Duplice appuntamento ieri, sabato 23 maggio, alla Fondazione Sabe per l’Arte. In occasione della “Notte europea dei musei 2026”, la galleria presieduta da Norberto Bezzi e Mirella Saluzzo che promuove e diffonde l’arte contemporanea, ha reso omaggio all’artista Luciano Fabro (Torino 1936, Milano 2007) con la proiezione del documentario diretto da Giampaolo Penco, prodotto da Videoest e distribuito da Audiovisiva.org, ed è rimasta eccezionalmente aperta fino alle 23, per consentire al pubblico di visitare la mostra “Molteplice senza disordine” di Alice Cattaneo, Elisabetta Di Maggio e Remo Salvadori (ndr, scomparso lo scorso 12 maggio).

A spiegare la scelta di ospitare la proiezione del documentario “Luciano Fabro. Artista” (Italia, 1997), è il direttore artistico Pasquale Fameli. «Fabro è una personalità di riferimento a cui si rifanno anche gli artisti presenti nella mostra in corso – ricorda –. Lavorava con geometrie e piani instabili, amava la relazione plastica con lo spazio, ha cercato di assottigliare le sculture. La sua poetica della smaterializzazione si esprime attraverso la riduzione dell’oggetto a pura idea, luce o spazio, pur senza rinnegare la materia tangibile. È stato tra i padri fondatori dell’Arte Povera che rappresenta ancora l’Italia nel mondo».

«Ogni cosa nasce dal rapporto fra ciò che si fa e ciò che si è dopo aver fatto. Questo è il tam tam della vita». Inizia con queste parole dello stesso artista, il documentario che segue Fabro nell’organizzazione di sue famose retrospettive fra il 1996 e il 1997 tra il Centre Georges Pompidou di Parigi, la Biennale di Venezia e altri luoghi. La dedica della Fondazione Sabe per l’Arte a uno dei più significativi scultori italiani contemporanei, a trent’anni da quegli importanti eventi espositivi, precede la retrospettiva che si terrà il prossimo ottobre alla Pirelli Hangar Bicocca di Milano.

«Lavorare con le cose – afferma Fabro – è qualcosa che nasce dalla percezione diretta durante la prima infanzia, da ciò che vediamo intorno a noi. Penso che l’esperienza artigianale di mio zio e di mio nonno, mi abbia dato libertà: tutto ciò che era lavoro, per me poteva tranquillamente rientrare nella pratica artistica». Fabri ricorda il momento in cui decide di trasferirsi a Milano, “città in cui le cose avvenivano e non vivevano di riflesso”, condividendo lo studio con altri colleghi, quali Hidetoshi Nagasawa e Iole De Sanna: la mitica Casa degli Artisti. «Lo scopo era di mettere a confronto più generazioni di artisti – spiega l’artista visiva Arianna Giorgi – colmando il vuoto e il senso di solitudine in Italia per la mancanza di luoghi di incontro».

Nel documentario si ricorda un lavoro del 1972, “Ogni ordine è contemporaneo d’ogni altro ordine”, in cui propone quattro diverse serigrafie ispirate alla facciata della chiesa SS. Redentore a Venezia che lo avevo colpito nel corso di una visita. «Fabro è stato uno dei più grandi artisti concettuali – dice di lui il critico d’arte Bonito Oliva –. Capace di disciplina e impegno, la sua è una architettura essenziale e rigorosa». Per il Centro Pompidou realizza diverse opere poi diventate iconiche: per esempio, le “Italie” che ritraggono lo ‘stivale’ in diverse posizioni, anche a testa in giù per guardarla da sud a nord; i “Piedi”, ritratti utilizzando marmo, bronzo, vetro e seta lavorata in maniera artigianale; gli “habitat” legati all’elaborazione dell’idea di spazio.

Il critico d’arte Germano Celant, direttore della Biennale di Venezia nel 1997, dice di lui: «Ho sempre pensato al lavoro di Fabro come a una sorpresa, a qualcosa di inaspettato. Mentre gli altri artisti hanno una identità codificata, lui invece è sempre una ‘domanda’ aperta. La sua scultura è un sistema aperto di pensiero». Per l’amico e collega Nagasawa, «Fabro cerca prima di tutto idee da sviluppare, è un artista molto severo».

«Non parlo mai delle mie opere prima di averle fatte – ripeteva sempre Fabro –. E anche dopo ho bisogno di un lungo periodi di riflessione. Non realizzo mai un pensiero in opera. Parto sempre da una immagine e poi passo alla messa in opera. L’opera d’arte ha una sua resistenza fisica in relazione alla sua qualità mentale».

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