No universo da DC Comics, Barry Allen é o homem mais rápido do mundo. Tão rápido que é capaz de romper a barreira do tempo para mudar o seu próprio passado. Essa premissa guia os acontecimentos de Flashpoint, a saga das HQs que inspirou o filme The Flash, que chega aos cinemas no dia 15 de junho de 2023.

Confira abaixo algumas HQs para você conhecer ainda mais a história do herói e se preparar para o lançamento do filme que deve redefinir os rumos do universo DC nas telonas.

Flashpoint, de Geoff Johns

Não poderíamos começar com outra história senão o Flashpoint (ou Ponto de Ignição em português), que é um ponto de virada no universo DC. Nos quadrinhos, vemos Thomas Wayne como Batman, o Superman criado em laboratório e outras maluquices nessa linha temporal criada pelo Flash. O herói é o único capaz de entender o que faz parte da linha do tempo original e o que é a realidade alternativa.

Flashpoint

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The Flash, por Grant Morrison e Mark Millar

Aqui, em uma das principais histórias do Flash de Wally West, o herói precisa lutar contra um uniforme autoconsciente que é capaz de consumir a vitalidade de quem o veste. Além disso, Wally precisa derrotar o Mestre dos Espelhos, que planeja acabar com a existência das pessoas mais queridas do herói, e vencer uma corrida pelo espaço-tempo em que o perdedor será apagado da existência.

The Flash

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Flash de Dois Mundos, por John Broome

Flash de Dois Mundos é a história que mostra a Terra-2 e estabelece pela primeiríssima vez o conceito de multiverso da DC, que muda totalmente as histórias daí para frente. Na história, Barry Allen se transporta para o mundo e universo de Jay Garrick, o primeiro velocista escarlate que, no mundo de Allen, era apenas um personagem de quadrinhos.

Flash de Dois Mundos

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Vale lembrar que alguns dos títulos listados aqui estão disponíveis também para o Kindle.

Este texto contém spoilers do último episódio da série. Depois não diga que não avisamos, ok?

Succession, a saga dos bilionários mais desprezíveis (e amados) da HBO, acabou. Em quatro temporadas (que, juntas, somam 39 episódios), o público acompanhou a saga da família Roy – e a disputa para ver qual dos filhos de Logan (Brian Cox) herdariam o comando do seu império de mídia, a Waystar.

E os herdeiros…perderam. Kendall (Jeremy Strong), Shiv (Sarah Snook) e Roman (Kieran Culkin) viram os negócios do pai passarem para o sueco Lukas Matsson (Alexander Skargård), um empresário à la Elon Musk que adquiriu a Waystar em uma intricada negociação que guiou os episódios derradeiros.

Como parte da estratégia, Mattson escolheu um CEO americano para a empresa, sob a justificativa de que isso facilitaria a transição. O chosen one para o cargo foi Tom Wambsgans (Matthew MacFadyen, que, veja só, é britânico).

Pois é. Se você sempre acreditou no eterno Mr. Darcy de Orgulho e Preconceito (2005), faça a sua festa, torcedor. É a vitória dos puxa-sacos.

Achou o desfecho inesperado? Há quem discorde. Na última semana, um vídeo que viralizou na internet sugere que isso sempre esteve na cara dos espectadores – para enxergá-lo, bastava ser um nerd de beisebol.

Prazer, Bill Wambsganss

No TikTok, Sophie Kihm, editora do canal Nameberry (focado em nomes de bebês) apresentou a história de Bill Wambsganss (1894-1985), um antigo jogador da MLB, a principal liga de beisebol dos Estados Unidos.

(A teoria, vale dizer, já circulava há algum tempo. Mas foi o vídeo de Kihm que, de fato, disseminou a coisa)

@nameberry.com Do the names on Succession reveal the show’s ending? #succession #hbomax #tomwambsgans #billwambsganss #shivroy #successionhbo #successiontok #successionfinale #babynames #nameberry ♬ Epic Inspiration – DM Production

Bill jogou por 13 temporadas em alguns dos times mais tradicionais do país, como o Boston Red Sox. Em 1920, foi campeão pelo Cleveland Indians – e, na quinta partida daquela final, fez uma jogada que entrou para a história: uma queimada tripla sem assistência (em inglês, “unassisted triple play”).

Essa é uma das jogadas mais raras do beisebol. Ela só aconteceu 15 vezes na MLB – e Wambsganss segue como o único a tê-la feito na pós-temporada: o momento dos jogos eliminatórios até a final do campeonato.

Para entender o triple play, vamos à uma aula express do esporte.

Em uma partida, os times alternam entre momentos de ataque e defesa. Quando a equipe que está atacando acerta uma bola, o rebatedor pode correr. O seu objetivo é passar pelas quatro bases sem ser eliminado. Se fizer isso, ganha um ponto.

Enquanto a defesa recupera a bola, rebatedores anteriores que permaneceram a salvo em uma das bases do campo podem retomar a corrida para tentar garantir o seu ponto (“anotar uma corrida”, no jargão do esporte).

É aí que entra o trabalho da defesa. Se o time eliminar três jogadores adversários, ganha o direito de atacar.

Há mais de uma forma de eliminar alguém. Você pode pegar a bola rebatida no ar, antes que ela encoste no chão. Quem estiver com a bola em mãos pode também encostar em um adversário correndo ou “queimar” uma base, para que o oponente não possa ficar nela.

A defesa, então, é um grande trabalho de equipe – para tentar a eliminação, os jogadores e arremessam a bola para quem estiver mais perto da base (ou do adversário).

Queimar um jogador? Ótimo. Dois, numa mesma jogada? Fantástico. Três? Raríssimo: desde 1876, houve apenas 733 triple plays – média de cinco por temporada. Por ano, há 2.340 jogos na temporada regular da MLB.

Do beisebol para Succession

Tudo isso ajuda a entender o feito histórico de Wambsganss – que, sozinho, mandou três jogadores para o chuveiro.

Wambsganss jogava como defensor da segunda base. Segundo o relato do jornal The New York Times, em determinado momento da partida contra o Brooklyn Robins, Bill saltou com o braço esticado, agarrou a bola e aterrisou na segunda base, da qual era o defensor. Com isso, ele eliminou, de cara, dois jogadores.

Bill foi rápido e, logo na sequência, percebeu que havia um jogador correndo da primeira para a segunda base. O coitado não teve tempo de dar meia volta: Wambsganss correu até ele e o eliminou também.

Uma queimada tripla é rara porque não bastam apenas as qualidades individuais dos jogadores. Para que ela aconteça, é preciso também que a posição dos jogadores, a rebatida e o lugar em que a bola vai parar favoreçam a jogada. Um arranjo complexo. Mas claro: não vamos tirar o mérito do querido Bill.

Ora, e Succession? Bom, junte A com B e temos que Tom eliminou três jogadores (os irmãos Roy) de uma só vez. Jesse Armstrong, criador da série, ainda não confirmou (nem desmentiu) a teoria do final improvável para o personagem – tão improvável quanto o triple play do seu xará.

Toda música é composta a partir de uma escala. Esse é o conjunto pré-determinado de notas que você vai ter à disposição para construir sua canção. É algo como determinar a paleta de cores de um quadro, por exemplo. 

A teoria musical do Ocidente se baseia nas escalas diatônicas, que possuem sete notas. Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Si. Mas nosso sistema de afinação permite, ao todo, doze notas, e muitos estilos de música popular usam escalas de cinco, seis ou oito notas. 

Existem, porém, sistemas de afinação não ocidentais com um número brutal de notas. Dentre os mais conhecidos e estudados, um caso limítrofe é o da música tradicional turca, que usa 53 notas. Isso cria possibilidades sonoras alienígenas para nossos ouvidos. 

Dá só uma olhada neste teclado, desenhado para permitir 53 notas em vez das 12 de um piano comum (7 brancas e 5 pretas). A bem da verdade, ele é um coringa musical, que pode ser programado para dar conta de muitas outras afinações incomuns, com 31 notas ou 17 notas, por exemplo. O dito-cujo é fabricado pela empresa canadense Lumatone. 

Para explicar como isso é possível, precisamos começar com uma pergunta mais básica: como um grupo étnico escolhe as notas que vão compor suas escalas típicas? 

Vamos lá: cada nota musical é uma frequência – ou seja, é o ar vibrando um certo número de vezes por segundo. Quanto mais aguda a nota, mais alta a frequência. E quanto mais grave, mais baixa a frequência.

Nosso ouvido, em condições platônicas, capta qualquer frequência entre 20 hertz (Hz) e 20.000 Hz. (Digo “platônicas” porque, na prática, só um bebê é tão sensível: adultos vão perdendo alcance com o passar da idade e a exposição a baladas, shows e outras formas de abuso dos tímpanos.)  

Isso significa que, pelo menos em teoria, há um número infinito de notas possíveis dentro da janela de percepção humana. 20 Hz. 20,1 Hz. 20,01 Hz e por aí vai. Haja opção. 

Na prática, porém, nossa sensibilidade é limitada. Ninguém é fisicamente capaz de perceber a diferença entre 20 Hz e 20,001 Hz. Se você aumentar um pouco a distância entre notas – digamos, para algo como 20 Hz e 22 Hz – o ouvido já será capaz de notar que se tratam de dois sons diferentes, mas eles soarão tão próximos que vão parecer duas versões desafinadas da mesma nota, e não notas distintas.

Isso obriga que exista uma distância mínima entre duas notas que você escolhe para sua paleta – uma distância que nos permita percebê-las como duas notas diferentes. Essa distância varia de cultura para cultura. O que um povo percebe como dissonância, outro vê como uma paleta de sons aceitável. 

Nem tudo é relativo, porém. Quando você toca duas notas juntas, algumas combinações de frequências soam naturalmente mais agradáveis que outras – e isso, até onde se sabe, vale para qualquer ser humano, esteja ele em Nova York ou em uma tribo isolada na Papua-Nova Guiné. 

Essas combinações correspondem a frações redondinhas. A mais redonda de todas é 1/2 – quando você toca, por exemplo, uma nota de 400 Hz e outra de 800 Hz. Essas duas notas soam tão parecidas que nós as percebemos, na prática, como a mesma nota. Você ouve uma versão mais aguda e uma mais grave de um som idêntico. 

(Muito se discute se a oitava é universal ou se existem culturas em que 800 Hz são percebidos como uma nota diferente de 400 Hz. Mas, ainda que uma diferença interpretativa assim exista, qualquer ser humano consideraria essa combinação de sons extremamente consonante e estável.)

Depois da oitava, a dupla de notas mais estável é a quinta, que ocorre quando as duas frequências estão separadas por uma fração de 3 dividido por 2 (ou seja, 1,5). Por exemplo, 600 Hz e 400 Hz, ou 300 Hz e 200 Hz. Note que tanto faz quais são as frequências, desde que o resultado da divisão entre elas dê 1,5. É por isso que os músicos pensam em intervalos, como quinta e oitava, e não em frequências. 

As escalas musicais diatônicas do Ocidente foram construídas a partir de quintas. Você começa, por exemplo, no Dó. A quinta do Dó é o Sol. A quinta do Sol é o Ré. A quinta do Ré é o Lá. Pulando de quinta em quinta, sempre pegando a nota que tem uma relação de três meios (3/2) com a nota anterior, você vai obtendo todas as notas conhecidas. Até completar as doze do piano e voltar para o ponto de partida, que é o Dó. Tanto faz a frequência de partida, desde que a próxima frequência seja sempre 3/2 da anterior.

Mas nem tudo são flores. O problema é que, se você completa esse círculo sempre usando a fração exata de 3/2, quando você chega na outra ponta, seu Dó está desafinado. Não é o mesmo Dó do começo; ele tem alguns hertz (bem perceptíveis) de diferença.

Por isso, os músicos do Ocidente optaram por um sistema (chamado temperado) em que você deixa todas as quintas um pouquinho imperfeitas e desafinadas em relação à fração ideal, de modo que a soma de todas as quintas chegue de volta a um Dó perfeitamente afinado ao final do ciclo de doze notas. É assim que cada piano, guitarra e baixo que você já ouviu funcionam. Todos estão um pouquinho desafinados. 

Agora começa a magia da coisa: você pode chegar no Dó desafinado ao final do ciclo e supor que ele é uma nota diferente, e não um Dó desafinado. E então continuar subindo quintas. Quando você realiza esse procedimento, você pode encerrar o ciclo 53 saltos de quinta depois, em vez dos 12 comuns. Com esse recurso, o último Dó fica muito mais perto do alvo. E você obtém quintas muito mais próximas do ideal platônico de 3/2. O que é bem agradável de ouvir. 

Além da afinação mais precisa, porém, o que esse procedimento gera é uma paleta muito maior de “cores” musicais: além de obter acordar mais próximos da perfeição matemática, nós também ganhamos acesso a notas intermediárias entre as notas que conhecemos, que parecem ligeiramente mais graves ou agudas do que o comum. 

Dê só uma olhada, no vídeo abaixo, em um músico albanês tocando um instrumento de cordas – o çifteli – que usa uma escala turca, baseada na afinação de 53 tons. É um exemplo típico de música modal, em que uma corda solta mais grave soa o tempo todo e serve de base para melodias tocadas com a mão esquerda na corda mais aguda. 

Há muitas afinações além da turca que são usadas por outros povos e tem mais notas que o esquema típico do Ocidente. Vá seguindo as recomendações do YouTube, ele está cheio delas: 

Pode ser de uma agência de atores especializada em crianças. Pode ser de uma fábrica de bonecos. Depende de como os fofuchos vão ser usados. A não ser que seja necessário um take próximo do neném, que mostre detalhes de seu rosto ou coisa do tipo, o mais normal é optar por bonecos para “interpretar” os recém-nascidos. E não é qualquer Baby Alive que você vê numa loja de brinquedos: existem profissionais especializados em criar bonecos realistas que vão aparecer em cena. Uma terceira opção é recorrer à computação gráfica (CGI) para criá-los digitalmente. Foi assim com os bebês bizarros do último capítulo da novela Travessia e com o icônico neném de Crepúsculo.

Mas, claro, bebês reais também participam das gravações. No Brasil, embora, por lei, menores de 14 anos não possam trabalhar, a participação dos atores bebês pode ser liberada desde que os pais consigam uma autorização do Juizado da Infância e Juventude (antigo Juizado de Menores). Tendo esse documento, a criança pode ser filiada a uma agência mediante um contrato assinado por seus pais e, então, receber convites para aparecer em novelas, filmes e peças publicitárias. Por aqui, só bebês com mais de dois meses podem aparecer em cena.

Nos EUA, não há essa restrição. Bebês recém-nascidos podem encarar o “luz, câmera e ação!”. Isso não quer dizer que cumpram a mesma carga horária dos demais atores. Na Califórnia, bebês com menos de 6 meses não podem passar mais de 20 minutos por dia gravando. Se tiver de 6 meses a 2 anos, a permissão se estende para duas horas.

E a exigência aumenta para bebês com menos de um mês: a atuação depende que um pediatra confirme que eles tenham passado por uma gravidez completa, tiveram peso normal ao nascer e são fisicamente capazes de suportar o estresse potencial de uma filmagem. Mesmo nos tais 20 minutos.

Falando em staff da pequena estrela: dentro do set, além da obrigatoriedade da presença dos pais, deve haver um supervisor e tutor. Ele é responsável por garantir a saúde e a segurança dos pequenos. Também deve sempre estar de olho nas condições do ambiente, em sinais de fadiga mental e física do neném e nas demandas colocadas sobre ele. O tutor pode, a qualquer momento, barrar a participação da criança na filmagem e tirá-la de lá se achar que há algum risco. Para bebês de até 6 meses, ainda é obrigatório um profissional de enfermagem no local. 

Fonte: Dorberto Carvalho, presidente do Sindicato dos Artistas e Técnicos de Espetáculos e Diversões do Estado de São Paulo (SATED-SP).

Dopamina: a molécula do desejo

C8H11NO2. Essa é a fórmula da 3,4-dihidroxi-feniletanamina – mais conhecida como dopamina. É o neurotransmissor do desejo e da recompensa, que o cérebro libera quando fazemos coisas prazerosas – e também antes, para nos induzir a buscá-las. Neste livro, o psiquiatra Daniel Liberman e o escritor Michael Long investigam esses e outros efeitos dela: que também é o motor da criatividade, mas, em excesso, pode causar esquizofrenia.

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As Cruzadas Vistas pelos Árabes

1096. O sultão Kilij Arslan I é informado de que um bando de ocidentais ruma em direção a Constantinopla. Ele tem só 17 anos, e ainda não sabe o que aquelas pessoas, que os turcos chamam de franj (“francês”), pretendem. Não será bom. Neste livro, o libanês Amin Maalouf parte de registros milenares para mostrar as Cruzadas sob a perspectiva dos atacados. Uma história cheia de momentos inacreditáveis – como  o cerco à cidade síria de Trípoli, que durou mais de 2 mil dias.

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Um SimCity ao contrário

Em vez de criar cidades do zero, o objetivo deste game é restaurar lugares degradados pela ação humana. Você constrói usinas de energia limpa, recolhe lixo dos oceanos, refloresta áreas desmatadas, salva espécies ameaçadas de extinção – sem gastar mais do que cada sociedade arrecada.

Terra Nil. Versão mobile grátis, no app do Netflix. Para PC, R$ 74 (Steam).

Assim caminha a humanidade

Em 2018, a produtora japonesa Enhance reinventou um clássico. Tetris Effect, versão modernizada do jogo soviético de encaixar peças, rapidamente se tornou um hit. Seu novo game é totalmente diferente (você comanda um cachorro, que ajuda uma multidão de pessoas a atravessar cenários 3D), mas a essência é parecida, baseada no raciocínio espacial. Pode ser jogado na TV ou com capacete de realidade virtual. 

Humanity. Para PlayStation e Windows (Steam). US$ 30. Grátis para assinantes do serviço PlayStation Plus.

Os Arquivos do Palácio

“O que alimentava a imprudência de Charles era o pânico”, escreve a jornalista americana Tina Brown neste livro sobre os escândalos da família real britânica – das estripulias sexuais do então príncipe Charles, que não aceitava se casar com Diana, ao envolvimento do príncipe Andrew com um esquema de tráfico de mulheres. O livro é resultado de uma investigação histórica rigorosa, com mais de 120 entrevistas.

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Bardo, Falsa Crônica de Algumas Verdades (2022)
Filme
Netflix
Silverio Gama faz documentários sobre as mazelas de seu país, o México. Os EUA querem usar Silverio com objetivos geopolíticos e decidem comprar sua cooperação, dando a ele um prêmio de jornalismo. Ele vai aceitar. Mas, ao mesmo tempo, não vai. Filme escrito e dirigido por Alejandro Iñárritu, autor de Birdman e Amores Perros.

Inspire, Expire (2018)
Filme
Netflix
A islandesa Lara está na pior: não consegue nem pagar o aluguel. Mas arruma emprego trabalhando como oficial da imigração. Já no primeiro dia ela barra uma mulher, a africana Adja, que viajava com passaporte falso e é presa. A partir daí, os caminhos das duas se cruzam de formas surpreendentes.

Sharper – Uma Vida de Trapaças (2023)
Filme
Apple TV+
Madeline (Julianne Moore) é casada com um ricaço e leva uma vida ótima. Exceto por Max, seu filho de outro casamento, que só dá dor de cabeça: vive enchendo a cara e arrumando confusão. O marido de Madeline tenta resolver o problema – só que ela, e o filho, não são o que aparentam.

Still: Ainda sou Michael J. Fox (2023)
Documentário
Apple TV+
Em 1991, ele tinha acabado de estrelar a trilogia De Volta para o Futuro. Estava com tudo. Mas aí foi diagnosticado com Parkinson, e começou a luta contra a doença. A coisa foi piorando, e mudou sua vida de várias formas. Que, agora, ele mostra neste doc.

Com 10 milhões de cópias vendidas já no lançamento, “Tears of the Kingdom” prova o valor do estilo metódico e conservador da Nintendo

Confesso: Não amo Zelda: Breath of the Wild. Ele mesmo, unanimidade de público e crítica, vencedor de 25 prêmios internacionais, considerado um dos melhores games de todos os tempos… não fez minha cabeça.

Provavelmente porque quando foi lançado, em 2017, eu não tinha um Switch, e acabei só pegando Zelda anos depois – quando já tinha jogado Death Stranding, uma obra-prima claramente inspirada no megahit da Nintendo. O mundo gigantesco, os inimigos esparsos, a dificuldade em atravessar o terreno, está tudo lá – só que com gráficos e história bem mais elaborados. 

Mas agora, com o novo Zelda: Tears of the Kingdom (lançado dia 12/5), a Nintendo volta a acertar em cheio: o jogo, que tem recebido notas altíssimas dos críticos, vendeu 10 milhões de cópias nas primeiras 72h. É o segundo lançamento mais bem-sucedido da história dos games (só perdendo para GTA V, que vendeu 11 milhões de cópias no primeiro dia). 

Ele é muito parecido a seu antecessor: a missão é atravessar um grande mundo aberto, lutando e resolvendo puzzles até encontrar a princesa, a fugidia Zelda. Tudo como antes. E essa semelhança é ótima. 

Zelda, tanto o anterior quanto o novo, é genial porque nele as coisas acontecem em escala humana, não ao estilo de videogame. O protagonista Link é frágil, e facilmente se cansa de correr, escalar, nadar. Pode morrer de frio. Suas armas quebram. As coisas são longe, você tem que pensar bem em como vai atravessar o mapa e transpor obstáculos.

Isso foi revolucionário em 2017, deu aos jogos de mundo aberto uma maturidade e sofisticação inéditas. E, hoje, ainda pode ser encantador. Faz com que, mesmo tendo gráficos simples e enredo lacônico, Tears of the Kingdom se torne incrivelmente imersivo. Ele consegue ser relaxante e desafiador ao mesmo tempo. É acessível, mas tem profundidade. 

A Nintendo é conhecida pelo excelente level design, e o jogo mostra bem isso: cada obstáculo, inimigo ou enigma aparece exatamente onde, como e quando deveria. Nada parece aleatório ou gratuito.

A função Ultrahand, com a qual você manipula determinados elementos dos cenários (para construir pontes e outras estruturas), é uma novidade interessante. Expande as possibilidades do game, sem quebrar sua harmonia. 

Por falar em harmonia, a trilha e os efeitos sonoros chamam muito a atenção. As músicas são bonitas e bem executadas, com uma qualidade rara em games. Também são, acima de tudo, pertinentes: conversam bem com a ação, e com os momentos mais contemplativos. 

Assim como seu antecessor, Tears of the Kingdom é gigantesco. A campanha principal tem aproximadamente 50 horas, que podem quase dobrar se você quiser fazer todos os objetivos secundários. Uma jornada e tanto – e que certamente vale a pena. 

A “nova” geração de consoles está completando dois anos e meio. Mas a Nintendo, mesmo ainda com hardware da geração passada, conseguiu produzir mais um clássico instantâneo. E rodando no Switch, um console que tem apenas 0,4 teraflop de capacidade de processamento gráfico – 25 vezes menos que o Xbox Series X e o PlayStation 5. 

Poder gráfico é importante. É ele que permite games cada vez mais bonitos e realistas.

Mas inteligência, competência e bom gosto podem ser armas tão poderosas quanto um caminhão de teraflops. Ou até mais.   

Pode fuçar a Netflix, Prime Video ou qualquer outro grande serviço de streaming: você não vai encontrar a informação de quantos filmes e séries existem nessas plataformas. As gigantes do streaming não costumam revelar números exatos sobre seu conteúdo (a Super até tentou entrar em contato com alguns deles, mas fomos informados que os dados sobre quantidade de filmes e séries são confidenciais).

Mas a Ancine (Agência Nacional de Cinema) fez a boa pros usuários de streaming: no relatório “Panorama do Mercado de Vídeo por Demanda no Brasil”, ela revelou a não só a quantidade de filmes e séries, mas também de temporadas e episódios disponíveis em cada plataforma. Esses dados foram coletados em junho de 2022* – e, como os catálogos costumam ser atualizados mensalmente, é provável que o número já tenha mudado.

Mesmo assim, dá para ter uma ideia do que cada plataforma oferece. O streaming com mais conteúdos é o Amazon Prime Video, com 5.806 filmes e 1.808 séries. Logo depois vem a Netflix: quem quiser zerar a plataforma deve assistir a 3.345 filmes e 1.858 séries. Veja a lista completa abaixo.

Netflix lidera o ranking de conteúdos originais, com cerca 55% do catálogo composto por produções próprias. Depois vem o HBOMax , com 30% de produções originais, e Disney+, com cerca de 14%.

O relatório ainda comparou os preços dos serviços de vídeo por assinatura do Brasil. Os serviços cobram, em média, R$ 27 por mês. Muitos deles fazem ofertas de 90 dias grátis e possuem preços diferentes dependendo de quantas pessoas usam a mesma conta.

*O relatório foi divulgado em 28 de fevereiro de 2023.

O uso desse tipo de sofá sem encosto, tão emblemático da psicanálise, não nasceu da mente de Sigmund Freud. Uma paciente dele, madame Benvenisti, deu-lhe o móvel de presente em Viena. Mas pensando nela mesma. Disse que, se era para ter sua cabeça analisada, precisava estar numa posição confortável. 

A peça era modesta, de cor bege, e por isso Freud decidiu cobri-la com tapetes persas e almofadas de veludo. Mas, em pouco tempo, o austríaco concluiu que o divã era essencial para suas sessões. 

Deitado de costas para o analista, sem olhar para as expressões de Freud, o paciente ficava mais relaxado. Isso o deixava à vontade e evitava que se sentisse julgado ao falar sobre tudo o que lhe viesse à mente. E é justamente nessa fala sem amarras, chamada pela psicanálise de “associação livre”, que está a matéria-prima das reflexões e direcionamentos do analista. 

Freud acabou dizendo que a aceitação do paciente em se deitar no divã representava sua entrega ao processo analítico; a permissão, ainda que inconsciente, para que a sessão tocasse em seus pontos mais sensíveis: traumas, complexos, fobias… 

O divã original existe ainda: está em exposição em Londres, no Museu Freud. A instituição fica na última casa em que o homem do charuto viveu, depois que deixou Viena em 1938 (um ano antes de sua morte por câncer na boca) para escapar do antissemitismo brutal dos nazistas. 

Freud sem traumas

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Fonte: livro “Freud Sem Traumas”, de Alexandre Carvalho.

No começo do século 20, não era assim: quase todos os filmes duravam até 15 minutos. É o que cabia em um rolo de filme, que tinha 305 metros de comprimento e pesava 2,3 quilos. 

Naquela época, a Motion Pictures Patents Company (MPCC), uma associação de produtoras de cinema da costa leste dos EUA, fundada por Thomas Edison, determinou que os filmes fossem curtos para reduzir custos. Não apenas de produção, mas de distribuição.

Financeiramente, fazia sentido. Mesmo os estúdios que não respondiam à MPCC, como os de Hollywood (costa oeste dos EUA) e da Europa, seguiam esse padrão.

Isso começou a mudar nos anos 1910, na Itália. Um grupo de cineastas começou a fazer experimentações – e quebrar a barreira dos 15 minutos. L’Inferno (1911), por exemplo, é um filme de 68 minutos que adapta o livro A Divina Comédia, de Dante Alighieri.

Mas o divisor de águas foi Quo Vadis (1913), de Enrico Guazzoni, um épico sobre a Roma do imperador Nero (37 d.C.–68 d.C.). O filme tinha duas horas de duração e usou locações reais, dublês para as cenas de ação e mais de 5 mil figurantes.

Quo Vadis (que em latim significa “Onde você está indo?”) também inovou na forma de exibição. Na época, os filmes de 15 minutos passavam em cinemas populares, a um preço baixo – nos EUA, o espectador pagava cinco centavos (US$ 1,60 de hoje) para assistir a vários deles, de uma vez. Para fazer jus à grandeza de Quo Vadis, contudo, os produtores criaram sessões em lugares cheios de pompa.

Foram atrás, então, de grandes teatros e salas de concerto. Em Nova York, foi o primeiro filme a ser exibido no Astor, um teatro de primeira linha da Broadway. O ingresso ficou mais caro (US$ 1, equivalente a US$ 30 de hoje). Mas deu certo. Quo Vadis foi um sucesso e teve sessões por toda a Europa e EUA. E inspirou outros cineastas a fazer filmes mais longos. 

Dois anos depois, em 1915, o americano D.W. Griffith lançou O Nascimento de Uma Nação, com 193 minutos de duração – havia, inclusive, um intervalo no meio das exibições. O filme é um marco da técnica cinematográfica, mas foi criticado desde o seu lançamento pelo teor racista (no filme, os membros da Ku Klux Klan são retratados como heróis).

Nas décadas seguintes, a duração de duas horas se tornou o formato padrão. É claro que vários filmes ultrapassaram essa barreira. Mas poderia ser uma jogada arriscada: um filme mais longo tinha menos sessões por dia nas salas de cinema – e, consequentemente, poderia arrecadar menos.

Hoje, não há esse problema. O número de salas aumentou – e mesmo a janela de exibição entre o momento em que o filme sai de cartaz até ficar disponível para aluguel digital e no streaming vem diminuindo. É nessas plataformas, aliás, que alguns cineastas encontram espaço para não se preocupar com o relógio. Os filmes mais longos de Martin Scorsese, por exemplo, saíram justamente daí: O Irlandês (2019), da Netflix, tem 3h29min; Killers of The Flower Moon, que estreia neste ano no Apple TV+, 3h26min.  

Haja bexiga

• 85 horas: A Cura para a Insônia (1987) é o filme experimental mais longo já feito, segundo o Guinness. Consiste, basicamente, num artista recitando um poema de mais de 4 mil páginas.  
• 21h5min: The Innocence é um retrato de Bangladesh durante a Guerra de Independência do país, em 1971. Lançado em 2019, foi o filme mais longo a ser exibido comercialmente.
• 3h58min: …E o Vento Levou (1939) é o vencedor do Oscar de Melhor Filme com maior duração. Na sequência vem Lawrence da Arábia (1962), com 2h47min, e Ben-Hur (1959), com 3h32 min.

Fonte: Why movies went from 15 minutes to 2 hours (Vox).

Neste ano, mais de 11 mil roteiristas entraram em greve nos EUA, exigindo melhores salários e condições de trabalho. Relembre como foi a última manifestação da categoria.

O motivo

Parte da renda de um roteirista nos EUA vem de residuals – um dinheiro extra que é pago sempre que há uma reprise de filme ou episódio de série em que ele colaborou. Em 2007, a principal pauta do sindicato era o crescente consumo de DVDs – alegavam que o repasse da grana desse mercado aos escritores era injusta (a discussão, hoje, é o streaming).

Para tudo

60 programas de TV foram afetados, além de dezenas de filmes – mesmo durante as filmagens, é comum haver reescritas de roteiro, algo que a greve também brecou. Os talk shows diários foram os primeiros a parar. Algumas semanas depois, voltaram – sem roteiristas. O jeito foi improvisar: num dos casos mais famosos, o apresentador Conan O’Brien testou por quanto tempo ele conseguia manter um anel girando em cima da mesa:

Altos e baixos

Naquele ano, séries de TV foram encurtadas: The Office teve 19 episódios contra os 24 habituais (o ator Steve Carell, em apoio à greve, recusou-se a gravar mesmo os capítulos com roteiro finalizado). E alguns programas saíram mais prejudicados do que outros. Heroes recebeu elogios quando estreou, em 2006. A greve deixou a 2a temporada com apenas 11 episódios, e as alterações na história afastaram o público. A série acabou cancelada dois anos depois.

Os fãs agradecem

A temporada inaugural de Breaking Bad teria 9 episódios; com a greve, foram 7. Parece pouco, mas foi o suficiente para que o criador da série, Vince Gilligan, revisse alguns pontos da história. Originalmente, o personagem Hank (Dean Norris) morreria no último capítulo da temporada, e Skyler (Anna Gunn) descobriria que seu marido, Walter (Bryan Cranston), produzia drogas – algo que só aconteceu mais para frente.

Sem prêmio

A greve durou 100 dias e acabou em fevereiro de 2008. Por causa dela, não houve cerimônia do Globo de Ouro – o prêmio, que costuma ser entregue em janeiro, é todo roteirizado. A paralisação envolveu 38 mil trabalhadores e teve um impacto de US$ 2 bilhões na economia de Los Angeles, onde fica Hollywood. E olha que ela nem foi a maior greve da categoria: em 1988, os roteiristas pararam por 153 dias.

O Nintendo Switch é a única plataforma de games atual para os fãs da Nintendo. É com ele que os jogadores podem aproveitar os principais lançamentos atuais (como The Legend of Zelda: Tears of The Kingdom, que será lançado em maio de 2023) e também grandes clássicos de maneira nativa no console. 

A seguir, veja quais são os games clássicos do Super Nintendo que estão disponíveis no Nintendo Switch.

Onde encontrar

Os jogos clássicos podem estar disponíveis tanto em mídia física (como o remaster de Metroid Prime) quanto em mídia digital, por meio do Nintendo Switch Online. Nesse segundo caso, o catálogo de jogos disponibilizados pela Nintendo é bem amplo – e conta com os clássicos originais, com suas estéticas 8, 16 e até 64 bits.

Esse catálogo inclui clássicos do Nintendinho (Nintendo) e do Super Nintendo (SNES). Entre eles, destacam-se o primeiríssimo Super Mario Bros., The Legend of Zelda, Donkey Kong Country, Super Metroid, Yoshi’s Island, entre outros. O preço da assinatura varia de acordo com o plano, custando a partir de R$ 8,34 por mês. Veja como assinar aqui.

Confira abaixo os modelos do Nintendo Switch que nós recomendamos, assim como alguns outros jogos para quem adora os remakes em mídia física lançados nos últimos anos:

Consoles e jogos do Nintento Switch

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Nos últimas duas décadas de premiação, apenas seis filmes tiveram um orçamento superior a US$ 20 milhões – e só três deles passaram dos US$ 40 milhões. É pouco comparado às megaproduções de Hollywood: O Irlandês, indicado ao Oscar em 2020, custou US$ 159 milhões; Top Gun: Maverick, que concorreu este ano, teve um orçamento de US$ 170 milhões.

Já Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo, vencedor de 2023, custou US$ 14,3 milhões (de acordo com o The New York Times). Ele foi o primeiro filme da produtora A24 a alcançar mais de US$ 100 milhões em bilheteria.

O orçamento está na média dos outros vencedores do Oscar, e mesmo assim o número impressiona quem assistiu ao filme. O longa de duas horas e meia foge de takes clássicos e abusa dos efeitos visuais e especiais – que, apesar de complexos, foram feitos por uma equipe bem reduzida.

“Tivemos quase 500 tomadas de efeitos visuais, mas fizemos isso basicamente com cinco pessoas. Isso é meio sem precedente – quando você pega qualquer filme moderno e olha para os créditos de efeitos, a lista não termina”, disse Zak Stoltz, que trabalhou nessa área da produção, em entrevista à Wired.

Vale lembrar a diferença entre efeitos especiais e efeitos visuais. Os primeiros envolvem adereços e tudo aquilo que está presente no set de filmagem, como as mãos de salsicha que aparecem em um dos multiversos do filme. Já os efeitos visuais são criados após as filmagens, basicamente no computador. 

“Esse é um filme independente. Foi um orçamento baixo considerando a ambição do roteiro”, disse o diretor Daniel Kwan. Apesar do valor apertado, Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo desbancou Avatar: O Caminho da Água, que também concorria pelo prêmio principal. A sequência de James Cameron custou entre US$ 350 milhões e US$ 460 milhões, um dos filmes mais caros já produzidos.

O problema é que, com mais dinheiro, vem mais responsabilidade. Um longa de orçamento nas alturas (como Avatar, Os Vingadores e afins) precisa ir bem nas bilheterias para compensar o custo. E a melhor maneira de fazer isso é apostar em receitas manjadas, que fazem sucesso entre o público. Só que isso deixa menos espaço para tomar riscos e inovar no estilo – ideias que, bem colocadas em prática, tornam um filme digno de Oscar.

*Os valores foram reajustados pela inflação

As Linhas Tortas de Deus (2022)
Filme
Netflix
Alicia é internada num manicômio judiciário após tentar envenenar o marido. A história é uma armação – montada por ela, detetive particular, que foi contratada para se infiltrar no local e investigar a morte de um paciente. O plano começa bem, mas uma hora as coisas saem do controle.

Ruído Branco (2022)
Filme
Netflix
Jack (Adam Driver) é um professor de história meio picareta que leva uma vida tranquila. Até que um fenômeno climático estranho vira tudo de cabeça para baixo. Eis a premissa deste filme, baseado num romance escrito em 1985 pelo americano Don DeLillo. É irônico, profético, furiosamente inteligente. Dá o que pensar.

Eles Não Envelhecerão (2018)
Documentário
Amazon Prime
A 1^a Guerra Mundial contada pelos soldados ingleses: moleques que foram animados para o front, mas lá encontraram o horror. As imagens da época foram remasterizadas e ganharam definição incrível – graças ao diretor Peter Jackson, que empregou ferramentas de inteligência artificial.

O Mundo Contra Boris Becker (2023)
Documentário
Apple TV+
Aos 17 anos, ele venceu o torneio de Wimbledon. E se tornou um gigante: ganhou 64 títulos e foi um dos maiores tenistas de todos os tempos. Mas, quando parou de jogar, tudo ruiu: Becker se meteu em negócios furados, virou inimigo público e ficou quase um ano na cadeia.

Esse movimento foi o primeiro a chamar atenção internacional ao cinema que se fazia no Brasil. Surgiu na primeira metade dos anos 1960, como uma resposta aos sucessos de bilheteria da época: musicais, comédias e dramalhões que mimetizavam as produções hollywoodianas. Mas sem a expertise (nem a fortuna) da indústria americana, claro.  

Foi quando um grupo de jovens cineastas se aventurou a fazer obras de denúncia social, que se aproximavam de documentários (inspirados pelo neorrealismo italiano) e com uma linguagem inovadora, considerada poética: cortes abruptos nas cenas e o descompromisso com a linearidade da narrativa, característicos da Nouvelle Vague francesa (de Jean-Luc Godard). 

Em contraponto ao apelo das chanchadas – comédias de humor ingênuo, com samba e Carnaval como pano de fundo –, esses artistas criaram um cinema de arte engajada. O objetivo era mostrar a realidade dos morros cariocas, do cangaço, dos sertanejos pobres. Era a “estética da fome”, como definia o diretor mais representativo do movimento, Glauber Rocha (1939-1981). 

Conforme o país foi tomado pela Ditadura, os temas passaram a abordar também o questionamento político, como no hoje clássico Terra em Transe (1967), de Glauber, que inclui militares, candidatos populistas e corruptos entre seus personagens.

Esses artistas filmavam muitas vezes com recursos tão precários que seu lema era “uma câmera na mão e uma ideia na cabeça”. E não precisaram mesmo de muito mais que isso para fazer sucesso lá fora.

Glauber ganhou o prêmio de melhor diretor no Festival de Cannes, em 1968, por seu filme O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro. Ainda teve suas produções indicadas três vezes para a Palma de Ouro (melhor filme) desse Oscar francês.

Martin Scorsese é um cineasta do primeiro time americano que se disse influenciado pelo movimento brasileiro. “Eu vi os filmes do Cinema Novo, em 1969 ou 1970. Assisti a Terra em Transe e Os Fuzis [de Ruy Guerra] na versão original, sem legendas. Foi uma experiência muito, muito forte. Eu nunca tinha visto aquela combinação de estilos e a humanidade, a paixão tão poderosa desses dois filmes.” 

Não. Essa é uma lenda linguística, de origem desconhecida, que, de tão repetida, acabou ganhando um verniz histórico. Segundo ela, militares americanos estabelecidos no Rio Grande do Norte, à época da Segunda Guerra Mundial, teriam organizado uma festa dançante. Então,  para que todo mundo se sentisse convidado, fixaram uma placa na entrada com a inscrição “For All” (“para todos”) – que os brasileiros logo acabariam adaptando, por semelhança fonética, para “forró”. 

Só que não. E o mito é fácil de desconstruir: o termo “forró” (“baile popular em que casais dançam ao som de ritmos nordestinos”) já constava em dicionário por aqui desde 1913 – três décadas antes de o Brasil receber soldados dos Estados Unidos na Base Aérea de Natal.

A origem mais plausível da palavra seria uma redução de “forrobodó”, que também significa “baile popular”, ainda que sem a mesma restrição à região Nordeste. O termo foi dicionarizado em 1899. 

Em uma coluna de 2020 na Veja, o escritor e especialista em língua portuguesa Sérgio Rodrigues explica que “forrobodó” já era título de uma opereta de Chiquinha Gonzaga que estreou em 1911, no Rio de Janeiro. E vai além, lembrando que, de acordo com o gramático Evanildo Bechara, a palavra vem do galego forbodó (também “baile popular”). 

Cavando mais fundo, o avô do “forró” seria o termo francês faux-bourdon. E aí o significado era diferente: desentoação (que, no universo da música, quer dizer “fora do tom”). Isso porque, como conta Rodrigues, o forbodó era movido a “golpes de bumbo monorrítmicos”. O mesmo tambor rústico de som grave que, no Nordeste, sob o nome de zabumba, marca o ritmo da dança dos forrozeiros.

Uma garota estuda em seu quarto, com headphones na cabeça. Ao seu lado, há um gatinho no parapeito da janela, que dá para uma bela vista da cidade. Tudo isso em uma estética de anime do Studio Ghibli dos anos 1990.

É bem provável que você já tenha visto essa cena em algum lugar da internet. Trata-se da Lofi Girl, personagem de um famoso canal do YouTube – uma rádio 24 horas especializada em um único gênero musical: lo-fi (ou lofi), uma mistura de hip-hop, jazz e música eletrônica. O resultado são melodias relaxantes, arranjos discretos, ritmo lento e ausência de letra.

O lo-fi tem raízes no começo dos anos 2000 e ganhou notoriedade ao longo dos anos – o canal da Lofi Girl, criado em 2015, ajudou bastante nesse processo. Na pandemia, a popularidade explodiu. Milhares de pessoas usaram o gênero para se conectar com outras por meio da hasthtag #withme (“#comigo”): lives de gente estudando, trabalhando ou limpando a casa – tudo isso embalado pelas batidas confortáveis. Hoje, a Lofi Girl acumula 12 milhões de inscritos.

Essa história não é novidade, claro. Mas, no último dia 10, algo inusitado interrompeu a tranquilidade da Lo-Fi Girl. No meio da tarde, sem aviso, a garotinha (e o seu gatinho) sumiram. A música da rádio não parou, mas o quarto ficou vazio – e a imagem principal do canal foi substituída por um ponto de interrogação.

Bom, (ainda) não dá para sequestrar personagens virtuais. Então os inscritos no canal pensaram se tratar de uma pegadinha. Não seria a primeira vez. No 1º de abril deste ano, os criadores da Lofi Girl resolveram fazer uma brincadeira e deram um descanso a ela: em vez da imagem padrão, a menina apareceu tirando um cochilo na sua mesinha.

Mas tinha mais coisa aí. No pôster do canal, surgiu um cenário diferente, com um aquário e luzes neon azuis (veja abaixo). Além disso, uma contagem regressiva misteriosa apareceu em uma nova live.

Na última terça (11), o suspense terminou: tudo não passou de uma ação de marketing para promover um novo personagem (e uma nova rádio): o Synthwave Boy.

Prazer, Synth Boy

Antes de tudo, vale explicar o que é synthwave. Assim como o lo-fi, ele é um sub-gênero da música eletrônica. A sua principal característica é apostar pesado na nostalgia. O estilo é uma grande homenagem à cultura pop dos 1980, com batidas que remetem aos filmes de terror, sci-fi e ação daquela época. O nome vem de “synthesizer” – sintetizador, instrumento musical que se popularizou naquela década (basta pensar nas batidas eletrônicas do Depeche Mode e do New Order).

Faça o teste e ouça um pouco de synthwave. Você vai se sentir imediatamente em um episódio de Stranger Things (que presta a mesma homenagem aos anos 1980).

Essa é a premissa da nova rádio da “franquia” Lofi Girl: uma playlist ininterrupta de synthwave, com batidas ideias para “relaxar e jogar videogame”, nas palavras do canal. O personagem da live, que já foi apelidado de Synth Boy, vive em um quarto com luzes roxas e azuis, tem um cachorrinho e adora objetos retrôs, de um walkman a um computador com monitor de tubo:

Nesta sexta (14), a live com o Synth Boy já estava sendo vista por 17 mil pessoas, simultaneamente. Você pode conferir no YouTube (link) e nas plataformas de streaming de música, como Spotify, Apple Music e Deezer.

A evolução da Lofi Girl

O canal Lofi Girl surgiu em 2015, mas sob outro nome: Chilled Cow (“vaca relaxada”). No começo, a imagem que estampava a live era da garota Shizuku Tsukishima, personagem do filme O Sussuro do Coração (1995), do Studio Ghibli. Em 2017, problemas com direitos autorais fizeram os donos do canal irem atrás de um identidade visual própria; para isso, chamaram o artista colombiano Juan Pablo Machado, que se inspirou na estética de anime para criar a Lofi Girl.

Em pouco tempo, ela se tornou um fenômeno, aparecendo em estampas de roupa e servindo de inspiração para releituras, que adaptam o original com novos cenários e elementos. A Lofi Girl brasileira, por exemplo, é negra e tem um vira-lata caramelo. Na ferramenta Lofi Generator, dá para montar o seu próprio avatar inspirado na garotinha.

A live da Lofi Girl é uma das mais longevas do YouTube – e só não é maior porque, em fevereiro de 2020, a plataforma acidentalmente interrompeu a transmissão, que àquela altura acumulava 13 mil horas e 218 milhões de views. O canal voltou a funcionar logo depois.

Hoje, a garotinha de fones de ouvido está presente em outras plataformas de streaming, e reúne milhares de fãs em comunidades nas redes sociais. Virou também um selo: artistas podem lançar suas músicas sob o guarda-chuva da Lofi Records, e as faixas tocam nas lives e playlists da marca. A empresa também organiza ilustradores, que fazem as artes de cada single, e encoraja criadores de conteúdo a usar suas músicas – com os devidos créditos, claro.

A expectativa é que aconteça o mesmo com o Synth Boy. E veja só: pelas ilustrações oficiais da marca, dá para ver que os dois personagens são vizinhos. Quem sabe, um dia, eles não se encontram?

(Em 2021, a Super publicou uma reportagem sobre lo-fi, os artistas por trás desse tipo de música – e por que ela faz o nosso cérebro relaxar. Você pode conferi-la aqui.)

Foi só em 2017 que o artista colombiano Juan Pablo Machado criou, a pedido do próprio canal, uma nova identidade vi…

Leia mais em: https://super.abril.com.br/cultura/lo-fi-por-que-essa-musica-faz-seu-cerebro-relaxar-e-quem-sao-os-artistas-por-tras-dela/

A adaptação de games para as telas não é algo novo – e sempre que uma série baseada em algum jogo é anunciada, os fãs temem que ela seja de qualidade duvidosa. Isso acontece graças ao histórico dessas produções, especialmente os filmes mais antigos. Mortal Kombat (1995) e Super Mario Bros (1993), por exemplo, envelheceram mal (e, sinceramente, já não eram bons no lançamento original).

No entanto, a indústria vem mostrando que, pelo menos nos últimos anos, as adaptações estão cada vez melhores. O maior exemplo dessa evolução é Arcane, a animação baseada em League of Legends produzida pela Netflix, que fez tanto sucesso que ultrapassou a bolha gamer em todo o mundo.

Mais recentemente também tivemos o sucesso da HBO, The Last Of Us, série baseada no jogo de mesmo nome. A produção chamou a atenção pela qualidade e alta fidelidade ao jogo original durante toda a temporada. A seguir, confira outras produções baseadas em games e onde assisti-las.

The Last of Us

The Last Of Us é um dos games de maior sucesso da PlayStation, lançado originalmente em 2013 para PS3 e depois relançado para PS4 e PS5. A série é uma produção da HBO que conta toda a trajetória e história de Ellie e Joel. Os episódios mostram como os dois personagens aprendem a amar um ao outro e sobreviver ao apocalipse.

A primeira temporada de The Last Of Us está disponível no HBO Max, com uma segunda já confirmada pelos produtores.

Cyberpunk Edgerunners

Edgerunners é um anime spin-off de Cyberpunk 2077, que se passa também na Night City – ambiente que os jogadores já estão bem familiarizados. A animação da Netflix conta a história de David Martinez, um jovem que, ao se ver perdido na megalópole, se envolve com um grupo de mercenários (ou edgerunners) em busca de dinheiro e de uma vida melhor.

Cyberpunk: Edgerunners (Mercenários) está disponível para streaming na Netflix.

Trilogia Tomb Raider e Tomb Raider: A Origem

Uma das personagens femininas mais conhecidas dos games é, definitivamente, Lara Croft. A aventureira estrelou diversos jogos ao longo da história e já teve uma adaptação para as telas em 2001, com o filme “Lara Croft: Tomb Raider”, estrelado por Angelina Jolie. Em 2013, os jogos receberam um reboot, intitulado apenas “Tomb Raider”, que conta o início da história de Lara de uma maneira diferente. Este jogo também recebeu um filme, de 2018, chamado “Tomb Raider: A Origem”, estrelado por Alicia Vikander.

Os dois primeiros filmes de Tomb Raider, com Angelina Jolie, estão disponíveis para aluguel no Prime Video, enquanto o mais recente está incluso na assinatura padrão do streaming.

Warcraft: O Primeiro Encontro Entre Dois Mundos

World of Warcraft, da Blizzard, é famoso por sua história e seu mundo que segue sempre em expansão. Warcraft: O Primeiro Encontro Entre Dois Mundos tem como base tanto os jogos quanto os livros do universo de WoW, se destacando especialmente no quesito visual, por apresentar cenários de tirar o fôlego.

Este título está disponível no Amazon Prime Video

Sonic 1 e 2

Sonic, o ouriço azul mais conhecido do mundo, já teve seu rosto e sua velocidade estampada em várias obras para além dos seus jogos. A que mais se destacou nos últimos anos foi, sem dúvidas, seu filme de 2020. Mesmo passando por alguns problemas de pré-produção, como as duras críticas ao primeiro visual divulgado do herói, o filme foi muito bem recebido e garantiu ainda uma sequência, lançada em 2022.

Ambos os filmes do Sonic estão disponíveis para aluguel no Prime Video.

Pokémon: Detetive Pikachu

Tanto Sonic quanto Pokémon: Detetive Pikachu não tentam adaptar a história dos jogos (o que seria uma tarefa bem complicada). Em vez disso, eles criam uma história original com os personagens. Detetive Pikachu conta a história de um jovem que se une ao pokémon para investigar uma trama que pode significar uma grande ameaça para todo o mundo.

Pokémon: Detetive Pikachu está disponível no Amazon Prime Video.

1 – Palm Springs (2020)

Nyles (Andy Samberg, de Brooklyn Nine-Nine) está de férias em um resort em Palm Springs, no meio do deserto californiano. São férias perpétuas: ele está preso em um loop temporal – ao acordar, Nyles revive o mesmo dia, ininterruptamente.

A rotina previsível muda quando Sarah (Cristin Milioti, a Mãe de How I Met Your Mother), cuja família está no resort para o casamento de sua irmã, também entra no loop. A partir daí, os dois começam uma amizade que, como você deve imaginar, vai culminar em um romance.

Palm Springs é mais um na lista de obras que falam sobre loops temporais – uma das inspirações do filme, aliás, é Feitiço do Tempo, estrelado por Bill Murray). E, assim como o seu antecessor, faz um bom trabalho ao misturar comédia romântica, drama e sci-fi. O ponto alto é a química entre Samberg e Milioti, especialmente nos momentos em que os dois aproveitam o “lado bom” explorando o resort e suas redondezas.

O filme estreou no Festival de Sundance em janeiro de 2020, mas demorou mais de dois anos para chegar ao Brasil. É que, nos EUA, estreou no Hulu, plataforma de streaming que também pertence à Disney, mas que nunca chegou à América Latina. Várias produções do Hulu vão parar no Star+ – mas não há uma regra que defina exatamente o que vem para cá.

2 – Alta Fidelidade (2000)

No alto dos seus trinta e poucos anos, Rob Gordon (John Cusack) é um apaixonado por música que vive em Chicago e é dono de uma loja de discos. O negócio, porém, não anda lá muito movimentado. Mas mais complicada que sua vida profissional é sua vida amorosa: Laura, com quem Rob namorou por anos, acabou de terminar com ele.

A partir daí, Rob embarca numa jornada de autoconhecimento: ele vai atrás de antigos amores para entender por que as coisas deram errado. Rob é o narrador do filme e passa o tempo todo conversando com o espectador – espere por reflexões, piadas autodepreciativas e descrições por vezes não-confiáveis dos acontecimentos de sua vida.

Baseado no livro homônimo do britânico Nick Hornby, Alta Fidelidade é uma das dramédias mais legais dos anos 2000. Tem uma boa trilha sonora e Jack Black como Barry, um dos funcionários de Rob, o seu primeiro papel de destaque em Hollywood.

3 – O Urso (2022-)

Produções sobre o mundo da gastronomia existem aos milhares. Mas poucas conseguem transmitir com tanto realismo e intensidade o dia a dia de uma cozinha profissional quanto The Bear (O Urso), série do FX lançada no ano passado e que, no boca a boca, foi ganhando popularidade.

A série acompanha Carmy (Jeremy Allen White), um chef que já trabalhou em alguns dos melhores restaurantes do mundo e que, agora, assumiu o restaurante do irmão, que morreu. Só que o The Beef não é nada parecido com os lugares em que Carmy já cozinhou: afogado em dívidas, está caindo aos pedaços, e a equipe não é nem um pouco coesa. 

Para além da cozinha, a série faz um mergulho na vida e nas relações entre os personagens, sobretudo entre Carmy e Jeri (Ebon Moss-Bachrach), o melhor amigo do seu irmão – ambos estão de luto e têm ideias diferentes sobre como tocar o negócio. Com boas atuações e técnicas de filmagem (há um episódio inteiro gravado em plano sequência, sem cortes), O Urso dosa drama e humor em episódios de meia hora. Bom para maratonar.

4 – Os Descendentes (2011)

George Clooney interpreta Matt King, um advogado que mora no Havaí – onde sua família possui há gerações grandes porções de terra. Dentre seus vários primos, ele é o responsável por gerir esse patrimônio e por intermediar um possível acordo milionário de venda. Mas sua vida muda de rumo quando sua esposa entra em coma após um acidente de barco.

A partir daí, Matt, que nunca foi um pai muito presente, vai tentar se conectar com suas duas filhas. No caminho, vai descobrir vários problemas do seu casamento – e mesmo a questão da herança da família, que parecia resolvida, vai se revelar mais complexa do que se imaginava. 

É uma jornada sensível, mas guiada com leveza (e pelo carisma de Clooney). Dirigido por Alexander Payne, o filme foi indicado a cinco Oscars em 2012, incluindo Melhor Filme – levou um, de Roteiro Adaptado.

5 – A Arte de Ser Adulto (2020)

O comediante Pete Davidson é mais conhecido pela sua passagem no programa Saturday Night Live, entre 2014 e 2022. Mas talvez o seu melhor trabalho até agora seja este filme, um projeto 100% autoral, inspirado na sua própria vida.

Davidson interpreta Scott, um homem de 24 anos que vive em Staten Island, o menos famoso dos distritos de Nova York (os outros são Bronx, Brooklyn, Queens e Manhattan; o título original do filme, aliás, é The King of Staten Island). Desempregado, passa os dias fumando maconha e testando suas habilidades como tatuador com os amigos.

Scott se recusa a amadurecer e encontra diversas explicações para os seus problemas, do déficit de atenção ao trauma com seu pai, um bombeiro que morreu no ataque às Torres Gêmeas. Todos à sua volta, porém, estão seguindo em frente (a mãe arranja um namorado, a irmã caçula vai para a faculdade) – e insistem para que ele faça o mesmo. 

Dirigido por Judd Apatow (de comédias como O Virgem de 40 Anos e Ligeiramente Grávidos), o filme é uma divertida história sobre amadurecimento – e uma bonita homenagem de Davidson ao seu pai, que também era bombeiro e morreu no 11 de Setembro.

6 – McCartney 3,2,1 (2021)

No final de 2021, o documentário Beatles: Get Back, dirigido por Peter Jackson, estreou no Disney Plus e ganhou fama graças às imagens inéditas (e restauradas) da gravação do último álbum lançado pela banda, Let It Be. Mas poucas pessoas sabem que, alguns meses antes, entrou no catálogo do Star Plus outra produção sobre a banda – igualmente interessante.

Paul McCartney e o produtor musical Rick Rubin engatam um papo de três horas (dividido em seis episódios) sobre as composições dos Beatles (e da carreira solo de Paul após o fim da banda). É uma conversa recheada de histórias de bastidores. Com ajuda de uma mesa de som, Rubin disseca as músicas conforme Paul vai falando, para que seja possível analisar faixa por faixa, instrumento por instrumento. Prato cheio para os fãs.

7 – Summer of Soul (2021)

Nina Simone. B.B. King. Stevie Wonder. Estes são alguns dos nomes que tocaram no Harlem Cultural Festival, um festival de música que aconteceu no subúrbio de Nova York em 1969, reuniu grandes nomes da música negra americana – mas cuja importância (ao contrário de Woodstock, que rolou na mesma época) nunca havia sido devidamente reconhecida até então.

O responsável por contar essa história foi o produtor musical Questlove, que transformou 40 horas de gravação neste filme, vencedor do Oscar de Melhor Documentário de 2022.

Abbott Elementary (2021-)

Junte The Office com o ambiente de uma escola primária. Eis Abbott Elementary, uma comédia em formato de mockumentary (falso documentário), em que os professores de uma escola da Filadélfia contam sobre o seu dia a dia: a falta de verba, os alunos complicados – e uma diretora lunática.

Abbott Elementary é criação da atriz e roteirista Quinta Brunson, que estrela como a simpática professora Janine – e mãe de Brunson, veja só, foi professora de jardim da infância. A série tem boas piadas e brinca com os estereótipos do mundo escolar (destaque para o professor substituto interpretado por Tyler James Williams, o Chris de Todo Mundo Odeia o Chris). A segunda temporada estreou em 2023. 

9 – Quase Famosos (2000)

Qual a sua profissão dos sonhos? Na década de 1970, o jovem William deseja trabalhar como jornalista musical. E consegue o improvável: passa a escrever para a revista Rolling Stone. O seu primeiro trabalho? Acompanhar a turnê da banda Stillwater pelos EUA.

O filme é um passeio pela cena cultural da virada dos anos 1960 e 1970. William observa (e experimenta) o glamour da vida de um rockstar; mas também assiste de camarote quando as coisas degringolam.

É uma produção com ares autobiográficos. O diretor, Cameron Crowe, inspirou-se em histórias da sua juventude, quando escrevia sobre música e chegou a entrevistar diversas lendas do rock, como David Bowie, Eric Clapton e a banda Led Zepellin. Quase Famosos fracassou nas bilheterias, mas venceu o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado e, hoje, ganhou status cult: é frequentemente incluído em listas dos melhores filmes dos anos 2000.

10 – Sideways – Entre Umas e Outras (2004)

Frustrado com o seu emprego de professor (e por não conseguir publicar o seu livro), Miles (Paul Giamatti) detesta sua vida pessoal, profissional – e financeira. O seu refúgio são os vinhos: não há nada que o tranquilize mais do que apreciar a bebida, detectar aromas e sabores, conhecer novos rótulos e produtores…

Miles viaja até o Nappa Valley (região vinícola da Califórnia) com o amigo de longa data Jack (Thomas Haden Church), que está prestes a se casar. Mas o que seria uma tranquila viagem vai, pouco a pouco, tomando rumos inesperados. Longe de suas rotinas habituais, Miles e Jack começam a se questionar sobre suas decisões de vida – em várias ocasiões, com muito álcool na veia.

O filme dirigido por Alexander Payne (o mesmo de Os Descendentes), tem ótimos (e divertidos) diálogos – a química entre Giamatti e Thomas é tão harmônica quanto queijo e vinho. Foi indicado a cinco Oscars, incluindo Melhor Filme – venceu um, de Roteiro Adaptado.

11 – História do Mundo – Parte 2 (2023)

Em 1981, a lenda da comédia Mel Brooks lançou o filme História do Mundo – Parte 1, uma releitura cômica da Bíblia e de vários momentos da História, do Império Romano à Revolução Francesa. O “parte 1” era só uma brincadeira. Nunca houve intenção de continuar o projeto.

Em 2023, 42 anos depois, o Hulu preparou uma sequência – desta vez, em oito episódios. A fórmula é a mesma: esquetes cômicas, repletas de personagens históricos (Shakespeare, Lincoln, os Romanov…) e participações especiais: Seth Rogen, Nick Kroll, Jason Alexander e Danny DeVito são alguns dos nomes que compõem o especial – um tributo à carreira de Brooks que, aos 96 anos, é o narrador da produção.

A Wallace Collection, uma instituição cultural britânica, inaugurou uma nova exposição temática em torno de nossos adoráveis companheiros. A Portraits of Dogs reúne mais de 50 obras, entre pinturas, esculturas, desenhos e peças de taxidermia, que mostram o laço único entre as pessoas e os cães.

As peças foram deliberadamente selecionadas para conterem só cachorros – os humanos ficam completamente de lado. Mesmo com a exclusividade canina, os retratos ainda revelam muito tanto dos próprios cães quanto de seus donos, com suas personalidades refletidas em seus pets e suas representações.

O curador da exibição, Xavier Bray, diz que a ideia de uma exposição de retratos caninos já estava em andamento há um tempo, e a Wallace Collection seria o lugar ideal para sua realização: dois de seus quadros mais famosos são de cachorros – e também vão integrar a exposição.

Segundo Bray, as duas obras são abordagens contrastantes na tarefa de representar cães. Enquanto o quadro de Rosa Bonheur é “um retrato realista e íntimo” de seu cãozinho Brizo, o de Edwin Landseer tenta introduzir uma parábola ao colocar um pequeno cão de rua esperando pelas migalhas de um grande São Bernardo, que dorme aconchegado. “Uma moral vitoriana das recompensas que aguardam no céu para os mansos entre nós”, afirma em um comunicado.

A peça mais antiga exibida será uma escultura de mármore romana do final do século I de dois galgos ingleses – raça atualmente conhecida pela sua velocidade.

Também estará exposto um desenho feito pelo renascentista Leonardo da Vinci. Usando os dois lados da folha, da Vinci estudava a pata dianteira esquerda do que possivelmente seria um cão de caça.

Cachorros de realeza também estarão expostos. Os mascotes da rainha Vitória, Tilco, Hector, Nero e Dash, todos pintados também por Landseer em 1838, vão estar ao lado de rascunhos feitos em aquarela pela própria monarca.

A rainha Vitória não era a única que pintava os próprios bichinhos. O artista árcade Thomas Gainsborough retrata seus fiéis companheiros Tristram e Fox. Já James Ward ficou foi comissionado pelo arquiteto John Soane para pintar sua amada cadela Fanny, depois que ela faleceu em 1820. 

Entre algumas das obras mais recentes estão um conjunto de pinturas de 1995, feitas por David Hockney. Criar as afetuosas imagens de seus ​​dachshunds, Stanley e Boodgie, o ajudou a superar a morte de um amigo próximo.

“Eu queria desesperadamente pintar algo amoroso. Senti uma perda tão grande de amor que queria lidar com isso de alguma forma”, disse Hockney em 1995. “Um amigo diz que eram pinturas muito delicadas. Mas o que mais elas poderiam ser? Eles são meus cachorros. Percebi que estava pintando meus melhores amigos.”