A seleção abaixo foi feita em 2022 a pedido da revista britânica Sight and Sound, que mantém dois rankings com os 100 melhores filmes da história: o dos críticos (formado por 1.600 deles) e o dos diretores (que reúne os votos de 480 cineastas; entre eles, Scorsese). As listas são atualizadas a cada dez anos.

Você vai perceber que boa parte dos títulos da lista são italianos. Não por acaso: na infância, Scorsese vivia assistindo aos filmes do país com os avós, imigrantes da Sicília. Em especial, os do movimento neorrealista, que retratava as dificuldades pós-Segunda Guerra. Ele detalha toda essa paixão em um doc de quatro horas de duração, Minha Viagem à Itália (1999).

1 – 2001: Uma Odisseia no Espaço (Stanley Kubrick, 1968)

País: EUA

Onde assistir? HBO Max

2 – Oito e Meio (Federico Fellini, 1963)

País: Itália

Onde assistir? Globoplay

3 – Cinzas e Diamantes (Andrzej Wajda, 1958)

País: Polônia

Onde assistir? Oldflix

4 – Cidadão Kane (Orson Welles, 1941)

País: EUA

Onde assistir? HBO Max, Belas Artes À La Carte e Oldflix

5 – Diário de um Padre (Robert Bresson, 1951)

País: França

Onde assistir? Indisponível

6 – Viver (Akira Kurosawa, 1952)

País: Japão

Onde assistir? Belas Artes À La Carte

7 – O Leopardo (Luchino Visconti, 1963)

País: Itália

Onde assistir? Looke

8 – A Palavra (Carl Theodor Dreyer, 1955)

País: Dinamarca

Onde assistir? Indisponível

9 – Paisà (Roberto Rossellini, 1946)

País: Itália

Onde assistir? Belas Artes À La Carte e YouTube

10 – Os Sapatinhos Vermelhos (Michael Powell e Emeric Pressburger, 1948)

País: Reino Unido

Onde assistir? Belas Artes À La Carte

^{Texto Rafael Battaglia | Design Caroline Aranha e Cristielle Luise | Ilustração Kin Noise | Edição Alexandre Versignassi}

O filme da Disney que eu mais assisti quando criança não era exatamente um filme. Era uma propaganda.

Em 1996, o Magic Kingdom, primeiro parque da Disney na Flórida, completou 25 anos. Para comemorar, transformaram o castelo da Cinderela num bolo de aniversário cor-de-rosa (com velinha e tudo), organizaram um novo show de fogos de artifício e prepararam um vídeo convidando o público para a festa.

Tinha uma versão em português desse material na casa dos meus avós. Na capa do VHS, o tal bolo gigante. Ninguém jamais soube explicar como aquilo foi parar lá (não tínhamos grana para uma viagem em família). Mas tudo bem: gravei na mente cada canto do parque como se fosse um guia turístico. Estava fascinado.

(Daí você cresce – e entende por que regulam a publicidade infantil.)

Quase todo mundo tem alguma história com a Disney. Em 100 anos de existência, a empresa lançou 812 filmes, entre desenhos e live actions (com atores de carne e osso) dos seus vários estúdios, além de um sem-fim de curtas animados, programas de TV e produtos licenciados. É a segunda maior companhia de entretenimento do mundo em valor de mercado (US$ 149 bilhões), só atrás da Netflix (US$ 194 bi).

Mas há algo de errado no reino do Mickey. A empresa perdeu mais da metade do seu valor desde 2021, quando atingiu o pico de US$ 357 bilhões (veja o gráfico abaixo). O preço das ações é o mais baixo em nove anos.

Uma das principais razões é a crise no mercado de TV, um importante segmento para a Disney, responsável por 33,8% do faturamento, entre canais abertos e a cabo. O Disney+ também tem sua parcela de culpa. Desde o lançamento, em 2019, a plataforma já deu um prejuízo de US$ 11 bilhões.

A situação fez o CEO da Disney, Bob Iger, anunciar em fevereiro um plano para reequilibrar as contas da casa e cortar US$ 5,5 bilhões em custos. Entre as medidas, a empresa demitiu 7 mil funcionários. Vamos entender essa história do começo. Bem do começo.

No início, era tudo rato

Desde criança, Walter Elias Disney já ganhava uns trocados desenhando. Nascido em 1901, em Chicago, Walt se mudou aos seis anos para uma fazenda em Marceline, cidadezinha de 2,5 mil habitantes no estado do Missouri, no meio dos EUA. O garoto passava os dias brincando de copiar e colorir cartoons do jornal – vez ou outra, conseguia uns frilas de ilustração com
comerciantes locais.

A fazenda ficava próxima a uma ferrovia, o que fez de Walt um aficionado por trens. Mas só como hobby: queria trabalhar desenhando mesmo. Quando a família se mudou para Kansas City, Walt passou a fazer dois turnos entregando jornais para pagar por cursos de arte (e ajudar nas contas da casa). Recuperava o sono cochilando no colégio.

Em 1918, aos 17 anos, tentou alistar-se para lutar na Primeira Guerra, mas foi barrado por ser jovem demais. Ele falsificou a certidão de nascimento, conseguiu uma vaga na Cruz Vermelha e viajou à Europa – mas chegou logo após o armistício que encerrou o conflito. Passou boa parte do tempo fazendo desenhos na lateral das ambulâncias e para o jornal do exército.

De volta aos EUA, arranjou emprego num estúdio de arte e ficou amigo de um talentoso desenhista, Ub Iwerks. Nessa época, Walt entrou em contato com o então recém-criado mercado de animações (o primeiro desenho animado da história, o francês Fantasmagorie, saiu apenas uma década antes, em 1908).

Ele logo percebeu que a técnica das folhas de acetato, desenvolvida em 1915, era a mais produtiva. Nesse método, os artistas ganhavam tempo ao animar apenas os personagens, que eram sobrepostos num cenário estático. Em 1921, ele contratou Iwerks e outros artistas, criou o Laugh-O-Gram Studio e passou a fazer curtas para o cinema local (lembre-se: não existia TV).

Os desenhos fizeram sucesso, mas a Laugh-O-Gram operava no vermelho (animação sempre foi um negócio caro). Para economizar, Walt começou a testar outra técnica do momento, mais barata, que mesclava animação com atores reais. Nascia aí O País das Maravilhas de Alice, curta inspirado na obra de Lewis Caroll.

Só que não foi suficiente para segurar as pontas do estúdio, que faliu em 1923. Walt se mudou para Hollywood (seu irmão mais velho, Roy, já morava em Los Angeles) e conseguiu uma parceria para distribuir Alice, que acabou virando uma série para o cinema. Disney chamou Iwerks para a empreitada e, junto a Roy, fundou o Disney Brothers Studio (mais tarde rebatizado de Walt Disney Studio).

Em 1927, Disney encerrou Alice para focar em um projeto 100% animado. O pedido veio do produtor Charles Mintz, que iria distribuí-lo via Universal Pictures. Iwerks e Walt, então, criaram Oswald, o Coelho Sortudo.

Deu certo – mas não por muito tempo. Em 1928, Walt foi a Nova York renegociar um contrato mais lucrativo com a Universal, que detinha os direitos de Oswald. Então descobriu que o estúdio havia chamado quase todos os animadores da Disney para produzir os desenhos por conta própria. Walt saiu sem acordo, sem funcionários – e sem o coelho.

Na viagem de volta, rascunhou um novo personagem: Mortimer Mouse, um ratinho largamente baseado nas feições do coelho Oswald. Ub Iwerks refinou o visual, e a esposa de Walt, Lilian, sugeriu um nome menos formal: Mickey. A estreia foi no curta Plane Crazy (1928), em que ele dá um rolê com a Minnie num avião:

Mas o que fez Mickey e a Disney levantarem voo (rs) foi o desenho seguinte: Steamboat Willie, considerada a primeira animação com som sincronizado. A tecnologia era novidade. O primeiro filme falado da história, O Cantor de Jazz (1927), havia estreado só sete meses antes. Outros estúdios de animação tentavam, sem grandes êxitos, harmonizar som e imagem. No curta da Disney, a música e todos os efeitos sonoros casavam perfeitamente com o que estava na tela.

Disney manteve o sarrafo lá em cima com Silly Symphonies, desenhos surrealistas que acompanhavam a música de uma orquestra. Foi graças a um episódio dessa série, Flowers and Trees, que Walt ganhou o seu primeiro Oscar, em 1932.

Os anões, a greve e a guerra

Em 1933, os curtas da Disney eram um sucesso. Pluto, Pateta e Pato Donald já tinham estreado. Mas Walt estava insatisfeito. Entendia que seria mais lucrativo investir em filmes de longa‑metragem. Foi quando decidiu produzir Branca de Neve e os Sete Anões – ele era fã de uma versão da história produzida como filme mudo, em 1916.

Só tinha um problema: até então, ninguém nunca tinha feito um longa animado, colorido e com som. A imprensa não botava fé e apelidou o projeto de “A Loucura de Disney”. O filme custou US$ 31,4 milhões, em valores de hoje – quatro vezes o valor médio de uma produção da época.

Branca de Neve estreou em dezembro de 1937. Com quase 1h30 de duração, o filme envolveu mais de 1.400 ilustradores, animadores e assistentes. Deu certo: arrecadou o equivalente a US$ 138 milhões, tornou-se um marco do cinema e pavimentou o caminho para as animações seguintes do estúdio: Pinóquio e Fantasia, de 1940.

Mas esses filmes fizeram menos dinheiro que Branca de Neve, já que o mercado europeu estava fechando por conta da Segunda Guerra. A Disney apertou os cintos e demitiu diversos funcionários; os que sobraram passaram a trabalhar dobrado. As longas jornadas, aliadas a baixos salários – e a um ressentimento por Walt ter todo o crédito das obras – levou a uma greve no meio da produção de Dumbo (1941).

A simpática figura pública de Disney escondia um chefe errático. Walt costumava delegar tarefas difíceis com prazos apertados, e raramente fazia elogios. A greve acabou quando Disney assinou um contrato sindical.

Meses depois, os EUA entraram na guerra. Para Walt, um patriota de carteirinha, era a chance de ajudar o país e, de quebra, fazer dinheiro. A empresa fez um acordo com o governo americano para produzir curtas que serviriam como propaganda do exército e para vender war bonds – títulos que os EUA comercializavam ao público para financiar o confronto.

A guerra salvou a Disney da falência, mas a crise financeira não passou – o mercado de curtas havia se tornado mais competitivo com desenhos da Warner Bros (Looney Tunes), MGM (Tom e Jerry) e de outros estúdios. Para baratear a operação, Roy Disney, encarregado das finanças, sugeriu filmes que mesclassem live action com animação (ou sem animação nenhuma). Foi quando saíram obras como o documentário Seal Island (1948) e a aventura A Ilha do Tesouro (1950).

Cinderela (1950), o primeiro longa animado do estúdio em oito anos, foi um sucesso de público e crítica. Mas Walt se distanciou cada vez mais do departamento de animação. Estava focado numa nova empreitada.

Bem-vindo à Disneylândia

Parques de diversões estavam fora de moda nos EUA do pós-guerra. Quando Walt propôs a construção de um na frente da sede da empresa, em Burbank (Califórnia), a prefeitura barrou: não queriam que uma “atmosfera circense” tomasse conta da cidade.

Mas o projeto seguiu. Disney comprou 650 mil m² em Anaheim, a 50 km de Los Angeles. E fundou uma nova empresa, a WED (iniciais de Walter Elias Disney), para desenvolver as atrações do parque. Ele queria que os brinquedos provocassem o mesmo sentimento de assistir a um filme. Para isso, deslocou vários de seus artistas mais talentosos para a nova empreitada.

A Disneyland custou US$ 193 milhões, em valores de hoje. Uma parte saiu de um acordo com a rede de TV ABC, que financiou parte do projeto em troca de um programa para sua grade. A série, apresentada pelo próprio Walt, mostrava bastidores da produção do parque. Marketing puro.

O parque abriu em 17 de julho de 1955, num evento transmitido para 83 milhões de espectadores. Foi um caos. Ingressos falsos causaram superlotação. Brinquedos quebraram… Mas a coisa vingou: em dois meses, um milhão de visitantes passariam por lá.

A Disneyland fez renascer o mercado de parques nos EUA. Em uma década, o complexo de Anaheim recebeu 50 milhões de pessoas e virou lar de brinquedos marcantes (alguns, inclusive, inspirariam futuros filmes, como Mansão Mal-Assombrada, Tomorrowland e Piratas do Caribe).

Mas Walt queria mais. Em Anaheim, o crescimento da cidade impedia a expansão do parque, então o jeito foi achar outro lugar. Nos anos 1960, a empresa comprou, em segredo, várias porções de terras na região central da Flórida. O clima tropical e os preços baixos foram chamarizes, mas não só: o governo local abraçou a ideia, mirando no aumento de empregos e do turismo. Em 1967, a Disney conseguiu transformar seu loteamento de 131 km² (uma Zona Oeste de São Paulo) em um “distrito especial”, no qual um conselho tem autonomia para regular a construção de prédios, estradas, rede de esgoto… a lei permitia até a instalação de uma usina nuclear, caso Walt quisesse.

Ele não quis, mas seus planos não eram menos ousados. Além de parques, Walt desejava construir uma cidade futurista, à la Jetsons. Um município para valer, com gente trabalhando e morando. Chamou-a de “Comunidade Protótipo Experimental do Amanhã” (EPCOT, em inglês). Mas ele não viveu para terminar o projeto. Morreu em 1966, aos 65 anos, de câncer no pulmão – era um fumante voraz.

Roy, então, assumiu as rédeas das obras. Não foi fácil: a região é pantanosa, e a empresa queria fazer uma “cidade subterrânea”, repleta de corredores, para que os funcionários transitassem sem atrapalhar os visitantes. O Magic Kingdom abriu em 1º de outubro de 1971. O irmão de Walt morreria dois meses depois. Os novos presidentes mantiveram o foco nos parques, que se consolidariam como o maior ganha-pão da Disney.

A ideia original do EPCOT nunca saiu do papel. Mas foi adaptada para um misto de parque com centro educacional que abriu ao lado do Magic Kingdom, em 1982. No ano seguinte, veio a Tokyo Disneyland, o primeiro dos quatro complexos da empresa fora dos EUA (os demais, hoje, estão em Paris, Xangai e Hong Kong).

As trevas – e o Renascimento

Walt costumava dizer que o segredo da Disney era o seguinte: cada pilar da companhia ajudava a sustentar o outro. Desenhos eram combustíveis para os parques, e vice-versa. Esse sistema, porém, estava desbalanceado.

Em 1983, os parques representavam 80% do faturamento da empresa. O departamento de animação tinha sido deixado de lado. Mau negócio. A falta de sintonia entre artistas mais velhos e a nova geração do estúdio, aliado ao desinteresse da companhia, levaram a Disney a uma safra de desenhos com críticas e bilheterias insatisfatórias.

Roy E. Disney, filho do outro Roy, convenceu o conselho da empresa a demitir o então CEO, Ron Miller, e ir atrás de alguém que pudesse ajeitar a casa do Mickey.

Roy chamou Michael Eisner, chefão da Paramount, e Frank Wells, da Warner – era a primeira vez que gente sem nenhuma relação com a companhia assumia o comando. Eisner trouxe consigo o produtor Jeffrey Katzenberg para dirigir a divisão de filmes. Juntos, bolaram um plano ambicioso: lançar uma animação por ano, entre projetos em andamento e novas ideias.

O número de artistas subiu de 150 para 550. No final dos anos 1980, eles aprenderam a operar um novo sistema para colorir as animações digitalmente. O software era de um pequeno estúdio, que fazia comerciais da Listerine para pagar as contas: a Pixar.

O primeiro exemplo sólido de toda essa mudança foi A Pequena Sereia (1989). A Bela e a Fera, que saiu dois anos depois, tornou-se a primeira animação indicada ao Oscar de Melhor Filme. Começava o chamado “Renascimento Disney”, um sopro de novidade a uma empresa já septuagenária, que incluiu também Aladdin (1992) e O Rei Leão (1994), entre outros.

A guinada não se restringiu às animações. Eisner e Wells investiram em melhorias nos parques (e construíram outros). Ergueram hotéis e centros de compras. Abriram editoras de livros e compraram um time de hóquei. Entre 1984 e 1994, o valor de mercado da Disney saltou de US$ 2 bilhões para US$ 22 bi. Tio Patinhas ficaria orgulhoso.

Em 1995, a Disney entrou de cabeça no mercado televisivo. Em um acordo de US$ 19 bilhões, comprou a ABC (na época, o segundo maior canal aberto dos EUA), 80% da ESPN, mais uma porção de canais a cabo. Fazia sentido: nos anos 1990, mais de 60% das casas americanas tinham algum tipo de pacote de assinatura (mais tarde, a divisão de TV superaria a de parques e se tornaria a maior fatia de faturamento da Disney).

Nos bastidores, porém, a coisa era conturbada. Funcionários dormiam no escritório e desenvolveram problemas de saúde para cumprir os prazos apertados. Além disso, Roy, Eisner e Katzenberg trocavam farpas sobre quem era o verdadeiro responsável pela bonança. A situação entre os executivos se tornou insustentável, e Katzenberg deixou a empresa para fundar o próprio estúdio de animação: a Dreamworks.

Bobeou, comprou

Nos anos 2000, uma sucessão de gastos de Eisner que não deram em nada irritaram o conselho da empresa. Roy Disney, que divergia fortemente das opiniões do CEO, afastou-se da companhia em 2003. Mas não sem antes iniciar uma campanha na internet pedindo a saída do desafeto. Deu certo: os investidores pressionaram e Eisner renunciou em 2005.

O novo chefe, Bob Iger, que veio da divisão de TV, deu início a uma maratona de aquisições. Você deve se lembrar. Em 2006, a Disney pagou US$ 7,4 bilhões pela Pixar, com quem tinha uma parceria na distribuição de filmes. Em 2009, foi a vez da Marvel, por US$ 4 bi; em 2012, a Lucasfilm (Star Wars, Indiana Jones), pelo mesmo valor. Em 2019, concluiu a compra da 21st Century Fox por US$ 71,3 bi e virou dona de dezenas de franquias, de Avatar a Esqueceram de Mim.

O arsenal titânico de filmes, séries e personagens fez com que todos aguardassem com atenção o lançamento da plataforma de streaming do grupo. E o Disney+ estrearia em 2019 nos EUA com uma assinatura mais barata que a da Netflix e a promessa de conteúdo original constante.

Iger ficou conhecido como o “Rei de Hollywood” e se aposentou no início de 2020. Deu lugar a Bob Chapek, um executivo do setor de parques. Mas ele deu azar. Pouco tempo depois, a pandemia fechou cinemas e todos os resorts da empresa. O Disney+ segurou as pontas: atingiu 100 milhões de assinantes em 16 meses e manteve o valor da companhia no alto.

Em 2022, o caldo engrossou. A promessa de lucro do Disney+ não veio, e vários dos últimos lançamentos da empresa tiveram recepções mornas (você assistiu a Lightyear? Ou ao novo Pinóquio?). Chapek acabou demitido – e o antigo CEO voltou  ao comando.

E agora?

A crise da Disney é mais um reflexo das mudanças no show-biz. O comportamento do espectador mudou. Em 2022, a ocupação das salas de cinema nos EUA atingiu só 65% dos níveis pré-Covid. O público da televisão também caiu: por lá, os canais tradicionais já representam menos da metade da audiência de TV (o streaming domina as telas).

Péssimo negócio para uma empresa que tinha apostado forte na TV, aberta e a cabo. Até hoje os canais são a maior fonte de faturamento da Disney – daí a queda nas ações. O streaming? Bom, segue um mistério – e um ralo de dinheiro. Plataformas como Amazon Prime Video e Apple TV+ têm big techs por trás e não se importam em torrar bilhões sem expectativa de retorno no curto prazo. A Disney, que depende exclusivamente de conteúdo, não se pode dar esse luxo. A exemplo da Netflix, o Disney+ aumentou a sua mensalidade, criou pacotes com anúncios e vai lutar contra o compartilhamento de senhas. Tudo para ver se sobra um cascalho no fim do mês.

A Disney começa o seu segundo século tendo de reaprender a navegar no mundo do entretenimento, que ela mesma ajudou a criar. Resta saber se essa história vai terminar com fogos de artifício.

Sim. A raiz leue- (“raiz” é a parte no comecinho da palavra que fica igual em todas as suas variações) já se referia ao ato de tirar sujeira das coisas na Europa pré-histórica de 4 mil anos atrás, e deu origem à raiz lav- em latim, que então desembocou em “lavar”, “lavanderia”, “lavabo” e afins em português.

Quando os romanos começaram a usar óleo de lavanda para perfurmar roupas lavadas, a flor ganhou o nome. E ela permanece, até hoje, um cheirinho comum em amaciantes. 

Outras palavras que vem da raiz leue- são “dilúvio” e “diluir”, que ganham o dis- antes. Essa partícula remete à noção de distância (algo que fica óbvio na própria palavra “distância”) e, junto de leue-, significa usar água para levar algo para longe.

Por fim, existe a palavra “aluvião”, nome que se dá à terra, argila e cascalho carregados pela água corrente de um rio, que vão se acumulando. A partícula a- antes do lu- indica significa “para”, “com a finalidade de”. Ou seja, aquela sujeira seria algo “para lavar”. 

Fonte: blog Origem da Palavra, Online Etymology Dictionary.

Pergunta de @mathcurti, via Instagram.

O objetivo geralmente é alternar entre uma guitarra de seis cordas e uma de doze cordas – é comum que não dê tempo de tirar um instrumento do corpo e pegar outro durante a música. Jimmy Page do Led Zeppelin usava uma dessas guitarras siamesas para tocar canções como “Stairway to Heaven” e “Tangerine”, que revezam entre os dois instrumentos. 

Nas guitarras de 12 cordas, cada corda é acompanhada de uma cordinha extra, mais fina, que emite a mesma nota em uma versão mais aguda. Assim, cada vez que você toca uma nota, na verdade você está tocando duas, o que dá um timbre brilhante e estalado ao instrumento.

É lindo em passagens acústicas (violões de 12 cordas são bem mais comuns que guitarras), mas não é uma boa na hora de tocar um solo – vários truquezinhos de mão esquerda que são possíveis com seis cordas são bem mais difíceis ou virtualmente impossíveis com seis. 

Outro tipo de instrumento duplo é o que tem um baixo em cima e uma guitarra embaixo. Geddy Lee, do Rush, usava um monstro para alternar entre as partes de guitarra e de baixo da música “Xanadu” – enquanto o guitarrista da banda, Alex Lifeson, usava sua própria guitarra dupla para alternar entre seis cordas e doze cordas.

Essa é uma das únicas músicas da história do rock n’roll que exigia dois instrumentos de dois braços para ser tocada ao vivo em um arranjo próximo do original. 

Na ilustração que abre a matéria, além do baixo de Geddy Lee (que está a esquerda), ilustramos outros dois instrumentos famosos desse gênero.

Chris Squire, do Yes, tinha um baixo de três braços: um comum, um com 3 cordas duplicadas e um que simula um baixo acústico, sem trastes na superfície do braço (as barrinhas de metal que determinam onde você precisa segurar uma corda para emitir uma certa nota.

Por sua vez, Robbie Robertson, antigo guitarrista da The Band, tem a Gibson EMS-1235, uma guitarra com mandolim (um pequeno instrumento agudo de 4 cordas duplas).

Olivia Palito

A personagem foi criada por E. C. Segar em 1919 – dez anos antes do Popeye. Olivia debutou nas tirinhas de jornal como noiva de Ham Gravy, um malandro preguiçoso que tenta ganhar dinheiro rápido. Eles foram os primeiros personagens do…

Thimble Theater

Uma série de tirinhas diária no New York Journal. Popeye apareceu como coadjuvante em 1929, mas logo ganhou protagonismo. Seu primeiro filme live-action, de 1980, era intitulado apenas…

Popeye 

Nesta comédia musical, Popeye é interpretado por Robin Williams. Combinar um personagem querido e um ator carismático parecia sucesso na certa, mas o longa foi um flop. Para a distribuição do filme, o estúdio fez uma parceria com a…

Disney

Os musicais são marca registrada da empresa. A Disney provou que o estilo continua dando certo nos anos 2000 com o filme High School Musical e a série spin-off High School Musical: The Musical: The Series, a produção que estourou…

Olivia Rodrigo

A cantora de 20 anos, famosa pelo hit Driver’s Licence, começou na série de High School Musical como a personagem Nini. O programa foi ao ar em 2019, exatos cem anos após o nascimento de Olívia Palito.

50% (2011)
Filme
MUBI
Adam está com dor nas costas. Vai ao médico e descobre que tem um câncer na coluna. Entra no Google e fica sabendo que o tumor, um neurofibrossarcoma, mata 50% dos pacientes. Ele decide fazer a quimioterapia, mas tenta manter a vida normal: continua saindo, bebendo e se divertindo como qualquer cara de 27 anos.

Estranho Passageiro (2020)
Filme
Netflix
URSS, 1983. A psiquiatra Tatiana é chamada para atender um cosmonauta que voltou do espaço com amnésia. Ele parece normal, só um pouco irritado. Mas trouxe consigo algo sinistro: um parasita alienígena que controla sua mente. Sci-fi original e apavorante, que deverá ganhar uma refilmagem em Hollywood.

O Rei dos Clones (2023)
Documentário
Netflix
Hwang Woo-suk ficou famoso pelas pesquisas com células–tronco, e virou herói nacional na Coreia do Sul. Até que publicou dois estudos clonando, pela primeira vez na história, células de embriões humanos. Isso atraiu a atenção da comunidade científica: que começou a descobrir coisas muito erradas no trabalho dele.

DecifraHits
Canal
YouTube
Você sabia que o título de Smells Like Teen Spirit, do Nirvana, veio de um desodorante? Que Bohemian Rhapsody, do Queen, tem referências ao islamismo – pois Freddie Mercury nasceu num país muçulmano? Que Viva la Vida, do Coldplay, é sobre a Revolução Francesa? Veja essas e outras histórias sobre músicas de sucesso.

No fundo de um lago no Canadá, se esconde a chave para uma nova era geológica. Na lama do lago Crawford, foram encontrados resquícios de plutônio usados nos testes de bombas atômicas do século 20. Isso é um sinal evidente de que nossas ações já estão alterando o planeta.

Uma época geológica é marcada por uma mudança em escala planetária – a que iniciou o Holoceno, nossa época atual, foi a última Era do Gelo, mais de 11 mil anos atrás. Porém, um grupo de pesquisadores defende que já está na hora de deixar o Holoceno para trás e entrar em uma nova era: o Antropoceno. Nossas ações destrutivas mudam o meio ambiente e o planeta em uma escala jamais vista, e a pesquisa no lago do Canadá é uma tentativa de oficializar a proposta.

“É muito importante a gente entender que isso é uma realidade. As mudanças climáticas estão aí, essa nova era está acontecendo e é resultado de algo muito negativo. Essa nova era está sendo marcada pela nossa destruição”, afirma Iara Cardoso, diretora e roteirista do documentário “A Era dos Humanos”, em entrevista à Super.

No novo documentário, apresentado pelo ator Marcos Palmeira, Cardoso buscou trazer uma junção de documentário com cinema, conciliando a credibilidade científica com o apelo cinematográfico justamente para sensibilizar as pessoas para as mudanças climáticas.

Segundo ela, foi criado muito conteúdo sobre o assunto nos últimos anos, mas as pessoas não se sentem comovidas ou não se simpatizam com a causa.

“A gente precisa de alguma forma encontrar novas formas de falar sobre isso. O documentário pretende trazer esse lado emocional para a natureza humana e a ciência”, afirma.

Um dos trechos do documentário mostra, inclusive, um estudo similar ao conduzido no Canadá. Rubens Figueira, químico e professor da Universidade de São Paulo, tirou um pedaço de lama, chamado de testemunho, do rio Caravelas, na Bahia. Analisando a amostra, ele percebeu resquícios de césio-137 em meio aos sedimentos.

O césio-137 é um isótopo radioativo do elemento químico césio. Segundo o estudo publicado por ele e colegas, a ocorrência natural desse elemento no Atlântico Sul é consequência dos testes nucleares.

“A ciência e a natureza são as protagonistas, mas a gente traz um pouquinho de narrativa, a gente acompanha um personagem. Não só o Marcos Palmeira, mas todos os cientistas que estão conosco nesse projeto são personagens”, afirma Cardoso. “Com a dificuldade de fazer ciência no Brasil, os cientistas brasileiros são grandes apaixonados. Eles acreditam muito no que eles fazem. Quando a gente coloca ele no campo, acompanhando o que ele está sentindo, a gente sente junto com ele.”

O documentário acompanha e entrevista pesquisadores de várias áreas: fungos, corais, produção de energia, bioengenharia, botânica e por aí vai. Além do foco científico, o documentário mostra a biodiversidade natural do Brasil, com destaque para a Amazônia, mas também visitando o pantanal, cânions catarinenses, o arquipélago de Abrolhos, entre outros.

Para Cardoso, essas imagens são vitais para o impacto emocional do filme. Segundo ela, seu objetivo era mostrar a beleza natural do Brasil e tocar os corações com as “maravilhas da natureza”.

Até agora, nosso legado como humanidade foi de destruição: o planeta ficando mais quente, animais perdendo suas cores, plásticos poluindo rios e florestas queimando. Para ela, o marco do Antropoceno é um alerta e um pedido de mudança. Temos a chance de repensar como queremos conduzir o restante dessa nova era e escolher entre o caminho da degradação ou da preservação. É um momento importante de reflexão, que precisa ser guiado pela ciência.

“A gente traz a ciência talvez no momento em que ela precise ser mais valorizada. Temos grandes cientistas no Brasil, heróis brasileiros que muitas vezes não são encarados dessa forma e que passam por muitas dificuldades para fazer ciência no Brasil. Então a gente quer trazer esses heróis para a tela e emocionar alguns corações”, afirma.

“A Era dos Humanos”, um documentário dividido em quatro episódios, chega em outubro ao Globoplay.

As culturas mesoamericanas e andinas costumam trazer um misto de fascinação e curiosidade. Elas não só tinham uma complexa organização social, mas também tecnologias que precedem a chegada dos europeus, como a escrita e sistemas de distribuição de água. Apesar dos Maias, Incas e Astecas serem as três civilizações pré-hispânicas mais famosas, eles não foram as únicas. Uma nova escavação no Peru, por exemplo, descobriu um cemitério de uma civilização ainda mais antiga do que os próprios Incas.

Localizado na região de Cajamarca, ao norte do país, uma equipe de arqueólogos peruanos e japoneses encontraram um sítio com restos humanos, câmaras funerárias, e outros objetos de cerâmica que datam de 800 até 1.000 anos d.C. Os Incas, por exemplo, foram surgir  tempo depois, tendo vivido entre 1438 até 1533.

O lugar do sítio arqueológico encontrado nada mais é do que um cemitério pertencente ao povo Wari (ou Huari), uma antiga civilização andina. Pesquisas anteriores já mostraram, inclusive, que os Wari utilizavam estratégias de poder que fariam Maquiavel ficar com inveja: eles usavam a cerveja e outros alucinógenos para o controle político de povos vizinhos.

Essa artimanha, entretanto, não era invencível. Sua influência foi foi significativa até por volta do ano 1.100 d.C, quando foram conquistados pelo florescente império Inca.

Coordenado pelo Projeto de Investigação Arqueológica (PIA) Terlen-La Bomba, a pesquisa relevou que o complexo funerário consiste em câmaras em dois níveis diferentes. Em ambas, é possível encontrar objetos de oferendas pendurados nas paredes, como fragmentos de cerâmica e conchas de moluscos. No sítio, os pesquisadores também encontraram vasos cerimoniais e ornamentais, além de alguns instrumentos de sopro.

Para o arqueólogo da Universidade de Nanzan, no Japão, Shinya Watanabe, o centro cerimonial era multicultural, com pessoas de diversas origens vivendo por ali: “É uma grande descoberta porque os arqueólogos procuravam evidências da cultura Wari”, disse à Agência France-Presse. 

Para os pesquisadores, descobertas como essa são fundamentais para compreender a complexa relação entre os diferentes povos que habitavam a região. O próprio termo “povo” ou “civilização” Inca não é exatamente correto, já que o Império Incas era formado por uma mistura de vários outros povos da região.

War Thunder é um MMO de combate gratuito (MMO é sigla para massive multiplayer online, um game em que muitos jogadores participam do mesmo servidor). Nele, você pode escolher veículos bélicos de confrontos como a 2ª Guerra Mundial, a Guerra da Coreia, a Guerra do Vietnã (e até veículos atuais), de diversas nações, para combater tropas inimigas.

O game foi criado pela desenvolvedora russa Gaijin Entertainment e lançado inicialmente em 2012. O jogo foi relativamente bem recebido e elogiado pela jogabilidade e pelo realismo dos veículos. São mais de 1.800 máquinas (entre helicópteros, tanques, navios e caças) para fazer suas batalhas no céu, na terra e no mar.

Alguns dos jogadores mais ativos são aficionados que levam a temática da guerra, e o jogo, bem a sério. Talvez até um pouco a sério demais.

Recentemente, durante uma discussão em um fórum do jogo, um usuário publicou o manual completo do Eurofighter Typhoon DA7, um avião de caça europeu. Documentos do tipo são de caráter sigiloso, restritos pela OTAN (Organização do Tratado do Atlântico Norte). Afinal, ninguém quer as especificações de seus aviões militares correndo soltas por aí.

Tudo começou quando um usuário propôs a seguinte discussão: os fãs de War Thunder gostariam que o modelo do caça fosse levado para o jogo? Papo vai, papo vem, a conversa ficou mais específica e, então, um usuário bem intencionado publicou os manuais. “Eles contêm TUDO sobre todos os sistemas, armamentos, dados de voo”, escreveu em seu (agora deletado) post. “Espero que esses dados ajudem os desenvolvedores a adicionar este magnífico jato mais rápido e torná-lo o mais preciso possível! Mal posso esperar para pilotá-lo no jogo!”

Bastaram 15 minutos para que um moderador do fórum cortasse o barato e relembrasse que é proibido postar qualquer tipo de documento sigiloso no fórum. Nesse caso, os manuais já estão vazados na internet; mas, mesmo assim, estão protegidos sobre o selo de “restrito” da OTAN “restrito” – um nível diferente de confidencialidade. São informações que exigem salvaguardas e proteção contra divulgação pública. 

Não foi a primeira vez

Até agora, o fórum já registrou 11 vazamentos diferentes. Pois é. Na maioria dos casos, uma disputa sobre especificações de um tanque ou avião leva os usuários a publicar as informações sigilosas – um “forte argumento” para vencer a discussão e mostrar que está certo.

Alguns casos são mais leves: os documentos são restritos, mas já caíram nas mãos do público. Mas outros, nem tanto.

Em julho de 2021, vazaram detalhes confidenciais de um manual para pilotos do tanque de batalha britânico “Challenger 2”. Mais tarde, também apareceram informações semelhantes sobre o tanque francês “Leclerc” e o helicóptero de ataque franco-alemão “Eurocopter Tiger”. Em junho de 2022, segredos militares chineses sobre o tipo de munição antitanque utilizada pelo exército também foram postadas.

Só em janeiro de 2023 foram 5 vazamentos de informações de jatos. O intuito da maior parte das postagens era “avisar” os desenvolvedores para que eles tornassem as versões digitais mais próximas às da vida real. Em outra, sobre o caça americano F-15E, era também uma tentativa de fazê-lo entrar para o jogo.

Em diversas ocasiões, a Gaijin afirmou que leva documentos do tipo em consideração na hora de transferir os maquinários do campo de batalha para os consoles, e que não adianta publicar nada nos fóruns, porque os posts serão derrubados.

Muitos dos apaixonados pelo jogo alegam ser militares de seus respectivos países (essa fatia do público pode explicar o acesso aos documentos sigilosos). Tudo bem, podem continuar jogando – mas talvez seja de bom tom não espalhar (novamente) esse tipo de arquivo.

Joel (The Last of Us)

The Last of Us é um sucesso – tanto o jogo da Naughty Dog quanto a série produzida pela HBO Max –, muito graças ao carisma dos protagonistas Joel e Ellie.

Na história, acompanhamos o luto de um pai que perdeu sua filha em meio a uma pandemia. Anos depois, ele reencontra seu espírito paterno ao levar Ellie, uma garota de 13 anos, de uma ponta a outra do país.

Nesta jornada vemos os personagens se aproximando. Ellie traz a felicidade de volta para Joel, que assume o papel de “pai” e tenta protegê-la a todo custo.

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Geralt de Rívia (The Witcher)

Após salvar o cavaleiro Duny, o bruxo Geralt de Rívia aceita algo chamado “Lei da Surpresa” como pagamento por suas ações: a primeira “surpresa” que Duny encontrar quando chegar em casa deverá ser o pagamento de Geralt.

A questão é que a princesa do reino de Cintra, Pavetta, estava grávida de Duny quando ele retornou. Logo, esta “criança surpresa” seria o pagamento de Geralt quando atingisse certa idade.

E é assim que a conexão entre Cirilla de Cintra, filha de Pavetta e Duny, e Geralt começa. Após determinados acontecimentos, o bruxo decide proteger e cuidar de Ciri durante toda a trama de The Witcher. Com isso, vemos a conexão entre eles crescer com o passar dos livros.

A história de Geralt e Ciri está sendo adaptada em uma série da Netflix (agora em sua terceira temporada), assim como uma “continuação” desenvolvida ao longo dos três jogos da CD Projekt RED.

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Djin Djarin (O Mandaloriano)

Não tem como falar em pais da cultura pop sem citar Djin Djarin e Grogu (ou Baby Yoda), da série O Mandaloriano, produzida pela Disney+. Essa dupla inusitada se junta logo no início da série, quando Djin decide salvar Grogu e não o entregar ao império.

Djin é um caçador de recompensas mandaloriano que nunca tira o seu capacete – o que o torna uma pessoa bem fechada para novos amigos. Mas vê em Grogu uma amizade e desenvolve um sentimento de proteção.

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Kratos (God of War)

Quando a Sony anunciou o grande retorno da franquia God of War e de Kratos, o Fantasma de Esparta, muitos fãs não sabiam o que esperar. Depois de destruir os deuses da mitologia grega, o Deus da Guerra viaja para as terras nórdicas e arruma problemas com Odin e companhia.

O que muitos não esperavam era ver um Kratos mais experiente, calmo, sem toda a gritaria dos outros jogos – e o principal, com um filho. Atreus é apresentado no God of War de 2018, e possui uma relação bem conturbada com seu pai.

No entanto, conforme a história se desenvolve, vemos os dois se aproximando e realmente se tornando uma família – algo que ambos precisavam, especialmente após a morte da mãe de Atreus.

Após o grande sucesso de The Last of Us pela HBO Max, o Amazon Prime Video anunciou sua adaptação de God of War para as telas. O seriado ainda não tem data de estreia.

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Sr. Incrível (Os Incríveis)

Como não lembrar de Roberto Pêra, o Sr. Incrível, quando se fala de “Pais da Cultura Pop”? Desde 2004, a família incrível está presente na vida de muitas crianças e adolescentes, ao longo de dois filmes produzidos pela Disney Pixar.

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Até os 20 anos de idade, o americano Christopher Storer achava que seria cozinheiro. Parecia o caminho natural: a irmã, Courtney, era uma chef – e ele cresceu no subúrbio de Chicago rodeado de amigos que trabalhavam no ramo.

“Aí eu descobri que não tinha talento nenhum para a coisa”, disse Storer em uma entrevista para o jornal The New York Times. Partiu, então, para Los Angeles, onde entrou para o showbiz. Ele passou a dirigir episódios de séries de TV, especiais de stand-up e produzir filmes, como Oitava Série (2018), do comediante Bo Burnham.

Em 2022, Storer revisitou o mundo da gastronomia com a série The Bear (“O Urso”), um fiel retrato das cozinhas profissionais com doses equilibradas de drama e comédia. Foi eleita uma das dez melhores produções do ano passado pelo American Film Institute, e a segunda temporada estreou nesta semana no Brasil no Star Plus (dois meses depois do lançamento nos EUA, onde o programa passa no Hulu).

The Bear acompanha a história de Carmy Berzatto (Jeremy Allen White), um jovem e premiado chef que decide deixar a alta gastronomia para assumir o The Beef, uma lanchonete italiana falida em Chicago, sua terra natal. O motivo: o restaurante pertencia ao seu irmão mais velho, Michael (Jon Bernthal), que morreu.

Carmy, então, precisa organizar as contas do restaurante ao mesmo tempo em que enfrenta o luto. O relacionamento com os funcionários também não é fácil, tanto com os antigos – como o amigo de longa data, Richie (Ebon Moss-Bachrach ) – como com os novos – em especial, Sidney (Ayo Edebiri), uma jovem (e promissora) cozinheira, que chegou à lanchonete com várias ideias para revitalizá-la.

As inspirações

The Bear tem pitadas autobiográficas de Storer. Não só a série se passa em Chicago, como também é possível traçar alguns paralelos entre o drama familiar dos Berzatto com a vida do diretor. Quando criança, os pais de Christopher se divorciaram e ele foi morar com a mãe; a irmã, com o pai. “Foi a comida que nos reaproximou”, disse ele em uma entrevista para a Esquire.

Para entender a dinâmica de um restaurante, Christopher reuniu dezenas de relatos de cozinheiros. Um deles foi Chris Zucchero, um de seus melhores amigos e dono do Mr. Beef on Orleans, uma lanchonete de Chicago fundada em 1979 pelo seu pai, Joseph Zucchero.

Localizado em River North, o Mr. Beef costumava servir os trabalhadores das fábricas do bairro. A região se modernizou – e o restaurante continuou lá, como um dos símbolos gastronômicos da cidade.

A produção de The Bear gravou cenas internas e externas no estabelecimento. Mas, para criar o The Original Beef of Chicagoland (nome do restaurante fictício da série), construiu-se também uma réplica do Mr. Beef no Cinespace, um estúdio de Chicago.

@brubs1701 Que sonhoo #thebear #ourso #jeremyallenwhite #ayoedebiri #series #starplus #tour #chicago #setvisit ♬ Let Down – Radiohead

O carro-chefe da casa (que também ganha destaque na série) é o Italian Beef Sandwich – sanduíche de carne italiano, que consiste em finas fatias de carne assada, pimentões e giardiniera, um mix de legumes em conserva. Tudo isso num pão italiano (dã).

Não se sabe ao certo quem inventou o sanduíche, mas acredita-se que ela tenha surgido no começo do século 20, com os imigrantes italianos nos EUA. A maioria deles era pobre e sofria discriminação – então tudo o que eles conseguiam no supermercado eram as partes mais duras de carne bovina. O que fazer com elas?

Não demorou muito para que os imigrantes percebessem que bastava cozinhar a carne por várias e várias horas até que ela ficasse macia. Cortar em fatias finas e comer com um pão fresquinho ajudava a mascarar a qualidade inferior do corte.

O Italian Beef logo passou a aparecer no cardápio de festas e casamentos da comunidade de imigrantes. Nos anos 1930, o restaurante Al`s, localizado no bairro italiano de Chicago, foi o primeiro a vender o sanduíche na cidade. The Bear, vale dizer, causou um boom pela procura do sabor em várias cidades dos EUA.

Fidelidade

Desde a sua estreia, The Bear tem recebido diversos elogios: boas atuações, ritmo frenético, trilha sonora escolhida a dedo. Mas um dos elementos que mais se destacam é o quão fiel é a representação do dia a dia de uma cozinha profissional.

Sem glamour, a série mostra a longa (e exaustiva) rotina de um restaurante. Não apenas no preparo da comida: tem cano estourado, contas vencidas e um sem-fim de brigas entre funcionários estressados. Storer diz ter assistido a vários filmes que se passam em submarinos para entender como é a dinâmica de pessoas confinadas trabalhando sob pressão.

A consultoria gastronômica ficou a cargo da irmã de Storer, que trabalhou por anos em restaurantes prestigiados nos EUA e na Europa e, hoje, cuida de um negócio de buffets para eventos. The Bear contou ainda com o chef canadense Matty Matheson – que também atua na série como o faz-tudo Fak (que, ironicamente, não cozinha).

Para se preparar para a série, os atores treinaram em cozinhas profissionais. Allen White, por exemplo, passou um tempo no Pasjoli, um bistrô francês em Santa Mônica, na Califórnia. Eles não precisaram de nenhum dublê. “Aquelas são as minhas mãos”, disse Edebiri, sobre as cenas em que aparece cortando alimentos em alta velocidade.

A busca por autenticidade atravessou o Atlântico. O ator Lionel Boyce, que dá vida a Marcus, teve aulas de confeitaria e viajou até Copenhagen, na Dinamarca, para visitar o Noma, considerado um dos melhores restaurantes do mundo. Uma das inspirações para o personagem, aliás, é Malcolm Livingston, que por um tempo foi chef de confeitaria do Noma.

Sim, e o principal deles é a cevada. O cereal da sua cervejinha é a base do caffè d’orzo (“café de cevada”), uma bebida italiana com gosto similar ao do tradicional, mas sem cafeína. 

O orzo costuma ser feito em máquinas de espresso ou numa orziera – uma versão da moka (a cafeteira italiana) com um filtro específico para o pó de cevada. Na Europa, esse cereal sempre foi uma alternativa barata ao café (uma planta tropical, que não cresce no Velho Continente), e se tornou especialmente popular durante (e após) a Segunda Guerra Mundial, quando as importações da commodity ficaram mais escassas. 

Até hoje, é possível encontrar na Europa marcas de “café fake”, como a Caro, da Nestlé, e a Inka, da empresa polonesa Skawina. Produtos do tipo são chamados de “cafés de cereal” e são feitos, geralmente, a partir de uma mistura de grãos: cevada, centeio… no Brasil, dá para encontrar café de milho.

Alguns desses cafés acrescentam chicória à mistura. Pois é: a planta (cuja folha você pode comer como salada ou refogada) é um outro popular substituto do café em vários países – nos EUA, o café de chicória é uma iguaria tradicional da cidade de Nova Orleans. As etapas de fabricação são as mesmas: secagem, fermentação, moagem e torrefação. A diferença é que, nesse caso, a matéria-prima não são grãos, mas sim a raiz da planta.

No norte do Brasil (sobretudo no Pará), dá para encontrar ainda o café de açaí, feito a partir dos caroços torrados (e moídos) da fruta. É uma maneira de aproveitar os descartes da produção da polpa comercializada mundo afora. A bebida é mais clara e leve que o pingado da padaria – e, assim como os outros substitutos, não tem cafeína.

Pergunta de @jv.calderaro, via Instagram

Os EUA ocuparam a ilha de Okinawa do final da 2ª Guerra até 1972. No final do conflito, os militares forneceram à população faminta seus suprimentos: salsicha, ketchup, legumes em conserva, macarrão e Spam – uma carne de porco enlatada. Os japoneses misturaram tudo na frigideira e voilà: nasceu o yakissoba de Okinawa. 

Essa é a versão extrema do yakissoba, que nasceu como improviso na 2ª Guerra ou um pouco antes. O nome significa “macarrão de soba frito” – “soba” é trigo-sarraceno em japonês. Até o século 20, carboidrato, no Japão, era só arroz. Macarrão era na China. Mas o racionamento de arroz fez o consumo de trigo aumentar de 1,1 para 3,6 bilhões de kg anuais entre 1934 e 1955, e catalisou o surgimento de lámens e yakissobas.

A primeira encarnação do que um brasileiro reconheceria como yakissoba surgiu na mão de chineses na Califórnia na virada dos séculos 19 e 20, que criaram o chop suey, um macarrão frito com carne e vegetais picados. Eles faziam adaptações das receitas da província de Cantão – que abriga só uma dentre as oito grandes tradições culinárias da China.

A comida chinesa do Brasil lembra esse crossover cantonês-americano. Não à toa, alguns restaurantes chineses não usam a palavra em japonês. Por exemplo: no Hi Pin Shan, fundado em 1984 em São Paulo, é macarrão chop suey.

(Este post é mais um da série da Super sobre comidas estrangeiras favoritas dos brasileiros. Leia outros aqui nos links relacionados:)

Abaixo, vamos nos ater ao nome japonês, e dar uma típica receita japonesa (não a de Okinawa, rs):

A receita

(Rendimento: 4 porções)

Ingredientes

400 g de macarrão soba (massa do leste asiático feita com trigo-sarraceno, dá para encontrar em mercados comuns. São 100 g por pessoa, aproximadamente);

1 cebola picada e 1 cenoura, em rodelas;

Repolho (vai no olhômetro);

200 g de barriga de porco fatiada fina;

Molho usuta sosu (versão japonesa do molho inglês, espessa e adocicada. Às vezes é vendido só como “molho para yakissoba”; uma marca japonesa disponível no Brasil é a Otafuku); 

Aonori (alga em pó) para salpicar;

Beni shōga (picles de gengibre) em tiras para decorar.

Modo de preparo

1 – Ferva água e cozinhe o macarrão. Deixe o ponto al dente – ele precisa ficar durinho para acabar de cozinhar no molho, quando for para a frigideira.. Adicione um pouco de óleo e misture para o macarrão não grudar.

2 – Em uma frigideira grande, frite a barriga de porco. Quando as fatias estiverem pegando cor, adicione a cebola, o repolho e a cenouras (pré-cozidas para ficarem molinhas). Adicione um pouco de óleo caso a gordura da barriga de porco não seja suficiente.

3 – Adicione o macarrão, o molho e misture tudo agitando a frigideira. Deixe o macarrão acabar de cozinhar no molho, e ajuste o sal se necessário (o molho já é salgado). Salpique a alga e o picles de gengibre ao servir. 

Consultamos: livro Cozinha japonesa moderna: comida, poder e identidade nacional, de Katarzyna K. Cwiertka.

Em 11 de novembro de 1876, D. Pedro II (e mais uma comitiva de 200 pessoas) desembarcaram na cidade de Beirute, no atual Líbano. Foi parte de uma extensa viagem internacional do imperador, que durou um ano e meio e passou por lugares como EUA, Rússia e o norte da África.

Pedro era um entusiasta da cultura árabe (ele aprendeu o idioma traduzindo contos de As Mil e Uma Noites). Uma passadinha no Oriente Médio, então, não poderia ficar de fora. Mas a estadia gerou mais do que um diário de viagem do rei: ela impulsionou a imigração de sírios e libaneses para o Brasil.

Fugindo da escassez de terras e da perseguição religiosa do Império Otomano (que durou até 1922 e seguia a fé islâmica), muitos árabes cristãos emigraram para outros países em busca de uma vida melhor. Na época em que D. Pedro II esteve no Líbano (que só viraria um Estado de fato em 1941), já havia árabes no Brasil – mas a sua visita, acompanhada de perto pela mídia local, teve um papel importante para apresentar o país como um destino possível.

O convite estava feito – e os árabes vieram. Entre 1884 e 1933, o Brasil recebeu 130 mil sírios e libaneses (65% deles, cristãos). A maior parte se fixou em São Paulo e foi trabalhar no comércio. Viraram mascates (vendedores viajantes), abriram lojas, fábricas – e restaurantes. Hoje, há 11,6 milhões de árabes e descendentes vivendo no Brasil, e a sua culinária é onipresente: kibe, homus, coalhada seca – esfiha.

Não dá para cravar quando a esfiha surgiu. Pães achatados já eram consumidos há milhares de anos na região do Levante, a porção norte do Oriente Médio (ṣafīḥa, em árabe, significa “folha”, “lâmina”, “placa fina”). Cada povo desenvolveu um modo de produzi-los, como em um saj (aquelas chapas metálicas redondas) ou num tanur (forno cilíndrico; os pães assam colados à parede, na vertical).

Na Idade Média, a popularização do furn (um grande forno a lenha, como o de pizza) permitiu que os pães pudessem ser recheados ou cobertos. Para o café da manhã, era comum salpicar a massa com queijo ou zaatar (uma mistura de temperos); para o almoço, carne. Não à toa, as esfihas são comumente chamadas por lá de lahm b’ajin (ou apenas lahmajin) – “carne com massa”, em árabe.

Vários países reivindicam a criação da esfiha, e há um sem-fim de recheios e formatos. No Líbano, alguns lugares servem versões com massa folhada. Além da carne, batata, espinafre e escarola são sabores comuns. Na Síria, costuma-se colocar pinoli; na Turquia, uma pasta feita com pimentões vermelhos. Os armênios também fazem esfihas com sujuk, uma espécie de salsicha curada (e bem temperada) feita a partir de carne bovina ou de cordeiro.

(Curiosidade: o que nós chamamos de “esfiha fechada”, de formato triangular e com a massa mais grossa, não é exatamente uma esfiha. No Oriente Médio, é chamado de fatayer. Além da carne, outros recheios comuns são o espinafre e o queijo feta.)

A receita abaixo foi elaborada com a ajuda do libanês Ahmad Mehri, dono do restaurante Syria, em São Paulo. Experimente – e sinta-se livre para moldar a massa e modificar o recheio à sua maneira. Essa é uma das belezas da gastronomia, afinal. 

(Este post é mais um da série da Super sobre comidas estrangeiras favoritas dos brasileiros. Leia outros aqui nos links relacionados:)

A receita

Rendimento: de 15 a 25 esfihas (depende do tamanho)

Ingredientes

500g de farinha de trigo tipo 1;
250 ml de água;
1/2 colher de chá de sal;
1/2 colher de sopa de açúcar;
1/2 xícara de chá de óleo;
500g de carne moída (se puder, peça ao açougueiro para moê-la duas vezes);
1 cebola média, picada;
De 2 a 4 tomates médios, picados (e sem sementes);
Baharat, mix libanês de sete temperos (em geral, pimenta-do-reino, pimenta-da-jamaica, coentro, canela, cominho, noz moscada e cravo);
Sal a gosto.

Modo de preparo

1 – Junte a farinha, o sal e o açúcar. Adicione o óleo aos poucos e vá mexendo. Faça o mesmo com a água.

2 – Sove a massa até ficar homogênea e desgrudar da mão. Se precisar, adicione farinha e água para acertar a consistência. Deixe descansar por 1h.

3 – Enquanto isso, hora de fazer o recheio. Junte a carne, o tomate, a cebola e o mix de temperos. Experimente cru e ajuste o sal. Coloque a carne em uma peneira ou num escorredor de macarrão por uma hora.

4 – Para abrir a massa, jogue um pouco de farinha sobre a mesa e faça bolas (cada uma dará origem a uma esfiha). Na hora de abri-las, deixe-as bem finas.

5 – Ponha a carne crua nos discos de massa e espalhe bem. Não exagere – o lance aqui é criar um disco fino, tanto de massa como de recheio.

6 – Leve ao forno pré-aquecido no talo. O ideal é um modelo com grelhas em cima e embaixo. Quando as esfihas estiverem douradas, está pronto. Sahtein*.

^{*”Bom apetite”, em árabe.}

O que o Brasil entende por comida mexicana – seja o fast-food do Taco Bell, seja a de um restaurante mais caprichado – é um crossover chamado Tex-Mex, que nasceu em território americano nas mãos de texanos de ascendência hispânica.

A comida mexicana tradicional não tem tanta carne moída ou queijos como cheddar. Prefere tortilhas de milho moles, carne de porco, cebola, limão, coentro e queijo branco.

Fajitas? São Tex-Mex. Nachos? Tex-Mex. Burritos? Aqui é uma zona cinzenta: eles não são comuns no México, mas fazem parte da culinária local, principalmente no norte do país. Ou seja: são guarda compartilhada. Outros pratos, como enchiladas e tacos, são tradicionalmente mexicanos, mas têm versões americanizadas.

Contudo, resumir a culinária mexicana a eles é como falar que o brasileiro vive de feijoada. Cada região do México tem suas peculiaridades, mais ou menos próximas dos clichês no nosso imaginário. Entre doces e ensopados menos conhecidos, o México guarda uma receita coringa intocada pelo Tex-Mex que é fácil de reproduzir em casa.

Os chilaquiles são um típico café da manhã ou lanchinho da madrugada após um goró. O molho, que é a parte mais complicada de se fazer, pode ser armazenado em grandes quantidades e usado depois. Ele é geralmente feito com tortilhas amanhecidas – como um brasileiro reaproveitando pão francês.

Este post é mais um da série da Super sobre comidas estrangeiras favoritas dos brasileiros (leia outros aqui nos links relacionados):

A receita

(Rendimento: 4 porções)

Ingredientes

Tortillas (pães mexicanos achatados, dá para comprá-los prontos);
7 a 8 tomates;
1 cebola;
2 pimentas guajillo secas e sem sementes;
4 a 5 pimentas serrano;
2 dentes de alho;
Sal, orégano e pimenta do reino conforme necessário.

Modo de preparo

1 – Ferva água em uma panela. Como as pimentas serrano demoram para cozinhar, dê prioridade a elas. Adicione os tomates sem talo, as outras pimentas, cebola e alho. Cozinhe até os tomates amolecerem.

2 – Em um liquidificador, bata tudo com um pouco da água do cozimento. O molho deve ficar homogêneo e líquido, mas não aguado. Ajuste orégano e sal.

3 – As tortillas já devem estar cortadas em triângulos do tamanho de nachos. Passe na frigideira ou toste no forno rapidamente.

4 – Adicione óleo a uma frigideira. Coloque o molho e se prepare para respingos. Diminua o fogo e deixe-o cozinhar até escurecer e engrossar um pouco.

5 – Coloque as tortilhas já tostadas na panela, mexa rapidamente e tire do fogo. Sirva rápido para que elas não amoleçam como cereal no leite.

6 – Complete com queijo branco e crema, um molho feito com um copo de leite, uma colher de leitelho ou de creme azedo – é possível trocá-los por iogurte –, uma colher de suco de limão e sal.

Consultamos: canal do YouTube Jauja Cocina Mexicana, livro 500 Mexican dishes, de Judith Fertig.

Discos finos com cobertura são uma ideia antiga. Na Antiguidade, falantes de grego e hebraico já usavam a palavra pita para se referir a pães achatados. Mas pizza, mesmo, só foi possível com o tomate, que veio das Américas.

A versão moderna surgiu em Nápoles, do século 18 para o 19. Na Itália, a cobertura é mais escassa que no Brasil, quase salpicada, com o molho à mostra. Além de mussarela de búfala, mussarela fior de latte e manjericão, podem ir presunto cru, anchovas ou cogumelos.

Farinhas de boa qualidade geram uma massa mais fofa, elástica e com bordas altas, diferente das nossas, que são baixas e densas. Existe a pizza romana (quadrada, grossa e crocante), a pizza al taglio, vendida por peso, a pizza siciliana (alta e fofa, lembra Pizza Hut). E claro, a pizza napolitana. Desde 2017, ela é patrimônio da humanidade segundo a Unesco.

A Associazione Verace Pizza Napoletana (AVPN) regula o que pode ser chamado de pizza de verdade. Segundo ela, pizza só existe em dois tipos: marinara (molho de tomate, óleo, orégano e alho) ou marguerita (tomate, óleo, mussarela de búfala, parmesão ralado e manjericão).

No Brasil, existem 112 mil pizzarias (26 mil delas em São Paulo). São 5 milhões de pizzas por dia; cinco pedidos por segundo. Menos de 01,% dos estabelecimentos seguem a norma da AVPN.

Abaixo, ensinamos uma marinara adaptada para a realidade amadora. Este post é mais um da série da Super sobre comidas estrangeiras favoritas dos brasileiros (leia outros aqui nos links relacionados):

A receita

(Rendimento: 2 pizzas grandes)

Ingredientes

500 g de farinha 00 (contém pouco glúten e deixa a massa mais leve);
0,5 g ou ½ colher de fermento biológico seco;
2 colheres de chá de sal;
300 ml de água;
Tomates pelados amassados com as mãos;
1 dente de alho;
Azeite de oliva extravirgem;
1 pitada de orégano;
Manjericão a gosto (a receita da AVPN, porém, diz que não pode).

Modo de preparo

1 – Junte a água e o fermento. Depois, metade da farinha.

2 – Misture com a mão. Uma batedeira doméstica pode não aguentar a consistência elástica que a massa vai adquirir – cabe a você conhecer os limites do eletrodoméstico (rs). Depois, adicione a outra metade da farinha e o sal. Sove mais até parar de grudar.

Dica do chef: pizzarias que seguem à risca a receita da AVPN e têm o selo de autenticidade na parede usam apenas água, sal, fermento e farinha na massa. Existem boas pizzarias, porém, que adicionam um pouco de azeite nesta etapa (como acontece na pizza romana).  De acordo com José Luiz Sanches e Luiz Fernando Macian, da pizzaria Mercutio em São Paulo (SP), o objeto do óleo é torná-la mais crocante e firme ao final, ideal para pegar com as mãos sem que o pedaço se desfaça. Uma pizza napolitana típica é bem fina e dobrável – é normal deixar o recheio cair.

3 – Deixe descansar, fora da geladeira e coberta com filme plástico ou um pano, por 2 horas, até dobrar de tamanho. Depois, divida em duas bolas de 250 g (duas pizzas) e ponha na geladeira.

4 – Espalhe farinha na bancada e abra as bolas de massa pressionando o centro da esfera de dentro para fora. A espessura “oficial” não passa de 0,25 cm, com bordas de 1 a 2 cm.

5 – Agora é a vez do recheio. Para uma marinara, espalhe os tomates pelados, salpique o orégano e o alho em fatias finas e, por último, despeje o azeite.

6 – Uma autêntica pizza napolitana deve ser assada a 485 °C, girando para assá-la igualmente. O tempo de cozimento varia entre 60 a 90 s.

Outra dica do chef: na falta de forno a lenha, aqueça uma frigideira e coloque só a massa com o molho. Quando ela crescer e o molho secar um pouco, ponha a cobertura, deixe por alguns minutos e então passe para o forno (pré-aquecido no talo, de preferência com uma grelha no teto).

Ela ainda ficará um pouco pálida, porém, porque um forno caseiro não atinge a mesma temperatura dos fornos a lenha ou a gás de uma pizzaria. Para o chamuscado de um forno a lenha, use, com cuidado, um maçarico culinário para queimar as bordas e o recheio levemente. Ele chega à temperatura necessária para inchar aquelas grandes bolhas de massa crocante. A dica é do jornalista Marcos Nogueira, cujo livro Cozinha Bruta (que contêm um tutorial mais detalhado sobre o uso do maçarico) você pode comprar no link abaixo:

Cozinha Bruta

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Nesta quinta (17), estreia nos cinemas Besouro Azul, o primeiro filme da DC Comics protagonizado por um personagem latino.

Xolo Maridueña (o Miguel de Cobra Kai) vive Jaime Reyes, um jovem recém-formado na faculdade com dificuldade em arranjar emprego. Ele mora com a família na fictícia Palmera City (um arremedo de Miami, mas que fica na fronteira entre o Texas e o México). Não é uma vida fácil – e tudo piora quando um misterioso objeto alienígena cai nas mãos de Jaime.

O artefato (entregue a ele por Jenny Kord, interpretado por Bruna Marquezine) possui o formato de um escaravelho e dá superpoderes ao rapaz, que passa a vestir uma armadura capaz de conjurar qualquer tipo de arma. O problema: o objeto está na mira de uma corporação maligna, e cabe a Jaime evitar que eles consigam obtê-lo.

“Besouro” ou “escaravelho”?

Apesar do nome do filme, os personagens se referem ao artefato como “escaravelho”. Por quê?

A resposta é simples: escaravelhos são um tipo de besouro. “Besouro” é um termo genérico para insetos da ordem Coleoptera, enquanto um “escaravelho” é um membro de uma categoria abaixo dela, a família Scarabaeidae. Eles são conhecidos O nome “escaravelho” tem origem na palavra grega “kárabos” e quer dizer… “besouro”.

Os escaravelhos têm antenas curtinhas e o corpo compacto. Talvez o exemplo mais conhecido seja o besouro-rola-bosta. Até existem besouros azuis na natureza, mas com uma anatomia diferente:

Importância mitológica

O escaravelho era um animal sagrado na cultura egípcia. Da mesma forma que alguns escaravelhos rolam bolas de excrementos, acreditava-se que a divindade Khepri (representada por um homem com uma cabeça de escaravelho) rolava o Sol pelo céu todos os dias.  Por cuidar do nascer do Sol, Khepri (e, por consequência, o inseto) são representações do renascimento e da imortalidade.

Os egípcios também confeccionavam amuletos no formato de escaravelho. Geralmente feitos com pedra-sabão, eles traziam escritos ou desenhos. Alguns eram apenas ornamentos, enquanto outros tinham funções “especiais”, como nas bandagens de múmias, em que faziam as vezes de “coração” do morto) Eles acreditavam que, dessa forma, estariam expurgando os defeitos humanos (medo, fraqueza e desejo) e lhe atribuindo um novo (e purificado) recomeço.

Havia também selos de argila na forma de escaravelho. Suas inscrições normalmente eram lemas referindo-se a lugares e divindades ou votos positivos ou palavras de amizade.

Outros escaravelhos na cultura pop

Um exemplo famoso é o livro O Escaravelho do Diabo, escrito pela brasileira Lúcia Machado de Almeida. Ele foi publicado originalmente em capítulos na revista O Cruzeiro, em 1956, mas fez sucesso ao ser relançado pela série Vaga-Lume, em 1974. A trama gira em torno da morte misteriosa de Hugo, que havia recebido um pacote com um escaravelho no dia anterior.

Em A Múmia (1999), filme estrelado por Brendan Fraser, os escaravelhos são descritos como “comedores de carne humana”, que podem ficar “anos se alimentando da carne de um corpo”. Eles ficam paradinhos, parecendo pedras com suas carapuças brilhantes, até alguém pegar um na mão. Então, eles se transformam e entram pela pele da pessoa, até chegar no cérebro e matá-la.

Até existem besouros que comem carne, mas eles não sujam as próprias mãos (ou patas): só se aproveitam de animais mortos. Mas a dieta é vasta: a família Dermestidae, por exemplo, alimenta-se de tecidos orgânicos como livros velhos, carpetes e lã.

(Besouros, aliás, podem ser uma mão na roda para arqueólogos e cientistas forenses: os insetos se alimentam da carne de algum corpo e “limpam o terreno”, sem danificar os ossos que serão analisados posteriormente).

Quem também parece gostar de besouros é a banda Journey, famosa pelo hit “Don’t Stop Believin’”. Várias capas de álbuns da banda tem imagens de escaravelhos de diferentes tipos.

Besouro Azul se junta a essa gama de casos da cultura pop com a imagem de um escaravelho. No filme, ele foi encontrado durante uma escavação no Egito – qualquer coisa além disso é spoiler. 

Em Pedaços (2017)
Filme
MUBI
A alemã Katja (Diane Kruger) vive com o marido Nuri e o filho Rocco em Hamburgo, onde eles têm uma pequena agência de viagens. Um atentado explode a agência, matando Nuri e Rocco. Katja acha que foram neonazistas, revoltados por ela ter se casado com Nuri, que é curdo. Mas a polícia não liga – e resta a ela investigar o crime.

Upload (2020)
Série
Amazon Prime
Pouco antes de morrer, as pessoas têm a consciência escaneada e transferida para um computador, onde passam a viver. Esse universo virtual deveria ser o paraíso, mas acaba reproduzindo vários problemas do mundo real – e criando outros. Comédia escrita por Greg Daniels, o roteirista-chefe de The Office.

O Leonardo Perdido (2021)
Documentário
Amazon Prime
Salvator Mundi, retrato de Jesus Cristo feito por Da Vinci, desapareceu em 1603. Em 2005, supostamente foi encontrado por dois americanos. Seu valor alcançou incríveis US$ 450 milhões – e ele detonou uma crise envolvendo a França, a Arábia Saudita e a reputação do Louvre.

De Tirar o Fôlego (2023)
Documentário
Netflix
A italiana Alessia Zecchini queria bater o recorde mundial de mergulho em águas ultraprofundas. Conseguiu. Seu próximo desafio era atravessar o “Buraco Azul”, uma espécie de caverna submarina no Egito na qual mais de 100 mergulhadores morreram. Este doc acompanha a aventura, e seu desfecho emocionante.

Mais de mil planetas

Eis o tamanho deste game, em que você explora uma galáxia e vai parando nos planetas, cada um com formas de vida e missões diferentes para enfrentar. Uma  superprodução que está em desenvolvimento há mais de cinco anos – e é a grande cartada da Microsoft para reavivar o Xbox, que sofre com a falta de títulos exclusivos.

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Sensível: O poder secreto das pessoas altamente sensíveis em um mundo sobrecarregado

O mundo é um lugar bruto, onde tudo grita e as pessoas convivem de forma estúpida, sob uma chuva de estímulos agressivos. Elas nem percebem – e, se você fica assustado ou exausto com isso, dizem que “é sensível demais”. Neste livro, os escritores Jenn Granneman e Andre Sólo investigam as causas neuro e psicológicas dessa sensibilidade aguçada – e mostram que ela também pode ser uma vantagem.

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Um salto gráfico

A história deste game de ação, em que você usa poderes mágicos para abater inimigos, não importa muito. O que interessa é que ele é a primeira produção “AAA” (de alto orçamento) feita com a ferramenta Unreal Engine 5: um “motor gráfico” poderoso, que promete revolucionar o visual dos jogos – e dar um fôlego extra aos consoles atuais.

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A Torre: o Cotidiano de Mulheres Encarceradas pela Ditadura

“Quer que eu chame meu primo, que é padre, para te interrogar?”, disse o delegado Sérgio Paranhos Fleury, um dos principais torturadores da Ditadura, a Madre Maurina, uma freira acusada de subversão, em outubro de 1969. Este livro conta as histórias aterrorizantes de mulheres que foram capturadas e torturadas pelo Estado durante o período – como Maurina, submetida a eletrochoques.

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A era da incerteza

Quando Marie Curie terminou o doutorado, ganhou do marido uma ampola de brometo de rádio (é tóxico, mas eles não sabiam). Einstein aceitou um emprego, oferecido por Max Planck, dando a ele um buquê de flores vermelhas. Niels Bohr dizia “muito interessante”, numa ironia secreta, quando alguém falava bobagem. Oppenheimer era talentoso, mas também expert em autopromoção. Neste livro, o alemão Tobias Hurter narra a trajetória da física, e dos físicos, que desbravaram os segredos da energia nuclear.

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Durante o reinado do czar Pedro, o Grande, entre 1696 e 1725, começou um caso de amor crônico da elite russa com a cultura francesa. Se hoje os brasileiros de classe média estudam inglês, vão à Disney e comem costela com molho barbecue, os russos da época passaram a falar francês, viajar à França e a comer como franceses. 

Para os pobres, porém, a coisa continuava (com o perdão do trocadilho) russa. “Uma dieta de pão, mingau e sopa, suplementada pelo que quer que conseguissem coletar na natureza”, escreve a historiadora Darra Goldstein no livro O reino do trigo: uma breve história da culinária russa.

“Camponeses que tinham uma vaca consumiam uma variedade de laticínios (…) como smetana, ou creme azedo.” O mingau, feito com trigo-sarraceno, não era doce: era comum temperá-lo com cebola e cogumelos selvagens.  

O estrogonofe nasceu na encruzilhada desses hábitos. Goldstein o define como uma versão de um guisado de carne – que chegou da França com o nome de ragôut (no Brasil, é “picadinho”, mesmo. Mas você já deve ter ouvido a palavra ragú, aportuguesada). 

Os cogumelos são algo russo; substituem cenouras ou batatas usados nos guisados de outros países. Também é de origem eslava o creme azedo que se põe no molho ao final (o creme de leite da versão brasileira não tem o mesmo gostinho de iogurte). Por fim: o normal, na terra da vodka, é servi-lo com purê de batata – o arroz não é um carboidrato comum na Rússia. 

A história mais comum – não há evidências conclusivas – reza que o prato foi criado pelo cozinheiro francês Charles Briere, um funcionário no palácio da riquíssima família aristocrática dos Stroganov, em São Petesburgo (capital russa, na época). Um livro de receitas russo de 1871 já contém “carne a la Stroganov, com mostarda”. 

Flambar as tiras de carne com conhaque e temperá-las com mostarda são influências francesas. Ketchup ou molho de tomate não eram parte da receita original; entraram no rolo só no século 20, quando o prato desembarcou nas Américas. É provável que o prato tenha chegado ao Brasil indiretamente, com escala nos EUA, já que a imigração russa não foi numerosa aqui. 

Há dezenas de variações da receita na Rússia e mundo afora. A versão abaixo é próxima dos hábitos russos. Nós testamos em casa – e o dito-cujo não deve em nada ao brasileiro: os cogumelos frescos têm sabor para valer, ao contrário dos champignons em conserva, e o creme dá um azedinho bem-vindo. 

A receita

Rendimento: 4 porções, aproximadamente.

Ingredientes

500 g de filé mignon em tiras;
250 g de cogumelos frescos (no Brasil, é fácil encontrar o portobello ou o paris);
1 shot (60 ml) de conhaque;
1 xícara de creme azedo;
1 ou 2 colheres (conforme preferir) de mostarda. Prefira as “rústicas”, com grãos;
½ xícara de caldo de carne;
1 cebola roxa;
Manteiga ou óleo para refogar;
Sal e pimenta do reino conforme necessário.

Como fazer

1. Refogue a cebola (em anéis) com manteiga. Depois, adicione os cogumelos com sal e pimenta e dê uma fritadinha. Tampe a frigideira até os cogumelos amolecerem ligeiramente e soltarem um caldo saboroso. Reserve.

2. Refogue a carne já temperada com sal e pimenta. Pré-aqueça a frigideira e não fique mexendo as tiras: espere elas ficarem com regiões marrom-escuro e se descolarem do fundo. Esse queimadinho no fundo da panela, resultado do chamado “efeito Maillard”, é essencial para o sabor. Só depois é hora de virar.

3. Adicione o conhaque – e flambe se souber a técnica. Ponha de volta os cogumelos e as cebolas. Adicione a mostarda e o caldo de carne. Misture o creme azedo e ajuste o sal. Sirva com purê de batatas e picles.

Dicas

Não encontrou creme azedo para comprar? Normal. Iogurte natural com um pouquinho de limão ou iogurte grego sem açúcar são bons substitutos. 

O estrogonofe da Super é baseado no do blog e canal do YouTube Vikalinka, que tem muitas receitas russas. Vale checar.