e tecnologias de processamento de imagem para revelar o que os animais fazem durante a noite – pela primeira vez, em cores. Esqueça aquelas imagens verdes, e ruins, das câmeras infravermelhas; parece que você está mesmo lá, enxergando no escuro.

1 – A inspiração

O filme é uma adaptação do livro homônimo de Mario Puzo, de 1969. Endividado até o pescoço, Puzo só aceitou escrever pela grana – seu editor acreditava que um romance envolvendo a Máfia venderia bem. Vendeu, e no mesmo ano do lançamento, a Paramount comprou os direitos de adaptação.

2 – O diretor

Francis Ford Coppola não era a primeira escolha. Quem convenceu o estúdio foi o produtor Peter Bart, que acreditava que ele tinha o talento e o olhar (Coppola é ítalo-americano) necessários. De início, o cineasta relutou – mas topou após incentivo do amigo George Lucas, o criador de Star Wars. Coppola tinha sido o produtor de THX 1138, o filme de estreia de Lucas.

3 – Os atritos

Coppola bateu o pé para que a Paramount aprovasse sua escolha de elenco – Al Pacino (Michael Corleone) quase foi demitido em três ocasiões pelo estúdio, que duvidou também de outras decisões criativas do diretor. Temendo ser cortado, Coppola regravou algumas cenas para acalmar os ânimos dos executivos.

4 – O chefão

Nem Marlon Brando escapou da falta de fé da Paramount. Os executivos só se convenceram após seu teste para o papel de Vito Corleone. Foi dele a ideia de encher as bochechas com papel – no filme, é uma prótese. Para soar mais autêntico, Brando não decorava suas falas: o texto ficava em cartões espalhados pelo set. Na imagem acima, Robert Duvall (Tom Hagen) segura um deles.

5 – A pressão

As expressões “máfia” e “Cosa Nostra” não aparecem em O Poderoso Chefão. Isso supostamente foi acertado entre o produtor Albert Ruddy e Joe Colombo, um chefão do crime de Nova York que temia atrair a atenção da polícia. Capangas de Colombo “visitavam” o set de filmagens para conferir se o acordo estava sendo cumprido.

A prostituta japonesa Sada Abe (1905-1971) permaneceu deitada por quatro horas, com uma intensa sensação de leveza e tranquilidade, ao lado de seu parceiro sexual, o dono de restaurante Kichizō Ishida. Já seu amante não sentia nada. Ele estava morto. Tinha acabado de ser assassinado por Abe enquanto dormia. Estrangulado.

Essa é uma história real e aconteceu em maio de 1936. Os dois tinham um apetite sexual interminável: passavam semanas só transando e bebendo saquê o dia inteiro. Gostavam também de algumas perversões. Uma delas era a asfixia erótica, um estrangulamento intencional que, em algumas pessoas, aumenta o prazer do sexo em consequência da restrição da passagem de oxigênio para o cérebro – a mesma brincadeira perigosa que matou o vocalista da banda INXS, Michael Hutchence, e que é considerada um distúrbio mental pela Associação Americana de Psiquiatria.

Enciumada, porque Ishida se mantinha casado ao longo do seu relacionamento extraconjugal com ela, Abe aproveitou uma noite em que o amante dormia profundamente – à base de 30 comprimidos de sedativos – para uma última asfixia, dessa vez letal. Estrangulou o parceiro até a morte com uma faixa de pano e, horas depois, cortou seu pênis e testículos com um punhal afiado, guardando-os cuidadosamente numa capa de revista. Queria ter essas lembranças de seu amado para sempre, e fugiu do local com os “souvenirs” no kimono. 

Mas não deu certo. Sada Abe foi presa, condenada por assassinato e mutilação de cadáver, e seu crime ficou famoso, inspirando obras literárias e um dos filmes mais controversos da história do cinema: O Império dos Sentidos, do diretor japonês Nagisa Ôshima, artista que completaria 90 anos neste 31 de março (o cineasta morreu em 2013).

Lançado em 1976, o filme escandalizou o mundo com muitas cenas de sexo explícito hardcore, reproduzindo o romance pervertido de Abe e Ishida. Mas mais do que isso: os atores transaram de verdade diante das câmeras, nada era simulado, e isso numa obra de real qualidade artística – foi, por exemplo, o longa-metragem recordista de exibições no prestigioso Festival de Cannes: passou 13 vezes numa única edição do evento. 

Bom, o que não faltava era novidade para o público adepto do cinema de arte. O Império dos Sentidos foi o primeiro filme de um cineasta conhecido, e fora do circuito pornô, a mostrar um pênis ereto e sequências de sexo oral. 

Em uma cena marcante, um ovo cozido é colocado dentro da vagina da protagonista, para depois ser “botado” e colocado na boca de seu amante. Em outra sequência, há uma orgia em que várias prostitutas dominam uma jovem e a violentam com um consolo em forma de pássaro.

Para se ter uma ideia da ousadia de Ôshima, até hoje filmes realmente pornográficos no Japão não exibem genitálias, pixelando ou borrando vaginas e falos nas cenas. Não à toa, O Império dos Sentidos foi censurado em sua terra natal e em muitos outros países. No mínimo, passavam uma versão com cortes. Os distribuidores não queriam expor seu público ao rala e rola e nem a diálogos como este:

O amante: “Eu tenho de fazer xixi. Tudo bem por você?

Sada: “Não precisa sair para isso. Faça aqui mesmo”.

O amante: “Aqui onde?”.

Sada: “Dentro de mim. Bem gostoso e quentinho”.

Sobrou para a atriz

Claro, tanta liberdade artística e sexual não passaria impune. Nagisa Ôshima foi processado por obscenidade no Japão quando publicou em livro o roteiro do filme. E a repercussão do longa também reforçou a tradição machista que vigora ainda no país. 

Eiko Matsuda, a atriz que interpretou Sada Abe, foi hostilizada publicamente pelas sequências de sexo. Sofreu tanto bullying que acabou se mudando para a França e abandonou a carreira no cinema, já que simplesmente não conseguia mais convites para atuar. Já o ator Tatsuya Fuji, seu parceiro de cena, não teve problemas em exibir o corpo: continuou recebendo papéis e atua até os dias de hoje – seu último filme é de 2019. 

Apesar dos problemas com a censura, O Império dos Sentidos fez sucesso de crítica e marcou a história da arte ao trazer elementos dos filmes pornográficos para o cinema de primeira linha. Em seu longa seguinte, porém, Nagisa Ôshima resolveu pegar mais leve: dirigiu Furyo: Em Nome da Honra (1983), que traz David Bowie no papel de um prisioneiro de guerra nas mãos do exército japonês durante a Segunda Guerra Mundial.

E aí tudo bem para os censores… Guerra pode, sexo não.

Mark Spector. Steven Grant. Jake Lockley. O ator Oscar Isaac interpreta todos esses personagens em Cavaleiro da Lua, a nova série da Marvel que chegou ao Disney+ nesta quarta (30) e que conta a história do herói com poderes herdados de uma divindade egípcia e que sofre de transtorno dissociativo de identidade.

Se você nunca ouviu falar no Cavaleiro da Lua, não se culpe. Criado nos anos 1970, o personagem já lutou ao lado dos Vingadores e do Homem-Aranha, mas nunca foi alçado ao primeiro escalão dos heróis da Marvel. O anúncio da série solo foi uma das grandes surpresas da edição de 2019 da D23, conferência bienal organizada pela Disney.

Assim como as outras produções da Marvel lançadas na plataforma, Cavaleiro da Lua faz parte do Universo Cinematográfico da Marvel, o MCU. Ao todo, serão seis episódios – a maior parte deles foi dirigida pelo cineasta egípcio Mohamed Diab. Além de Isaac, o elenco conta também com Ethan Hawke (Antes do Amanhecer, Boyhood), que interpreta o vilão Arthur Hallow.

Abaixo, reunimos tudo o que você precisa saber sobre o herói antes de sentar no sofá e dar play. Vem com a gente.

A origem

O Cavaleiro da Lua foi criado em 1975 pelo roteirista Doug Moench e o desenhista Don Perlin e estreou em Werewolf By Night #32, uma revista de suspense e terror. Ele nasceu na chamada Era de Bronze dos quadrinhos, quando as histórias começaram a ficar mais maduras (uma tendência que se consolidaria na década seguinte), com enredos mais sombrios e abordando problemas sociais.

Na história, Marc Spector é um ex-agente da CIA com larga experiência militar e em artes marciais que acaba virando um mercenário. À procura de trabalho, ele conhece uma organização chamada O Comitê, que o contrata para caçar o lobisomem Jack Russell.

Spector aceita a tarefa e recebe um uniforme branco e a alcunha de Cavaleiro da Lua. Ele captura o lobisomem, mas se arrepende: ele descobre que o Comitê quer usar a criatura como uma arma. O grupo também sequestrou a irmã e uma amiga de Russell. Marc decide voltar atrás e salvá-los.

Em 1980, Moench e o artista Bill Sienkiewicz recontaram a origem do Cavaleiro da Lua na estreia de sua revista, Moon Knight #1, adicionando importantes elementos que permanecem até hoje no cerne do personagem. A dupla trabalhou junta na HQ até 1983.

Nesta versão, Spector se envolve com Raoul Bushman, líder de um grupo de mercenários. Mas ao ver Bushman assassinar diversos inocentes, Spector se revolta e tenta impedi-lo. Ele falha – e é deixado à beira da morte no meio do deserto do norte da África.

Marc consegue chegar até a entrada de um antigo templo, onde encontra Marlene Alraune, filha de um arqueólogo morto por Bushman. Ele morre, mas ressuscita graças à intervenção de Khonshu, deus egípcio da Lua.

Sob o manto do Cavaleiro da Lua, Spector se vingou de Bushman e voltou para os Estados Unidos. Ele decidiu usar o dinheiro adquirido como mercenário para se tornar um vigilante e combater o crime em Nova York.

Na quarta edição da HQ, vale dizer, os autores bolaram um jeito de conciliar essas duas histórias de origem. Em um flashback, Spector revela que o trabalho para o Comitê era uma fachada – ele já estava investigando o grupo criminoso, e conseguiu se infiltrar graças à ajuda do seu maior aliado, Jean-Paul DuChamp (cujo apelido é Francês).

Poderes e habilidades

Graças ao treinamento militar, de boxe e outras artes marciais, o Cavaleiro da Lua possui força e resistência acima da média. É um exímio ginasta e consegue falar vários idiomas.

Além disso, o herói conta com artefatos mágicos entregues por Khonshu, como dardos, um bumerangue feito de marfim e uma cruz Ankh dourada que brilha ao menor sinal de perigo.

Ao longo dos anos, algumas histórias mostraram também que o Cavaleiro da Lua possui poderes sobrenaturais: visões e sonhos proféticos, força aumentada em noites de lua cheia e a capacidade de drenar a energia vital de seus oponentes apenas com o toque.

Múltiplas identidades

Ao se tornar um vigilante, Spector decidiu que a melhor forma de combater o crime seria usando diferentes identidades. Foi quando surgiram Steven Grant, um playboy bilionário que investe na bolsa a grana de Spector (o que financia a operação do Cavaleiro da Lua), e Jake Lockley, um taxista que mantém olhos e ouvidos na rua para saber as últimas novidades do mundo do crime.

Com o tempo, quadrinistas reinterpretaram esses pseudônimos como personalidades completamente distintas de uma mesma pessoa – não raro, a influência de Khonshu na mente do Cavaleiro da Lua o leva à beira da loucura. O personagem, então, passou a possuir transtorno dissociativo de identidade (TDI), uma rara e severa condição psicológica que surge, principalmente, a partir de um trauma.

A série do Disney+ pretende explorar a fundo esse aspecto do personagem. A história começa com Oscar Isaac na pele de Steven Grant, que nessa versão é apresentado como um funcionário da lojinha de lembranças do Museu Britânico, em Londres. Steven sofre constantemente de apagões, quando fica inconsciente – e é tomado por outra identidade, a de Marc Spector.

Cavaleiro da Lua vai mostrar também outra identidade do personagem, introduzida nos quadrinhos em 2014: o Senhor Knight, uma versão “formal” do vigilante, que veste um elegante terno branco para conversar com pessoas, investigar cenas de crime e servir como consultor da polícia. É como se fosse a versão pública do herói, enquanto a sua outra parte é quem sai na porrada com os bandidos:

Check out the new #MrKnight poster. Watch Marvel Studios’ #MoonKnight, an Original series streaming March 30, only on @DisneyPlus. pic.twitter.com/JZAyhTpiaz

— Moon Knight (@moonknight) March 1, 2022

A série contou com especialistas em saúde mental para criar uma representação fiel do transtorno (nas HQs, volta e meia se dizia que o personagem sofria de esquizofrenia, um distúrbio com sintomas diferentes). Além disso, a produção deve focar mais nos elementos místicos do Cavaleiro da Lua.

Segundo Jeremy Slater, criador da série, foi o próprio Kevin Feige, presidente da Marvel Studios, que orientou que eles priorizassem os laços do personagem com a egiptologia. O vilão Arthur Hallow, por exemplo, é um líder de uma seita religiosa que acredita que os artefatos de Grant podem ser usados para “melhorar” o mundo.

“Não podemos fazer o Cavaleiro da Lua como apenas mais um vigilante fantasiado espancando assaltantes em um beco”, disse ao jornal The New York Times Grant Curtis, produtor executivo da série, em referência a heróis como o Batman, a clara inspiração para a criação do personagem nos anos 1970.“O mercado está saturado com isso. Então, eu olhei para minha infância e me inspirei nas coisas que me fizeram me apaixonar por filmes, como as aventuras mostradas em Indiana Jones e Os Caçadores da Arca Perdida e Os Caça-Fantasmas.”

Até algumas semanas atrás, o Oscar 2022 estava manjado. O Ataque dos Cães, que lidera em número de indicações (12), era o favorito absoluto. Depois de bater na trave com Roma, O Irlandês e História de um Casamento, tudo indicava que a Netflix finalmente levaria o primeiro prêmio de Melhor Filme para casa.

Mas as coisas tomaram outro rumo com o anúncio dos vencedores de importantes termômetros para o Oscar: os prêmios dos sindicatos, em que os profissionais de Hollywood elegem os melhores de suas respectivas categorias (diretores, roteiristas, produtores, montadores e por aí vai). E foi aí que No Ritmo do Coração (CODA, no original) despontou.

No último dia 19, CODA venceu o PGA, o prêmio do sindicato dos produtores. Desde 2000, 13 vencedores do PGA acabaram, também, levando o Oscar. Não só: o filme ganhou também o SAG, do sindicato de atores. Vencedores recentes do Oscar, como Birdman, Spotlight e Parasita, também se consagraram no SAG.

Nessa reta final, CODA tem feito uma intensa campanha de divulgação: o elenco fez uma visita à Casa Branca, com direito a encontro com o presidente dos Estados Unidos, Joe Biden (fã confesso do filme). E o Oscar, para além de eleger os melhores trabalhos, é também sobre quem melhor se promove. Estúdios gastam, somados, US$ 100 milhões com marketing na temporada de prêmios.

A cerimônia deste ano, que acontece no próximo domingo (27), chega às vésperas cercada de incerteza – e que bom! Com apresentação das comediantes Wanda Sykes, Amy Schumer e Regina Hall, o evento tem tudo para ser mais emocionante que a edição do ano passado (que, de tão manjada, sequer deixou a categoria de Melhor Filme para encerrar a noite).

Abaixo, a Super reuniu as apostas sobre os vencedores de todas as 23 categorias do Oscar 2022. Usamos como base os grandes termômetros da temporada (como os prêmios do sindicato) e agregadores de crítica como o Metacritic, que reúne os palpites de dezenas de especialistas. Quer vencer o bolão dos seus amigos? Vem com a gente.

FILME

Quem deve levar: CODA

Briga boa como há muitos anos não se via no Oscar.

CODA, uma dramédia composta por um elenco majoritariamente surdo, fez sucesso em janeiro de 2021 quando estreou no Festival de Sundance, o maior do circuito independente americano. O seu nome original é a sigla para “children of deaf adult” (“criança de adulto surdo”), que tem tudo a ver com a história do filme: em uma família de surdos, a caçula, que consegue ouvir, sonha em se tornar uma cantora.

O filme foi comprado pela Apple por US$ 25 milhões (a maior aquisição de um filme de Sundance) e passou a ser distribuído no streaming da empresa, o Apple TV+ (por aqui, você o encontra no Amazon Prime Video). CODA ganhou força na reta final: levou o PGA, o SAG e o WGA (do sindicato dos roteiristas).

Por outro lado, Ataque dos Cães ganhou o BAFTA, principal prêmio britânico de cinema, e Jane Campion, diretora do filme, levou o prêmio do seu sindicato (e praticamente todos os outros da temporada). Benedict Cumberbatch estrela o drama ambientado no oeste americano dos anos 1920. Ele interpreta o fazendeiro Phil, cuja convivência com o irmão, Greg (Jesse Plemons), muda drasticamente com a chegada de Rose (Kirsten Dunst), que se casa com Greg, e do filho dela, Peter (Kodi Smit-McPhee). Os quatro atores estão indicados, diga-se.

No Metacritic, CODA é o palpite de 54% dos críticos. Já Ataque dos Cães tem 41% de preferência. Os azarões são Belfast e Amor, Sublime Amor, com 2% das apostas cada um.

DIREÇÃO

Quem deve levar: Jane Campion (Ataque dos Cães)

É praticamente certo que Campion, que levou o DGA (o prêmio do sindicato dos diretores) ganhe também o Oscar. Se isso acontecer, ela será a terceira mulher a vencer na categoria, depois de Kathryn Bigelow (Guerra ao Terror, 2010) e Chloè Zhao (Nomadland, 2021).

Neozelandesa, Campion foi a segunda mulher da história a ser indicada ao Oscar de direção por O Piano (1994), indicado também a Melhor Filme. Naquele ano, ela venceu o prêmio de Roteiro Original. Em 2022, ela também concorre por sua escrita, mas na categoria Roteiro Adaptado – Ataque dos Cães é baseado no livro homônimo de Thomas Savage escrito em 1967.

Se quiser apostar em um azarão, vá de Kenneth Branagh, diretor de Belfast. É a sua oitava indicação (ele já foi nomeado em sete categorias diferentes, um recorde), e seria uma forma da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, responsável pelo prêmio, reconhecer o seu trabalho. Mas é bem improvável: em setembro de 2021, Belfast chegou a levar o prêmio do público no Festival de Toronto, de onde saem diversos indicados ao Oscar, mas perdeu força na reta final.

ATUAÇÃO

Quem deve levar:

Atriz – Jessica Chastain (Os Olhos de Tammy Faye)

Ator – Will Smith (King Richard: Treinando Campeães)

Atriz Coadjuvante – Ariana De Bose (Amor, Sublime Amor)

Ator Coadjuvante – Troy Kotsur (CODA)

Os quatro vencedores do SAG 2022 são os favoritos a ganhar as categorias de atuação deste ano. Ariana De Bose brilha na refilmagem de Steven Spielberg do clássico musical de 1961. Ela interpreta Rita, papel que deu o Oscar à atriz Rita Moreno na primeira vez. 

A vitória de Troy Kotsur seria representativa: ele pode se tornar a segunda pessoa surda a vencer um Oscar de atuação. A primeira foi Marlee Matlin por Filhos do Silêncio, em 1986 (ela também foi a mais jovem a ganhar o troféu de Melhor Atriz, aos 21 anos). Coincidentemente, Matlin contracena com Kotsur em CODA: eles são os pais da protagonista Rubi (Emilia Jones).

Jessica Chastain e Will Smith, por sua vez, são veteranos com três indicações ao Oscar cada um – mas nenhuma vitória. Seria a chance da Academia “quitar a dívida” com ambos. Correndo por fora estão Benedict Cumberbatch (Ataque dos Cães), Kristen Stewart (Spencer) e Olivia Colman (A Filha Perdida). Colman pode se beneficiar por seu filme ter sido visto por um número maior de votantes (ele estreou em dezembro na Netflix; Os Olhos de Tammy Faye, de Chastain, teve tímida passagem pelos cinemas americanos).

ROTEIRO

Quem deve levar:

Original – Licorice Pizza

Adaptado – CODA ou Ataque dos Cães

As categorias de roteiro talvez sejam as mais incertas de 2022. O WGA, prêmio do sindicato de roteiristas, consagrou Não Olhe Para Cima e CODA nas categorias Original e Adaptado, respectivamente (CODA é um remake americano do francês A Família Bélier, de 2014).

Não Olhe Para Cima, no entanto, perdeu força nos últimos meses. A comédia da Netflix com elenco estelar não mandou bem na temporada de premiações e corre o risco de passar batida no Oscar. Licorice Pizza pode vencer e finalmente dar a Paul Thomas Anderson (Magnólia, Sangue Negro) o primeiro Oscar de sua carreira (foram 11 indicações até então).

Quanto ao prêmio de Melhor Roteiro Adaptado, a dica da Super é: escolha de acordo com o seu palpite para Melhor Filme. Se você acha que CODA vai levar, aposte nele aqui. Se pensa em escolher Ataque dos Cães, opte pelo roteiro de Jane Campion – que faz um belo trabalho ao transpor para as telas um livro que, até então, era considerado difícil de adaptar.

FILME INTERNACIONAL

Quem deve levar: Drive My Car

Ninguém tira o troféu do filme japonês de Ryusuke Hamaguchi, que está indicado também em outras três categorias: Direção, Roteiro Adaptado (ele é baseado no conto homônimo de Haruki Murakami) e Filme – o primeiro longa do país a chegar à categoria principal. O único que poderia chegar perto é o norueguês A Pior Pessoa do Mundo, indicado também a Roteiro Original. Mas as chances são baixas.

DOCUMENTÁRIO

Quem deve levar: Summer of Soul (…ou, Quando A Revolução Não Pode Ser Televisionada)

Disponível no Telecine, o documentário favorito ao título fala sobre um festival de música que reuniu grandes nomes da música negra: Nina Simone, Stevie Wonder, BB King, Sly and the Flying Stones, entre outros. Tudo aconteceu em um parque no Harlem, subúrbio de Nova York, em 1969 – o mesmo ano de outro festival histórico, Woodstock. O filme resgata cenas dos shows que permaneceram inéditas por décadas.

O único com chances de estragar a festa de Summer of Soul é Flee, uma animação dinamarquesa que acompanha Amin Nawabi, um refugiado afegão de 36 anos, em uma jornada de autodescoberta da infância até o presente, prestes a se casar com o seu noivo. O filme conseguiu um feito inédito: está indicado como Melhor Documentário (a história é baseada no relato de um amigo do diretor), Melhor Animação e Melhor Filme Internacional.

ANIMAÇÃO

Quem deve levar: Encanto

Será difícil bater o filme da Disney, que também concorre em Trilha Sonora e Canção Original e levou o prêmio de animação do PGA, o sindicato dos produtores. Os únicos que podem batê-lo são A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas, filme da Sony Animation lançado na Netflix (e que levou o Annie Awards, principal prêmio do mundo da animação), e Flee (das três categorias em que concorre, essa é a que o longa tem mais chances).

TRILHA SONORA

Quem deve levar: Duna

Hans Zimmer (A Origem, Interestelar) assina a trilha sonora do sci-fi de Dennis Villeneuve, adaptação do clássico escrito em 1965 por Frank Herbert. Zimmer já foi indicado 12 vezes ao prêmio, mas ganhou “apenas” uma vez, por O Rei Leão, em 1995. Ataque dos Cães corre por fora aqui.

CANÇÃO ORIGINAL

Quem deve levar: “No Time do Die”, de Billie Eilish (007: Sem Tempo Para Morrer)

A cantora de 20 anos tem tudo para levar o Oscar pela música-tema do último filme de Daniel Craig no papel de James Bond. Se vencer, vai repetir o feito de seus antecessores, Adele e Sam Smith, que ganharam o troféu com as músicas de Operação Skyfall (2012) e Spectre (2015).

Mesmo quebrando recordes, a música “We Don’t Talk About Bruno”, de Encanto, sequer foi inscrita no prêmio pela Disney. A canção foi a primeira do estúdio a ficar mais de uma semana no Top 100 da Billboard, mas, em vez dela, quem está no páreo é a faixa “Dos Oruguitas”.

Quatro das cinco canções indicadas terão performances ao vivo no dia da cerimônia. O colombiano Sebastián Yatra cantará  “Dos Oruguitas”. Já Reba McEntire cantará “Somehow You Do”, do filme Quatro Dias com Ela. Eilish e o irmão, Finneas, também confirmaram presença, além de Beyoncé, que concorre com a canção “Be Alive”, de King Richard.

A expectativa da Academia é que essas performances (especialmente as de Billie e Beyoncé) ajudem a alavancar a audiência do Oscar, que anda em baixa há anos: de 1998 para cá, ela caiu 81,2%; a maior parte, da faixa de 18 a 49 anos. A edição de 2021 teve o menor número de espectadores: 9,2 milhões de pessoas – metade do público de 2020.

EFEITOS VISUAIS

Quem deve levar: Duna

O filme é o grande favorito nas categorias técnicas. Aqui, ele concorre com Free Guy, 007: Sem Tempo Para Morrer, Shang-Chi: A Lenda dos Dez Anéis e Homem–Aranha: Longe de Casa. Mas eles não oferecem grandes riscos: parte do trunfo do filme de Villeneuve é a adaptação do rico universo dos livros de Herbert – algo em que a primeira versão de Duna, feita nos anos 1980, não mandou bem.

FOTOGRAFIA

Quem deve levar: Ari Wegner (Ataque dos Cães)

Greig Fraser, diretor de fotografia de Duna, levou o prêmio do sindicato da categoria, o BAFTA e é um dos favoritos da crítica para levar o careca dourado para casa. Mas há quem aposte em Ari Wegner, australiana de 38 anos. 

Além do belo trabalho em Ataque dos Cães, Wegner é apenas a segunda mulher, em 93 anos de Oscar, a ser indicada nessa categoria – se ganhar, será inédito. Sua vitória iria de encontro às mudanças promovidas pela Academia nos últimos anos, após uma avalanche de críticas, para aumentar a representatividade dos votantes, indicados e vencedores do prêmio.

DESIGN DE PRODUÇÃO

Quem deve levar: Duna

A categoria, anteriormente, se chamava “Direção de Arte” – é a responsável por premiar a cenografia e a composição de todos os elementos em cena. Novamente, Duna é o favorito. Patrice Vermette, indicado ao troféu, levou o prêmio do sindicato da categoria. É a sua terceira indicação ao Oscar.

Caso Duna não vença, O Beco do Pesadelo, de Guillermo Del Toro, e Amor, Sublime Amor, podem levar. O circo dos horrores de Del Toro e a Nova York dos anos 1950 do musical de Spielberg, além de elogiados pela crítica, são peças fundamentais para os enredos das histórias.

SOM

Quem deve levar: Duna

Até 2020, havia duas categorias de som no Oscar, Melhor Edição e Melhor Mixagem. A edição de som consiste em todos os elementos sonoros de um filme, dos captados em estúdio aos efeitos produzidos posteriormente. A mixagem, por sua vez, se encarrega de equilibrá-los em cada cena – são os mixadores que escolhem os momentos de valorizar os diálogos, o som ambiente ou a trilha sonora, dependendo da intenção do diretor.

A junção das categorias era algo discutido há décadas pelos profissionais do ramo e considerou uma série de fatores, como a sobreposição das duas áreas com o avanço da tecnologia, as frequentes vitórias de um único filme em ambos os troféus e, também, facilitar o entendimento do público leigo.

Tudo isso para dizer que Duna, que levou o prêmio do sindicato, tem tudo para levar mais um prêmio. Quer ser o diferentão? Aposte em Amor, Sublime Amor.

MONTAGEM

Quem deve levar: Duna

Filmes que levam prêmios de som costumam ser lembrados também na categoria de edição (Whiplash, Mad Max, Até o Último Homem, O Som do Silêncio, só para citar alguns), o que deixa Duna novamente como o favorito.

Duna, contudo, não venceu o ACE Eddie, prêmio do sindicato de montadores. Ele foi dado a King Richard e a Tick, Tick… BOOM (o Eddie tem categorias para drama e comédia/musical). Seria uma forma de entregar mais um prêmio ao filme de Will Smith, que não tem grandes chances no resto do Oscar, ou de dar um troféu de “consolação” para o musical da Netflix – muitos defendem que ele merecia um espaço na categoria de Melhor Filme.

Essa disputa torna a categoria uma das mais imprevisíveis da noite. Pena que ela não será televisionada: para diminuir o tempo de cerimônia, oito troféus não serão entregues na transmissão ao vivo. Entre elas, Melhor Trilha Sonora e Melhor Figurino (veja a lista completa aqui). A decisão foi fortemente criticada.

FIGURINO

Quem deve levar: Cruella

Um dos pontos altos do filme de origem da vilã de 101 Dálmatas é, justamente, o trabalho da figurinista Jenny Beavan e de sua equipe (o filme é protagonizado por duas estilistas em pé de guerra, não poderia ser diferente). Beavan já foi indicada 11 vezes ao Oscar. Levou duas vezes, por Uma Janela Para O Amor (1985) e Mad Max: Estrada da Fúria (2015). 

Quem corre por fora é Duna – ele e Cruella foram os grandes vencedores do prêmio do sindicato da categoria.

CABELO E MAQUIAGEM

Quem deve levar: Os Olhos de Tammy Faye

É a única categoria em que Casa Gucci, dirigido por Ridley Scott e estrelado por Lady Gaga, foi lembrado. Mas ele está longe de ser o favorito. A vitória deve ser do filme protagonizado por Jessica Chastain, que conta a história (e os escândalos) de Tammy Faye Baker, a maior apresentadora gospel da TV dos EUA. No Brasil, o longa estreia dia 6 de abril no Star+.

CURTAS

Quem deve levar:

-Live action: The Long Goodbye

-Documentário: The Queen of Basketball

-Animação: A Sabiá Sabiazinha

Disponível no YouTube, The Long Goodbye é idealizado e estrelado por Riz Ahmed, indicado a Melhor Ator em 2021 por O Som do Silêncio. Você pode assistir ao curta aqui.

Em um ano sem curtas da Disney/Pixar, A Sabiá Sabiazinha tem tudo para ganhar: é uma simpática animação que agrada crianças e adultos, tem atores de peso no elenco de dublagem, como Gillian Anderson (a Scully de Arquivo X) e saiu pela Netflix, o que aumenta as chances de mais votantes a terem visto. 

Em documentário, o brasileiro Pedro Kos concorre junto ao diretor Jon Shenk pelo curta Onde Eu Moro, sobre a vida de pessoas em situação de rua nos EUA (disponível na Netflix). Mas dificilmente o Brasil levará desta vez. 

O favorito é The Queen of Basketball, produzido pelo jornal The New York Times (e disponível no YouTube), conta a história de Lusia Harris, fenômeno do basquete universitário nos anos 1970. Ela foi a única mulher a ser oficialmente selecionada para jogar na NBA , a liga masculina do basquete americano. A vitória seria uma grande homenagem à Harris, que morreu em janeiro, aos 66 anos.

O álbum Nevermind, lançado em 24 de setembro de 1991, é um dos mais importantes da história do rock. Da capa com o bebê em uma piscina aos hits antológicos “Smells Like Teen Spirit”, “Lithium” e “Come As You Are”, o disco vendeu 30 milhões de cópias, marcou o movimento grunge e consagrou o sucesso do Nirvana (cujo primeiro CD, Bleach, tinha saído apenas dois anos antes). Não à toa, em 2020, a revista Rolling Stone o elegeu como o sexto maior álbum de todos os tempos.

“Something In The Way” é a penúltima faixa de Nevermind. A letra é simples: fala sobre alguém vivendo debaixo de uma ponte, alimentando-se apenas de grama, peixe e da água que cai de uma goteira. Kurt Cobain quase sussurra os versos em uma melodia lenta, que só se quebra no refrão, quando guitarras, bateria e um violoncelo irrompem a calmaria da música. Ouça:

Por décadas, “Something In The Way” ficou à sombra de outras músicas do álbum. Não pela sua qualidade, claro. Mas vamos combinar que o páreo é duro. “Smells Like Teen Spirit”, por exemplo, acumula 1,4 bilhões de reproduções no YouTube. No Spotify, são 1,2 bilhão – dez vezes mais que “Something In The Way”.

Recentemente, o jogo virou. Em setembro de 2020, a música do Nirvana foi parar nas listas de maiores vendas digitais, segundo a Billboard. Alcançou a segunda posição dentre as músicas de rock e o 45^o lugar no geral. O motivo? Ela apareceu no primeiro trailer de Batman, o mais novo filme do herói com Robert Pattinson no papel principal.

Não só. Quando Batman estreou, em 3 de março deste ano, as buscas pela canção aumentaram ainda mais (um pequeno spoiler: ela toca duas vezes durante o filme). De acordo com a empresa de análises MRC Data, o número de plays em “Something In The Way” cresceu 734% nos EUA nos quatro primeiros dias após o lançamento do filme. No dia 9, o Spotify divulgou que a procura pela música cresceu 1.200% – o que rendeu até uma piadinha no Twitter:

Something In The Way #TheBatman pic.twitter.com/dRX5WogLka

— Spotify (@Spotify) March 9, 2022

Em entrevista à revista Esquire, o diretor Matt Reeves explicou a decisão de colocar a canção no filme. “Quando eu escrevo, eu ouço música. Eu estava escrevendo o primeiro ato de Batman quando coloquei ‘Something In The Way’ para tocar.”

A canção caiu como uma luva. Segundo Reeves, foi nesse momento que ele decidiu explorar Bruce Wayne para além da visão do playboy milionário – mas como alguém que passou por um grande trauma e se recolheu. Foi quando ele comparou a jornada do personagem com a do vocalista do Nirvana (que morreu em 1994, aos 27 anos).

“Eu pensei que essa poderia ser uma boa mistura”, disse o diretor. “[O Bruce Wayne] tem esse jeito de Kurt Cobain, no qual ele se parece com uma estrela do rock, mas você também sente que ele poderia ser alguém recluso.”

Os bastidores

“‘Something In The Way’ foi, de longe, a canção mais difícil de gravar de Nevermind“, disse à revista NME o músico Butch Vig, bateirista do Garbage e produtor do segundo álbum do Nirvana.

As gravações de Nevermind duraram 16 dias e rolaram no Sound City Studios, em Los Angeles. Kurt, o baixista Krist Novoselic e o baterista Dave Grohl (que tinha acabado de entrar na banda) ficaram hospedados em um hotel próximo e, não raro, aproveitavam os momentos de descanso indo à praia de Malibu, a alguns quilômetros dali.

A banda vinha de uma exaustiva rotina diária de ensaios nos últimos seis meses. Quase todas as músicas foram gravadas numa boa – levaram de uma a três tomadas no estúdio para ficarem prontas. Mas “Something In The Way” custou a sair.

“No estúdio simplesmente não funcionava”, lembrou Butch. “A bateria estava muito alta, e Kurt não conseguia tocar a guitarra de forma acústica. Ele ficou bem frustrado.”

Kurt saiu do estúdio, foi até a sala de controle e começou a tocar a música em um violão. Foi aí que Butch teve a ideia de gravar ali mesmo, no sofá onde ele havia se sentado. “Expulsei todo mundo da sala, liguei o microfone, tirei o telefone da tomada e Kurt voltou a tocar. Fomos construindo a música a partir disso.”

Depois, foi a vez dos outros músicos. “A gente enlouqueceu o Dave porque toda vez que ele ia tocar nós pedíamos para ele tocar mais baixo. Depois de umas cinco ou seis tomadas ele finalmente atingiu uma versão com uma boa dinâmica.”

Outro desafio foi afinar todos os instrumentos de acordo com o violão de cinco cordas de Kurt. “A trilha está um pouco desafinada [em ‘Something In The Way’]. Mas isso dá um aspecto soturno, traz personalidade.”

O Batman que o diga.

“O Jardim Botânico, bem como a flora de modo geral, supera o sonho das mil e uma noites. Tudo vive e cresce a olhos vistos […] Experiência fantástica! Indescritível abundância de impressões em poucas horas.” 

Bonito, né? Essa poderia ter sido a impressão mais marcante sobre o Brasil para o gênio Albert Einstein. Só que não foi.

Em 1925, o alemão viajou 10 mil quilômetros para fazer uma série de palestras na América do Sul. Com primeira escala no Rio de Janeiro. Aos 46 anos, Einstein já era reconhecido pelo brilho ofuscante da sua capacidade intelectual. Sua Teoria da Relatividade fora comprovada em 1919 (o que lhe conferiu fama global). E já tinha ganhado seu Nobel de Física, o de 1921, pela descoberta do efeito fotoelétrico, que deu origem à física quântica.

No dia 21 de março de 1925, ele desembarcou no Rio de Janeiro para uma escala de um dia antes de seguir para Buenos Aires. Durante as horas em que esteve aqui, visitou o centro da cidade e o Jardim Botânico – que rendeu o tal elogio em seu diário de viagem.

Mas não foi essa boa impressão com nossa natureza que mais o marcou. Depois de passar um mês visitando a Argentina e o Uruguai, ele voltou ao Brasil para mais uma semana no Rio. E aí foi mais perseguido pela imprensa do que artista de novela da Globo. No melhor estilo “Caetano estaciona no Leblon”, um jornal publicou a manchete: “Einstein comeu, ontem, vatapá com pimenta”. 

A nota não dizia se o físico gostou do prato. Mas, se depender da impressão geral que Einstein teve do Brasil, a resposta provavelmente é não. Após dias convivendo com o calor carioca, ele escreveu que o Brasil é “quente e úmido demais para se efetuar qualquer trabalho intelectual”. Imagine com vatapá no estômago…

A gota d’água foi uma palestra ministrada no Clube de Engenharia, no dia 6 de maio. Não cabia mais uma alma dentro do auditório quente e abafado. E, para completar, não eram cientistas que lotavam a sauna improvisada: o público era formado principalmente por militares e políticos com seus cônjuges e filhos. O resultado: Einstein suado enquanto tentava explicar (em francês) conceitos complexos de física para uma plateia de leigos. Tudo isso em meio ao barulho da rua, choro e gritos de crianças.

Nos dias seguintes, ele ainda fez palestras na Escola Politécnica do Rio de Janeiro e na Academia Brasileira de Ciências (dessa vez, com lotação limitada nos auditórios). Einstein também cumpriu o protocolo de visitas científicas no Rio: Fundação Oswaldo Cruz, Observatório Nacional e Museu Nacional – onde plantou um broto de pau-brasil. O alemão ainda conversou com o presidente da República da época, Arthur Bernardes, e participou de eventos da comunidade judaica brasileira. 

Einstein era tão famoso quanto Charles Chaplin. Logo, passou a viagem acompanhado não por cientistas, mas por políticos, interessados em bajular a celebridade, e incapazes de debater seus conhecimentos. “As pessoas lá são vazias e pouco interessantes – mais ainda do que as da Europa”, escreveu o pai da Relatividade.

A conclusão da viagem está escrita em uma carta enviada ao melhor amigo, o engenheiro suíço Michele Besso, de junho de 1925: “Foi uma grande agitação sem interesse verdadeiro […] Para achar a Europa estimulante, é preciso visitar a América”. Poxa, Albert

Essa é a terceira parte da matéria “Aventuras (e perrengues) de cinco cientistas no Brasil”. Confira o quarto texto aqui.

Fontes: Livro “Einstein, o viajante da relatividade na América do Sul”, do historiador Alfredo Tolmasquim; Artigo “Einstein e o Brasil”, de Roberto Vergara Caffarelli. Artigo “​​Einstein, A., Besso, M. Correspondance 1903-1955”, de Pierre Speziali.

Foi um movimento do cinema francês dos anos 1950 e 1960 que influenciou artistas de diversas partes do mundo. Era uma ruptura com o cinemão clássico, de orçamento astronômico. Alguns cineastas começaram a fazer filmes com pouca grana e em ambientes externos, para não ter de gastar com estúdio. Só isso já proporcionou mais liberdade criativa – diretores não precisavam mais convencer produtores da viabilidade comercial de suas obras.

Mas artistas como François Truffaut e Jean-Luc Godard também ousaram na estética. Cenas eram cortadas abruptamente e não havia, em vários enredos, preocupação com a sequência cronológica: “Uma história deve ter um começo, meio e um fim. Mas não necessariamente nessa ordem”, definiu Godard.

“Um pequeno clássico.” Assim o New York Times definiu o segundo livro do nova-iorquino Mario Puzo (1920-1999), uma história autobiográfica sobre uma família de imigrantes italianos nos Estados Unidos. Mas, apesar das boas críticas, The Fortunate Pilgrim (“O Peregrino Afortunado”, sem edição brasileira), de 1965, vendeu apenas 4 mil exemplares – o que não bastava para o escritor sustentar sua esposa e cinco filhos.

Então seu editor sugeriu que considerasse escrever um livro sobre os mafiosos italianos. Disse que, provavelmente, The Fortunate Pilgrim venderia melhor se tivesse mais crime no enredo. 

Puzo não gostou da ideia. Considerava-se um artista, era consciente da qualidade literária das frases que saíam da máquina de escrever… Não queria encher suas páginas com o sangue de gângsters para uma tentativa (talvez malsucedida) de tornar seu trabalho mais comercial. 

Relutou bastante até ceder aos fatos: com mais de 45 anos, devia dinheiro a (nesta ordem de encrenca) parentes, bancos, casas de apostas e agiotas. Sabia que, se não arrumasse algo rentável em pouco tempo, podia voltar para casa um dia com os dois braços quebrados. 

Cosa nostra – mas não de Puzo

Apesar da ascendência italiana e de ter crescido num bairro violento – Hell’s Kitchen (“cozinha do Diabo”), área de Manhattan dominada, nos anos 1960, por irlandeses de baixa renda, muitos ligados a pequenos golpes –, Puzo não tinha nenhuma familiaridade com os negócios da máfia. Tudo o que se refere aos códigos e práticas do crime organizado à italiana foi fruto de pesquisa para escrever o livro. E um pouquinho de inspiração materna.

Sua mãe, nascida em Nápoles, no sul da Itália, foi o modelo para o personagem Vito Corleone, o patriarca facínora que faz ofertas que você não pode recusar. Puzo dizia ouvir a voz dela nos diálogos do mafioso. “Assim como Don [Corleone], ela podia ser extremamente afetuosa e igualmente implacável.”

Embora não conhecesse o universo dos gângsters por experiência própria, o escritor foi convincente. Seu livro, The Godfather (literalmente, “O Padrinho”), tornou-se um best-seller assim que chegou às livrarias, em março de 1969: ficou 67 semanas nas listas dos mais vendidos nos EUA. Tão convincente que, anos depois, Puzo foi abordado por um assassino da máfia de Chicago, interessado em saber como o escritor tivera acesso aos líderes mafiosos para reproduzir tão bem suas falas e costumes. Mas não. O artista nunca tinha falado com um gângster de verdade para escrever seu livro. (Esse assassino curioso, John Roselli, teria seu cadáver encontrado mais tarde flutuando numa baía da Flórida, dentro de um barril fechado com correntes. Uma violência tão terrível quanto a da ficção.) 

Com o sucesso de The Godfather, Mario Puzo pagou a todos seus credores e ficou rico com os royalties. Ficaria ainda mais quando a Paramount adquiriu os direitos da obra e a transformou num dos filmes mais mencionados como “o melhor da história do cinema”. The Godfather, o filme do diretor Francis Ford Coppola, estreou há 50 anos, completados agora em março, e aqui ganhou título mais apropriado às comédias de gosto duvidoso que o Brasil lançava às pencas nos anos 1970: O Poderoso Chefão. 

Puzo participaria do roteiro do longa-metragem, que conseguiu unir qualidade cinematográfica com um tremendo sucesso de bilheteria. Algo que, na visão do próprio Mario Puzo, seu livro não atingiu.

“‘O Poderoso Chefão’ [o livro] não é tão bom quanto meus romances anteriores”, assumiria o autor, que sentiu falta de mérito artístico na obra que o afastou para sempre das ameaças dos agiotas. “Só escrevi para ganhar dinheiro.”