(Atenção: o texto abaixo contém spoilers. Ou melhor: falar do enredo de filmes lançados em 1999 e 2003 não conta realmente como spoiler – mas vai que o caro leitor não assistiu ainda?)

Falar mal das sequels de Matrix é um hábito unânime. É algo que se espera de uma pessoa minimamente disposta a viver em sociedade. Sua família pode ter um tio do pavê, um fã de Sambô, um priminho que pede gole de Yakult, um adolescente que toca Legião Urbana na roda de violão, e todas esses humanos são tolerados anualmente no Natal, em respeito ao melhor do espírito cristão.

Mas assistir Reloaded e gostar? Não. Assistir Revolutions e gostar? Essa talvez seja uma das poucas maneiras de conseguir uma exoneração instantânea numa repartição pública brasileira. Existe nas penitenciárias uma ala onde os jurados de morte se escondem dos demais presos – e dentro dessa ala há uma ala onde ficam os fãs das sequels de Matrix, perseguidos até pelos próprios jurados de morte.

Como eu não me dou bem com críticos de cinema, nunca fui fã de Natal e não sou um concursado ameaçado, vamos nessa. Esclarecendo algumas coisas, antes de mais nada:

De fato, o Matrix original é uma obra de arte. Por um lado, ele não poderia ser mais óbvio ou familiar: seu roteiro segue passo a passo a jornada do herói descrita pelo acadêmico Joseph Campbell. O hacker Neo percorre a mesma trajetória do Odisseu de Homero, de Luke Skywalker, de Harry Potter, de Moana. O enredo de todo personagem insuspeito que sai da zona de conforto, é chamado para uma grande aventura, passa por provações etc.

Por outro lado, há sequências de ação espetaculares e muito criativas, figurinos que se tornaram ícones instantâneos, uma dose cavalar de filosofia, um comentário pesadíssimo (e cada dia mais válido) sobre alienação e nossa submissão à tecnologia e, por fim, referências à cultura pop e não tão pop assim, que vão de Alice a Baudrillard. É o pacote completo. Poucos filmes conseguem ser ao mesmo tempo um blockbuster de tiroteio e um tópico respeitável para um doutorado.

(Ah é, claro: não se esqueça do príncipe morto que desperta – olha só a inversão de papéis – com o beijo da princesa. Uma pitada de irmãos Grimm soft que só não derrete um desalmado.)

Ou seja: não dá para negar que Matrix seria um monumento ainda mais imponente se tivesse parado em um filme só. Eu adoraria entrevistar as irmãs Wachoswsky. Perguntar se a história foi pensada como uma trilogia desde o início ou se os longas extras surgiram por pressão da Warner para encher os bolsos. A Super talvez tenha a oportunidade de fazer essas perguntas conforme começar o ciclo de divulgação do quarto Matrix, cujo lançamento está programado para dezembro de 2021.

Voltando ao assunto, é claro que as sequels têm seus (muitos) problemas. Em Reloaded, o mais incômodo são as longas cenas sem função alguma.

Explico: no Matrix original, todas as sequências de tiro, porrada e bomba são etapas fundamentais do desenvolvimento do personagem de Neo. O duelo com Morpheus é sua primeira aula sobre a manipulação das leis da física no mundo virtual. Depois, ele vê seu mentor ser sequestrado. Então, se mete em confusão para resgatá-lo. Por fim, luta para voltar para casa. Em cada etapa, o hacker descobre novas habilidades e vê florescer seu amor por Trinity.

Em Reloaded, por outro lado, há muita pancadaria satisfatória para a parte boxeadora do meu cérebro, mas inútil para o enredo. Por exemplo: após uma conversa produtiva com a Oráculo, Neo se vê cercado repentinamente por centenas de cópias do Agente Smith. Depois de uns cinco minutos de arranca-rabo coreografado à perfeição, com efeitos especiais que hoje parecem toscos mas na época impressionavam, o protagonista escapa porque é incapaz de vencer em tal desvantagem numérica. Não há um motivo convincente para que aquele duelo ocorra naquele momento.

O mesmo vale para a breve luta com o aliado Seraph (que, graças à estética orientalizada, torna-se apenas uma recriação do treino com Morpheus no primeiro filme). Por um lado, o duelo ilustra a índole nobre do guardião da Oráculo; por outro, há maneiras mais eficazes de apresentar um personagem aliado do que passar um belo naco de filme saindo no braço com ele.

E nem falamos em cenas inúteis que só dão sono, mesmo. Como Trinity e Neo transando enquanto uma rave estilão Mad Max rola numa imensa caverna em Zion. Eu sempre vou ao banheiro nessa hora, tamanha vergonha alheia. Cringe.

Dito isso, a revelação ao final do filme é espetacular (ainda que infelizmente escape a muitas pessoas porque o diálogo é confuso). O Arquiteto da Matrix explica a Neo que ele é sim o tal Escolhido, mas que isso não faz a menor diferença. Esse Jesus do código binário, o messias que finalmente libertaria a humanidade das máquinas, na verdade estava nos planos das máquinas o tempo todo.

A inteligência artificial sabia que uma pequena porcentagem dos seres humanos conectados à Matrix acabaria se libertando e iniciando uma rebelião. Sabia porque outros modelos de Matrix foram testados: um mundo perfeito não deu certo; um mundo de sofrimento também não. A simulação em que havia livre-arbítrio foi a que funcionou melhor. Mas, com o poder de escolha, surge o fato inevitável de que alguns humanos escolherão sair da alienação e lutar pela liberdade.

Assim, de tempos em tempos, é preciso dar um reset na Matrix. Matar a maior parte dos humanos que se libertaram e recomeçar o ciclo, mesmo sabendo que um novo lote de Homo sapiens recém-rebelados logo vai começar a se acumular na cidade livre de Zion. O Escolhido é o mediador desse processo, o humano que invariavelmente chega ao Arquiteto apenas para descobrir que é só mais um. Antes de Neo, houve cinco outros escolhidos.

(A história pra valer é mais complicada do que isso: os fãs saberão que na verdade o Escolhido tem uma… escolha: pode optar pela aniquilação completa da humanidade em vez de dar o reset na Matrix e recomeçar a colônia humana em Zion com um pequeno número de Adões e Evas. Mas, para os fins deste texto, o descrito acima vai bastar.)

É uma reviravolta espetacular. Você acaba o primeiro filme apresentado a um messias que vai salvar a humanidade. Ao final do segundo filme, esse messias na verdade é só mais uma peça no tabuleiro de um jogo que já se repetiu cinco vezes. É a tese e a antítese. Temos uma breve ilusão de liberdade, para então descobrir que o buraco da manipulação é mais embaixo.

O último filme, Revolutions, é bem mais sólido. A longa batalha final da cidade de Zion contra o exército das máquinas não poderia ter uma motivação mais convincente: é a humanidade resistindo à aniquilação. Niobe pilotando uma enorme nave em um duto de manutenção subterrâneo é uma homenagem clara à Millenium Falcon entrando na Estrela da Morte em O Retorno de Jedi.

Neo vai pessoalmente bater um papo com o chefão das máquinas. O messias tem uma carta na manga para negociar uma trégua: a inteligência artificial só conseguirá derrotar Agente Smith, um vírus de computador que se alastra com violência na Matrix, com a ajuda do Escolhido. Após a tese e a antítese, a síntese: o último filme não termina com uma derrota das máquinas, mas com um acordo.

É um jeito bem sacado de amarrar o final, e vem acompanhado de uma alusão clara à crucificação: o sacrifício de Neo pela humanidade envolve ele deitado, de braços abertos, conectado aos robôs – e eles utilizam seu corpo como intermediário para destruir o vírus Smith. Simbologia nunca faltou às irmãs Wachowsky.

A cena mais importante, porém, vem logo antes: Trinity morre ao pousar a nave que ela usa para levar Neo até a cidade das máquinas. No primeiro filme, Trinity ressucita Neo. No segundo, Neo ressucita Trinity. No terceiro, ambos se sacrificam, e não há ninguém para salvá-los. Tese, antítese e síntese também na história de amor.

Talvez esse não seja objetivamente o melhor jeito de amarrar um final. Mas é um jeito corajoso. As irmãs Wachowsky, confrontadas com o desafio de superar um filme praticamente perfeito, tentaram dar um passo além dele e fazer continuações diferentes, que foram autênticas tanto em seus erros quanto em seus acertos. As sequels de Matrix são realizações de humanos; não de máquinas.

Um alívio diante do que viria uma década depois em Hollywood: franquias como Marvel usando as mesmas fórmulas bem-sucedidas de novo e de novo para não desagradar o público. Assistir ao quinquagésimo filme com os Vingadores – todos com as mesmas piadas, o mesmo ritmo e a mesma mistureba de dezenas de personagens – se tornou uma experiência estranhamente repetitiva e alienante. Um pouco como estar preso na Matrix.

O jeito é torcer para que o quarto filme seja também algo criativo e minimamente bem pensado, ainda que venha com falhas. Triste mesmo, afinal, seria um Matrix feito que nem pão de forma, com um enredo pré-fabricado.

É difícil fugir de um Bravado Banshee. Percebi isso quando estava sentado no banco de passageiros dele, com o braço para fora empunhando uma submetralhadora. O carro é um dos mais desejados esportivos americanos, uma lenda de Liberty City a Los Santos. Deu para entender a fama quando o motorista pisou fundo e alcançou o Chevy do colombiano que caçávamos.

Uma pancada na traseira e os dois carros rodaram, ficando um de frente para o outro. Para o azar do Colômbia, descarreguei a SMG e o cobri de balas. Ele tinha inimigos que nos pagaram uma gorda recompensa pela sua cabeça. Mal começamos a dividi-la e deu para ouvir a polícia chegando. Foi aí que olhei no relógio (o de verdade) e vi: já fazia 24 horas que estava jogando GTA V. Hora de parar.

Eu poderia estar matando, roubando. Foi o que fiz, desde a noite anterior, quando iniciei uma sessão online de Grand Theft Auto V, aguardado com ansiedade por fãs (como eu) desde seu anúncio, no final de 2011. O desafio era experimentar as possibilidades que o jogo oferece e descobrir que tipo de criminoso está à disposição quando se precisa de um parceiro no crime. Vinte e quatro horas pareceram um tempo razoável. Também era um número emblemático: nas primeiras 24 horas de venda, ele virou o produto com a maior receita gerada na indústria do entretenimento. Mais que qualquer filme ou disco na história.

Jogar 24 horas seguidas pode ser um exagero para a saúde, é claro, mas para as possibilidades de GTA não. A série ficou notória não só pela violência e humor satírico, mas por ser um jogo de mundo aberto, ou seja, em que você circula com liberdade para escolher o que fazer (ver um striptease ou explodir um carro de sorvete?).  No modo off-line, há uma história com começo, meio e fim. Mas, no on-line, que estreou em outubro, não: lá se encontram milhares de jogadores, cada um com sua carreira no crime.

Ao começar, tenho de criar o biótipo do personagem dentre milhares de combinações possíveis. Sou Fab-Boy, mistura dura de roer de latinos e irlandeses. Estava pronto para chegar a Los Santos, a Los Angeles fictícia onde a história se passa, apresentada numa introdução digna de filme de ação. A bordo do avião que cruza o céu, eu, o maior criminoso que a cidade já viu. Bem, é assim que me sinto.

Cidade maravilhosa

Los Santos tem uma agitada área urbana e um vasto interior à disposição: belo litoral, montanhas e desertos selvagens. O mapa do jogo é tão extenso (cerca de 360 km², maior que Belo Horizonte) e cheio de possibilidades que é difícil contabilizar as opções. Assim como em outros jogos da série, dá para fazer assaltos e participar de rachas com carros roubados.

De acordo com o desempenho, você ganha dinheiro e pontos de reputação. Quanto mais grana, mais itens pode comprar (óbvio). Quanto mais reputação, mais missões pode fazer. No início, esqueça corridas com carros luxuosos e superarmas. Melhor focar em lojinhas e postos de gasolina. Vida de ladrão de galinha. Esses lugares têm menos segurança que bancos e joalherias. Gastei as primeiras horas de jogo cometendo pequenos roubos e tentando fazer amigos on-line.

Com milhares de pessoas jogando ao mesmo tempo pelo mundo, eu ouvia comentários deslumbrados de jogadores explorando as paisagens de Los Santos (com um headset, é possível conversar e ouvir outras pessoas on-line). Era comum também gangues surgirem. É um jeito de encontrar amigos e gastar algumas horas jogando juntos numa “sala”. As salas são universos paralelos, cada qual com uma Los Santos própria e até 16 pessoas interagindo.

Posso não ter sido uma celebridade meteórica, mas consegui entrar em uma gangue depois de alguns trabalhos bem-sucedidos. Fui atrás de uns caras que aterrorizavam a sala e supliquei no meu espanhol barato para que me deixassem fazer parte do grupo. Bang! Eu estava dentro. Os três garotos falavam o mínimo possível comigo. A maioria das palavras eram ordens para seguir e ajudar o grupo nas missões. Só descobri a nacionalidade da turma quando, depois de muito insistir, me responderam de maneira seca: “Puerto Rico”. Até que me dei bem na gangue, mas tive um choque de realidade. Ao roubar uma mansão em Vinewood, eles me abandonaram na fuga e me deixaram para os policiais. Traído, fui fuzilado.

Status é tudo

Mas GTA não tem “game over”. Se morro, perco dinheiro e recomeço. Abandonei a gangue e resolvi encarar trabalhos menos violentos. Disputei corridas, mas o resultado me fez lembrar que não tenho habilitação na vida real. Tentei aulas de aviação. Saltei de paraquedas do letreiro de Vinewood (há vários pontos turísticos de Los Angeles recriados). Joguei golfe e tênis com um canadense e andei de jet ski com um brasileiro. Num clube de striptease, gastei o pouco dinheiro que tinha por danças privês da Nikki, a moça virtual mais mercenária que já conheci. Vida boa.

Com essa agitada agenda, explorei o mapa da cidade, embalado pelo humor bizarro da série, que torna GTA uma versão ácida da vida real. Para criar a atmosfera de uma metrópole corrupta, há uma história de fundo rolando enquanto você joga. Cada metro quadrado do cenário tem conteúdo para alimentar isso.

Na estrada, outdoors elogiam o alto consumo de gordura e açúcar. Na TV (que você pode parar para ver), Jock Cranley, político corrupto assumido, diz que odeia imigrantes, sindicatos e velhinhas. É um agudo senso crítico, que tem até um Facebook, o Lifeinvader (“invasor de vidas”). Isso tudo servido em gráficos hiperrealistas de tirar o fôlego. Paisagens detalhadas e mudanças climáticas me deixavam embasbacado. Já meus olhos vidrados ardiam, após dez horas de jogo.

À medida que o dia (de verdade) passava, mudavam as pessoas que apareciam para jogar. Ao meio-dia, deixei de esbarrar em americanos e latinos e comecei a ver franceses, italianos, russos e uma gangue do Oriente Médio, a The Israeli OutLaws. Joguei  um tempo com eles. Entre um assalto e outro, iam a seu QG e me convidavam para visitar (“Come with us” era a única frase que escapava da conversa em hebraico). Era um lugar descolado, com vista para Del Perro, bairro chique à beira-mar. Na garagem, carros esportivos de cores duvidosas.

Com eles, entendi uma das chaves do fascínio que GTA causa. À medida que se evolui, você precisa de cada vez mais pontos para chegar ao nível seguinte. Níveis mais altos liberam novas missões. Quanto mais missões, mais dinheiro. E a grana banca não só a próxima ação como também boas roupas, armas complexas, carros turbinados, jatinhos e mansões.

Comprar essas coisas não é novidade na série. Mas GTA V reforça a ideia de que seus bens refletem quem você é. Entre um tiroteio e outro, o importante para aqueles caras era se exibir. Já eu estava jogando havia 15 horas e tinha apenas $ 19 mil. Não dava nem para uma moto sem vergonha, pois escolhi ser bon vivant. Uns querem status. Outros, experiências. Por mais surreal que seja essa versão absurdamente criminosa de uma cidade, GTA reflete a vida real de um jeito difícil de ver em outros videogames.

Resolvi focar em algo mais importante, fora do jogo: dor nas costas. Tomei vários analgésicos e mudei de posição para acalmar ombros e coluna. Estava difícil ficar confortável, mas tinha de seguir. Após 20 horas, me sentia desnorteado, como se estivesse bêbado. Dois minutos aqui fora valem 60 no jogo. Minhas 24 horas on-line foram 30 dias lá. Sem dormir, com sono, sem ver o Sol verdadeiro e vendo dia e noite surgirem a cada 48 minutos na TV, fiquei com a noção de tempo descompensada, como um jetlag. Meus reflexos diminuíram.

Mesmo exausto e lesado, dá para ver que há regras que mantêm tudo sob um certo controle, evitando extremismos. Todos os personagens são adultos. Não dá para montar uma gangue nazista, por exemplo. Temas políticos e religiosos não são permitidos, só os criados pelos produtores. A mecânica do jogo, por incrível que pareça, desfavorece a violência desenfreada. Quanto mais você apronta, maior o revide (a polícia cai matando, você perde dinheiro etc.). Isso ajuda a evitar que a lista de polêmicas aumente ainda mais.

Precisei de algumas horas para desacelerar e conseguir dormir. Acordei de ressaca, as sirenes da polícia ainda ecoavam na cabeça. Fiquei alguns dias sem jogar, mas  logo voltarei a Los Santos. Certamente farei mais crimes. Mas não por 24 horas seguidas. Chega!

A franquia 007 é uma das maiores do cinema. Em termos de arrecadação, só fica atrás de Harry Potter, Star Wars e do Universo Marvel (o MCU), nessa ordem. Em quase 50 anos, os 24 filmes de James Bond fizeram quase US$ 7 bilhões em bilheteria – fora a grana que vem de merchandising das dezenas de marcas que brigam para conquistar um espaço ao lado do agente britânico.

No dia 30 de setembro, chega aos cinemas 007: Sem Tempo para Morrer, 25º filme do personagem – o último com Daniel Craig. E olha só: seu James Bond é, até aqui, o que mais matou, mais bebeu e mais faturou, na média por filme.

No gráfico abaixo, veja como cada 007 se enquadra nessas estatísticas. Vale ressaltar: os valores de bilheteria foram ajustados à inflação, e apenas as mortes efetuadas pelos próprios Bonds foram consideradas – assassinatos cometidos por vilões não contam.

(E claro: os números de Sem Tempo para Morrer não foram considerados, por motivos óbvios). Confira:

Raio-x de Craig

O filme de Daniel Craig que mais faturou, até agora, foi Operação Skyfall (2012): US$1,2 bilhão. É o campeão de toda a franquia. Só 007 Contra Goldfinger (1964) e 007 Contra a Chantagem Atômica (1965), da era Sean Connery, também ultrapassaram a barreira do bilhão.

Craig é também o mais beberrão dos agentes do MI6. Em Cassino Royale (2006), ele consome incríveis 26 unidades de álcool – mais do que qualquer outro Bond (este site lista todas as bebidas que aparecem nos filmes 007, de shot de vodca a taças de champanhe; vale a pena conferir).

Nos filmes seguintes, Craig deu uma maneirada: em Quantum of Solace (2008), foram 18 unidades de álcool; Skyfall, 16. Em 007 Contra Spectre, ele mal bebeu: foram “apenas” 5,7 unidades, distribuídas em um copo de uísque, três goles em uma garrafa de vodca, uma cerveja e um martini. Para os padrões Bond, praticamente um abstêmio.

Voyeur (2017)
Documentário
Netflix
O americano Gerald Foos comprou um motel em Aurora, no Colorado, e passou os 47 anos seguintes espionando os hóspedes por aberturas nas paredes – e catalogando suas práticas sexuais. Até que confessou tudo ao repórter Gay Talese, uma lenda do jornalismo americano. A história é inacreditável; o desfecho, mais ainda.

Lazzaro Felice (2018)
Filme
Netflix
O simpático e inocente Lázaro e sua família vivem como escravos modernos, plantando tabaco em uma fazenda na Itália. Uma reviravolta acontece, Lázaro se perde e vai parar na cidade, onde conhece outras formas de exploração. Mas ele tem um superpoder. Filme vencedor do prêmio de melhor roteiro no Festival de Cannes.

A Batalha das Correntes (2017)
Filme
Amazon Prime
No final do século 19, Thomas Edison, Nikola Tesla e George Westinghouse travam uma guerra científica e comercial por um novo mercado: a distribuição de energia elétrica. Edison defendia a tecnologia de corrente contínua (DC), contra a alternada (AC), proposta pelos rivais.

The Flight Attendant 
Série
HBO Max
Cassie é uma aeromoça que costuma beber demais e ter amnésia alcoólica. Até que, após uma dessas noites, acorda na cena de um crime: do qual é a principal, e única, suspeita. Apavorada, começa a tentar descobrir o que aconteceu – sem se lembrar de quase nada.

Kojima em sua força máxima

Em 2015, Hideo Kojima foi demitido da Konami, onde trabalhou 29 anos – é o autor da série Metal Gear Solid, que vendeu 57 milhões de cópias. Mas ele deu a volta por cima: em 2019, lançou o estranho e genial Death Stranding, em que você é um carteiro num mundo apocalíptico. Agora, o game ganha uma versão para PlayStation 5 – com gráficos melhorados, novas áreas e missões.

Death Stranding: Director’s Cut. Para PS5. US$ 50 (upgrade: US$ 10).

As emoções dos animais

O que os bichos realmente sentem? O que eles pensam de nós? Será que somos inteligentes o bastante para conseguir desvendar, um dia, o quão inteligentes eles realmente são? Neste livro, o primatologista holandês Franz de Waal tenta responder a isso com um arsenal de estudos científicos e histórias emocionantes que ele acumulou em décadas observando os animais – como os últimos minutos de vida de Mama, uma chimpanzé de 59 anos.

O Último Abraço da Matriarca. R$ 67.

O átomo da biologia

Tudo o que é vivo é feito de células. A célula é a coisa mais simples que está viva. Parece óbvio, mas foi uma novidade revolucionária para a ciência do século 19. Neste livro, o inglês Paul Nurse, vencedor do Prêmio Nobel de Medicina, narra a descoberta desse e de outros conceitos fundamentais da biologia, como os genes e a evolução.

O Que é a Vida? R$ 36,90.

A evolução de um povo

Em jogos como Civilization, você pode controlar povos reais ou construir a própria sociedade. Este game segue a mesma lógica, mas com uma diferença crucial: você pode mudar a vocação do seu país entre uma era histórica e outra (são ao todo seis). Dá para começar priorizando o comércio marítimo, por exemplo (como os fenícios), mas se tornar expansionista (como os mongóis) e depois virar potência industrial (China) ou do agronegócio (Brasil).

Humankind. Para Windows. R$ 168.

“Atribuí a história ao efeito dos medicamentos, à baixa oxigenação cerebral, à influência dos anestésicos ou a qualquer outra causa que eu não conseguiria alcançar naquele momento”,

escreve o neurocirurgião brasileiro Edson Amâncio neste instigante livro, em que ele conta casos impressionantes de pessoas que relataram ter saído do próprio corpo – e usa a ciência para tentar desvendá-los.

Experiências de Quase Morte. R$ 43.

Um clique fotográfico no momento e lugar certos pode render imagens incríveis – e, às vezes, bastante curiosas. Prova disso são as fotografias selecionadas para o Comedy Wildlife Photo Awards, um concurso que premia cliques engraçados de animais selvagens.

Todos os anos, o Comedy Wildlife Photo Awards presenteia a internet com as imagens (com o perdão do trocadilho) mais animais já tiradas. Na quarta-feira (1), o concurso anunciou as fotografias finalistas e abriu a votação para que o público escolhesse o vencedor de uma das categorias de premiação.

Mais de sete mil fotos foram inscritas e 42 foram escolhidas para votação final. Elas registram uma grande variedade de animais e vão, no mínimo, te arrancar um sorriso.

A fotografia abaixo, por exemplo, registra um trio de peixes anfíbios chamados mudskippers, e foi tirada em Taiwan. Não parece que o primeiro deles se exibe com seu salto, enquanto os colegas admiram boquiabertos? É por isso que a fotografia recebeu o título de See who jumps high – ou “Veja quem pula alto”, em tradução livre para o português.

Esta outra fotografia finalista é chamada Time for school – ou “Hora da escola”. O clique feito em Singapura registra uma lontra agarrando seu filhote, que parece arregalar os olhos. É como se a lontra mãe estivesse arrancando sua criança sonolenta da cama.

O concurso foi criado em 2015 por dois fotógrafos, Paul Joynson-Hicks e Tom Sullam, para promover a conscientização ambiental e a conservação da vida selvagem por meio do humor. Por isso, o Comedy Wildlife Photo Awards trabalha em conjunto com a Born Free Foundation, uma associação britânica que atua em prol da preservação dos animais selvagens.

Este ano, a competição está apoiando a instituição Save Wild Orangutans, que protege e estuda os orangotangos selvagens do Parque Nacional Gunung Palung, localizado em Bornéu.

As fotografias finalistas agora serão julgadas por um time composto por fotógrafos profissionais, conservacionistas e apoiadores. Você pode observar mais algumas abaixo:

O público pode votar em sua foto preferida até o dia 10 de outubro. A categoria e os vencedores gerais serão anunciados em 22 de outubro, e o fotógrafo vencedor do prêmio de foto do ano será recompensado com um safári de uma semana.

Você pode conferir todas as categorias de premiação e fotografias finalistas no site do concurso.

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Muitos livros têm piadas. Rolam alguns parágrafos de seriedade e então, para quebrar o gelo, anuncia-se A Gracinha, em maiúsculas mesmo, como um presente do autor para o leitor paciente que aturou o conteúdo até ali.

Bem mais raros são os livros engraçados como um todo – engraçados sem esforço, como aqueles comediantes que têm feições engraçadas, que andam engraçado, que só de existir, são engraçados, até quando não é a vez deles de falar. 

Bill Bryson faz livros assim. De fato, ele parece incapaz de não fazer livros assim. Mesmo quando esse clássico vovô num terno de tweed tenta afetar alguma seriedade, fica um ranço de deboche. Como se ele fosse um repórter observando a Terra sentado do lado de fora, prestes a surtar com a maneira como a humanidade sempre faz tudo errado.

Cada capítulo do livro Em Casa: Uma breve história da vida doméstica é dedicado à um cômodo ou algo mais específico que um cômodo, como os fusíveis do quadro de luz ou a escada. Bill conta não só a história do espaço em si como a história do que se faz lá dentro, de modo que, ao abrir o livro pela primeira vez, fui atraído magneticamente à pág. 369, onde começa o trecho dedicado ao banheiro.

“Lavar-se não era um costume totalmente desconhecido, mas bastante seletivo. (…) A rainha Elizabeth, em uma frase muito citada, banhava-se fielmente uma vez por mês, ‘quer precisasse ou não’. Em 1653, John Evelyn, conhecido autor de diários, anotou uma decisão experimental de lavar o cabelo anualmente. (…) Samuel Pepys menciona apenas uma vez que sua esposa tomou banho, no diário que manteve durante nove anos e meio.”

Os dentes tampouco escapavam da fedentina. No capítulo sobre a sala de jantar, descobrimos que “embora o açúcar fosse muito caro, as pessoas o consumiam até seus dentes ficarem negros; e, se os dentes não ficassem negros naturalmente, eles os enegreciam artificialmente, para mostrar que viviam no luxo e podiam gozar desse prazer.”

O livro é sem dúvida eurocêntrico, mas não nos poupa de nenhuma estupidez que os europeus fizeram nos últimos dois mil anos: a escravidão nos engenhos do Brasil e do Caribe existia para gerar cáries por status, e sem o dinheiro de sangue das colônias americanas, não teria havido Revolução Industrial. O passado é um lugar abjeto, e as casas e hábitos dos séculos passados eram um retrato do mundo tanto quanto nossas casas refletem o presente.

Olho pela minha janela num subúrbio de São Paulo e vejo construções dos anos 1960 forradas com pastilhas coloridas até hoje, janelões e gradis baixos em volta do jardim. Há algumas recentes, cobertas de textura, e outras ainda com janelas de mil vidrinhos e chão de cerâmica vermelha em cacos. Cada item de uma residência veio de fora dele. Juntos, eles formam uma foto do mundo, de seu charme e breguice, no momento em que foram instalados. Do porão ao sótão, Bill não nos deixa esquecer disso.

Estamos falando de um autor com o hábito de digredir, e quando ele resolve contar uma história – mesmo que seja um causo só remotamente relacionado com o tópico do capítulo – ele vai te pegar pela mão e contá-la até o fim.

Não tem problema: mesmo que em certa altura do campeonato você esqueça sobre o que ele deveria estar falando, você ainda vai estar satisfeito pelas quinze ou dezesseis curiosidades aleatórias sobre garfos, filhos ou irlandeses ricos que agora estão são e salvas no seu HD. Esse pode não ser o trabalho mais coeso ou redondinho de Bill Bryson. Mas ele, num dia médio, ainda vale por uma estante de livraria inteira num dia bom.

O álbum Nevermind, o segundo lançado pela banda Nirvana, em 1991, vendeu 30 milhões de cópias em todo o mundo. Ele não ficou conhecido apenas por suas músicas célebres, como Smells Like Teen Spirit, Come As You Are e Lithium, mas também pela capa, que traz a imagem de um bebê nu nadando em direção a uma nota de dinheiro. 

O bebê da foto é Spencer Elden, um americano que hoje tem 30 anos de idade. Elden, que era pequeno demais para se lembrar de qualquer detalhe da sessão de fotos, está agora processando a banda por pornografia infantil. Em uma cópia do processo, obtida pela revista Variety, é alegado que os réus envolvidos na capa, ao usar a imagem, exploraram a criança para chamar a atenção do público e impulsionar as vendas. 

O uso de fotos de bebês nus sem conotação sexual não é considerado pornografia infantil pelas leis americanas, mas Robert Y. Lewis, advogado de Elden, defende que a inclusão do dólar na imagem faz com que o bebê pareça um “trabalhador do sexo”. A defesa pede indenização de US$ 150 mil a cada réu envolvido no processo, desde os sobreviventes da banda Dave Grohl e Krist Novoselic, até as várias gravadoras existentes ou extintas que distribuíram o álbum nas últimas décadas. Sobrou até para o baterista original da banda, Chad Channing, que saiu do grupo em 1990, antes da foto ser tirada e do álbum ser lançado.

O clique foi feito quando Elden tinha apenas quatro meses de idade. Em 2008, seu pai falou à National Public Radio dos EUA sobre o episódio. O responsável conta que recebeu um telefonema de Kirk Weddle, fotógrafo e amigo da família, convidando-o para o centro aquático Rose Bowl, na Califórnia. Lá, o bebê Elden posaria para algumas fotos em troca de US$ 200. De acordo com o processo, não foi assinado nenhum termo de autorização do uso de imagem.

A família só soube que fim tiveram as imagens dois meses depois, quando se deparou com o disco na parede da loja de varejo Tower Records. Com um ano, Elden recebeu da gravadora Geffen Records um disco de platina e um ursinho de pelúcia. Em entrevistas anteriores, o americano contou que chegou a procurar Grohl e Novoselic para questionar seus direitos de forma amigável, mas nunca obteve retorno. 

Elden parece ter vivido momentos conflituosos devido à fama precoce. Apesar de ter tatuado “Nevermind” no peito e ter recriado a capa do álbum em diversas ocasiões (sempre de bermudas), em 2016 disse ao tablóide New York Post que não estava tão satisfeito com sua notoriedade. “É difícil não ficar chateado quando você ouve quanto dinheiro esteve envolvido… [Quando] eu vou a um jogo de beisebol e penso sobre isso: ‘Cara, todo mundo neste jogo provavelmente viu meu pequeno pênis de bebê’, eu sinto como se parte dos meus direitos humanos tivessem sido revogados”.

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No próximo dia 31, chega ao Brasil (mais) um serviço de streaming: o Star Plus (ou Star+), uma nova plataforma da Disney para os países da América Latina.

O objetivo do Star+ é reunir outros conteúdos distribuídos pela empresa para além dos que já existem no Disney+ (Marvel, Star Wars, Pixar, National Geographic e, claro, Disney), que estreou por aqui em novembro de 2020. A plataforma contará, por exemplo, com programação esportiva da ESPN, filmes e séries do Star (a antiga Fox), produções exclusivas e parte do catálogo do Hulu – outro streaming da empresa do Mickey, disponível apenas nos EUA.

O Star+ foi anunciado em agosto de 2020 pelo CEO da Disney, Bob Chapek; meses depois, em dezembro, o serviço foi confirmado, com mais detalhes sobre o seu funcionamento. Mas para entender essa história (e por que a Disney resolveu lançar outro streaming), é preciso voltar alguns anos, quando a empresa deu início a um dos maiores acordos da história da indústria do entretenimento.

Da Fox ao Star

No dia 14 de dezembro de 2017, a Disney anunciou a compra da 21st Century Fox por US$ 52 bilhões. A aquisição englobou toda a divisão de entretenimento da Fox (estúdios de TV e cinema, canais a cabo, etc.); outros setores da empresa, como o canal de notícias Fox News, permaneceram sob comando do bilionário Rupert Murdoch.

O acordo chamou a atenção pela quantidade de novas marcas e franquias que ficariam sob o guarda-chuva da Disney: Os Simpsons, X-Men, Avatar e Planeta dos Macacos, só para citar algumas. Foi a quarta maior transação do setor, atrás apenas de alguns acordos entre a Time Warner e empresas de telecomunicações, como a americana At&T.

Aquisições do tipo, claro, não acontecem da noite para o dia. Depois da notícia, a empresa de telecomunicações americana Comcast ofereceu US$ 65 bilhões pela 21st Century Fox (a companhia já era dona desde 2011 de outro conglomerado de mídia, a NBCUniversal). A proposta obrigou a Disney a subir o valor para US$71,3 bilhões, preço final do negócio com a Fox.

Além disso, foi preciso também adequar a compra nos mercados de cada país, para evitar qualquer entrave legal. No Brasil e no México, por exemplo, a Disney foi notificada de que precisaria se desfazer do canal Fox Sports. Por aqui, o Cade (Conselho Administrativo de Defesa Econômica) apontou a possibilidade de um duopólio nos canais esportivos da TV a cabo: de um lado, a Disney, dona da ESPN e do Fox Sports; do outro, a Globo com o SporTV. Meses depois, contudo, o Cade voltou atrás e a venda não aconteceu.

A compra foi concluída em março de 2019; em 2020, a Disney começou a mudar o nome de suas novas aquisições para limar a marca “Fox”. O estúdio 20th Century Fox, por exemplo, virou 20th Century Studios.

Foi um período conturbado para alguns filmes da Fox que ainda não haviam sido lançados – em muitos casos, a transição para a Disney fez com que a data de estreia fosse adiada. Os Novos Mutantes, da franquia X-Men, estava prometido para 2018, mas só chegou aos cinemas no final de 2020. Já A Mulher na Janela foi parar na Netflix, que adquiriu os seus direitos de distribuição.

Outra mudança, mais recente, aconteceu em fevereiro deste ano, quando os canais Fox mudaram para “Star”. O nome veio de uma emissora da Ásia com sede em Hong Kong, comprada pela Fox nos anos 1990.

No Brasil, a troca motivou outro imbróglio jurídico. O canal Starz entrou com um processo contra a Disney, alegando que o nome “Star” era praticamente idêntico ao seu e ao de seu streaming, o Starzplay. Convenhamos: eles tinham um ponto.

Em agosto, as duas empresas chegaram a um acordo: o processo não foi para frente, e a Disney pagará R$ 50 milhões ao Starz por possíveis danos que ela poderá causar no mercado brasileiro.

Quais serão os conteúdos do Star+?

O Star+ reunirá séries como Grey`s Anatomy, The Walking Dead e This Is Us – produções que já fazem sucesso em outras plataformas, como Netflix, Globoplay e Amazon Prime Video. Ainda não se sabe se elas se tornarão exclusivas da nova plataforma da Disney.

Além disso, haverá também conteúdos originais. Até agora, há 66 produções da América Latina confirmadas, como O Rei da TV, série brasileira que contará a história de Silvio Santos. Outro destaque é Y: O Último Homem, série do canal FX inspirada no quadrinho pós-apocalíptico de Brian K. Vaughan, roteirista de alguns episódios de Lost.

A Disney confirmou também, sem entrar em detalhes, que alguns títulos presentes no Hulu estarão disponíveis por aqui. Dentre eles estão o drama Pam & Tommy, estrelado por Lily James e Sebastian Stan e que narra a vida de casal da atriz Pamela Anderson e Tommy Lee, baterista do Mötley Crüe, e M.O.D.O.K., animação sobre o vilão da Marvel que dá nome ao programa.

Outra novidade do Star+ é a presença do conteúdo esportivo da ESPN, como transmissões de campeonatos e programas jornalísticos. Até então, a programação do canal só estava disponível via streaming nos EUA, onde o ESPN+ opera desde 2018. Por lá, a plataforma possui quase 15 milhões de usuários.

Mas, afinal: por que a Disney vai criar mais um serviço de streaming? Não seria o caso de incluir os novos conteúdos no Disney+?

À Super, a Disney explicou que a decisão levou em conta a segmentação e as preferências do seu público na América Latina, além do conteúdo esportivo da ESPN, que difere da proposta do Disney+. “Acreditamos que nossa proposta geral de entretenimento e esportes justifica ter uma plataforma separada”, disse a empresa.

O que vai acontecer com os antigos conteúdos da Fox que estão no Disney+?

Atualmente, é possível encontrar no Disney+ sete filmes da franquia X-Men e as temporadas 29 e 30 de Os Simpsons, além de algumas outras produções que pertenciam à Fox, como A Era do Gelo, Esqueceram de Mim e Percy Jackson.

Desde o lançamento do streaming no Brasil, o catálogo incompleto gerou reclamações por parte de alguns usuários – fãs dos Simpsons, por exemplo, não encontraram todas as temporadas da família amarela. Deadpool e Logan, filmes do universo X-Men com classificação indicativa mais alta, também ficaram de fora.

De acordo com a Disney, os conteúdos que já estão no Disney+ continuarão por lá, mas é o catálogo do Star+ que reunirá o acervo completo da antiga Fox – incluindo, claro, produções mais recentes do Star, como a 32ª temporada de Os Simpsons, que terminou em maio.

Qual é o preço da assinatura?

No Brasil, a mensalidade do Star+ custará R$32,90. O plano único oferece ao usuário a possibilidade de usar a plataforma simultaneamente em até quatro dispositivos. É um preço mais barato que Netflix (R$55,90 por mês no plano de quatro telas), mas mais salgado que outras concorrentes, como Amazon Prime Video e Apple TV+ (R$9,90 por mês).

Mas haverá alguns meios de baratear a assinatura, como pagar pelo plano anual ou adquirir o combo com o irmão Disney+ (veja a tabela abaixo). Outras empresas que colocarem o streaming em pacotes de TV e internet também poderão alterar o preço da mensalidade.

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Autoconhecimento

Descubra seu alcance. Algumas pessoas se sentem mais confortáveis na região mais grave, outras têm vozes mais agudas, e cada um de nós tem um leque de frequências diferente à disposição. Se você já toca um instrumento, use-o de referência. E, é claro: o ideal é contratar um professor.

Fôlego em dia

Ao cantar, você não pode murchar como uma bexiga conforme esvazia os pulmões. É preciso manter a caixa torácica rígida e controlar a inspiração e expiração usando um músculo chamado diafragma. Isso garante que um fluxo contínuo e homogêneo de ar passe pelas pregas vocais.

Malhando o gogó

Pratique regularmente exercícios de respiração. Treine escalas  (o conjunto de notas usado em uma música) e intervalos (a distância entre notas). No YouTube, dá para encontrar essas atividades (os chamados “vocalizes”) aos montes. Treine alguns minutos, todos os dias. E aumente a dificuldade aos poucos, como se estivesse na academia.

De olho no registro

Faça um teste: cante algumas notas subindo da sua região mais confortável para o agudo. Você vai sair do registro modal e entrar no falsete – a voz fininha do Prince ou da MC Melody, produzida de um jeito diferente. Há outros registros além do modal e do falsete; é importante praticá-los.

Outras dicas

– Beber uísque não aquece o gogó. Antes de cantar, separe 15 minutos para exercícios de vibração dos lábios e da língua. Vale também cantar escalas da nota mais grave para a mais aguda (e vice-versa).

– Sua zona de conforto tem nome: mulheres podem ser sopranos (voz aguda), meio sopranos (média) ou contraltos (grave). As categorias equivalentes, para homens, são tenor, barítono e baixo.

– Treine afinação usando aplicativos como Tuner T1 (gratuito) e o Vocal Pitch Monitor (pago). Eles te dirão qual nota você está cantando – e se você está fazendo isso corretamente.

– Cante do seu jeito. Não faz bem forçar a voz para imitar um cantor se seu timbre e alcance são diferentes. E até para rasgar tem técnica: só urre um Sepultura se souber o que está fazendo.

Fontes: Alexandra Liambos, cantora e professora de canto, e Ricardo Carvalho, maestro e professor de música.

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^{Texto Rafael Battaglia |  Edição Bruno Vaiano
Ilustração Kenji Lambert | Design Natalia Sayuri Lara}

São três da tarde de uma terça-feira. Um americano se apresenta dizendo hello – e recebe respostas em português e em espanhol. Um japonês e um alemão conversam sobre seus desenhos e músicas favoritas. Um francês se lamenta por ninguém falar sua língua.

Não é um vestiário dos Jogos Olímpicos. É o chat do Lofi Girl, um canal do YouTube com 8,8 milhões de inscritos, cuja principal atração é uma live infinita, que funciona como rádio 24 horas. Uma rádio de um só gênero: lo-fi hip-hop.

Melodias relaxantes, arranjos discretos, ritmo lento e ausência de letra. Esse estilo musical, que tem raízes no começo dos anos 2000, deslanchou nos últimos anos em rádios online e playlists de plataformas de streaming – no Spotify, por exemplo, a coletânea “Lofi beats” (sem tracinho mesmo), com curadoria diária, tem mais de 4 milhões de curtidas.

Os ouvintes de lo-fi têm algo em comum: usam a música – um amálgama de jazz, música eletrônica e hip-hop – como pano de fundo relaxante para ler, estudar, trabalhar, dormir, meditar.  A popularidade do lo-fi ganhou um gás com o início da pandemia, quando se tornou remédio de ansiosos trancados em casa. O ator e rapper Will Smith, por exemplo, criou duas playlists no YouTube como forma de ajudar os seus seguidores a enfrentar a quarentena. Juntos, os mixes somam três horas de música – e 20 milhões de visualizações.

Mas, afinal, essas músicas realmente ajudam com a concentração? O que acontece com o nosso cérebro quando as ouvimos? E quem são os artistas por trás desse som?

Música de garagem

Qualquer música pode ser lo-fi. A expressão, originalmente, não está ligada a um único gênero, mas sim à qualidade do som. “Lo-fi” vem de low fidelity, “baixa fidelidade”. São gravações caseiras, sem o padrão-ouro cristalino de um estúdio.

Isso não é novidade. Nos anos 1950, já havia tecnologia para jovens músicos gravarem suas músicas de forma relativamente rápida – e barata. Em 1967, os Beach Boys montaram o álbum Smiley Smile em um estúdio improvisado na casa do líder da banda, Brian Wilson. Exile on Main Street (1972), dos Rolling Stones, foi feito em um porão. Nos anos 1990, Beck e Beastie Boys encheram os bolsos com a estética de som improvisado.

Foi em 2000 que dois padrinhos do atual lo-fi despontaram: o rapper americano J Dilla e o produtor Nujabes, do Japão. Ambos faziam hip-hop com fortes influências do jazz e do soul. Nos anos seguintes, diversos subgêneros apareceram na internet, misturando gêneros afro-americanos com nostalgia das décadas de 1980 e 1990 em músicas eletrônicas de batida mais lenta – um estilo que ficou conhecido como downtempo (“andamento lento”).

O canal Lofi Girl surgiu em 2015, mas sob outro nome: Chilled Cow (“vaca relaxada”). Foi só em 2017 que o artista colombiano Juan Pablo Machado criou, a pedido do próprio canal, uma nova identidade visual para as lives: uma imagem em loop de alguém estudando, com um estilo de desenho inspirado em Hayao Miyazaki, diretor de animes consagrados, como A Viagem de Chihiro e O Castelo Animado. Assim nasceu, de fato, a Lofi Girl – essa garotinha de headphones:

Em pouco tempo, a Lofi Girl se tornou um fenômeno, aparecendo em estampas de roupa e servindo de inspiração para releituras, que adaptam o original com novos cenários e elementos. A Lofi Girl brasileira, por exemplo, é negra e tem um vira-lata caramelo.

A live com músicas para estudar e relaxar da Lofi Girl é uma das mais longevas do YouTube – e só não é maior porque, em fevereiro de 2020, a plataforma acidentalmente interrompeu a transmissão, que àquela altura acumulava 13 mil horas e 218 milhões de views. O canal voltou a funcionar logo depois.

Hoje, a garotinha de fones de ouvido está presente em outras plataformas de streaming, e reúne milhares de fãs em comunidades nas redes sociais. Virou também um selo: artistas podem lançar suas músicas sob o guarda-chuva da Lofi Records, e as faixas tocam nas lives e playlists da marca. A empresa também organiza ilustradores, que fazem as artes de cada single, e encoraja criadores de conteúdo a usar  suas músicas – com os devidos créditos, claro. O que nos leva aos músicos. Quem são as pessoas que abastecem a Lofi Girl?

Do beat ao play

É um dia de trabalho como outro qualquer para o músico Nery Bauer, que vive em Criciúma, Santa Catarina. Para chegar ao seu estúdio, ele veste uma camiseta com estampa do Karatê Kid e caminha alguns passos dentro de casa.

Nery, de 50 anos, começou a sua carreira no final da década de 1980, tocando em bandas de heavy metal. Nos anos 2000, virou produtor, enveredou pela música eletrônica e chegou a emplacar alguns lançamentos em vinil na Europa. Até que, em 2018, influenciado por estilos de que gostava, como o hip-hop instrumental, passou a compor lo-fi.

“Tenho à disposição um baixo e uma guitarra, mas 80% do meu som vem do computador e de um pequeno teclado conectado a ele”, explica Nery, que também obtém samples (trechos de músicas pré-existentes e outros sons usados como elementos na composição) em bancos de dados pagos na internet. No lo-fi hip-hop, é comum ainda utilizar outros aparelhos, como o sampleador (que organiza os samples) e a drum machine (que emula instrumentos de percussão para criar a batida, ou beat).

O ritmo de trabalho é alto: ele lança uma música por semana, sob diferentes alter egos, como Jaztorius e Ray Ben Rue (um anagrama do seu nome), cada um com um estilo diferente. O processo é todo independente. Além de compor, Nery cria a arte de cada single e faz a mixagem e a masterização (etapas de pós-produção); sua esposa o ajuda com o marketing e a divulgação. No final, ele envia a faixa para uma distribuidora, que faz o meio de campo entre o artista e as plataformas de streaming. Essa empresa cuida só da burocracia – não interfere na música.

Cada plataforma tem o próprio modo de remunerar os artistas. Aqui, vamos explicar como funciona o do Spotify, que concentra 36% do mercado e reúne o maior número de usuários dentre os serviços (365 milhões) – o que o torna a principal fonte de renda para muitos artistas lo-fi.

O Spotify ganha dinheiro de duas formas: anúncios e assinaturas (45% dos usuários pagam algum tipo de mensalidade). Dois terços dessa grana vão para um fundo de royalties, que a distribui entre os detentores dos direitos das músicas. Em 2020, esse fundo atingiu US$ 5 bilhões.

A divisão dos royalties é feita por meio de uma cota, calculada mensalmente em cada país conforme o número de plays de uma música e a quantidade de usuários daquele lugar. Ou seja: dependendo de onde a canção for executada, ela pode valer mais – ou menos.

No ano passado, só 13 mil dos 1,2 milhão de artistas no Spotify ganharam mais de US$ 50 mil em royalties.  “Acredito que, para grandes artistas e gravadoras, que investem pesado em uma única música, esse modelo não seja tão vantajoso”, opina Nery. “Mas, para quem é independente como eu,  o investimento é praticamente zero e há um retorno sustentável.” Ele vive exclusivamente da grana do streaming.

Existem alguns truques para se dar bem nesse sistema. A maioria dos artistas opta por lançar singles em vez de álbuns completos, para aumentar o volume e a periodicidade de lançamentos. Quem consegue aparecer nas grandes playlists, como as organizadas pelas plataformas, tira a sorte grande, já que isso aumenta (muito) o número de plays. Nos anos 1990, seria como emplacar um clipe na MTV. Se a música estiver nas primeiras posições da lista, melhor. “Os curadores de playlists são os novos programadores de rádio”, diz Nery.

O lo-fi é um gênero musical essencialmente criado na internet, e ainda é difícil analisar com detalhes todos os seus desdobramentos. Termos como “chillhop” e “jazzhop”, por exemplo, ora aparecem como subgêneros, ora como sinônimos. Mesmo assim, já dá para dizer que existe um “lo-fi brasileiro” – ou pelo menos uma semente dele.

Criada há dois anos, a Tangerina Music é um selo que ajuda a divulgar o trabalho de artistas nacionais. “Ela funciona como um hub para que músicos troquem informações e experiências, como um coletivo”, explica Fábio Bittencourt, idealizador do projeto e que também produz lo-fi hip-hop, sob o nome artístico FaOut. “Eu recebo umas 400 músicas por semana. É bastante coisa, mas tento ajudar o máximo possível.”

Fábio é um dos nomes por trás do álbum Chill Brazilian Storm, lançado em 2021. É o primeiro a reunir artistas da cena brasileira de lo-fi com um único objetivo: compor músicas do gênero com toques de samba e bossa nova. A capa do álbum incorpora esse sentimento com uma cena típica de bairro da periferia, com mesas de plástico em um boteco e cacos de vidro em cima de um muro. Ficou curioso? Basta clicar aqui e ouvir a coletânea.

Baixando a guarda

A galera do lo-fi não é a primeira a criar música com o intuito específico de relaxar as pessoas. O pai da música ambiente moderna é o britânico Brian Eno. Em 1978, o artista – que já trabalhou com os Davids Bowie e Byrne, do Talking Heads – lançou o álbum Music for Airports, com longas faixas instrumentais.

A inspiração de Eno veio após horas esperando um voo no aeroporto de Colônia, na Alemanha. Já havia coisas parecidas antes, claro – gravadoras já faziam música para lojas ou elevadores –, mas Eno popularizou o termo “música ambiente”. O Music for Airports, inclusive, foi divulgado com a premissa de “induzir calma e um espaço para pensar”.

Quando ouvimos uma canção, diversas áreas do cérebro entram em cena para entender – e reagir – ao que está acontecendo: regiões associadas à audição e ao reconhecimento da fala, os sistemas de prazer e recompensa e até os que regulam atividades fisiológicas, como os batimentos do coração e a respiração.

É por isso que playlists de academia tocam em um ritmo acelerado. Estudos já mostraram que músicas do tipo podem aprimorar os efeitos dos exercícios físicos, reduzindo a sensação de esforço e aumentando a frequência cardíaca.

Além disso, milhões de anos de evolução transformaram o cérebro em uma máquina de reconhecer padrões. Compreender o ambiente e tentar prever o que vai acontecer nos torna mais bem preparados caso algo estranho role. E a audição é uma grande aliada nessa tarefa.

“Nós somos predispostos a ouvir coisas. Isso pode nos dar informações sociais valiosas, que aumentam nossas chances de sobrevivência”, diz Gabriel Gaudencio Rego, membro do Laboratório de Neurociência Cognitiva e Social do Mackenzie. Lembre-se: no ônibus, é impossível não prestar atenção na conversa dos outros ao telefone.

Tudo isso significa que, quanto mais previsível é a sequência de sons em um ambiente, mais relaxados ficamos. Por outro lado, acontecimentos sonoros inesperados monopolizam a atenção. “Incapaz de antecipar o que vai acontecer, nosso corpo libera uma série de hormônios, como adrenalina e cortisol, para que o organismo fique o mais alerta possível”, explica Gabriel.

Esse é o segredo do lo-fi. O ritmo lento (entre 70 e 90 batidas por minuto), a ausência de letra e o excesso de repetição mantêm nossa audição estimulada em um ambiente sonoro previsível; uma bolha confortável. Elementos nostálgicos, como um sample do barulho de chuva, o ruído do vinil ou de uma fita cassete contribuem com o aconchego.

Juntos nessa

Há mais um elemento na equação que explica o sucesso do lo-fi: o senso de comunidade – tanto entre os artistas, por meio de parcerias e colaborações, quanto entre os ouvintes, que compartilham suas experiências na internet. Em 2020, no YouTube, houve mais de 2 bilhões de lives com a hashtag #withme (“#comigo”), em que as pessoas ligam a câmera e se põem a estudar, trabalhar ou limpar a casa.

É uma sessão de incentivo coletivo, embalada por música lo-fi. “Com a pandemia, muita gente usou esses vídeos como uma forma de se aproximar de outras pessoas”, diz Bruno Telloli, gerente de Cultura e Tendências do YouTube Brasil.

Mas, afinal: o lo-fi pode funcionar para qualquer pessoa? Depende. “Para algumas, sim; para outras, não”, diz Mariana Verzaro, professora de psicologia da USP. “Em sessões de musicoterapia, por exemplo, fazemos um perfil de cada paciente com base nos seus gostos e experiências. A música pode ajudar em diversos tratamentos, mas não há uma receita única para todos.”

Para mim deu certo. Ao longo do mês em que apurei este texto, as noites em que ouvi lo-fi (especialmente as chuvosas) foram os momentos em que cheguei mais perto de esquecer os problemas da quarentena. E, de fato: em uma era de ansiedade, qualquer tentativa de desacelerar é sempre bem-vinda.

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PlayStation 5, como os gatilhos adaptáveis e o sistema de vibração do controle.

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Neste livro bem-humorado e ao mesmo tempo profundo, o escritor francês Jean-François reúne psicólogos, filósofos, sociólogos e neurologistas para fazer um estudo científico da idiotice: de onde ela vem, do que se alimenta, como se propaga entre as pessoas – e como pode ser combatida invertendo todos esses processos.

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Operação Condor. ubook.com (grátis por 7 dias, depois R$ 18,90 mensais).

“Ela não tem mais massa encefálica suficiente. É impossível sobreviver com a quantidade que restou”,

disseram os médicos à família da paulista Yannahe Marques, que em 2019 levou um tiro na cabeça disparado pelo ex-marido (ele se matou logo em seguida). Incrivelmente, Yannahe sobreviveu e escreveu um livro contando a experiência – incluindo as apavorantes sensações físicas e psicológicas logo após o tiro.

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Em julho de 2019, o mundo ainda se recuperava da ressaca pós-Vingadores: Ultimato, lançado três meses antes. Mas Kevin Feige, presidente do Marvel Studios, não perdeu tempo: durante um painel da San Diego Comic-Con, ele anunciou uma série de novos projetos do MCU (o universo cinematográfico da Marvel) – deixando os fãs novamente em polvorosa.

Dentre os anúncios daquele dia estavam filmes como Viúva Negra, o próximo Doutor Estranho e a primeira leva de séries Marvel do Disney+: WandaVision, Falcão e o Soldado Invernal, Loki e What If… Mas uma das novidades chamou atenção por não ser lá muito conhecida: Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis

Criado em 1973, Shang-Chi (também chamado de Mestre do Kung-Fu nos quadrinhos) é filho de Zheng Zu, chefe de uma organização criminosa. Sem nenhum superpoder, o jovem chinês cresceu isolado do mundo, treinando diversas formas de combate. Quando virou adulto, decidiu não seguir os caminhos do pai – e enfrentá-lo.

Só tem um problema nessa história. Zu é baseado no Dr. Fu Manchu, criado no início do século 20 pelo escritor inglês Sax Rohmer e que inspirou diversos vilões, como o Imperador Ming (Flash Gordon) e o Mandarim (Homem de Ferro). Com o tempo, o seu arquétipo (chefão do crime, feiticeiro, bigode comprido) passou a ser visto como algo negativo, que reforça um estereótipo racista em relação aos chineses.

O arquétipo do Dr. Fu Manchu faz parte de algo chamado Yellow Peril (“Perigo Amarelo”, em inglês) – a ideia de que os asiáticos são uma ameaça ao mundo ocidental. Nos EUA, imigrantes e descendentes asiáticos convivem com assédio e discriminação desde o século 19. Recentemente, o assunto voltou à tona após ondas de violência a essa parcela da população no país – em parte devido à Covid-19, já que os primeiros casos da doença surgiram na China.

O mercado

Para entrar na China, os filmes precisam passar pelo crivo dos censores. É por isso que, não raro, produções de Hollywood adicionam cenas (e cortam outras) para receber autorização do Partido Comunista Chinês.

Além de Shang-Chi, há um outro filme da Marvel que corre ainda mais risco de ser barrado: Eternos, que estreia em novembro. Motivo: a diretora Chloé Zhao virou persona non grata na China após declarações críticas ao seu país de origem. A sua vitória no Oscar deste ano por Nomadland nem repercutiu na censurada mídia local – e o longa sequer foi exibido por lá.

Os rumores sobre Shang-Chi e Eternos surgiram em maio, quando a revista Variety noticiou que eles ficaram de fora de uma lista de futuros lançamentos da Marvel do canal CCTV6 China Movie Channel. “A omissão pode parecer pequena, mas seu significado está em sua procedência: o canal está sob a jurisdição do poderoso departamento de propaganda da China, que tem a palavra final sobre a aprovação de filmes”, escreveu Rebecca Davis, editora da publicação.

Até esta quinta-feira (19), Shang-Chi ainda não recebeu uma data de estreia na China. Para a Marvel, ser barrada seria um péssimo negócio, já que o país é o segundo maior mercado do estúdio – quase tão grande quanto o dos EUA:

A saída

Para contornar o problema, a Marvel mesclou a história de alguns personagens do seu universo para criar uma nova origem para o pai de Shang-Chi, que se chamará Wenwu. Ele será uma mistura de Zheng Zu com o Mandarim dos quadrinhos. A expectativa, inclusive, é que o filme faça uma ponte com Homem de Ferro (2008), que introduziu (ainda que brevemente) a organização dos Dez Anéis no MCU. O ator Ben Kingsley, que apareceu em Homem de Ferro 3 (2013), foi confirmado em Shang-Chi, mas ainda não há detalhes sobre a sua participação.

(Vale lembrar que essa não será a primeira mudança em um filme da Disney para se adequar à China: o live-action de Mulan deixou de fora o dragãozinho Mushu, criticado pelos chineses por banalizar um símbolo sagrado da cultura local.)

Além dessa alteração, a Marvel tratou de escalar uma equipe que refletisse a diversidade e representatividade da história. O diretor Destin Daniel Cretton, que é também um dos roteiristas, nasceu no Havaí e é descendente de japoneses. O elenco possui nomes como Michelle Yeoh e Awkwafina, de Podres de Ricos (2018), e Tony Chiu-Wai Leung (Amor à Flor da Pele), celebrado ator de Hong Kong. Já o papel principal coube ao sino-canadense Simu Liu, mais conhecido pela sitcom A Loja da Família Kim, que, atualmente, não está disponível em nenhum serviço de streaming no Brasil.

Recentemente, Liu se desentendeu com o CEO da Disney, Bob Chapek. Em uma reunião com investidores da empresa, Chapek disse que Shang-Chi será “um teste interessante para nós, porque ele terá uma janela de apenas 45 dias [entre o lançamento nos cinemas e no Disney+]”. O intervalo é considerado curto para os padrões de Hollywood – antes da pandemia, filmes costumavam demorar três meses para ir para plataformas on demand. Nas redes sociais, Liu rebateu: “Nós não somos um teste. (…) Somos uma celebração de cultura e alegria que vai perseverar após um ano sitiado”. Para Kevin Feige, tudo não passou de um “mal-entendido”.

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Nesta semana, a Mattel Inc. lançou seis bonecas Barbie em homenagem a cientistas e médicas que atuaram na linha de frente da pandemia de Covid-19. A iniciativa faz parte do programa #ThankYouHeroes (“Obrigado, heróis”, em português), lançado em 2020 na plataforma Play it Forward da empresa. O objetivo é dar visibilidade e reconhecimento aos profissionais essenciais que trabalharam pelas comunidades em tempos de crise. 

As novas Barbies, contudo, não serão comercializadas. Foi feito apenas um exemplar de cada boneca para ser entregue às homenageadas. Por outro lado, a Mattel anunciou que, para cada Barbie enfermeira, médica ou paramédica vendida na Target (rede de varejo americana) durante o mês de agosto, serão doados US$ 5 para a First Responders Children’s Foundation (FRCF), organização que oferece apoio financeiro a crianças que perderam um dos pais durante sua atuação como socorristas. 

Tanto a Mattel quanto as pesquisadoras envolvidas também esperam que as bonecas sirvam de incentivo para que meninas sigam em carreiras que envolvam saúde e ciência. Abaixo, conheça um pouco mais cada uma das homenageadas:

Audrey Cruz

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Formada pela Universidade de Nevada, nos EUA, a médica trabalha em um hospital em Las Vegas. Além disso, produz conteúdo no Instagram para mais de 112 mil seguidores. Por lá, ela mostra como é conciliar o serviço com a maternidade e outros temas cotidianos. Audrey também é formada em engenharia elétrica pela mesma universidade, mas não exerce a profissão.

Cruz não trabalhou apenas na linha de frente durante a pandemia de Covid-19, como também atuou junto a outros médicos no combate ao preconceito racial e a discriminação contra profissionais asiático-americanos. Juntos, os profissionais fizeram um vídeo em que mostraram algumas falas que escutavam de pacientes dentro de seus locais de trabalho e pediam por respeito.

Jaqueline Goes de Jesus

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A pesquisadora é pós-doutoranda no Instituto de Medicina Tropical da Universidade de São Paulo (IMT-USP) e esteve na equipe que sequenciou o genoma do Zika vírus. O trabalho de seu grupo relacionado à Covid-19 foi coordenado pela imunologista Ester Cerdeira Sabino.

Logo que o primeiro caso de Covid-19 foi relatado no Brasil, em 26 de fevereiro de 2020, a pesquisadora baiana iniciou o sequenciamento do genoma do vírus. Levou apenas 48 horas para que tivéssemos o resultado, tempo bem abaixo da média mundial, que é de 15 dias. Os seus esforços permitiram que fosse feita uma diferenciação entre o Sars-CoV-2 que circulava em Wuhan e aquele recém-chegado ao nosso país, que estava mais próximo das variantes detectadas na Alemanha no fim de janeiro do ano passado. 

Kirby White

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No início da pandemia, diversos hospitais enfrentaram a falta de equipamentos de proteção individuais (EPIs). Com a falta de batas (aventais) descartáveis, alguns profissionais começaram a usar capas de chuva – ou até mesmo realizar atendimentos sem proteção. As médicas australiana Kirby White e Nicole Townsend resolveram agir, e desenvolveram batas que poderiam ser lavadas e reutilizadas.

Elas lançaram a iniciativa Gowns for Doctors, e conseguiram mais de US$ 40 mil de investimento por meio de doações. Voluntários e empresas têxteis do estado de Victoria ajudaram a tornar possível o oferecimento de EPIs reutilizáveis.

Sarah Gilbert

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Este é o nome por trás da vacina AstraZeneca, uma das quatro oferecidas aqui no Brasil. A professora de vacinologia liderou o desenvolvimento do imunizante na Universidade de Oxford, no Reino Unido. Os seus trabalhos começaram no início de 2020, quando as notícias sobre o coronavírus na China começaram a ganhar força. Hoje, a vacina é a mais usada em todo o mundo, com doses enviadas para mais de 170 países.

Sarah também é especializada no desenvolvimento de vacinas contra o vírus influenza e outros patógenos virais emergentes. Além disso, a britânica é co-fundadora da empresa de biotecnologia Vaccitech, fundada em 2016 com o objetivo de desenvolver vacinas e imunoterapias para doenças infecciosas e alguns tipos de câncer. 

Chika Stacy Oriuwa

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Além de residente em psiquiatria da Universidade de Toronto, no Canadá, Chika Stacy Oriuwa é também poeta, escritora e defensora das populações marginalizadas. A jovem luta contra o racismo sistêmico na área da saúde, que se acentuou durante a pandemia. Chika, que sofreu racismo em 2016 por ser a única aluna negra da turma de medicina, se tornou em 2020 a primeira mulher negra a ser selecionada como a única oradora da faculdade. 

Amy O’Sullivan 

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A enfermeira Amy O’Sullivan atendeu o primeiro paciente com Covid-19 de Nova York. Infelizmente, ele não resistiu à doença, e a profissional, que ainda não usava nem mesmo equipamentos de proteção, acabou sendo infectada. Amy foi intubada, se recuperou e voltou para a linha de frente. No ano passado, ela foi eleita como uma das 100 pessoas mais influentes pela revista TIME.  

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Na última quinta (29), o jornal Wall Street Journal publicou uma notícia sobre a abertura de um processo no Tribunal Superior de Los Angeles, nos EUA. Até aí, nada de novo sob o Sol, certo? Nem tanto: quem fez o pedido foi a atriz Scarlett Johansson. E ela quer processar a Disney.

A ação gira em torno do lançamento de Viúva Negra, o filme mais recente da Marvel Studios (que pertence à Disney) e que é estrelado por Johansson.

Viúva Negra, assim como os recentes Mulan e Raya: O Último Dragão, estreou simultaneamente nos cinemas e no Disney+, plataforma de streaming da empresa. O problema, segundo os advogados da atriz, é que essa estratégia não havia sido combinada previamente: o filme iria para as salas de cinema e só depois para a internet. E isso, ao que tudo indica, comprometeu os ganhos de Scarlett – US$ 50 milhões a menos, estimou o Wall Street Journal.

Nas entrelinhas de Hollywood

Para entender esse quiprocó jurídico, é preciso explicar alguns pontos sobre a indústria do cinema. O primeiro é a janela de exibição – o período entre o filme entrar em cartaz e ficar disponível para consumo doméstico (streaming, Blu-Ray, etc.).

Esse intervalo (que, antes da pandemia, costumava ser de três meses) é um acordo estratégico entre as distribuidoras e as donas das salas de cinema. Dessa forma, as exibidoras têm tempo suficiente para lucrar em cima do lançamento do filme. Em contrapartida, os estúdios faturam no mercado doméstico que, mesmo com o streaming, ainda é altamente rentável.

Com a quarentena, esse acordo caiu por terra: com diversas restrições de público presencial, as exibidoras não tiveram forças para manter os três meses de janela. Resultado: os filmes agora têm ido muito rápido para as plataformas on demand – isso quando não estreiam simultaneamente por lá. É o caso do Premier Access, dentro do Disney+, que permite aos usuários assistirem aos lançamentos do estúdio por um valor extra, além da mensalidade.

A Disney não está sozinha nessa. Nos EUA, a Warner tem lançado os seus filmes simultaneamente no HBO Max, sem custo adicional. No Brasil, onde a plataforma estreou em junho, isso ainda não rola – mas a janela de exibição foi consideravelmente reduzida.

A segunda coisa são os contratos back end. Nesse tipo de acordo, parte do cachê do ator (ou o cachê inteiro) vem de uma porcentagem da bilheteria do filme. Ou seja: quanto mais sucesso o longa fizer, mais dinheiro o artista embolsa.

Esse tipo de acordo costuma render uma bolada. Um dos primeiros que se deu bem com ele foi o ator Jack Nicholson, que ganhou US$ 60 milhões (US$ 131 milhões hoje) pelo papel de Coringa em Batman (1989). Para não abrir mão de tanta grana, os estúdios só assinam contratos do tipo com a classe A de Hollywood – como é o caso de Scarlett, que interpretou a espiã Natasha Romanoff em oito filmes do Universo Cinematográfico da Marvel (o MCU) e que, em Viúva Negra, é também uma das produtoras executivas.

E agora, Natasha?

De acordo com os advogados de Johansson, a Disney assegurou no contrato da atriz que o lançamento de Viúva Negra aconteceria exclusivamente nos cinemas – e que só depois iria para o streaming. Para eles, houve uma quebra no acordo – e o processo visa reparar os danos financeiros causados por isso.

Até esta sexta-feira (30), o filme arrecadou US$ 319,4 milhões pelo mundo – além outros US$ 60 milhões via Premier Access, segundo estimativas da Comscore. Nada mal, considerando outros blockbusters que estrearam durante a pandemia. Mas levando em conta outros filmes da Marvel (além do orçamento de US$ 200 milhões), o faturamento está abaixo das expectativas.

Por meio de um porta-voz, a Disney se pronunciou sobre a abertura do processo. Em comunicado, disse que “não há mérito nenhum” na ação, e que isso é “especialmente triste e angustiante em sua indiferença pelos terríveis e prolongados efeitos globais da pandemia”. A empresa ainda afirmou que cumpriu totalmente o contrato com a atriz, e que o Premier Access aumentou consideravelmente o cachê inicial de US$ 20 milhões que ela já recebeu.

“Não é segredo que a Disney está lançando filmes como Viúva Negra diretamente no Disney + para aumentar o número assinantes e, assim, impulsionar o preço das ações da empresa”, disse à CNN Business John Berlinski, advogado de Johansson. Ele argumenta que o estúdio está usando a Covid-19 apenas como pretexto para tal estratégia, e que espera fazer valer no tribunal o contrato da atriz.

Berlinski também disse que esse provavelmente não será o último caso de um talento de Hollywood que decide tomar medidas legais contra a Disney. Ele estava certo: um dia depois da notícia envolvendo Scarlett, surgiram rumores de que a atriz Emma Stone estaria considerando fazer a mesma coisa. Neste caso, por conta de Cruella, filme que conta a origem da vilã de 101 Dálmatas e que também teve estreia híbrida. Além do papel principal, Stone também atuou na produção executiva do longa.

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Pela primeira vez, consoles de videogame recebem um simulador de voo completo, como nos PCs; game usa 2 petabytes de imagens para reproduzir 100% do planeta; lançamento é o primeiro de uma sequência para tentar alcançar o PlayStation 5 em títulos exclusivos, área em que o console da Sony leva vantagem.

Faz oito meses que a nova geração de consoles foi lançada. E de lá para cá, em games exclusivos, só deu PlayStation 5. Ele nasceu com uma forte seleção de títulos, que incluía Astro’s Playroom, Spiderman: Miles Morales, Sackboy: a Big Adventure e Demon’s Souls, e depois ganhou os excelentes Returnal e Ratchet & Clank: A Rift Apart. Ao mesmo tempo, o Xbox vivia uma seca de novos títulos exclusivos, com um ou outro lançamento de menor expressão (como Gears Tactics e, temporariamente, Yakuza). A Microsoft corre para remediar isso (recentemente comprou o estúdio Bethesda, autor das séries Doom, Fallout e Wolfenstein), mas passou o semestre se apoiando no serviço Xbox Game Pass – ele é excelente, mas não basta para enfrentar a Sony. O Xbox também precisa de blockbusters exclusivos. 

Agora, com a chegada do Flight Simulator ao Xbox Series S/X, isso finalmente começou a acontecer. Ele pode ser baixado, de graça, pelos assinantes do Game Pass – e leva os consoles a um novo patamar. O simulador de voo da Microsoft, que foi lançado ano passado para PC, é um salto tecnológico incomparável: usa 2 petabytes (2 milhões de gigabytes) de fotos de satélite do serviço Bing Maps para reproduzir, com imagens reais, 100% do planeta Terra. Ele tem clima e tráfego aéreo reais, e usa até inteligência artificial – os servidores da Microsoft rodam um software, criado pela empresa austríaca Black Shark, que transforma as imagens chapadas de satélite em cenários 3D. O resultado é incrível. Em alguns momentos, o Flight Simulator alcança o santo graal dos games: o fotorrealismo. 

Por isso mesmo, ele é o terror dos PCs. O computador precisa ter uma CPU e placa de vídeo bem potentes para executá-lo bem, e mesmo assim não é fácil. O game demora bastante para carregar, mesmo com um SSD, e frequentemente dá uns soluços (micro travamentos). Rodá-lo na resolução 4K, então, é coisa para bem poucos.

O Xbox Series X consegue fazer isso, e vai além: transforma a experiência de rodar o Flight Simulator em algo tão simples, ágil e estável quanto qualquer jogo de console. Depois do carregamento inicial, que leva em torno de 2 minutos, ele fica bem rápido – iniciar novos voos leva apenas 20 a 25 segundos (no PC, dependendo da configuração, são minutos). “Nós fizemos bastante trabalho de otimização [do software]“, diz Jorg Neumann, diretor do Flight Simulator. Pergunto em qual nível gráfico, comparando com a versão para PC, o software roda no Xbox. Ele dá uma desconversada. “No Series X é o nível Ultra, para o terreno. No Series S, é o nível Alto, eu acho. É uma mistura de várias coisas”, diz. Isso significa que certos elementos visuais, como prédios e nuvens, podem estar sendo renderizados numa qualidade menor. 

Não parece. Ao rodar o simulador no Series X, a sensação é de estar jogando num PC gamer de alto nível: os gráficos são perfeitos, e a taxa de quadros é totalmente estável (em 30 fps). Mas o impressionante é o que a Microsoft conseguiu fazer com o Series S, que também roda com qualidade excelente. A única diferença realmente perceptível é a resolução, que no Series S é menor, 1080p (veja no vídeo abaixo, gravado pelo site IGN). 

É a primeira vez que os consoles de videogame recebem um simulador de voo de verdade, e isso levanta uma questão: como o FS funciona só com o controle, sem teclado e mouse? Surpreendentemente bem. Quando você pressiona a alavanca esquerda do controle do Xbox, ela se transforma num cursor, para navegar pelos menus do Flight Simulator e operar os controles do painel do avião. O cursor é preciso e tem uma certa inteligência (ele percebe o que você está tentando selecionar), então dá para se virar bem. Mas, se você quiser, também pode conectar teclado e mouse comuns ao Xbox – e usá-los junto com o controle, inclusive. Funciona perfeitamente.

O simulador recebeu algumas mudanças para ficar mais amigável. “Nós adicionamos um negócio chamado Flight Assistant, que ajuda bastante [durante o voo]”, diz Neumann. É um ícone que, quando clicado, mostra lugares interessantes perto de onde você está e atalhos para as principais assistências do avião, como anti-estol e piloto automático. Mas o Flight Simulator é idêntico à versão de PC, ou seja, você pode voar com tudo manual se preferir.

O jogo vem com 24 aeronaves – as mais interessantes são o A320neo, o Boeing 747 e alguns monomotores, mas é possível comprar e baixar outras, como o caça Eurofighter Typhoon (caros R$ 75). Segundo a Microsoft, o FS para Xbox é compatível com todo o conteúdo criado por terceiros (como aviões e aeroportos) para o Flight Simulator de PC – mas os desenvolvedores precisam adicionar seus produtos à versão de console.

A chegada do Flight Simulator ao Xbox é um marco tecnológico para os consoles, e também muda a dinâmica da batalha entre Sony e Microsoft. Finalmente o Xbox Series X/S tem um título exclusivo imperdível. E ele é o primeiro de uma sequência: nos próximos meses, a Microsoft irá lançar Forza Horizon 5, a nova versão do maior e melhor game de corrida do mercado, e o aguardado Halo Infinite (que iria sair junto com os novos consoles, no fim do ano passado, mas atrasou). Ambos no serviço Game Pass, de graça para os assinantes. A Sony irá responder com artilharia pesada: também neste segundo semestre, lança o esperado Horizon Forbidden West.  

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Aos 85 anos, Valerie Taylor veste com certa dificuldade um traje de mergulho cor de rosa. Quando ela termina de colocá-lo, vai logo para debaixo d’água, onde começa a interagir com vários de seus velhos amigos – os tubarões. 

“Todo mergulho tem o potencial de ser uma grande aventura”, diz Valerie em uma das cenas de Brincando com Tubarões, documentário que estreia nesta sexta (23) no Disney+. O filme é um mergulho (com o perdão do trocadilho) sobre a vida da australiana, pioneira na captação de imagens da vida marinha e no estudo (e conservação) dos tubarões.

Uma breve história de Valerie

Para muitos, Valerie é considerada uma lenda viva. Nascida em 1935, ela começou a mergulhar quando era adolescente e, um pouco mais tarde, passou a praticar caça submarina (nos anos 1950, campeonatos do tipo eram uma febre por lá). Taylor era bastante habilidosa – a ponto de se tornar uma campeã.

Aos poucos, contudo, ela percebeu que a vida marinha era algo para se proteger e apreciar. A partir daí, começou a investir na captação de imagens subaquáticas acompanhada do marido, Ron Taylor, e a trabalhar em prol da preservação dos animais.

Nos anos 1960, Valerie e seu marido eram pioneiros na gravação de tubarões sem a proteção de uma gaiola. Eles fizeram documentários e participaram de uma série de produções audiovisuais – a mais famosa delas, o clássico Tubarão (1975).

No filme de Steven Spielberg, o tubarão é pintado como o vilão da história. Muitos argumentam, inclusive, que a repercussão do longa possa ter colaborado para uma visão pessimista dos animais na época – algo que, na prática, não faz muito sentido. As chances de sofrer um ataque de tubarão são muitos pequenas (1 em 3,75 milhões). É mais provável morrer atingido por um raio do que por um ataque desses.

“Ninguém espera ver o King Kong no Empire State Building quando vai para Nova York, certo? Então por que esperar encontrar Bruce [o tubarão do filme] quando vai à praia?”, disse Valerie durante uma coletiva de imprensa de Brincando com Tubarões, da qual a Super participou. A australiana confessou que, na época, ninguém envolvido na produção do longa achava que o público levaria tão a sério uma história fictícia. “É muito raro encontrar um tubarão na vida real – e se você ver, considere-se privilegiado.”

Ao longo da vida, Valerie mergulhou com tubarões incontáveis vezes, e acredita que eles podem ser tão amigáveis quanto um cachorro – você só precisa dar motivo a eles para passar um tempo com você. Foi essa ideia que ela tentou passar com seu trabalho, mostrando que eles não são perigosos como sua má fama faz parecer e que são seres magníficos, com personalidades únicas.

Os bastidores do documentário

“A primeira vez que vi a Valerie foi durante a adolescência, em uma capa da revista National Geographic junto a um tubarão”, relembra Bettina Dalton, produtora do documentário. Para ela, as imagens captadas por Taylor traziam o mundo submarino para a sala de estar de sua casa na Austrália. “Nunca vou esquecer essa cena, ela parecia uma super heroína.” 

Brincando com Tubarões é construído principalmente a partir de filmagens de Valerie e Ron. Sally Aitken, diretora do documentário, afirmou durante a coletiva que trabalhar com este material foi, ao mesmo tempo, um privilégio e uma grande responsabilidade por conta dos 50 anos de aventuras subaquáticas documentadas em imagens e diários. 

Para além da trajetória de Valerie, as cenas do filme ajudam a contar a história da própria vida marinha. “Ela prestou um grande serviço para a ciência, não só por suas iniciativas de proteção dos oceanos, mas também pela captação das imagens em si”, conta Bettina.

Para Aitken, por meio das filmagens de Valerie, podemos testemunhar o que tínhamos e o que perdemos em questão de quantidade e diversidade dos ecossistemas marinhos. A produção do documentário espera que o filme chame atenção para a importância da preservação da vida marinha – e desperte a responsabilidade coletiva ante esse problema.

“Acho que sou muito sortuda por ter passado a vida mergulhando e explorando a vida marinha, mas hoje muitos lugares estão sendo destruídos”, disse Valerie. A conservacionista lamenta também a pesca desenfreada de tubarões, por exemplo, que coloca em risco a existência de muitas espécies – e dos oceanos em geral.

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Pela primeira vez, game traz ‘modo história’ – em que você é um piloto que chega à Fórmula 1 e tem de encarar pressões, favorecimentos, intrigas de bastidor e ordens de equipe nem sempre justas

“Fernando. Is faster. Than. You”. Essa frase, dita pausadamente pelo inglês Rob Smedley no GP da Alemanha de 2010, entrou para a história da Fórmula 1. Smedley estava dando um ultimato, pelo rádio, ao piloto Felipe Massa: a Ferrari havia decidido que ele deveria dar passagem a Fernando Alonso, seu companheiro de equipe. Massa resistiu, mas acabou obedecendo – como, anos antes, Rubens Barrichello tivera de ceder a ordens similares. O caso teve grande repercussão negativa, abalou Massa psicologicamente, e ficou marcado como um exemplo do lado ruim da F1: o jogo político que muitas vezes se sobrepõe ao mérito individual de cada piloto.

O episódio é reproduzido, ipsis litteris, em F1 2021– o novo jogo da Fórmula 1, que está sendo lançado para Xbox, PlayStation e PC. A principal novidade é que, pela primeira vez nos games de F1, há um modo história: ele se chama “Braking Point” (duplo sentido com “ponto de frenagem” e a expressão para “limite psicológico”, em inglês), e coloca você no papel de Aiden Jackson, um jovem piloto inglês que é campeão da F2 e chega à F1. 

Você pode escolher a equipe em que Aiden vai entrar (Williams, Haas, Alpha Tauri ou Force India, que depois vira Aston Martin), mas isso não altera o enredo, que é o seguinte. Ele tem como companheiro de equipe o holandês Casper Akkerman, um veterano em fim de carreira que já não é tão rápido, mas não aceita perder para o garoto. Isso desencadeia uma série de incidentes – e acidentes -, com os dois brigando dentro e fora das pistas. 

A história é envolvente e bem contada, e fica mais interessante a partir da metade, quando os papéis se invertem: agora você é o holandês Akkerman, e tem de lutar contra o favorecimento da equipe ao piloto mais jovem, cujo carro recebe as melhores peças e é beneficiado por ordens do time (“Aiden is faster than you”). Também há um terceiro elemento: o piloto inglês Devon Butler, um manipulador que tenta jogar Aiden contra Akkerman para prejudicar o primeiro – e evitar que ele seja contratado pela Mercedes na temporada 2022.  

O modo Braking Point tem 16 capítulos, todos relativamente curtos. Na maioria deles, você dirige por 7 a 10 voltas (não uma corrida inteira) e tem de cumprir metas específicas, como alcançar determinado carro ou ganhar certo número de posições – às vezes contornando problemas como estouros de pneu, falhas no carro, erros em pit stops etc. Por isso, a história não dura muito: umas 4 a 5 horas no máximo. Poderia ser bem mais. Mas é um bom ponto de partida, que o estúdio inglês Codemasters, autor de F1 2021, certamente irá desenvolver nas próximas edições do jogo – e deveria expandir até antes disso, lançando DLCs que continuem a história de Aiden. 

Modo história à parte, F1 2021 não tem grandes inovações. Os controles e a jogabilidade são quase idênticos aos da versão anterior – o sistema de danos em colisões e a simulação de física dos pneus foram aperfeiçoadas, mas são mudanças discretas. Os gráficos também estão iguais, exceto por uma coisa: no Xbox Series X (em que testamos o game) e no PlayStation 5, agora é possível escolher entre dois modos visuais. O tradicional, com resolução 4K e 60 quadros por segundo, e o “Performance”, que reduz a resolução para 1440p mas aumenta a taxa de quadros para 120 fps, o que deixa os movimentos mais fluidos (mas exige que a sua TV seja compatível, o que é raro).   

O modo de jogo My Team, em que você administra a própria equipe, ganhou algumas melhorias, com menus mais organizados – mesmo caso do sistema de desenvolvimento do carro, que ficou mais fácil de usar (é mais fácil de entender o que cada upgrade de motor ou chassi faz). Também dá para contratar um de seis “pilotos históricos” – Senna, Schumacher, Massa, Nico Rosberg, Jenson Button e David Coulthard – para correr no seu time. Mas isso só na edição “deluxe” do game, que é mais cara: custa R$ 370, contra R$ 300 da versão standard. Não vale os R$ 70 a mais. 

O jogo ainda não inclui todas as pistas da F1: Imola e Algarve, que entraram no campeonato em 2020, e Jeddah (Arábia Saudita), que estreia este ano, não estão presentes. A Codemasters promete adicioná-las, por meio de um download gratuito, nos próximos meses. Outro porém é que não dá para exportar os setups (acertos de carro) de F1 2020 para a nova versão. Se você quiser transferir os seus acertos personalizados – essenciais para ser competitivo em corridas online – o único jeito é anotá-los no papel e depois refazer tudo, um por um.

A Codemasters (que em dezembro foi comprada pela gigante Electronic Arts) tem exclusividade sobre os jogos de Fórmula 1. Por isso, como não sofre competição, ela frequentemente é acusada de não se esforçar muito nas novas versões do game. Tanto que alguns jogadores apelidaram a franquia F1 de “Fifa de corrida” – em referência à série de futebol Fifa, da EA, que às vezes traz poucas novidades de um ano para outro. Mas, desta vez, foi diferente: F1 2021 é um upgrade relevante e desejável. Seu modo história, embora breve, captura o lado humano da Fórmula 1 – no mínimo tão interessante quanto as corridas em si. 

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Já foi possível comprar cocaína na farmácia. Na virada do século 19 para o 20, o extrato das folhas de coca vinha misturado com cafeína – extraída das sementes de plantas africanas do gênero Cola – em um tônico de uso terapêutico. Coca-Cola.

Ela era uma de muitas receitas de soft drinks que se popularizam na época. Os médicos teciam loas aos efeitos benéficos da água com gás. Engenhocas em diversos estabelecimentos misturavam o líquido com bolhas de gás carbônico a xaropes adocicados. Essas foram as avós das máquinas de refrigerante utilizadas hoje em redes de fast food.

O farmacêutico John S. Pemberton (1831–1888) bolou a receita da Coca-Cola e começou a vendê-la em Atlanta, nos EUA, como um remédio barato para doenças brandas e também como um tratamento para militares veteranos viciados em analgésicos opioides – que tinham crises de abstinência horríveis após voltarem dos campos de batalha da Guerra Civil Americana. 

Na época, enquanto os soft drinks se tornavam um fenômeno comercial, o álcool caminhava rumo ao posto de inimigo público e locais chamados bares de temperança – iguais aos bares comuns em tudo, mas sem uma única bebida alcoólica à venda – se popularizaram. Esse movimento culminaria com a Lei Seca de 1918 (seguida, naturalmente, pelo surgimento de uma enorme rede ilegal de fabricação e tráfico de álcool de baixíssima qualidade).

O que torna uma droga ilegal? Por que drogas diferentes, em épocas diferentes, eram aceitas ou não por grupos diferentes? Nativos americanos provavelmente mascam folhas de coca desde a chegada do Homo sapiens ao continente; evidências arqueológicas de 8 mil anos já mostram o consumo da planta nos Andes.

Já faz décadas que governos, polícias e exércitos de todo o mundo gastam montanhas de dinheiro público no combate violento ao tráfico. É um processo infrutífero, que mata inocentes a rodo, potencializa a degradação das periferias de cidades, alimenta o preconceito racial e perpetua a desconfiança da população mais pobre nas autoridades.

Tantos efeitos colaterais não vêm acompanhados de remédio algum: apesar do rastro de sangue, os governos sequer fazem cócegas nas enormes redes de fabricação e distribuição de drogas. Enquanto isso, os viciados são tratados como párias e padecem à abstinência forçada e outras soluções medievais – mesmo que políticas públicas realmente eficazes em ajudar dependentes químicos sejam conhecidas e bem descritas na literatura especializada.

O que realmente leva o viciado a se viciar? O consumo de uma droga, por si só, raramente é suficiente para instaurar e preservar a dependência (ainda que, é claro, um de seus pilares seja a complexa química do sistema de recompensas do cérebro humano).

Há evidências abundantes de que pobreza, empregos desetimulantes, solidão e incapacidade de manter vínculos sociais são catalisadores de vícios, e que pessoas supostamente escravizadas por moléculas na verdade as deixam para trás com naturalidade quando ganham novas vidas e laços.

No livro Na Fissura, o jornalista escocês Johann Hari viaja o mundo para entender as origens e os erros da guerra às drogas, destrincha a biografia de seus principais personagens e esclarece os erros e preconceitos que alimentam o tráfico e os vícios em vez de tratá-los.

No Uruguai, vê de perto os efeitos benéficos da legalização da maconha e conversa com o presidente Pepe Mujica. Na Suíça, narra a implantação e os resultados de um programa em que o próprio Estado fornece a heroína aos viciados – até que eles, com suas vidas reconstruídas, abandonem a droga naturalmente. Nos EUA, explora arquivos em busca das origens da guerra às drogas durante a Primeira Guerra Mundial.

O resultado é maior e mais detalhada reportagem já escrita sobre os inúmeros fracassos do combate aos vícios no século 20 – e um manifesto corajoso sobre o que precisamos fazer para avançar no século 21. 

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