Com 4 metros de comprimento e pintada em 1906, Dance on the Beach ficou escondida dentro de um celeiro em uma floresta norueguesa desde 1940. Depois de sobreviver à Segunda Guerra Mundial, o quadro de Edvard Munch será disponibilizado para leilão em março – com um valor estimado entre US$ 15 e US$ 25 milhões.

A pintura foi inicialmente comissionada pelo diretor de teatro Max Reinhardt, para seu teatro de vanguarda em Berlim, onde seria parte de um conjunto de 12 grandes painéis. Mas passou por mais algumas mãos até chegar aos dias de hoje.

Com a reforma do teatro de Reinhardt, em 1912, o quadro foi retirado e adquirido por Curt Glaser, um crítico de arte, colecionador, historiador e amigo pessoal de Munch. Glaser e sua esposa, Elsa, acumularam uma extensa coleção particular de arte. Ele também foi diretor da Biblioteca Estadual de Arte de Berlim, e publicou a primeira monografia alemã sobre Munch.

Com o início do regime nazista em 1933, Glaser, que tinha origem judaica, perdeu o emprego e teve o apartamento confiscado. Obrigado a vender sua coleção, ele fugiu para a Suíça e depois foi rumo aos Estados Unidos, onde morreu em 1943.

Poucos meses depois da fuga de Glaser, outro amigo de Munch pôs as mãos nas peças. Thomas Olsen, um magnata norueguês da navegação que era vizinho do artista, comprou Dance on the Beach e outros quadros em um leilão em Oslo.

Olsen juntou uma impressionante coleção de Munch, com cerca de 30 obras, incluindo uma das quatro versões do famoso O Grito. Quando o Reino Unido declarou guerra à Alemanha, em 1939, Olsen temeu pela sua coleção e a escondeu em um celeiro remoto na floresta norueguesa – o estilo de arte de Munch era considerado pelos nazistas uma “arte degenerada”, que deveria ser reprimida.

A obra apresenta uma colorida paisagem norueguesa com várias figuras dançantes. As duas mulheres no primeiro plano representam dois casos amorosos de Munch – Tulla Larsen e Millie Thaulow – que terminaram ambos em desgosto.

Da série de pinturas do teatro, Dance on the Beach é a única que está em posse privada – as outras estão em museus pela Alemanha. Em 1º de março, a peça será vendida em um leilão em Londres.

Antes, será exposta ao público pela primeira vez desde 1979, com uma exposição em na capital inglesa, além de instalações digitais em Hong Kong e Nova York. Como parte de um acordo, os lucros do leilão serão divididos entre os descendentes das famílias Olsen e Glaser, as principais patrocinadoras de Munch.

Geppetto, o artesão solitário de uma aldeia italiana, construiu um boneco de madeira que ganha vida – e o batiza de Pinóquio. Guillermo del Toro, por sua vez, construiu 32.

Não, ele não queria quebrar algum recorde de marcenaria. Del Toro, diretor de filmes como O Labirinto do Fauno e A Forma da Água, embarcou no mundo da animação em stop-motion para contar a sua versão da história de Pinóquio, que estreou em novembro de 2022 na Netflix. O filme recentemente ganhou o Globo de Ouro de Melhor Animação – e é um dos favoritos ao Oscar.

O boneco de madeira não está sozinho: os outros personagens também são fantoches. Todos foram produzidos por uma equipe internacional de artistas, que também construíram os cenários e figurinos. É um processo artesanal, que leva um bocado para chegar ao resultado que você vê na tela: a gravação de Pinóquio (2022) levou 940 dias (dois anos e meio) – um cronograma de filmagem dez vezes maior que o normal, segundo Del Toro.

Se você ainda não assistiu ao filme (dica da Super: assista), vale dizer que a adaptação pouco lembra a versão clássica de 1940, produzida pela Disney. Ela está mais próxima da obra original de Carlo Collodi (1826-1890), que é bem menos ingênua: nela, por exemplo, Geppetto é preso e Pinóquio mata o grilo falante a pauladas.

No filme de del Toro, a história se passa na Itália de Mussolini, quando o fascismo está em ascensão. Nesse cenário, alguns veem na imortalidade de Pinóquio um trunfo para vencer qualquer batalha.

Entre figuras realistas e fantásticas, o stop-motion nos coloca questões filosóficas. É um conto essencialmente existencial, segundo Del Toro: “Algo que nunca esteve vivo pode se tornar humano? O que nos faz humanos? O que faz nossa passagem por esse mundo tão valiosa e importante? Como um bom mexicano, eu tenho uma resposta: a morte”.

Ao lado de Guillermo está o diretor Mark Gustafson (da animação stop-motion O Fantástico Sr. Raposo), o roteirista Patrick McHale (O Segredo Além do Jardim) e o compositor Alexandre Desplat – vencedor do Oscar de Melhor Trilha Sonora por A Forma da Água.

Quem empresta a voz ao Pinóquio é um ator novato chamado Gregory Mann. Já outros personagens ganharam vozes bem conhecidas. É o caso do Grilo Falante, interpretado por Ewan McGregor, e de Geppetto, que ficou com David Bradley (o sr. Filch da saga Harry Potter). O elenco ainda inclui Tilda Swinton, Christoph Waltz, Cate Blanchett, Ron Perlman e Finn Wolfhard. No vídeo abaixo, dá para ver alguns bastidores do trabalho de dublagem:

Do livro às telas

Tudo começou com uma paixão de Guillermo del Toro pela história do Pinóquio – em particular, por uma edição lançada em 2002, com ilustrações de Gris Grimly. O desenhista, por sua vez, sonhava com a adaptação da história para o cinema e, na lista de possíveis diretores para o longa, colocava Del Toro em primeiro lugar. Foi o match perfeito.

O cineasta leu o livro de Grimly em 2004 e, rapidamente, o pessoal da editora Tor (responsável pela publicação) juntou os dois artistas num almoço. A conversa certamente alimentou o desejo de Del Toro em adaptar a obra.

Trabalho artesanal

Guillermo chamou o designer Guy Davis para construir o personagem a partir das ilustrações de Gris – mudando principalmente o desenho original da cabeça de Pinóquio para conseguir representar mais emoção no boneco de madeira. (Dê uma olhada nas ilustrações de Grimly nesta página.) Para concretizar as ideias de Del Toro, Davis se juntou a um time de designers e animadores dos Estados Unidos, México e Inglaterra. E então eles produziram tudo do zero.

“Tudo tem que ser construído. Essa é a bênção e a maldição do stop-motion”, disse Curt Enderle, que ajudou a coordenar a produção do filme. “Você cria um mundo diferente de qualquer outro. E isso é realmente poderoso.”

Em um projeto de stop-motion, funciona assim: depois que roteiro, bonecos e cenários estão prontos, os animadores começam a criar as cenas do filme. Ajustam a luz e a câmera no estúdio, posicionam o personagem na paisagem da vez e tiram uma foto. Então, voltam ao boneco, alteram levemente sua posição ou expressão (através de mecanismos sutis dentro da cabeça dos fantoches) e fazem outra foto.

Movimentar um único personagem por um segundo requer 24 fotos. Um filme de duas horas, como Pinóquio, tem 7,2 mil segundos e exigiria 172,8 mil fotos – mas o número é ainda maior, considerando que a equipe de animadores trabalha, claro, com vários personagens. Você pode ter uma ideia de como é este processo neste vídeo da Netflix.

Para filmar a animação em menos de três anos, del Toro trabalhou com 60 unidades de filmagem simultaneamente. Ou seja: várias cenas eram gravadas ao mesmo tempo, por equipes diferentes. 

É a primeira vez que Guillermo Del Toro faz um filme em stop motion. Foi uma produção especial para ele: “Nenhuma forma de arte influenciou mais minha vida e meu trabalho do que a animação e nenhum personagem na história teve uma conexão pessoal tão profunda comigo quanto Pinóquio”.

As salas precisam exibir filmes nacionais por um número mínimo de dias, mas essa quantidade pode variar ano a ano, sendo definida por decreto. Há também uma cota para os títulos exibidos – não dá para atender à meta passando só Bacurau 365 dias seguidos.

Mas não é tanto assim. Atualmente, uma sala de cinema deve exibir no mínimo três títulos diferentes de filmes nacionais por 28 dias do ano. 

Essa obrigatoriedade de cota foi aprovada em Projeto de Lei de 2021, pela Comissão de Cultura da Câmara dos Deputados. O descumprimento implica multa de 5% da receita bruta média diária do cinema, multiplicada pelos dias em que a regra não for respeitada.

Não se trata de uma invenção brasileira. As primeiras legislações protecionistas para a indústria cinematográfica local surgiram na Europa, após a Primeira Guerra Mundial. O objetivo era evitar que o rolo compressor de filmes vindos de Hollywood destruísse a produção de cada país. Mas os americanos não aceitaram bem a ideia. 

Depois de sua participação decisiva na grande guerra seguinte, a Segunda, os EUA usaram de pressão econômica para diminuir as cotas. Um exemplo foi o Acordo Blum-Byrnes, de 1946, em que a França topou diminuir as restrições à quantidade de filmes americanos no país em troca de receber financiamento para saldar dívidas de guerra.

Na última quarta (18), a Netflix divulgou os filmes que irá lançar em 2023. Ao todo, são 49 produções, entre documentários, animações, adaptações e sequências de outros longas da plataforma. Assista ao vídeo do anúncio:

Resgate 2

Estreia: 16 de junho

Com 231 milhões de horas assistidas, Resgate (2020) é, até agora, o sétimo filme original da Netflix mais assistido da plataforma. Com o sucesso, uma continuação era iminente: Chris Hemsworth está de volta como o mercenário  Tyler Rake. E, desta vez, sua missão é resgatar a própria família das mãos de um criminoso.

O filme de ação é baseado na história em quadrinhos Ciudad, de Ande Parks. Os irmãos Joe e Anthony Russo, de Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato, são os produtores executivos dos dois filmes da série. Quem também está de volta é o cineasta Sam Hargrave, que trabalhava como coordenador de dublês antes de virar diretor.

The Killer

Estreia: 10 de novembro

David Fincher (A Rede Social, Garota Exemplar) e a Netflix têm uma estreita relação. Em 2013, o diretor foi um dos idealizadores de House of Cards, o primeiro hit da plataforma. Atuou como produtor executivo e dirigiu os primeiros dois episódios – o que ajudou a ditar o tom de toda a série.

Não só. O cineasta também produziu as elogiadas séries Mindhunter e Love, Death & Robots, além de Voir, uma série documental sobre cinema. Em 2020, lançou Mank, filme sobre Herman J. Mankiewicz, o roteirista de Cidadão Kane. Recebeu dez indicações no Oscar 2021.

The Killer, nova empreitada de Fincher no streaming, é uma adaptação de uma graphic novel francesa homônima, escrita por Alexis Nolent. Conta a história de Christian, um assassino que decide ir atrás de quem o contratou após uma desastrosa missão. 

Michael Fassbender vive o personagem principal. O elenco tem também Tilda Swinton e a teuto-brasileira Sophie Charlotte (ela nasceu e viveu até os oito anos na Alemanha; depois, fez carreira na TV e no cinema brasileiro).

Rebel Moon

Estreia: 22 de dezembro

Depois da novela envolvendo o Snyder Cut (a versão estendida do filme da Liga da Justiça, lançada em 2020 em preto e branco – e com quatro horas de duração), Zack Snyder deu adeus ao universo da DC Comics e lançou, na Netflix, Army of The Dead (2021), um misto de filme de assalto com zumbis (gênero que o consagrou em 2004, quando fez sua estreia na direção com Madrugada dos Mortos).

O novo filme de Snyder é uma aventura espacial, com orçamento estimado em US$ 90 milhões. Eis a sinopse oficial:

“Um exército comandado pelo tirano regente Balisarius (Djimon Hounsou) começa a ameaçar a paz de uma colônia nos arredores da galáxia, e uma jovem com um passado misterioso chamada Kora (Sofia Boutella) é enviada em busca de guerreiros de outros planetas que possam ajudar a defendê-los.”

A ideia original da história também é de Snyder. Ela nasceu de uma proposta feita pelo diretor à Lucasfilm para um filme (que nunca rolou) do universo Star Wars antes do estúdio ser comprado pela Disney, em 2012. Rebel Moon terá uma segunda parte – ainda sem data de estreia.

Filmes sem data de estreia definida

Maestro

Bradley Cooper dirige e estrela esta cinebiografia sobre Leonard Bernstein, um dos mais celebrados maestros e compositores americanos (as músicas de Amor, Sublime Amor, por exemplo, são dele). O foco da história será o casamento de Bernstein com a atriz Felicia Montealegre (Carey Mulligan).

Cooper está bem apadrinhado neste projeto: Martin Scorsese, Steven Spielberg e Todd Phillips são alguns dos produtores do filme. Em 2018, Scorsese havia sido cotado para a direção – mas optou por comandar O Irlandês (2019), também da Netflix. Spielberg também foi considerado para o cargo, mas ofereceu o cargo a Cooper após assistir a Nasce uma Estrela (2018), o primeiro filme dirigido por ele.

Nyad

Em 2013, a americana Diana Nyad fez história. Aos 64 anos, ela se tornou a primeira pessoa a atravessar a nado o Estreito da Flórida sem jaulas de proteção contra tubarões. Em pouco menos de 53 horas, Nyad nadou por 177 quilômetros de Cuba até o sul da Flórida, nos EUA – e você aí faltando na academia.

Dois anos depois do feito, Nyad contou a sua história de vida no livro Find a Way, no qual o filme da Netflix se baseia. A produção é estrelada por Annette Bening e deve acompanhar toda a preparação da nadadora (a primeira vez que ela tentou vencer o Estreito da Flórida foi em 1978, 35 anos antes da travessia). 

Rustin

O americano Bayard Rustin era o braço-direito de Martin Luther King Jr. na luta pelos direitos civis dos negros nos Estados Unidos. Foi ele quem organizou, por exemplo, a Marcha sobre Washington por Trabalho e Liberdade, em 1963. Mais de 250 mil pessoas se reuniram na capital americana e ouviram o mais famoso dos discursos de King (aquele que começa com “Eu tenho um sonho”).

Rustin, contudo, foi por décadas apagado da história por ser gay (e por lutar ativamente pelos direitos da comunidade LGBTQIA+). Mesmo dentro do movimento negro, Rustin sofreu homofobia. 

O filme que irá contar a sua história é estrelado por Colman Domingo (A Voz Suprema do Blues e tem produção da Higher Ground Productions, empresa fundada em 2018 pelo ex-presidente dos EUA Barack Obama e sua esposa, Michelle Obama. 

Desde a sua criação, a Higher Ground se aliou à Netflix para distribuir os seus filmes. O primeiro fruto dessa parceria, Indústria Americana (2019), levou o Oscar de Melhor Documentário em 2020. Em 2023, a produtora também lançará na plataforma Leave the World Behind, thriller estrelado por Julia Roberts e Mahershala Ali. 

No filme de Wes Anderson (sem título definido)

O premiado cineasta Wes Anderson(Moonrise Kingdom, O Grande Hotel Budapeste) vai adaptar vários contos do escritor britânico Roald Dahl, autor de clássicos como Gremlins, A Fantástica Fábrica de Chocolate e Matilda – este último rendeu um musical da Netflix em 2022.

Anderson é roteirista e diretor do filme, mas tem a ajuda de ​​Steven Rales e Jeremy Dawson na produção. O elenco é composto por grandes nomes como Benedict Cumberbatch, Dev Patel e Ralph Fiennes.

Carga Máxima

Roger (Thiago Martins) é um piloto de corrida de caminhão. Para salvar a sua equipe, que está em uma sequência de maus resultados, ele se envolve com uma quadrilha de roubo de cargas. Abandonar os criminosos, porém, não será nada fácil.

Com Sheron Menezzes e Milhem Cortaz no elenco, Carga Máxima é o primeiro filme de ação brasileiro da Netflix. “Nós queremos ver todos os gêneros sendo feitos na nossa língua, com a nossa cultura, com os nossos tipos de conflito”, disse o diretor Tomás Portella em um vídeo sobre os bastidores do longa:

The Deepest Breath

A italiana Alessia Zecchini está determinada a bater um recorde mundial e se tornar a maior mergulhadora livre do mundo. Para isso, ela conta com a ajuda do irlandês Stephen Keenan, um especialista de segurança neste esporte cujos atletas contam somente com uma máscara de mergulho e o ar de seus pulmões.

A jornada da dupla é o tema do documentário The Deepest Breath (“O respiro mais profundo”, em tradução livre). A equipe do filme mergulhou (rs) nos bastidores de uma comunidade de atletas e procurou homenagear o mundo do mergulho livre. A diretora irlandesa Laura McGann afirmou que foi “a experiência mais inspiradora e recompensadora” de sua carreira.

A parceria de Alessia e Stephen chegou ao fim em 2017, quando o irlandês faleceu enquanto eles mergulhavam no Buraco Azul de Dahab, no Egito. O documentário está em exibição no Festival de Sundance, o principal evento do cinema independente dos EUA. Além da Netflix, outros estúdios que participaram da produção deste documentário foram a A24, Motive Films, Ventureland e Raw.

Monkey Man

O ator britânico Dev Patel conquistou o mundo quando interpretou Jamal Malik em Quem quer ser um milionário (2008). Agora, ele retorna a Mumbai, na Índia, para outro trabalho promissor: Monkey Man, seu primeiro projeto como diretor e também o primeiro em parceria com a Netflix (que adquiriu os direitos do filme em 2021 por U$30 milhões).

O filme de ação e suspense, cujas gravações começaram em dezembro de 2020, conta a história de um homem que encontra um mundo dominado pela ganância corporativa ao sair da prisão – e decide se vingar por tudo que lhe foi roubado no passado. Monkey Man já foi descrito como o “John Wick em Mumbai”, em referência ao personagem da franquia de ação estrelada por Keanu Reeves.

Nimona

Por algum tempo, a equipe responsável por Nimona acreditou que a animação nunca veria a luz do dia. Ele estava nas mãos da Blue Sky Studios (o mesmo de A Era do Gelo), que pertencia à Fox – e que virou propriedade da Disney quando a empresa comprou a Fox, em 2019. No ano seguinte, a companhia do Mickey decidiu encerrar o projeto – e foi acusada de censura e homofobia, já que o filme trazia temáticas LGBTQIA+.

Por sorte, a Netflix resgatou Nimona, uma história de fantasia medieval que é uma adaptação da premiada e homônima história em quadrinhos de ND Stevenson, também responsável pela série She-Ra e as Princesas do Poder (também da Netflix). Nimona, dublada por Chloë Grace Moretz, é uma adolescente que muda de forma – e a única pessoa capaz de provar a inocência de um cavaleiro acusado de um crime que não cometeu.

A expressão vem do jogo do bicho e ficou famosa no meio futebolístico depois de uma derrota do Vasco da Gama. Esse jogo de azar, criado em 1892 pelo dono do Jardim Zoológico do Rio de Janeiro à época, funciona com o sorteio de números de dois dígitos (00 a 99), caracterizados por animais – são 25 bichos, e cada um representa quatro dezenas. A lista tem avestruz, jacaré, vaca… Mas não tem zebra. Daí dizer que “deu zebra” no jogo significa que um resultado quase impossível aconteceu.

E então voltamos à partida que daria origem à expressão. Em julho de 1964, Gentil Cardoso era o técnico do modesto time da Associação Atlética Portuguesa do Rio de Janeiro. Antes de um jogo contra o Vasco, time de tradição e melhores jogadores, um repórter perguntou a Cardoso quem levaria a melhor na disputa, ao que ele respondeu: “vai dar zebra”. O Vasco era o favorito natural, mas Gentil apostava que sua equipe traria o resultado inesperado. E trouxe: venceu por 2 x 1.

A imprensa noticiou a partida com a frase do técnico, e assim nascia um bordão. O episódio foi tão icônico que a Portuguesa carioca adotou a zebra como mascote – e continua com ela até hoje.

Outros termos com a bola no pé:

Craque: vem de crack, onomatopeia inglesa para o som de algo quebrando. No turfe, designava cavalos fora de série, que quebravam recordes – daí chegou ao futebolês.

Gol olímpico: a expressão surgiu em 1924, quando a seleção argentina ganhou do Uruguai (campeão olímpico da época) com um gol direto do tiro de escanteio. (Saiba mais sobre essa história nesta matéria da Super.)

Chaleira: vem do nome de Charles Miller, o pai do futebol no Brasil, que também inventou a jogada: ela é feita com a parte de fora do pé, estando a perna levantada e dobrada para trás.

Cyberpunk: Mercenários (2022)

Em 2012, a CD Projekt Red anunciou a produção de um jogo no universo do sistema de RPG Cyberpunk. O primeiro teaser veio no ano seguinte e, durante cinco anos, o jogo se tornou praticamente um mito  – que muitos aguardavam ansiosamente. A partir de 2018, quando o segundo trailer foi lançado, Cyberpunk 2077 já estava marcado como uma das maiores promessas do mundo dos videogames. Depois de alguns atrasos para deixar o trabalho final mais polido, o jogo foi lançado no final de 2020. Apesar de ter recebido elogios por sua narrativa, cenário e gráficos, aspectos de jogabilidade deixaram a desejar – principalmente devido aos inúmeros bugs.

A série é um anime de 10 episódios com cerca de 25 minutos cada, disponível na Netflix. Foi animada pelo Studio Trigger (de Kill la Kill e Little Witch Academia) e criada por Rafał Jaki e Mike Pondsmith, o criador do universo original de Cyberpunk.

Com 100% de aprovação no agregador de reviews Rotten Tomatoes, a série foi bem recebida tanto pela crítica quanto pelos fãs – o número de jogadores simultâneos até aumentou depois do lançamento. Apesar do sucesso da série, uma segunda temporada está fora de cogitação, já que o anime sempre foi pensado como uma temporada única. 

Pokémon (1997 – presente)

Muitos cresceram com as aventuras de Ash e Pikachu na TV. Com mais de mil episódios, Pokémon passou por 25 temporadas ao longo de 26 anos. A história acompanha Ash e seu parceiro Pikachu, junto de outros companheiros de viagem, na missão de se tornar um “mestre Pokémon”.

A primeira versão do jogo foi lançada para o Game Boy, console portátil da Nintendo, em 1996 e desenvolvida pela Game Freak. Inicialmente exclusiva do Japão, sob o nome Pocket Monsters: Red and Green, chegou ao Ocidente renomeada como Pokémon Red and Blue. De lá para cá, foram 38 jogos da série principal.

Pokémon é, atualmente, uma das franquias de mídia mais lucrativas de todos os tempos – seja com jogos, animes, filmes ou produtos. A série de videogames é a terceira franquia de videogame mais vendida, com mais de 440 milhões de cópias.

Cuphead – A Série (2022 – presente)

O jogo de plataforma que encantou jogadores e críticos pelo seu visual charmoso e sua dificuldade elevada também foi transformado em uma série. 

Desenvolvido pelo Studio MDHR e lançado em 2017, o jogo é inspirado no estilo da Era de Ouro da animação americana e nas obras de estúdios famosos da época como a Warner Bros. Cartoons e a Walt Disney Animation Studios. O grande destaque do jogo é a animação e a trilha sonora: a direção de arte usa animação desenhada à mão e a trilha sonora foi composta usando um conjunto completo de jazz.

Bom, como o jogo já tinha grande influência de desenhos animados, nada mais justo do que dar a ele uma animação própria. Cuphead – A Série é exibida pela Netflix e conta com três temporadas, todas lançadas em 2022, com cerca de 12 episódios de curta duração. Apesar do estilo de animação à mão não ter sido transportado para a série, ela foi recebida positivamente pela crítica.

Castlevania (2017 – 2021)

Castlevania é uma série de jogos de ação e aventura com aspectos de terror desenvolvida pela Konami com seu primeiro lançamento em 1986. Grande parte da trama gira em torno do clã Belmont de caçadores de vampiros contra o conhecido conde Drácula.

Produzida pela Netflix, a série acompanha o personagem principal, Trevor Belmont, na sua luta contra Drácula e seus seguidores. Ela também apresenta outros personagens conhecidos dos jogos, como Simon Belmont e Alucard, bem como novos personagens criados especificamente para a série.

Com quatro temporadas, a série recebeu elogios pela sua história sólida, personagens carismáticos, e a capacidade de adaptar bem o jogo para a televisão. Uma nova série, dessa vez focando em Richter Belmont, já foi confirmada pela Netflix

Resident Evil (2022) e Resident Evil: No Escuro Absoluto (2022)

As coisas começam a ficar um pouco complicadas quando falamos de Resident Evil. A série de jogos da Capcom basicamente definiu o gênero de “survival horror” nos videogames – além de ser uma das mais famosas franquias de terror. Ao todo, são 10 jogos da saga principal iniciada em 1996 com “Resident Evil”; a produção mais recente é “Resident Evil: Village”, de 2021.

A Netflix é responsável por duas adaptações da história. Uma delas é uma série live action com oito episódios de cerca de uma hora cada. Ela tem seu próprio universo, mas compartilha da história e pontos centrais dos jogos. Mesmo não pretendendo adaptar plenamente o original, a série teve recepção extremamente negativa e recebeu as piores notas de uma série da Netflix até então. 

Por outro lado, Resident Evil: No Escuro Absoluto se passa entre os eventos do quarto e quinto jogo da franquia original, acompanhando Claire Redfield e Leon S. Kennedy, protagonistas do segundo jogo. Diferente da anterior, No Escuro Absoluto é uma animação em CGI; contudo, também não foi bem recebida pela crítica, apesar de, em comparação, ter se saído melhor.

Arcane (2021 – presente)

Dessa lista, talvez esse seja o jogo menos propício a se tornar uma série. Arcane é baseada no jogo League of Legends, um MOBA (Multiplayer online battle arena) lançado em 2009 pela Riot Games. No jogo, duas equipes de cinco jogadores lutam em combate, defendendo sua metade da arena. Cada um deles controla um “campeão”, personagem que tem habilidades únicas e diferentes estilos de jogo. O objetivo é coletar pontos, ganhar ouro e comprar itens para fortalecer seu campeão, invadir a base inimiga e destruí-la.

Diferente dos outros na lista, League of Legends é um jogo focado no multiplayer e, portanto, com pouquíssimas brechas para desenvolvimento da história. Quando Arcane foi revelada na comemoração do aniversário de dez anos do jogo em 2019, muitos não sabiam o que esperar.

Quando Arcane finalmente chegou à Netflix em 2021, uma coisa estava clara: a série era boa. Com uma média de 100% de aprovação no Rotten Tomatoes, muitos críticos consideraram a série como uma das melhores adaptações de videogame já feitas, tecendo elogios aos personagens e dublagem, animação e narrativa – que não requer nenhum conhecimento prévio do jogo.

Após o fim da primeira temporada, a Riot Games confirmou que continuará a parceria com a Netflix para o lançamento de uma segunda temporada.

Sonic Prime (2022 –  presente)

Não contente com os dois filmes que teve, Sonic também foi adaptado para uma série. Se afastando do live action e dos cinemas, as novas aventuras do ouriço azul estão sendo contadas em uma animação da Netflix. A primeira temporada, lançada em dezembro de 2022, teve um total de oito episódios. A sexta série animada do mascote da Sega terá, ao todo, 24 episódios, cujas datas de lançamento ainda não foram divulgadas; mas, segundo o produtor executivo da série, Logan McPherson, eles virão em um futuro “não tão distante”.

Halo (2022 – presente)

Baseada no jogo exclusivo de Xbox, a série de Halo está sendo produzida pela Paramount+ em colaboração com a atual responsável pelos jogos, a 343 Industries. O primeiro jogo da franquia foi lançado em 2001 como Halo: Combat Evolved. O mais atual, Halo Infinite, é de 2021.

Em um mundo futurista ambientado no século 26, a história segue Master Chief, um super soldado geneticamente aprimorado, contra a ameaça alienígena conhecida como os Covenant. Com uma primeira temporada de nove episódios e uma segunda temporada já confirmada, a série teve bons números de audiência – apesar de não ter agradado tanto, principalmente por divergências do material original.

The Last of Us (2023)

A mais recente produção da lista, The Last of Us é baseada no jogo de mesmo nome desenvolvido pela Naughty Dog e lançado em 2013. A trama conta a história de Joel (Pedro Pascal) e Ellie (Bella Ramsey) enquanto cruzam os EUA. O que não seria problema nenhum caso um fungo não tivesse dizimado boa parte da população mundial e a transformado em zumbis extremamente agressivos.

A série está sendo lançada pela HBO, e conta com a criação de Craig Mazin (responsável pela premiada minissérie Chernobyl) e Neil Druckmann, o criador do jogo. Além disso, a atriz Merle Dandridge volta para reprisar seu papel como Marlene – assim como o compositor Gustavo Santaolalla retorna para produzir a trilha sonora da série.

Recebendo grande apreciação da crítica, The Last of Us coloca a última pá de terra no túmulo da maldição das adaptações de jogos. Elogiada pela fidelidade ao original e pelas brilhantes atuações, The Last of Us caminha para também se tornar um clássico.

O Desconhecido (2022)
Filme
Netflix
A polícia da Austrália simula uma organização criminosa para atrair e desmascarar Henry, suspeito de ter cometido um assassinato monstruoso décadas atrás. Mas o convívio diário com o psicopata acaba mexendo com a cabeça de Mark, o policial designado para acompanhá-lo de perto.

Os Meyerowitz (2017)
Filme
Netflix
Danny (Adam Sandler) vai visitar o pai, Harold (Dustin Hoffman), escultor decadente e pessoa difícil. Descobre que a madrasta quer vender a casa – e tem nisso o apoio do outro filho de Harold, Matthew (Ben Stiller). É o gatilho para uma sequência de tretas familiares, que o filme explora bem.

Lucy, o Chimpanzé Humano (2021)
Documentário
HBO Max
Ela foi adotada por um casal de cientistas, que a criaram como uma criança. Com o tempo, virou um problema, e decidiram soltá-la numa floresta da África. Uma bióloga foi junto, para ajudar – e acabou ficando 6 anos na selva

Superliga: a Guerra pelo Futebol (2022)
Documentário
Apple TV+
O Real Madrid, a Juventus, o Manchester United e outros gigantes decidiram criar seu próprio campeonato, substituindo a UEFA Champions League. Isso detonou uma guerra comercial e política sem precedentes, envolvendo os governos de vários países.

Whiplash (2014). La La Land (2016). O Primeiro Homem (2018). Com apenas 37 anos, o diretor Damien Chazelle já tem uma filmografia de respeito. E, a partir desta quinta-feira (19), será possível conferir o seu novo trabalho: Babilônia, um épico sobre a Hollywood dos anos 1920:

O filme chega como um dos mais aguardados de 2023. Com Brad Pitt, Margot Robbie e Tobey Maguire no elenco, é bem capaz que desponte na temporada de premiações – com fortes chances de indicações ao Oscar. Mas, afinal: o que há de tão especial nos anos 1920?

Pense na atmosfera de filmes como Cantando na Chuva e O Grande Gatsby. Ambas retratam os Roaring Twenties (“ruidosos anos 20”), período de efervescência econômica e cultural dos EUA pós-Primeira Guerra. Foi uma década marcada pela prosperidade no país e pela modernização dos costumes à velocidade da luz.

Babilônia promete fazer um raio X desse período, mostrando os excessos e a depravação da Hollywood de cem anos atrás. Veja cinco referências da época que podem aparecer no filme:

Flappers

Chamadas de “melindrosas” no Brasil, elas redefiniram a imagem da mulher moderna. Com seus cabelos curtos (inspirados na estilista Coco Chanel), curtiam a vida adoidado em grandiosas festas onde dançavam um jazz frenético.

A era do jazz

Se a década foi embalada pelo som dos jazzistas, o termo que deu nome ao período (juntamente com Roaring Twenties) veio do grande narrador do lifestyle de ricos e inconsequentes: F. Scott Fitzgerald, com sua coletânea Contos da Era do Jazz (1922).

O star system

Foi nessa época que a meca do cinema consolidou um método de promover atores e atrizes dando glamour à sua persona e transformando-os em semideuses. Um exemplo: o cortejo fúnebre do astro Rodolfo Valentino, em 1926, atraiu 100 mil pessoas em Nova York.

A rockstar do tênis

A revolução comportamental também resultou em excentricidades. E pouca gente foi mais excêntrica que Suzanne Lenglen. Primeira estrela feminina do tênis, ela jogava com vestidos de seda, fumava e bebia conhaque nas quadras “para acalmar os nervos”.

Lei Seca

O Congresso americano teve a má ideia de proibir o comércio e o consumo de bebidas alcoólicas em 1920. Era uma resposta à pressão dos religiosos, mas teve efeito inverso. O país foi tomado por bares clandestinos (os speakeasies), e gângsteres enriqueceram com o tráfico de birita.

O histórico de adaptações de videogames para filmes ou séries de TV não é dos melhores. Na primeira vez que isso aconteceu, com o live action Super Mario Bros (1993), o resultado foi desastroso. Nos anos seguintes, não faltaram bombas: Mortal Kombat, Street Fighter, Doom, World of Warcraft, a franquia Resident Evil… Todos esses exemplos levaram os fãs a acreditar que havia uma “maldição” nas produções baseadas de jogos.

Em 2020, os fãs de The Last of Us torceram o nariz quando a HBO anunciou que estava produzindo uma série baseada no game. Lançado em 2013, o jogo se passa em um futuro pós-apocalíptico, no qual um homem e uma garota tentam sobreviver depois que um fungo transformou as pessoas em zumbis.

Achou a trama batida? Não se engane: o jogo é um dos mais elogiados de todos os tempos. Junto com a continuação, lançada em 2020, é considerado um clássico moderno dos videogames – eis o motivo do temor diante uma adaptação para a TV.

Todas as dúvidas serão postas à prova neste domingo (15), quando o primeiro episódio da série estreia na HBO (que vai liberar o sinal para algumas operadoras de TV a cabo) e no HBO Max. Os novos capítulos serão lançados semanalmente.

As críticas que já saíram sobre The Last of Us são positivas. No agregador de reviews Metacritic, por exemplo, a nota da série é 83/100. Mas, se mesmo assim você ainda não se convenceu de que a “maldição das adaptações” passou longe desta vez, talvez valha a pena conhecer quem ficou responsável pela produção.

Neil Druckmann, diretor e criador do jogo, trabalhou ativamente na série como produtor e roteirista. O parceiro de Druckmann nessa empreitada foi Craig Mazin, responsável pela premiada minissérie Chernobyl, também da HBO. Recentemente, os dois participaram de uma coletiva de imprensa para jornalistas brasileiros. O evento também contou com a presença de parte do elenco de The Last of Us. A seguir, você confere os principais pontos da conversa.

When you’re lost in the darkness, look for the light.#TheLastOfUs premieres January 15 on @hbomax. pic.twitter.com/1NUP3FPA2i

— The Last of Us (@TheLastofUsHBO) December 8, 2022

Semelhanças (e diferenças) com o game

Segundo Mazin, um dos grandes desafios da adaptação foi a imersão que o videogame proporciona – e a televisão, não. “Grande parte do jogo é  sobre dar à pessoa a chance de jogá-lo; já a TV é uma experiência passiva”, disse. Como resolver esse problema?

“Nos perguntamos quais partes da história eram facilmente traduzíveis para a série e quais partes da experiência de jogo não eram necessárias ou deveriam ser transformadas de maneira mais séria para que fosse uma experiência melhor de assistir”, explicou Mazin.

“Acho que, muitas vezes no passado, as adaptações de videogames tiveram dificuldades porque tentavam replicar a jogabilidade”, continuou. “Nós, não. O que fazemos é nos inspirar na história e nos personagens que Neil criou e levá-los mais longe. Fazemos mais, mostramos mais. Damos às pessoas uma experiência muito mais completa para assistir.”

Durante a coletiva, Druckmann contou sobre uma ocasião em que, no set de filmagens, precisou fazer uma reunião por vídeo com colegas da Naughty Dog, a desenvolvedora de games responsável por The Last of Us. Procurando um lugar reservado, ele ligou a câmera em um dos cenários da série: o quarto de Sarah (Nico Parker), a filha de Joel (Pedro Pascal). Muitos dos funcionários da Naughty Dog que estavam na chamada trabalharam no jogo. Eles ficaram surpresos com a fidelidade dos detalhes do quarto – e contentes pela série ter feito jus ao seu esforço.

Druckmann revelou que volta e meia ligava para o pessoal da desenvolvedora para mostrar algum bastidor da série. “Eu mostrava a eles um clipe, um novo trailer e, quando voltava para a tela do Zoom, podia ver várias lágrimas escorrendo pelos olhos deles”, relembrou.

Velhos conhecidos

E não é apenas na criação que a série reflete a produção do game. Gustavo Santaolalla, responsável pela trilha sonora do jogo, também compôs as músicas da série. Troy Baker, dublador original do Joel nos jogos, terá uma participação como um membro de uma gangue canibal. E Ashley Johnson, a dubladora da Ellie, fará Anna – a mãe de Ellie.

Outro retorno é o de Merle Dandridge, que tanto no jogo quanto na adaptação interpeta Marlene, a líder do grupo de resistência Vagalumes. 

“Eu vivo Marlene há 10 anos. Mas, para a série, tive que esquecer muitas coisas que sabia sobre ela”, confessou Dandridge, sobre a diferença entre atuar para o game e para a TV. “No começo, eu me senti insegura. Mas foi maravilhoso ter uma equipe que ama e se importa com essa história e os personagens.” A atriz contou que esse ambiente foi essencial para que ela se sentisse confiante para explorar a personagem em um novo contexto. “Interpretar Marlene para a série foi uma experiência emocionante – mas confesso que um pouquinho assustadora também”, brincou.

O desafio de agradar aos fãs

Como convencer o público que jogou The Last of Us de que a série pode ser tão boa quanto o jogo? Para a atriz Bella Ramsey, que vive a protagonista Ellie, o primeiro passo é entender como essa paixão pela história surge.

“Eu entendo que jogar é uma experiência muito imersiva. Você passa muito tempo com esses personagens, interagindo com eles e, de certa forma, passando pelo que eles estão passando”, disse Ramsey. “Eu entendo o apego que as pessoas têm a esses personagens.”

Ramsey disse estar ciente da preocupação dos fãs – mas que, no fim das contas, não ficará desapontada se eles não gostarem da série. “Acho que nós fizemos um bom trabalho. Não acho que vão odiar The Last of Us; mas, se isso acontecer, tudo bem. Faz parte.”

Mazin defende que é preciso dar uma chance às versões dos personagens da série – afinal, todo mundo que jogou o jogo também precisou dar um voto de confiança no começo. “Quando joguei The Last of Us pela primeira vez, não tive sentimentos por Joel ou Ellie porque não os conhecia”, lembrou o roteirista. “Quando conheci Joel, ele era apenas um cara sentado em um sofá, era seu aniversário e ele estava cansado. E quando conheci Ellie, ela era levemente irritante. É no decorrer da jornada que você se apaixona.”

Druckmann confessou que, não raro, as pessoas o perguntam sobre os motivos que o levaram à adaptação da HBO. “Elas dizem: ‘se jogo era tão bom, por que seguir esse caminho? Você só tem a perder.’”

“Eu vejo isso de uma maneira diferente”, defendeu. “Algumas pessoas não jogam. Portanto, eles não terão a experiência da história. Acho que o que criamos na Naughty Dog vale a pena ser traduzido para este outro meio. Minha maior esperança é que alguém assista à série, se comova com ela e depois diga ‘espere, isso é baseado em um videogame? Tipo Pac-Man?’. Eles vão perceber que existe todo esse outro meio que é rico em narrativas e experiências.”

“Esse é o projeto mais pessoal que já fiz.” Assim falou Steven Spielberg sobre Os Fabelmans, seu 33º filme, em setembro de 2022 durante o Festival de Toronto – onde o longa venceu o prêmio principal.

Toronto costuma ser um importante termômetro para o Oscar. Os últimos dez vencedores do festival ganharam pelo menos uma estatueta – e três deles levaram o de Melhor Filme (12 Anos de Escravidão; Green Book; Nomadland). E a julgar pelo Globo de Ouro, entregue na última terça (10), o filme de Spielberg começou a temporada de premiações com o pé direito. Levou duas estatuetas: Melhor Filme de Drama e Melhor Diretor.

Mas, afinal: o que Os Fabelmans, que chega ao Brasil nesta quinta (12), tem que o torna tão singular dentro da filmografia de Spielberg? Esqueça os dinossauros, aliens e dramas da Segunda Guerra – este é um filme sobre a vida do diretor.

Está tudo ali. A infância conturbada (Steven apanhava no colégio por ser judeu). A família em desarranjo (o seu pai, um renomado engenheiro da General Electric, pouco aparecia em casa). E, claro, o amor de Spielberg pelo cinema (o seu refúgio eram os filmes caseiros que fazia com os amigos).

Em uma noite de 1952, o casal Burt e Mitzi Fabelman (Paul Dano e Michelle Williams) levam o filho Sammy (Mateo Zoryan Francis-DeFord), a versão ficcionalizada de Steven Spielberg, para uma sessão do filme O Maior Espetáculo da Terra. O garoto se apaixona pela experiência e passa a gravar curtas caseiros com as irmãs mais novas.

Burt recebe uma oferta de emprego em Phoenix, no estado do Arizona. Toda a família se muda para lá, assim como Bennie Loewy (Seth Rogen), melhor amigo e parceiro de negócios de Burt. A partir daí, o filme mergulha na adolescência de Sammy (agora vivido por Gabriel LaBelle), que continua a fazer filmes e a investir na carreira de cineasta – mas que, aos poucos, começa a perceber que o casamento dos pais não vai bem.

“O maior desafio dessa história foi decidir contá-la”

Desde 1999, Spielberg já pensava em fazer um filme sobre a sua infância. Na época, o projeto recebeu o nome I’ll Be Home (“Eu Estarei em Casa”) e seria escrito por uma de suas irmãs, Anne. Mas nunca vingou: o diretor sempre temeu que os pais não aprovassem a maneira como ele gostaria de abordar a vida (e os problemas) da família.

Leah e Arnold Spielberg (os pais de Steven) se divorciaram logo após o garoto se formar no colégio. Leah se apaixonou por Bernie Adler (no filme, Bennie Loewy), amigo de Arnold que sempre esteve próximo dos Spielberg. A separação dos pais, aliada aos desentendimentos com Arnold (ele e Steven ficaram anos sem se falar; só se reconciliaram no final dos anos 1990), fizeram com que o cineasta hesitasse em fazer um filme autobiográfico.

“O maior desafio dessa história foi decidir contá-la”, confessou Spielberg em uma recente entrevista. Com os anos, porém, a ideia amadureceu. E um dos principais incentivadores foi o roteirista Tony Kushner, parceiro de Spielberg nos filmes Munique (2005), Lincoln (2012), Amor, Sublime Amor (2021) e Os Fabelmans. “Você deveria fazer um filme sobre isso”, disse Kushner na primeira vez que Steven lhe contou sobre sua vida, em 2004.

O projeto começou de fato durante a pandemia, em 2020. Enquanto Amor, Sublime Amor estava em pós-produção, Spielberg e Kushner deram início a uma série de conversas via Zoom. “O que você acha de começarmos esse roteiro agora?”, teria sugerido Spielberg. A partir daí, Tony fez longas entrevistas com o cineasta, para entender todos os pontos que pudessem ser abordados no filme.

O primeiro rascunho do roteiro ficou pronto em dois meses. A partir daí, a dupla o reescreveu várias vezes, sempre com consultas externas: Steven frequentemente ligava para suas irmãs (Anne, Nancy e Sue) para colher detalhes e diferentes pontos de vista sobre determinada história.

As gravações aconteceram entre julho e setembro de 2021. O elenco teve acesso a fotos, vídeos e itens da família de Spielberg – o que os ajudou a compor os personagens. O designer de produção Rick Carter recriou a casa de Phoenix nos mínimos detalhes, com base em fotografias e descrições de Steven. “Foi estranho ver a minha casa totalmente reconstruída”, disse o diretor em um dos materiais de divulgação do filme.

Fazendo as pazes com o passado

Em entrevistas recentes, Spielberg confessou que o temor pela desaprovação dos pais ficou para trás. “Na verdade, eles ficavam me provocando: ‘E aí, Steve, quando você fará um filme sobre a nossa família?'”, disse à revista Hollywood Reporter. Leah e Arnold, porém, não conseguiram ver o resultado final: ela morreu em 2017, aos 97 anos; ele, em 2020, aos 103.

Outro fator que pode ter colaborado para que Os Fabelmans ganhasse vida foi o documentário Spielberg (2017), dirigido por Susan Lacy e lançado pela HBO. No filme, o cineasta abre o jogo sobre a sua vida – foi a primeira vez, por exemplo, que ele contou sobre o relacionamento de Leah com Bernie Adler (os dois se casaram após o divórcio com Arnold).

O documentário é também uma boa fonte para entender como os traumas do passado de Spielberg influenciaram as histórias que ele criou para as telonas, da família disfuncional de Contatos Imediatos de Terceiro Grau (1977) à solidão de Elliot em E.T.: O Extraterrestre (1982). Já O Resgate do Soldado Ryan (1998) foi fundamental para que o diretor fizesse as pazes com o pai (Arnold participou da Segunda Guerra e sempre contava histórias para os filhos). Spielberg está no HBO Max e vale a pena assistir – antes ou depois de Os Fabelmans.

Hoje (9), a escultura “A Justiça”, do mineiro Alfredo Ceschiatti, amanheceu com um “perdeu, mané” pichada no peito. Inaugurada em 1961, ela fica na parte externa do prédio do Supremo Tribunal Federal e retrata Têmis – a personificação da Justiça na mitologia grega. Tem valor estimado entre R$ 2 milhões e R$ 3 milhões, e é só uma das várias obras de arte que foram destruídas ou danificadas na invasão criminosa à sede dos Três Poderes deste domingo (8).

“O valor do que foi destruído é incalculável por conta da história que ele representa. O conjunto do acervo é a representação de todos os presidentes que representaram o povo brasileiro durante este longo período que começa com JK [Juscelino Kubitschek]”, disse Rogério Carvalho, diretor de Curadoria dos Palácios Presidenciais, em comunicado. 

Há vidros quebrados, tapetes molhados e cadeiras jogadas para longe nos três edifícios. O estrago é grande – mas, segundo Carvalho, será possível realizar a recuperação da maioria das obras vandalizadas. Confira abaixo algumas delas:

“As Mulatas” de Di Cavalcanti

“As Mulatas” é uma das obras mais importantes da carreira do pintor Di Cavalcanti (1897-1976), que ajudou a construir a Semana de Arte Moderna de 1922. Esta era a principal peça do Salão Nobre do Palácio do Planalto, no terceiro andar do edifício. Agora, a tela está com sete rasgos. Segundo nota do Planalto, o quadro tem valor estimado de R$ 8 milhões. Mas ele poderia alcançar um valor cinco vezes maior em leilões – algo comum para obras dessa magnitude.

Relógio Balthazar Martinot

Balthazar Martinot era o relojoeiro do rei francês Luís 14. De suas criações, restaram apenas duas: uma está exposta no Palácio de Versalhes (antiga residência real francesa); outra, com o dobro do tamanho, é esta da imagem acima. 

O relógio de pêndulo do século 17 foi um presente da Corte Francesa para Dom João VI – o rei português que abriu caminho para a independência do Brasil após deixá-lo nas mãos de seu filho, o príncipe-regente Dom Pedro I. A peça, cujo valor é considerado incalculável, ficou muito danificada. Carvalho estima como “muito difícil” a restauração do Relógio de Balthazar Martinot.

“A Bailarina”, de Victor Brecheret, e outras esculturas

“A Bailarina”, escultura de bronze de Victor Brecheret (1894-1955), amanheceu fora de seu pedestal depois da caótica invasão deste fim de semana. Ela é uma criação dos anos 1920 do ítalo-brasileiro Brecheret, um dos principais escultores do Brasil e um dos maiores representantes do movimento modernista por aqui. A escultura faz parte do acervo da Câmara dos Deputados e é avaliada em R$ 5 milhões.

Pior é o estado de uma escultura de parede em madeira feita pelo artista Frans Krajcberg (1921-2017), que nasceu na Polônia e se naturalizou brasileiro. Estimada em R$ 300 mil, ela estava no terceiro andar do Palácio do Planalto. Os galhos de madeira que compõem a obra foram quebrados e jogados longe.

A escultura “Vênus Apocalíptica”, criada pela artista argentina Marta Minujín (1943), também estava no Planalto – e apareceu jogada no chão, do lado de fora do prédio.

Outra escultura de bronze, “O Flautista”, do artista plástico Bruno Jorge, foi encontrada totalmente destruída. Datada de 1962, a obra ficava exposta em uma das salas do Congresso e tem valor estimado de R$ 250 mil.

Salão Nobre do STF

No prédio do Supremo Tribunal Federal, os invasores destruíram bustos de figuras importantes da República brasileira, como o de Rui Barbosa, responsável pela criação da Corte no modelo atual, e do abolicionista Joaquim Nabuco. Mas o estrago é ainda mais notável no Salão Nobre do edifício, como mostram as imagens abaixo. Lá estavam mais itens de valor histórico, como um tapete que pertenceu à Princesa Isabel, filha do imperador D. Pedro II e responsável por assinar a Lei Áurea, que acabou com a escravidão no país.

Salão nobre do STF antes e depois do terrorismo bolsonarista. Desolador. pic.twitter.com/ZSngQ4KRKm

— Thiago Cipriano (@thiagocipriano) January 8, 2023

Cadeira do STF

Também no STF, a cadeira da presidente Rosa Weber, desenhada pelo arquiteto e designer Jorge Zalszupin, foi danificada – e jogada para fora do edifício, com o brasão do STF. A primeira versão da cadeira apareceu nos anos 1960, mas Zalszupin criou uma série especial para o Supremo.

Vitral Araguaia, de Mariene Peretti

O vitral, que remete ao curso de um rio, é criação de 1977 da artista franco-brasileira Mariene Peretti. Ele estava no Salão Verde do Congresso Nacional e também foi danificado pelos invasores.

Retrato de José Bonifácio

Invasores também danificaram a obra de autoria desconhecida que retrata o Patrono da Independência do Brasil, José Bonifácio. Ele ganhou um bigode semelhante ao de Adolf Hitler, como você pode ver na imagem acima.

“Bandeira do Brasil”, de Jorge Eduardo

A pintura de 1995 estava no andar térreo do Palácio do Planalto e retrata a bandeira nacional hasteada em frente ao edifício. Ela serviu de cenário para pronunciamentos dos presidentes da República e apareceu, depois da invasão, em meio à água que inundou todo o andar depois que os invasores utilizaram os hidrantes do local. No mesmo andar do prédio, a galeria com fotos dos ex-presidentes foi totalmente destruída.

Uma trilha irreconhecível no meio de uma mata aparece na sua tela. É uma imagem do Google Street View, e pode ser… um trecho de mata atlântica em São Paulo. Bom, quase: depois você descobre que o cenário verde escuro, na verdade, é da África do Sul. Essa é mecânica de jogos no estilo de Geoguessr.

A proposta desse game é a seguinte: aparece uma imagem na sua tela, e você precisa adivinhar de qual canto do globo ela é. Para isso, coloca um alfinete num mapa virtual. Quanto mais próximo da localização correta for seu palpite, mais pontos você ganha. O Geoguessr, obra do sueco Anton Wallén, surgiu em 2013 mas continua super atual: fez bastante sucesso nos últimos anos com criadores de conteúdo que são experts no jogo e rendeu vários games com a mesma proposta.

Nessa onda, a designer suíça Caroline Buttet criou o Geo Artwork, em que você tenta acertar a origem de milhares de obras de arte – sejam pinturas, esculturas, peças têxteis ou livros e textos diversos. Você pode escolher uma destas categorias ou selecionar o modo de jogo em que aparece itens de todas as categorias mencionadas.

Buttet trabalha para o Google Arts & Culture, uma colaboração do Google com mais de duas mil instituições culturais – das quais 85 são brasileiras. No site do projeto, museus e galerias disponibilizam parte de seu acervo para consulta online, oferecem visitas virtuais gratuitas e mantêm conteúdos educacionais. 

O ​​Google Arts & Culture também possui um laboratório de criação, em que artistas, engenheiros e programadores se reúnem para criar diversas peças digitais – como o jogo de Buttet, que usa as coleções que estão catalogadas na plataforma online. Em cinco rodadas, ele mostra um item das instituições culturais e o jogador dá um palpite sobre a origem.

Como funciona

Para começar, saiba que o lugar a se adivinhar é a cidade ou o país de origem de um artefato ou obra de arte – não onde ela está hoje. O quadro Imperative (1976), por exemplo, está no acervo do Barbican Centre (Reino Unido), mas foi pintado por Lee Krasner, uma pintora expressionista de Nova York. Neste caso, você ganharia a pontuação máxima (100 pontos por rodada) se colocasse seu alfinete em qualquer lugar dos EUA no mapa.

É que a precisão da localização depende da ficha técnica das obras de arte, e cada museu adota um padrão ligeiramente diferente sobre a quantidade de informações que disponibiliza sobre as peças de seu acervo digital. A ficha de algumas obras mostram uma cidade de criação, como as do brasileiro Candido Portinari (o Rio de Janeiro). Outras, só um país, como Imperative.

Como Geoguessr e similares, você ganha mais pontos se fizer um palpite mais acertado. Então, coloque o alfinete em qualquer ponto da Cidade Maravilhosa quando aparecer Flores com Fundo Escuro (1951), de Candido, como eu fiz (vide as imagens acima). Você ganhará 100 pontos. Erre seu palpite por 5 mil quilômetros, por exemplo; o jogo lhe dará 20 pontinhos.

Você pode atingir até 500 pontos nas cinco rodadas – e jogar continuamente até bater seu recorde, que fica gravado em sua conta Google. Acesse neste link e divirta-se.

Segundo o American Film Institute, que faz uma curadoria de diversas listas de melhores da história do cinema, A Felicidade Não Se Compra (“It’s a Wonderful Life”, 1946), do diretor Frank Capra, é o filme mais inspirador de todos os tempos. E se tornou um clássico entre os filmes de Natal – embora a intenção do diretor não fosse essa no início. Até porque a obra parte de um argumento bem sombrio antes do incontornável final feliz. 

Resumindo aqui a história: George Bailey (interpretado por James Stewart, o ator preferido de Hitchcock) é um sujeito que constantemente deixa suas ambições profissionais em segundo plano para poder ajudar as pessoas mais necessitadas de sua comunidade. Ele administra uma financeira que dá empréstimos bem camaradas e estabelece um conjunto habitacional para pessoas pobres. Até que, acidentalmente, perde um dinheiro grande do seu negócio, bem na véspera de Natal, e cogita se suicidar. Mas aí a fantasia entra em cena.

Um anjo aparece bem na hora em que o protagonista está prestes a se jogar de uma ponte. E o leva a uma realidade paralela: a de como a vida das pessoas ao seu redor seria uma desgraça se ele não existisse. De como George Bailey é importante demais para achar que vale mais vivo do que morto (um seguro de vida em seu nome faz parte dos pensamentos suicidas do homem).

Demorou para cair nas graças do público

Quando o filme foi lançado, porém, a recepção não foi das mais calorosas. Os Estados Unidos haviam acabado de sair da Segunda Guerra Mundial, e o tom deprimente da maior parte do enredo não era bem o que os americanos estavam dispostos a ver nas telas. Depois do conflito internacional mais terrível da história, eles queriam assistir a comédias românticas leves e obras mais otimistas. 

O próprio diretor do filme e seu ator principal tiveram participação direta na guerra antes de voltar a Hollywood. Frank Capra trabalhou como documentarista de propaganda para o governo dos EUA e viu os horrores de perto. Stewart foi piloto de bombardeiro na Europa e voltou a seu país com transtorno de estresse pós-traumático. 

Também não ajudou na popularidade do filme, à época, o fato de ter sido acusado pelo FBI de ter “conteúdo comunista”. Isso porque o roteiro teria demonizado a imagem dos banqueiros ao colocar como vilão da história um dono de banco malvado, que rivaliza com o bonzinho Bailey.

Um clássico, afinal

Mas como esse filme deprê e “comunista” viraria um clássico de Natal nos Estados Unidos? Em 1974, um erro administrativo fez com que os direitos autorais da obra não fossem renovados. E isso teve uma consequência: as emissoras de TV podiam exibi-lo sem ter de pagar nada. 

Resultado: nas duas décadas seguintes, acabou sendo transmitido direto nos lares americanos, especialmente no período de festas de fim de ano, já que seu clímax acontece bem numa véspera de Natal. E assim A Felicidade Não Se Compra consolidou seu lugar na consciência do público como um filme que promovia bons valores dos velhos tempos em uma sociedade cada vez mais voltada para o dinheiro.

Em 1993, a Republic Pictures até conseguiu os direitos do filme num processo judicial, mas aí o longa-metragem já tinha passado quase 20 anos pelas TVs americanas. Já tinha virado um clássico. 

Ficou tão popular que rendeu até um novo conceito para a psicologia: o “Efeito George Bailey”, a condição de quem imagina um mundo no qual nossas vidas são piores. Estudos sugerem que as pessoas pensam melhor em suas circunstâncias atuais se imaginarem que coisas ruins poderiam ter acontecido com elas se tudo fosse diferente.

Em mais uma daquelas tardes que se resumem a espiadas distraídas no celular,  me deparei com uma thread da fotógrafa americana Isabelle Baldwin, no Twitter: “Fotos famosas e as câmeras com as quais elas foram feitas”. Normal: lá estavam a capa de Abbey Road (1969), dos Beatles, o retrato de Salvador Dalí e… um campo verde com céu azul.

“Bliss, 1996, [tirada com uma] Mamiya RZ67”, era o que dizia a legenda da imagem: nada menos que o papel de parede padrão do Windows XP, o sistema operacional lançado pela Microsoft em 2001 (e que você, se não for Geração Z, certamente usou).

Arregalei os olhos. Até aquele instante, eu nunca tinha parado para pensar que aquele fundo de tela era um cenário real – e que a fotografia tinha autor e data de criação.

O autor de Bliss (“contentamento”, em português), é Charles O’Rear, nascido em 1941, nos Estados Unidos – e que, claro, não fazia ideia de que a fotografia se tornaria a mais vista do planeta.

Entre colinas e estradas sinuosas

Lá pelos seus 20 e poucos anos, Charles entrou para o time de fotógrafos da National Geographic, onde ficou por quase três décadas. Nesse tempo, a revista o enviou para Napa Valley, região de vinícolas da Califórnia, e ele passou a percorrer um trajeto de 80 quilômetros entre lá e a cidade de São Francisco todas as sextas para visitar sua namorada.

O caminho com estradas sinuosas e pequenos montes ao redor era o cenário perfeito para uma foto, pensou Charles. “Em janeiro [no inverno americano], havia um período de no máximo duas semanas em que a grama dos montes ficava verde e brilhante e que tempestades passavam limpando o céu”, contou o fotógrafo em uma entrevista gravada em 2014, em Sydney, na Austrália.

“Mas você não podia prever quando o tempo estaria bom [para a foto]. Então, existe muito trabalho duro envolvido na tentativa de estar no momento certo, na hora certa.” Em 1996, numa dessas sextas-feiras, ele saltou do carro com a câmera que sempre carregava e a posicionou para alguns cliques. Deu certo: lá estava a foto com que ele estava sonhando. (Veja neste link outra imagem do mesmo local, tirada anos mais tarde, em 2006.)

Do banco à tela

A foto foi para um banco de imagens do qual Charles participava, o Corbis (adquirido em 1989 pelo dono da Microsoft, Bill Gates). Na época, os engenheiros da Microsoft estavam desenvolvendo o Windows XP – e precisavam de uma imagem para a tela inicial.

Eles, então, vasculharam o Corbis – que, àquela altura, tinha uma pequeníssima parcela das 100 milhões de imagens que tem hoje – em busca de um bom papel de parede. O vencedor, você sabe, foi o cenário clean de Charles. 

A empresa comprou a fotografia, e Charles nunca revelou quanto recebeu por ela. Mas já confessou que poderia ter se saído melhor. “Se soubesse o quão popular a imagem se tornaria e em quantos computadores estaria, eu poderia ter fechado um acordo melhor e dito: me dê apenas uma fração de centavo a cada vez que ela for vista.”

Uma roda gigante, um carrossel e uma entrada colorida com o nome do parque de diversão escrito em letras garrafais. Até aí, nada de mais. Agora, imagine o trabalho de grandes artistas plásticos do século 20, como Jean-Michel Basquiat, Salvador Dalí, Keith Haring e Roy Lichtenstein, no meio disso tudo. Eis o Luna Luna.

O parque abriu em junho de 1987, na cidade alemã de Hamburgo. Foi ideia do artista austríaco André Heller, que pretendia criar, nas suas palavras: “uma ponte entre a chamada ‘vanguarda’ – os artistas que às vezes eram um pouco esnobes e não se conectavam com as massas – e as pessoas ditas normais”.

Na época, ele recebeu ajuda financeira da revista alemã Neue Revue e foi atrás de dezenas de artistas, dos dois lados do Atlântico, que topassem embarcar no projeto. O resultado foi um parque de diversão com carrossel de Keith Haring (que você vê na imagem abaixo); um labirinto de vidro de Roy Lichtenstein com música de Philip Glass; uma roda gigante com desenhos de Basquiat e muito mais.

Naquele verão europeu, o parque recebeu aproximadamente 250 mil visitantes. Mas o sucesso durou pouco: problemas financeiros e burocráticos impediram que Heller continuasse com seu projeto. Ele até concordou em vendê-lo por seis milhões de dólares para um grupo filantrópico na década de 1990 – que montaria o parque em San Diego (EUA). Mas disputas judiciais travaram as negociações. Em 2007, as atrações do Luna Luna tiveram um destino mais triste que o daquele pinguim de Toy Story: foi parar em um armazém no Texas.

O parque de diversão ficaria por lá, juntando poeira, se não fosse o interesse da DreamCrew Entertainment – uma produtora fundada pelo rapper Drake que esteve por trás da série Euphoria (2019), da HBO. “Quando ouvi pela primeira vez sobre o Luna Luna, fiquei impressionado”, disse Drake em um comunicado. “É uma maneira única e especial de experimentar arte. Esta é uma grande ideia e oportunidade centrada no que mais amamos: unir as pessoas.”

Depois de meses de negociação, Heller colocou seu projeto nas mãos do DreamCrew, que iniciou um processo de restauração do parque em Los Angeles. Além das peças originais, o Luna Luna contará com peças novas, no estilo do projeto original.

O investimento para reabertura do parque já se aproxima dos US$ 100 milhões, e todo o processo está sendo registrado para a produção de um documentário. A expectativa é montar o Luna Luna em diversas cidades americanas na primavera de 2023 – e em outros países no ano seguinte. Antes disso, será lançado um livro original, traduzido do alemão para o inglês, que conta a história do parque.

Você pode conferir mais imagens deste experimento artístico no site original do projeto, neste link.

Para além do futebol, a Copa do Mundo serve para entrar em contato com a cultura de outros países e reparar em suas particularidades, mesmo as mais sutis. Na edição do Catar, que termina neste domingo (18), por exemplo, você deve ter percebido que o apelido do McDonald’s muda conforme o lugar.

Mas talvez o mais interessante tenha sido reparar que o clássico grito de “gol” não é o mesmo em todos os idiomas. E não é só a palavra que muda: a maioria das narrações não são tão emocionantes como as nossas nem prolongam a letra “o” à la Galvão Bueno.

Conheça como fica o grito de gol em outras partes do mundo:

1. Alemanha

Por lá, os gols são comemorados com um sonoro “tor”. Na língua alemã, a palavra também significa “portão”, que é como eles chamam a estrutura física das traves que formam o gol.

2. Inglaterra

Tanto lá como nos outros países de língua inglesa (como Estados Unidos, Gana, Senegal e Austrália) a palavra é “goal”, que significa “meta”, “objetivo”. A semelhança com o nosso “gol” é óbvia: nós importamos a expressão junto com o esporte, quando ele foi trazido para cá no século 19.

3. França

Os atuais campeões do mundo tem um jeito diferente de comemorar seus pontos. Para eles, “marcar um gol” é o mesmo que “marquer un but”. Narradores franceses não prolongam a palavra.

4. Catar

No jogo contra Senegal, a torcida catari viu Mohammed Muntari marcar o único “hadaf” do time da casa na Copa. A palavra significa “objetivo”, “alvo”, ambição”. Se somados aos outros países de língua árabe – Arábia Saudita, Irã e Tunísia -, foram 9 gols marcados no torneio; comemorados tanto com “gol” quanto com “hadaf”.

5. Portugal

A comemoração dos nossos colegas lusófonos também é herança inglesa –mas eles adicionam uma letra extra em seu grito: “golo”.

6. Marrocos

A grande surpresa desta edição, a seleção marroquina é o primeiro time africano a ficar entre os quatro melhores da competição. Por lá, além de também comemorarem com “goal”, eles gritaram “bite” em vários momentos da sua trajetória na Copa.

7. Croácia

Os algozes do Brasil chamam o gol de “cilj”, que também significa “meta”. A pronúncia dispensa as duas últimas letras, e fica próxima de um “si”.

Pergunta de solrac_hayd, via Instagram

1 – Escolha bem o tema

A oferta de podcasts é absurda. Então vale identificar quais nichos renderiam mais. Ouça programas de vários formatos (narrativos, ficcionais, monólogos) e analise as listas de mais ouvidos. A partir daí, escolha um tema pelo qual seja apaixonado – desde que seja possível fugir do óbvio na abordagem.

2 – Não desista por falta de estrutura

Você não precisa contar com todo o aparato de um estúdio: use o celular ou microfones com entrada USB (há opções razoáveis a partir de R$ 150). O importante é evitar que o som reverbere (e pareça que você gravou no banheiro). Para diminuir esse efeito, vale usar tapetes, cobrir-se com um lençol – ou, ainda, gravar dentro do guarda-roupa.

3 – Corta e corta

Para editar, softwares gratuitos, como Audacity e Anchor, são boas opções para iniciantes. E você não tem de colocar o seu podcast nas (várias) plataformas de streaming, uma por vez. Há serviços de hospedagem que encurtam esse processo: você publica lá e ele se encarrega da distribuição. Um dos mais usados é o próprio Anchor (que desde 2019 pertence ao Spotify).

4 – Grave um piloto…

…e mostre para amigos e potenciais ouvintes. Mas não tem atalhos: construir audiência demora. Seja persistente. Participe de outros podcasts e divulgue o seu trabalho (e, claro: convide outras pessoas para o seu). Publique periodicamente para que o público saiba que é sério e adquira o hábito de acompanhar. Mas seja realista: manter um programa diário (ou até mesmo semanal) sozinho dá trabalho – e isso pode aumentar os riscos de você abandonar o projeto.

Saiba mais

• Vai gravar entrevistas remotas? Evite softwares de videoconferência (Zoom, Meet, etc.): a qualidade do áudio deixa a desejar, e eles não gravam a voz de cada participante em faixas de áudio individuais (o que facilita a edição). Prefira plataformas voltadas para podcast, como o Zencastr e o Riverside.

• Roteiros de podcast que não se atêm à linguagem falada soam monótonos e confusos. Opte por frases curtas, na ordem direta, e com expressões que você usaria numa conversa ao vivo. Leia o texto em voz alta antes de gravar e veja se soa natural.

• Anúncios e crowdfunding são boas opções de financiamento – mas funcionam melhor para públicos consolidados. Para tirar o podcast do papel, existem programas de aceleração e editais de fomento, como o Google Podcast Program e o Sound Up Brasil (este prioriza criadores de conteúdo negros).

Fontes: Bia Guimarães, jornalista e co-apresentadora do podcast 37 Graus. Carlos Merigo, sócio-fundador do B9 e apresentador do Braincast.

O símbolo talvez tenha na natureza: ao longo da história, diversas espécies de plantas inspiraram imagens nesse formato.

Um dos registros mais antigos é o do silphion, uma planta de flores amarelas que, há 2,5 mil anos, era um produto valioso no Mediterrâneo. Crescia apenas em Cirene, colônia grega localizada na atual Líbia, que enriqueceu às custas do comércio da planta. Era uma commodity tão importante que, nos séculos 5 a.C. e 6 a.C., passou a aparecer nas moedas de prata da cidade. E a figura da semente, cunhada no metal, é idêntica ao símbolo de coração ():

Tanto valor vinha de supostas mil e uma utilidades do silphion: tempero (seria uma especiaria afrodisíaca), perfume e remédio para vários problemas (febres, calafrios, dores no estômago e até calvície). A planta ainda tinha fama de método anticoncepcional rudimentar: o médico grego Sorano de Éfeso (98–117) teria recomendado seiva de silphion para prevenir (ou interromper) gestações.

A popularidade do silphion nas culturas que deram origem ao pensamento ocidental pode ter colaborado para que a imagem da semente passasse a representar o amor. E por consequência, o coração (órgão que acelera quando você vê o ser amado, e que por isso mesmo era tido como a fonte das emoções).

Mas a ocorrência mais antiga de um símbolo de coração retratando de fato um coração é relativamente recente. Aparece numa ilustração francesa do século 13, na qual um jovem entrega seu coração à amada.

Por que, então, haveria um hiato milenar entre a imagem da semente de silphion e o símbolo no contexto que a gente conhece? Porque talvez uma coisa não tenha a ver com a outra.

Muitos historiadores entendem que a imagem é apenas uma simplificação do coração anatômico. Num mundo em que a informação em forma de imagens não circulava, pouca gente conhecia as formas de um coração humano de verdade, claro. Mas basicamente todo mundo já tinha visto um coração de porco, por exemplo, que é bem parecido com o nosso. Remova a artéria pulmonar, a aorta e a veia cava, e o coração de porco fica parecido com o .

Logo, a popularização do símbolo que serve ao mesmo tempo para o amor e para o órgão que bombeia sangue pode ser só uma espécie de meme da Idade Média que atravessou os séculos. E que segue pulsante nos emojis.

Na ciência, há o conceito da “navalha de Occam”. Grosso modo, ele diz que a hipótese menos rebuscada para a origem de um fenômeno tende a ser a correta. A Super valoriza esse princípio. Portanto, votamos na segunda teoria.

Fonte: Why Does the Heart Symbol Look That Way?, da PBS Origins.

^{Texto: Rafael Battaglia | Edição: Alexandre Carvalho | Design e colagens: Juliana Alencar}

JANEIRO

-Babilônia

Um épico sobre a Hollywood da década de 1920: nas telas, a era de ouro do cinema mudo e seus bastidores; as festas extravagantes que marcaram os roaring twenties (“os loucos anos 20”), período de efervescência econômica e cultural dos EUA pós-Primeira Guerra (tem a mesma atmosfera de filmes como Cantando na Chuva e O Grande Gatsby). Com Brad Pitt e Margot Robbie no elenco e direção de Damien Chazelle (de Whiplash e La La Land).

-Tár 

Cate Blanchett aprendeu a tocar piano de verdade (e até a reger uma orquestra) para viver uma prestigiada compositora neste drama de Todd Fields. A trilha sonora é da islandesa Hildur Guðnadóttir, que venceu o Oscar por seu trabalho em Coringa (2019).

FEVEREIRO

-Os Banshees de Inisherin 

Martin McDonagh (Três Anúncios Para Um Crime) mostra o fazendeiro Pádraic (Colin Farrell) tentando retomar a relação com seu amigo de longa data, Colm (Brendan Gleeson) – que havia cortado o camarada de sua vida sem dar explicações. A parceria artística não é inédita: Farrell e Gleeson vivem assassinos de aluguel no primeiro filme de McDonagh, a comédia ácida Na Mira do Chefe (2008). Tem no HBO Max.

-I Wanna Dance With Somebody: A História de Whitney Houston

-Batem à Porta

A carreira de M. Night Shyamalan divide opiniões: o diretor de O Sexto Sentido (1999) e Fragmentado (2016) também tem no currículo bombas como O Último Mestre do Ar (2010) e Depois da Terra (2013). Aqui, uma garota e seus pais viram reféns de quatro estranhos – que exigem que a família faça uma escolha para evitar o apocalipse. Shyamalan gravou com lentes dos anos 1990 para evocar a estética dos suspenses da época.

-A Baleia

Entre os anos 1990 e 2000, Brendan Fraser era um astro de filmes de ação e comédia. Em 2003, foi vítima de assédio sexual. Entrou em depressão – e nunca mais conseguiu papéis de destaque. A Baleia, dirigido por Darren Aronofsky (Cisne Negro; Mãe!), consolida sua volta por cima: ele vive um professor com obesidade severa que busca se reconectar com a filha. Pela performance, Fraser recebeu seis minutos de aplausos no Festival de Veneza, um dos mais importantes do cinema.

-Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania

Embora seja menos famoso que Thor, Hulk e cia., o Homem-Formiga é peça-chave no Universo Cinematográfico da Marvel, o MCU: foi graças ao Reino Quântico (dimensão explorada nos filmes do herói) que os Vingadores conseguiram viajar no tempo e deter Thanos em Ultimato (2019). Quantumania será responsável por dar destaque a Kang, O Conquistador (Jonathan Majors) – um personagem que apareceu brevemente na série Loki (2021- ), mas que, daqui em diante, assumirá o posto de principal vilão do MCU.

-Os Fabelmans

Steven Spielberg teve uma infância conturbada. Na escola, apanhou por ser judeu. Em casa, seu pai, um renomado engenheiro da General Eletric, pouco aparecia (a mãe se apaixonou por um dos melhores amigos do marido; e o casamento terminou assim que o filho se formou). O refúgio de Steven eram os filmes caseiros que fazia com os colegas. 

No documentário Spielberg (2018), disponível no HBO Max, o cineasta abriu o jogo sobre seu passado – e como todas essas experiências influenciaram a sua carreira. Já neste Os Fabelmans, seu 33° filme, ele vai contar essa história, mas na forma de ficção. “É o projeto mais pessoal que já fiz”, disse o diretor no Festival de Toronto de 2022, onde a obra de inspiração biográfica ganhou o prêmio principal. O evento é um termômetro importante do Oscar: os últimos dez vencedores de Toronto ganharam pelo menos uma estatueta – e três deles levaram o de Melhor Filme (12 Anos de Escravidão; Green Book; Nomadland).

MARÇO

-Shazam: Fúria dos Deuses

-Super Mario Bros – O Filme

-Creed III

Cinco anos depois de Creed II (2018), Adonis Creed (Michael B. Jordan) segue como campeão absoluto no boxe. Mas as coisas se complicam ao reencontrar Damian (Jonathan Majors), amigo de infância que passou anos na prisão – e quer desafiá-lo no ringue. O filme é a estreia do próprio Jordan na direção – mas será o primeiro da franquia Rocky Balboa sem Sylvester Stallone: o ator, que criou o personagem nos anos 1970,que abandonou o projeto por divergências criativas.

-Pânico 6

-John Wick 4: Baba Yaga

ABRIL

-Dungeons & Dragons: Honra entre Rebeldes

Hugh Grant e Chris Pine estrelam esta fantasia, uma adaptação do famoso jogo de RPG homônimo, criado em 1974. Alguns personagens de Caverna do Dragão (1983-1985) devem aparecer (a animação também se baseia no jogo) – mas apenas com participações especiais.

-Next Goal Wins

Em 2001, a Samoa Americana levou a maior goleada em jogos internacionais da história do futebol: 31 a 0, em jogo contra a Austrália (não exatamente uma potência desse esporte). Dez anos depois, sob o comando do técnico holandês Thomas Rongen, conquistou sua primeira vitória oficial – e, em seguida, uma classificação inédita para a fase final das Eliminatórias da Oceania para a Copa.

Essa trajetória é tema do novo filme de Taika Waititi (Jojo Rabbit), estrelado por Michael Fassbender. Ainda não tem título em português . Na tradução livre, é “O Próximo Gol Leva” (assim como o documentário homônimo de 2014, que conta essa mesma história).

MAIO

-Guardiões da Galáxia Vol. 3

-Velozes e Furiosos 10

-A Pequena Sereia

Em 2019, a Disney anunciou que a atriz Halle Bailey viveria Ariel na adaptação live-action da animação de 1989. Bailey também é cantora e, desde a adolescência, faz parte da gravadora de Beyoncé. Com o anúncio, porém, surgiram comentários contrários à escolha, que se opunham à ideia de uma mulher negra assumir o papel de uma personagem que, supostamente, deveria ser branca. A resposta às falas racistas veio na forma de trend nas redes sociais: após o lançamento do trailer, as reações de crianças negras assistindo ao vídeo (e se identificando com Bailey) bateram milhões de visualizações.

JUNHO

-The Flash

Ao menos 45 roteiristas se envolveram em algum grau nas (várias) versões deste filme, que vai adaptar a HQ Ponto de Ignição (2011). No longa, Flash (Ezra Miller) volta no tempo para impedir a morte da mãe, mas isso gera problemas na sua linha temporal – e na de outros universos também.

A existência de várias realidades vai permitir a participação de antigos personagens da DC, como o Batman de Michael Keaton (o ator está confirmado). Só tem um problema: o recente comportamento de Miller – duas passagens pela prisão e acusações de furto, agressão e assédio – pode atrapalhar a divulgação e, pior, a bilheteria do filme.

-Homem-Aranha: Através do Aranhaverso

-Elementos

-Transformers: O Despertar das Feras

-Indiana Jones e O Chamado do Destino

No final dos anos 1970, em uma praia no Havaí, George Lucas e Steven Spielberg conversavam sobre futuros projetos. “Eu adoraria dirigir um filme do James Bond”, confessou Spielberg. “Eu tenho algo muito melhor”, respondeu Lucas, que descreveu ao amigo uma ideia que havia tido anos antes: “um arqueólogo que procura artefatos sobrenaturais”. Steven topou na hora. O resultado: Os Caçadores da Arca Perdida (1981), vencedor de cinco Oscars – e que consolidou Indiana Jones como um dos grandes heróis do cinema.

O quinto filme da franquia vai se passar em 1969. Indiana (Harrison Ford, aos 80 anos) e sua afilhada, Helena (Phoebe Waller-Bridge, de Fleabag), vão atrás de antigos oficiais nazistas que a Nasa contratou para ajudar os EUA a vencer a União Soviética na corrida espacial. Isso aconteceu mesmo durante a Guerra Fria: foi a chamada Operação Paperclip.

JULHO

-Barbie

A ideia de fazer um filme em live-action sobre a icônica boneca da Mattel ronda Hollywood desde 2009. Passou por diversos estúdios, diretores e roteiristas — até que, em 2019, a Warner Bros. anunciou Margot Robbie no papel principal. Desde então, o projeto ganhou ares de filme cult. Não apenas pelo elenco (que inclui também Ryan Gosling como Ken, o namorado da Barbie): a direção é de Greta Gerwig (Ladybird; Adoráveis Mulheres), que coescreveu o roteiro com o cineasta (e seu marido) Noah Baumbach (de História de um Casamento).

-Oppenheimer

Cillian Murphy, Robert Downey Jr., Emily Blunt, Matt Damon… O responsável por juntar esses talentos é Christopher Nolan. Depois de Dunkirk (2017), o diretor volta à Segunda Guerra Mundial para contar a história do físico J. Robert Oppenheimer, peça-chave na criação da bomba atômica.

-Assassinos da Lua das Flores

Martin Scorsese vai contar a história dos assassinatos em série de membros da tribo Osage, que aconteceram nos EUA dos anos 1920, quando esses indígenas descobriram petróleo em suas terras. Será a sexta colaboração do diretor com Leonardo DiCaprio – e a décima com Robert De Niro.

-Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte 1

As gravações do sétimo Missão: Impossível foram conturbadas. Paralisações durante a pandemia atrasaram o filme (um áudio de Tom Cruise brigando com membros da equipe por não respeitarem os protocolos de saúde vazou – e viralizou). A preferência do diretor Christopher McQuarrie por realismo nas cenas também causou um desentendimento: a produção queria explodir parte de uma ponte centenária (e abandonada) na Polônia. O governo local apoiou, mas os moradores defenderam a construção como um símbolo histórico. No fim, McQuarrie desistiu da ideia. O longa é a primeira parte da despedida do agente secreto Ethan Hunt (Cruise); a segunda estreia em 2024.

AGOSTO

-Besouro Azul

-Mansão Mal-Assombrada

SETEMBRO

-A Haunting in Venice

Adaptação do romance homônimo de Agatha Christie, com Kenneth Branagh novamente na direção e no papel principal do detetive Hercule Poirot (assim como os recentes Assassinato no Expresso do Oriente e Morte no Nilo). Ainda não tem título em português – no Brasil, a obra de Christie se chama A Noite das Bruxas.

-Os Mercenários 4

OUTUBRO

-Duna: Parte 2

-Kraven, o Caçador

A estreia deste vilão do Homem-Aranha nas telonas bateu na trave duas vezes: Sam Raimi, diretor da trilogia estrelada por Tobey Maguire, considerou usá-lo no quarto filme do herói com esse ator (que nunca saiu). Em 2018, o cineasta Ryan Coogler também quis que ele aparecesse em Pantera Negra. No fim, a Sony, estúdio que já fez filmes de outros antagonistas do Aranha (Venom e Morbius), lançará um filme solo do personagem, que será interpretado pelo ator Aaron Taylor-Johnson (o Mercúrio de Vingadores: Era de Ultron).

NOVEMBRO

-Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes

Em 2020, a escritora Suzanne Collins lançou um livro do universo Jogos Vorazes que antecede a saga da heroína Katniss Everdeen. A obra narra a juventude de Coriolanus Snow – e como ele se tornou o ditador de Panem (no cinema, o vilão foi interpretado pelo ator Donald Sutherland). Aqui, Snow (que nasceu na Capital, a rica sede de Panem) recebe a contragosto a tarefa de ser o mentor de uma garota do pobre Distrito 12 (o mesmo de Katniss) na décima edição dos Jogos Vorazes. O diretor da adaptação é Francis Lawrence, que também comandou os últimos três filmes da saga.

-Wish

DEZEMBRO

-Wonka 

-Aquaman 2: O Reino Perdido

PARA FICAR DE OLHO

Três lançamentos que ainda não têm data de estreia definida – mas que merecem ficar no radar.

Napoleão 

Mostrará a ascensão e queda do líder francês (Joaquin Phoenix) e a conturbada relação com sua primeira esposa, Josefina (Vanessa Kirby). O filme do Apple TV+ tem direção de Ridley Scott, que trabalhou com Phoenix 22 anos atrás, em Gladiador (2000).

Ferrari 

O filme sobre Enzo Ferrari (Adam Driver) se passa em 1957 e vai abordar a ameaça de falência da montadora de carros, o turbulento casamento com a esposa, Laura (Penélope Cruz), e sua participação na última Mille Miglia, corrida que cruzava a Itália.

Mauricio de Sousa

Outra cinebiografia — desta vez, brasileira. O filme sobre o criador da Turma da Mônica, que ainda não tem título oficial, será estrelado por Mauro Sousa, filho de Mauricio. Nos próximos anos, devem estrear também longas do Chico Bento, Penadinho e da Turma da Mônica Jovem.

A expressão, você sabe, é da história Ali Baba e os Quarenta Ladrões, o conto mais famoso da coletânea Mil e Uma Noites. Na narrativa, o comerciante Ali Baba usa a frase mágica para abrir a porta de uma caverna onde ladrões guardam seus tesouros roubados. 

Mas Sésamo não era o nome de algum porteiro do esconderijo. A escolha do termo tem relação com a botânica.

Sésamo (Sesamum indicum) nada mais é do que chamamos no Brasil de gergelim: planta originária do Oriente, capaz de crescer em solos nos quais outras plantas teriam dificuldade. O uso na história é uma analogia: tem a ver com suas sementes ficarem protegidas por uma cápsula que se abre quando elas ficam maduras.

O gergelim é muito usado na culinária, seja com suas sementes cruas em pães e saladas, seja transformadas em óleo para fritura. São ricas em fósforo, potássio, cálcio, magnésio, fibras e antioxidantes. Na forma de óleo, fazem bem para o coração e têm propriedades anti-inflamatórias. 

Se o Sésamo de Ali Baba tinha poderes sobrenaturais sobre a entrada em cavernas, o gergelim é um verdadeiro tesouro – para a sua saúde.

Pergunta de @diego.zanchetta, via Instagram