De origen indeterminado oficialmente, parece claro que el béisbol nació en Estados Unidos. Se dice que fue una evolución de diferentes juegos similares llegando a lo que conocemos hoy día como béisbol.

No es sólo el deporte rey (junto con el baloncesto) en Estados Unidos, también lo es en países como Canadá, Japón, Panamá o Venezuela. Los grandes estandartes del Béisbol Norteamericano  fueron jugadores como Joe Dimaggio, Lou Gehrig, Ted Williams o Hank Aaron.
Hacemos un viaje visual repasando la historia del béisbol americano, haciendo hincapié en los años 50, su época dorada.

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Los personajes de arcilla de Aman Khanna son una manifestación universal de ternura y emoción. Sus figuras, a las que llama «Claymen» (hombres de arcilla), reflejan una amplia gama de emociones que se inspiran en las complejidades del ser humano. Algunos tienen piernas y brazos o se dedican a actividades como bucear o divertirse con los amigos, y otros tienen caras en forma de círculo que expresan una variedad de sentimientos.

Las emociones que nos evocan nuestras acciones, reacciones y la forma en que interactuamos unos con otros me han llevado a comprender lo frágiles que somos y creo que la arcilla me permite comunicarlo.

De dónde vienen los personajes de arcilla de Aman Khanna

Estos personajes vienen de la imaginación de Khanna gracias a su observación del ser humano corriente y sus dilemas. Estas figuras vienen en son de paz y guardan silencio aunque atraviesan todo tipo de momentos y sus propias crisis existenciales. Los personajes en arcilla de Aman Khanna no son mas que simples espectadores de la realidad en que «el hombre está perdiendo su humanidad y se está convirtiendo en una cosa entre las cosas que produce» asegura Aman.

La primera vez que Khanna utilizó la arcilla como material fue para preparar una exposición colectiva y ya no ha vuelto a mirar atrás. «Empecé a crear pequeñas esculturas de arcilla inspiradas en los sentimientos, las emociones y las interacciones humanas» y le gusta trabajar con la arcilla por su historia antigua y su conexión con la tierra. «El hecho de que se pueda moldear en cualquier forma me fascina».

Esta serie de personajes pequeñas esculturas antropomórficas aportan una estética divertida y son básicamente un homenaje a aquellos que vive en paz con sus pequeñas imperfecciones. Algunos son funcionales, están hechos a mano y construidos para ser utilizados. Algunos personifican la imperfección propia de la sociedad, sugiriendo la fragilidad de la condición humana en sentido amplio. Podéis ver más de su trabajo en la web y en su perfil de Instagram.

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Con huesos de la suerte, ramas e hilos, se crean los coloridos y miniatura telares de Kaci Smith. Todo ocurrió durante el otoño de 2020, cuando por causa de la pandemia y de los devastadores incendios forestales que se propagaban alrededor de su casa en el norte de California, empezó la practica de estos mini telares como vía de escape a la «encierro».

«El aire estaba tan cargado de humo que incluso mi estudio quedó fuera de los límites, tejer la primera rama fue sólo una forma de pasar el tiempo y hacer algo creativo mientras estaba atrapada en casa». Hasta entonces, la artista se había dedicado a este oficio como actividad tranquilizadora y meditativa complementaria de su práctica del collage y la pintura, de modo que cuando comenzó a buscar pequeñas ramas que pudiera convertir en finos telares, las posibilidades y el nuevo reto la entusiasmaron.

Los telares de Kaci Smith son 100% originales

Kaci entreteje sus coloridos telares con hilos de colores que cuelgan de un lado al otro de un hueso de la suerte. Sus telares en suspensión son 100% originales y naturales Según el tamaño  del marco o hueso y la complejidad del diseño, terminar un telar puede llevar varios días.

El uso de huesos ha sido una nueva incorporación en su práctica, anteriormente ha hecho arte con ramas, ahora este nuevo aspecto lo hace ver algo más que un telar, lo convierte en un tipo de amuleto de la suerte. Kaci aparte de trabajar en sus obras artísticas también trabaja de manera profesional como tejedora de alfombras y telas para tapicería. Suele realizar obras de arte bidimensionales con técnicas mixtas, pero su gran pasión son los estampados, los colores y los tejidos; son su fuente infaltable de inspiración. Realmente es una obra textil muy original y colorida que podéis seguir más de cerca en su (página web), y en su perfil de Instagram,

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Las figuras vintage de la coleccionista Jane Housham son un tesoro que ella misma ha recogido y guardado por muchos años, con las que crea composiciones miniatura clasificadas por colores, formas y categorías. Housham que aparte de coleccionista también es escritora, artista y que se autodenominada «acumuladora», vuelve una y otra vez a la nostalgia de la infancia con una enorme colección de objetos encontrados.

Su colección esta compuesta por un sinnúmero de elementos vintage como pegatinas y muñequitos de plástico, una despensa de productos no perecederos y una colección de animales con ruedas que vemos en sus composiciones gráficas. La artista y coleccionista confiesa que «No me interesan los objetos de plástico nuevos, porque no quiero fomentar la producción continua de piezas de plástico innecesarias, pero me gusta salvar juguetes de plástico antiguos y otros objetos de segunda mano y celebrar sus colores y el ingenio de su diseño».

Las figuras vintage de la coleccionista Jane Housham sirven como una aproximación útil a la historia del diseño

Cada composición, clasificada con exactitud por color, forma o tema, destaca la variedad de estilos, formas y contextos de objetos similares y se convierten en una aproximación útil a la historia del diseño. «Si adquiero un objeto nuevo (para mí), a menudo eso me empuja a revisar la categoría a la que pertenece: un nuevo caballito de mar o una nueva radio alteran sutilmente el conjunto preexistente, y en cualquier caso la disposición es siempre nueva. Los caballitos de mar y las radios son mis favoritos» Dice la artista.

A la artista le inspiró una caja de tesoros que guardaba de niña y que ordenaba y arreglaba con frecuencia. Aquella experiencia temprana es la raíz de su práctica actual, resultado de rebuscar en grandes almacenes de juguetes antiguos y objetos diminutos de los que, según sus cálculos, tiene miles en este momento. Podéis ver sus espectaculares composiciones en Instagram y conocerla más de cerca en su web.

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Las esculturas de vidrio de Thomas Medicus, un artista visual afincado en Innsbruck (Austria) son alucinantes. Medicus es conocido por sus esculturas y sus cubos anamórfico. Estudió trabajo social en el MCI de Innsbruck antes de estudiar en la Glasfachschule Kramsach, una escuela de arte en vidrio, donde posteriormente obtuvo el título de maestro vidriero. Además de trabajar por su cuenta como artista independiente, durante siete años trabajó en la empresa de vidrieras Tiroler Glasmalerei. A principios de 2021 se independizó por completo y fundó su empresa Studio Medicus (enlace).

Los animales en peligro de extinción se desintegran y se recomponen en las esculturas de vidrio de Thomas Medicus

Según desde qué ángulo se mire, es posible ver un lince, una abeja, un pez Martín pescador o una trucha de río. En esta fantástica instalación publica  reciente  instalación pública del artista austriaco Thomas Medicus. Al moverse alrededor de la obra, una imagen se disuelve gradualmente. Todas las criaturas están en peligro o amenazadas debido al creciente impacto de la crisis climática.

La vitrina en la que se exponen los animales están hechas de cristal, hormigón y metal y critican las edificaciones construidas por el hombre y la invasión de los hábitats naturales en el paisaje urbano. La vitrina en sí «aborda un dilema en el que se encuentra gran parte de la humanidad: el hábitat humano contradice en gran medida la coexistencia con los animales no humanos», afirma Medicus.

En el interior del cubo, cada uno de los animales invita a mirarlos a los ojos y a reflexionar sobre el frágil equilibrio de la naturaleza que los rodea, la vulnerabilidad de la existencia y el papel fundamental que el ser humano tiene tanto en la destrucción como en la conservación de la naturaleza. Para conocer más de este grandioso artista y su trabajo os dejamos su web.

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La fotografía documental de Migwa Nthiga se ha convertido en una de las más importantes de Kenia. Migwa es un galardonado narrador visual con más de 10 años de experiencia en fotografía y edición fotográfica. Se ha hecho famoso por su trabajo creativo y comercial, que comprende desde retratos hasta paisajes, con el propósito de contar las historias de las personas y los hermosos lugares que consideran su hogar. National Geographic y Sony World Photography han premiado su fotografía documental, y sus retratos han sido merecedores de diversos premios de la Asociación de Fotógrafos de Kenia.

Su experiencia previa como director de cuentas en SCANAD, una de las agencias de publicidad más importantes de Kenia, le ha permitido trabajar en el campo de la fotografía publicitaria y cumplir los proyectos no sólo con rigor técnico, sino también con un gran sentido de las necesidades del cliente y del mercado. Sus fotografías se han empleado para cubrir una amplia gama de necesidades publicitarias, desde personajes y productos hasta editoriales y eventos, en Kenia y en todo el mundo. Algunos de sus clientes son Coca Cola, East African Breweries Limited, Safaricom, Airtel y el Gobierno de Kenia.

‘Walks of Life» la serie de fotografía documental de Migwa Nthiga que retrata a las comunidades más afectadas por la crisis climática

La población que vive cerca del lago Turkana, en el norte de Kenia, es la más afectada por la crisis climática. Las sequías recurrentes, que ya son una región árida y seca, han dejado a las comunidades sin agua para los animales, los cultivos y la bebida, forzando a la gente a abandonar sus hogares en busca de tierras más fértiles y sostenibles.

‘Walks of Life» («Caminatas por la vida), retrata de manera íntima y espontánea, la vida cotidiana de los pescadores mientras se sumergen en el lago y de los niños mientras están en casa con sus familias, reflejando un variado abanico de emociones que van desde la alegría, hasta una intensa reflexión. La serie cuenta historias a través de una narrativa llena de contrastes sobre lo que significa vivir en una región tan profundamente afectada por la crisis climática. Para seguir sus últimos proyecto, podéis visitar Instagram y Behance.

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El grandioso artista digital Akbar Erabiyan ha conseguido ganarse un nombre en el mundo del arte digital gracias a su excepcional técnica de modelado en 3D. Crea maravillosos diseños de ganchillo que parecen cobrar vida. Los personajes son modelados en Maya y ZBrush, texturizados con Substance 3D Painter y renderizados en Houdini con Arnold.

Akbar Erabiyan es un artista digital iraní con sede en Canadá, con mucho talento que se dedica a crear originales personajes de ganchillo a partir de programas de diseño de una manera muy avanzada con los que diseña modelos con todo el lujo de detalles que parecen auténticos muñecos de ganchillo. Lo que hace diferente a Akbar es su habilidad para incorporar a sus creaciones unos niveles increíbles de detalle y texturas que parece que sus creaciones cobraran vida.

La última serie del artista digital Akbar Erabiyan se basa en la famosa serie «THE LAS OF US»

Si sois seguidores de esta gran serie y videojuego «The Last Of Us»,  os va a encantar la última serie de creaciones en ganchillo del artista digital Akbar Erabiyan, en la que se ha inspirado en una de sus creaciones recientes más impresionantes en el famoso videojuego y ahora también aclamada serie de HBO «The Last of Us». Con su experiencia en diseño de personajes y utilizando técnicas de arte digital, consiguió reproducir a los protagonistas Joel y Ellie, además de un par de «clickers», con una increíble exactitud.

Akbar, además de recrear personajes famosos en 3D, también diseña sus propias figuras originales en ganchillo digital, para mostrar así su creatividad. Es increíble la exactitud con que puede crear estos personajes, parece un retrato convertido en ganchillo, es una pasada de trabajo que no os podéis perder, por eso os dejamos el enlace a su perfil de ArtStation y a su Instagram.

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El fotógrafo aleman Arnold Genthe fue considerado uno de los mejores documentalistas de su época, a principios de Siglo XX. En 1908 documentó las calles de Japón, mostrando la cultura del país nipón en todo su esplendor.

Recientemente estas fotografias han pasado a dominio publico al caducar su licencia de derechos y nadie reclamarlo. El propio Arnold murió en 1942, sus fotografías son ahora historia cultural de Japon.

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Las ilustraciones surreales de Sandro Rybak son increíblemente creadas con una tableta Wacom y un gran sentido de las texturas, los contrastes y los gráficos. La inspiración de Sandro puede venir de cualquier parte, normalmente se inspira en diversas corrientes, desde los dibujos animados de su infancia hasta los grabados de cobre alquímicos, pasando por los videojuegos y los cómics. Las ilustraciones resultantes son una fusión de elementos abstractos que se mezclan de forma inesperada y no para de sorprendernos.

Para Sandro, su trabajo es «Una mezcla de elementos abstractos, extraídos de cualquier parte, ya sean grabados alquímicos en cobre, dibujos animados infantiles, videojuegos o cómics y la ciencia-ficción, mi trabajo me aburre muy rápidamente» Comenta Rybak.

El universo detrás de las ilustraciones surreales de Sandro Rybak

Cuando se trata de crear ilustraciones ricas y de otro mundo, el diseñador alemán Sandro Rybak sabe cómo hacerlo, Rybak crea una historia detrás de cada ilustración para darle mas sentido. «Todo parece un caprichoso estado de ensueño congelado en el tiempo. Intento dar a mis obras de arte al menos un pequeño sentido de una historia, para que sientan que puede haber todo un universo detrás de la obra».

Sandro Rybak construye nuevos mundos ricos en elementos surreales compuestos por texturas nebulosas, finos contrastes y patrones futuristas que lo hacen único. Hasta el momento, su trabajo editorial ha aparecido en The New York Times, y sus ilustraciones, en portadas de discos como el primer EP de la cantante vienesa de pop indie Oska, Honeymoon Phase.

Esta surreal obra del ilustrador y diseñador Sandro Rybak es una pasada, nos encantan sus colores y texturas y por eso os dejamos todo los enlaces donde podéis encontrarlo. No podéis dejar de ver  su página web, tomar inspiración de sus trabajos en Behance y seguirlo en Instagram.

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Las esculturas de animales de Josh Gluckstein son majestuosas gracias al impacto que tiene por ser a tamaño real, además son hechas a partir de cartón y demás material reciclado, el artista londinense busca que su práctica sea lo más sostenible posible. Josh es un apasionada de la fauna salvaje y los animales siempre han sido un tema central en sus obras.

Gracias a sus extensos viajes y voluntariado en Asia, África y América del Sur, ha logrado presenciar a algunos de los animales más majestuosos que existen, lo que se ha convertido en su máxima inspiración para la creación de sus majestuosas esculturas de tamaño real, en su mayoría hechas de materiales encontrados y reciclados. «Me he esforzado continuamente por hacer que mi práctica sea cada vez más sostenible, y mi nueva colección está hecha íntegramente de cartón y papel reciclados. Su accesibilidad y versatilidad me permiten dar vida a los animales y captar su carácter y su intrigante belleza sin generar residuos. Mi ambición es concienciar sobre las especies amenazadas a través de mi arte y contribuir a su conservación».

El cartón es el material de las nueva colección de esculturas de animales de Josh Gluckstein

Su nueva serie hecha en cartón, titulada Gold, muestra animales víctimas de la trata de animales a los que cubre con láminas de oro, poniendo en evidencia las razones por las que son cazados furtivamente. El pangolín, por ejemplo, está en peligro crítico de extinción porque se caza ilegalmente sobre todo por su carne y sus escamas únicas. Las obras de Gluckstein se expondrán el mes que viene en la galería Woolff de Londres, y una parte de las ventas se donará al WWF

Para crear estos retratos realistas de elefantes, primates, pangolines y grandes felinos, Gluckstein (web) rompe, corta y pega los trozos de cartón para crear expresivos rostros, y a veces añade finas capas de pintura para darles más detalle y realismo. Suele trabajar en varias esculturas a la vez, y una sola pieza puede tardar entre una semana o varios meses en terminarse, en función del tamaño o la cantidad de detalles. «En el encierro, en casa y fuera de mi estudio, tenía muchas ganas de ponerme a trabajar, pero no tenía acceso a los materiales que solía utilizar, fue entonces cuando descubrí el cartón, que estaba fácilmente disponible, y me pareció un medio increíblemente versátil».

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Ceci Lam es ilustradora y animadora en Hong Kong, e imagina mundos de fantasía. Esta ilustradora lleva la cotidianidad a mundos fantásticos y con personajes de ensueño que viven una vida común y corriente.

Ceci es amante a los viajes por eso crea obras en las que refleja pequeños paisajes, escenas inocentes llenas de imaginación y fantasía.

De sus más recientes trabajos podemos ver la creación de personajes estrambóticos con cabezas de hongo, llenos de personalidad, que viven el día a día de una persona común y corriente.

Ceci fusiona parte de espacios o personas reales con mundos y vidas de fantasía, un trabajo hermosos que nos hace soñar y creer que una planta puede tener piernas de humano o que un humano puede tener cabeza de hongo, todo es posible en los mundos fantásticos de Ceci Lam.

Conoce más sobre su trabajo en su Behance y en su Instagram.

Hay artistas que imaginan personajes de fantasía, que viven en mundos reales y hay otros que crean casas imaginarias en parajes comunes. No os perdáis las casas imaginarias de Mattias Jung.

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Los zapatos de Super Mario y todo lo referente a este personaje icónico de los videojuegos y la cultura popular se han hecho realidad en una colaboración entre Nintendo y Red Wing shoes, la famosa empresa de calzado de Minnesota ha fabricado un par de botas reales de Mario de la próxima «Super Mario Bros. Movie» y aunque la película es de animación, la empresa de zapatos ha dado vida a las botas del personaje principal «utilizando métodos heredados y materiales innovadores», aseguran los creadores, Las botas se lanzaron el pasado 10 de marzo en la tienda de Nintendo en Nueva York con motivo del Día de Mario.

Esta marca ha colaborado con el equipo creativo de The Super Mario Bros. Movie, y ha logrado diseñar un modelo auténtico de zapato de trabajo para ser usado por cualquiera. Cuenta con una suela antideslizante y el cuero típico de los modelos Red Wing, marca reconocida por la calidad de sus productos. Se vislumbra una tendencia en la moda basada en los dibujos animados, como ya ha ocurrido también con las botas rojas de MSCHF inspiradas en el dibujo animado AstroBoy.

¿Por qué son tan especiales estos zapatos de Super Mario?

Uno de los detalles más especiales del calzado es la incorporación setas en la producción de algunas partes del zapato, como sabemos este elemento es uno de los objetos centrales de la historia de la saga de Super Mario, además de un diseño redondeado que la hace idéntica a la del personaje. Por ahora las botas no están a la venta y únicamente se han fabricado como una edición limitada, pero estamos seguros que si la moda tiende a inspirarse en los cartoons, las veremos tarde o temprano en Nintendo, en Red Wing en alguna tienda.

La piel duradera de alta calidad y los tacos antideslizantes prueban que estas son las botas del super fontanero, y las taloneras con micelio a base de setas proporcionan un bienvenido potenciador para ayudar a Mario a enfrentarse a Bowser y su ejército. Conoce mas sobre las botas en la web de Red Wing.

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Las pinturas fotorrealistas de Christiane Vleugels, muestran su gran talento con el que crea pinturas increíblemente realistas de figuras y rostros humanos. Christiane empezó a dibujar a una edad muy temprana por lo que en su gran trayectoria ha conseguido dominar todas las técnicas con las que crear estas representaciones extremadamente realistas. El uso que hace de la luz y la sombra es tan preciso que parece que se tratara de una fotografía.

Con una mirada más de cerca, se pueden llegar a ver las pinceladas de óleo sobre el lienzo, difuminadas y sutilmente presentes, pero no son fáciles de encontrar en medio del contraste nítido e hiperrealista de un peinado fino y suelto o de la nítida definición de una espalda. «El único propósito de mi obra es tentar a la gente a soñar. No hay nada que me guste más que llevar a mi público al éxtasis permitiéndoles asomarse a mi fantasía».

Las pinturas fotorrealistas de Christiane Vleugels cobran vida

Lo que destaca a la artista es su capacidad para transmitir emoción y realismo a sus obras, haciéndolas cobrar vida casi como si fueran fotografías. Su obra es alucinante, cada detalle está perfectamente pintado.

Para Vleugels, sus pinturas no son sólo una exhibición de talento. Con su arte busca inspirar a la gente a soñar, a dedicar un momento a escapar a ese mundo de fantasía que ella ha creado. Con sólo unas pinceladas, puede captar toda la esencia del rostro o la figura de una persona, sorprendiendo a los espectadores con su excepcional talento.

Su obra no sólo conmueve al público. Ella misma es una apasionada de lo que hace, y se entrega en cuerpo y alma a cada obra que crea. Júzgalo tu mism@, entra en su web y revisa todas su pinturas, tambien puedes seguirla en Instagram y no perderte ninguna movida.

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La fotografía aérea de Kevin Krautgartner captura el poder descomunal de las grandes olas que rompen sobre el oleoducto de Banzai, en Hawaii. La energía de las olas es el mejor reflejo del gran poder de la naturaleza.

En el arrecife de North Short, en O’ahu (Hawaii), las olas más famosas, emocionantes y arriesgadas del mundo generan unas condiciones muy favorables para la práctica del surf en una zona conocida como Banzai Pipeline. El fotógrafo Kevin Krautgartner conmemora las fascinantes olas en forma de tubo de Pipeline, con una serie de fotografías aéreas que muestran la gran fuerza del agua rompiendo y arremolinándose a lo largo de la playa.

Las fotografía aérea de Kevin Krautgartner con de altísima calidad

Krautgartner no utiliza drones en sus fotografías de gran resolución, afirma tener una visión artística mediante el uso de helicópteros y avionetas, en los que busca con su cámara fotográfica lugares e imágenes nunca antes vistas por lo que viaja por el mundo entero encontrándolos.

Para que las texturas de las superficies terrestres captadas, que son tan importantes, diferenciadas y difíciles, resulten visibles para el espectador, el proceso de impresión se realiza con materiales y equipos de la más alta calidad, y forma parte esencial de su proceso creativo. Únicamente gracias a la altísima calidad de las imágenes, las formas y superficies, que a primera vista son abstractas, se revelan al espectador como imágenes increíblemente detalladas, gracias a un juego entre la luz, el agua y el aire. Desde una perspectiva aérea, Krautgartner muestra que no existen dos momentos iguales: «Dado que la naturaleza está en constante cambio, ya sea a corto o largo plazo, cada una de mis obras capta un momento que nunca volverá a repetirse». Podéis ver más de su trabajo visitando su web.

«Personalmente, las olas siempre me llaman la atención cuando estoy cerca de la costa o del océano, para mí, son especialmente únicas porque son un fenómeno natural que puede crear una sensación de asombro y maravilla… creando un patrón rítmico que puede ser a la vez calmante y estimulante».

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Una enorme escultura de un pájaro legendario ha tomado forma de escultura sobre la montaña del Jatayu Earth’s Center en Kerala, India. Basado en la épica historia de Ramayana, Jatayu es un noble pájaro de origen divino que perdió su ala y cayó mientras luchaba por proteger a una joven llamada Sitha. El ave recreada en cemento en el Centro tiene 60 metros largo, 45 metros de ancho y 21 metros de alto, con plumas estilizadas y enormes garras. Su cuerpo se extiende en la cima de una montaña con un campus a modo de destino turístico.

Jatayu Earth’s Center es una colaboración entre el Departamento de Turismo de Kerala y el renombrado director de cine Rajiv Anchal.

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La marca de ropa upcycling de Kellie Swanson empezó como un proyecto en 2020 como una manera de reactivar su práctica creativa, y desde entonces ha creado varias colaboraciones y colecciones, muy vendidas. El upcycling es conocido también como «sobreciclaje» o «reutilización creativa» consiste en utilizar productos, residuos o materiales desechados con el fin de crear nuevos tejidos o productos de mayor calidad, con mayor valor ecológico y mayor valor económico.

El upcycling forma parte de la economía circular y se distingue de otros procesos como el reciclaje en que el resultado final es de mayor calidad y valor ecológico, y no intenta seguir con modelos lineales como la fabricación de objetos de un solo uso o la degradación o descomposición de materiales.

Florece la ropa upcycling de Kellie Swanson

La espectacular moda artística sostenible diseñada con cianotipos por Kellie Swanson florece con su colección de ropa KSX que se compone por chaquetas, vaqueros y otras prendas hechas con el azul intenso creado con cianotipos, una forma primitiva de fotografía que utiliza luz ultravioleta para producir impresiones monocromáticas.

Las telas decoradas con estos cianotipos brillantes presentan diseños botánicos hechos con plantas como helechos y flores que Kellie encuentra en los alrededores de su casa en Bozeman, Montana (Estados Unidos). Todas sus prendas son de segunda mano, y KSX se abastece en su mayoría en tiendas de segunda mano y vintage, lo que garantiza que su colección es sostenible lo que la hace única y exclusiva dentro de una industria que se caracteriza por sus residuos. La marca KSX de Swanson combina la naturaleza, la sostenibilidad, la fotografía y la autoexpresión.

«Hay algo especial en el uso de técnicas fotográficas alternativas que me permite ralentizar el ritmo y conectar con mi arte. Mi trabajo se centra en crear algo único con imágenes y materiales de mi patio trasero y de mis zonas favoritas de Montana. Mediante el upcycling de ropa de segunda mano no solo pretendo reducir los residuos textiles, sino también crear prendas únicas y con estilo que cuenten una historia y celebren la individualidad.»

Si os ha gustado la ropa de Swanson podéis ver todos sus diseños en Instagram o entrar en la web y comprar alguna prenda que están chulísimas.

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El arte en arcilla polimérica de Lizzie Campbell comprende desde posters de películas y series hasta icónicas pinturas. Lizzie aparte de artista es ilustradora y se apasionada por la creación de posters basados en peliculas. El terror es su género favorito, pero su estilo infantil suele producir resultados curiosos. Lizzie tiene claro que su estilo seguirá inspirándose en películas de terror.

Desde muy joven, Lizzie ha sido una gran apasionada de la ilustración y estudió arte al acabar el instituto. Ingresó en un curso de comunicación visual especializado en ilustración y la experiencia le pareció fantástica. Pero su camino creativo dio un giro cuando descubrió la plastilina en un taller de clase, así descubrió el 3D y se liberó del estrés que le producía su estilo de dibujo. Comenzó a experimentar con la plastilina, pero le pareció limitada para crear detalles más finos. Finalmente, descubrió la arcilla polimérica e instantáneamente supo que era el material adecuado para ella. Así nació su estudio, «Clay Disarray» (web)

La cultura pop inspira el arte en arcilla polimérica de Lizzie Campbell

Lizzie se inspira principalmente en la cultura pop. Sus proyectos personales se centran en personajes populares del cine y la televisión, el arte y la música. Por otra parte, ha creado una serie de pinturas en polímero basadas en conocidas obras de arte. Aunque suele trabajar haciendo sus propios modelos, Lizzie se divierte haciendo «pinturas de polímero» porque suponen un reto diferente.

Crear un «cuadro de arcilla polimérica» puede tomar varios días, según el nivel de detalle y la semejanza que se quiera reflejar. Por ejemplo, The Amityville Horror y Donnie Darko tardaron una semana en crearse debido a su dificultad. Por otro lado, las piezas Midsommar de Lizzie requirieron mucha paciencia por la gran cantidad de flores de arcilla que había que hacer. Lizzie trabaja principalmente con arcilla polimérica coloreada FIMO Professional para la mayoría de sus proyectos, algunas veces utiliza Sculpey Premo y Soufflé para proyectos más pequeños. Podéis seguir su gran trabajo en Instagram.

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Richard Mosse es un fotógrafo irlandés nacido en la  ciudad de Kilkenny en 1980. Actualmente Richard vive en Berlín pero realizó sus estudios de fotografía en Londres, en la «Yale School of Art». La fotografía de Richard es bastante peculiar, ya que los temas que trata son puramente bélicos y militares pero desde otro punto de vista.

Es curiosa su serie «Infra» donde mediante un tipo de película infrarroja llamada Kodak Aerochrome (desarrollada originalmente para la detección de camuflaje), registra un espectro invisible de luz infrarroja, lo que hace el paisaje verde en tonos vivos de lavanda, carmesí y rosa.

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Las escultóricas vasijas de vidrio hechas por Kateryna Sokolova se inspiran en la plasticidad natural del vidrio y sus diseños son fabricados por artesanos que utilizan antiguas técnicas de soplado de vidrio ucraniano, impregnando a sus formas modernas de una dimensión ancestral. Los jarrones escultóricos de vidrio «Gutta» rinden homenaje a la antigua técnica del soplador de vidrio «guta», que se remonta a los tiempos de la Rus de Kyivan, una federación de tribus eslavas orientales desde finales del siglo IX hasta mediados del XIII.

Kateryna Sokolova es diseñadora industrial ucraniana nacida en 1984, también es cofundadora y directora creativa de la marca NOOM y del estudio de diseño SOKOLOVA (web) en donde trabaja con un amplio repertorio de disciplinas como diseño mobiliario, iluminación, hardware, electrónica y medio ambiente.

Las vasijas de vidrio hechas por Kateryna Sokolova se inspiran en la tradición ucraniana

Kateryna Sokolova diseñó los jarrones Gutta con la intención de explorar las propiedades únicas del vidrio y crear objetos simples pero impactantes que transmitieran la sensación de un movimiento congelado. Estas piezas están arraigados en la historia por su exquisita artesanía y sus técnicas ancestrales.

GUTTA se inspira en la tradición ucraniana del soplado de vidrio y evoca una sensación de pausa en el tiempo, como si se tratara de piezas congeladas en movimiento. «Me encanta trabajar con materiales «vivos», desafiarlos e inscribirlos en el diseño contemporáneo desde una nueva perspectiva. A través de la forma curvilínea de los jarrones, quería transmitir el misterioso poder de la naturaleza y un sentido del ritmo» confiesa la artista.

Cada jarrón de esta serie ha sido soplado a mano, lo que lo hace único y bello en su imperfección, cada pieza es totalmente original. GUTTA esta compuesta por hermosas piezas escultóricas con un estilo moderno, un concepto artístico y mucha historia detrás. Podéis ver más de su obra en Instagram.

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«DESARRAIGADOS» La nueva instalación de Doris Salcedo se puede ver hasta el hasta el 11 de junio en la Bienal de Sharjah 15: Pensar históricamente en el presente, en la recientemente transformada fábrica de hielo de Kalba, en Sharjah (Emiratos Árabes Unidos), y esta compuesta por cientos de árboles que conforman una inmensa casa que al final se desvanece en matorrales.

Todas las intervenciones de esta gran artista colombiana, tratan temas sociales y políticos y esta no es la excepción, en «Desarraigados» toca el tema de los migrantes y el hecho de quedar sin casa. Esta obra aborda la transformación y la pérdida, conceptos que tienen muchas formas de interpretar y más aún con el actual contexto del conflicto ruso en Ucrania y también el tema de los catastróficos terremotos en Siria y Turquía que han provocado el desplazamiento de millones de personas. Utilizando árboles incoloros y sin vida, también hace referencia a una fisura entre los seres humanos y la naturaleza, y examina cómo se está disolviendo nuestra conexión con el medio ambiente.

Una casa hecha con cientos de árboles, compone la nueva instalación de Doris Salcedo

¿Por qué árboles? En Colombia, de donde es oriunda la artista, hay una costumbre de decir «echar raíces»  cuando se refiere a que alguien se va a establecer en algún lugar, va  a hacer su vida allí, va a establecer su hogar, Desde ese puto de vista, la artista ha utilizado las ramas de los árboles como eje central. La idea de hogar se forma a partir del concepto de comunidad, de familia, de estar alrededor de las pertenencias propias y de sentirse seguro y protegido.

En «Desarraigados», la migración es el tema central de la instalación, que consiste en cientos de árboles muertos a los que se ha dado la forma de la silueta reconocible de una casa, con sus muros meticulosamente construidos y su techo inclinado que se transforma gradualmente en un matorral.

La artista colombiana es famosa por sus esculturas e instalaciones que incorporan objetos cotidianos y domésticos, como mesas o prendas de vestir. Su obra se inspira a menudo en hechos históricos y se centra en los efectos de las grandes acciones políticas en las experiencias mentales y emocionales diarias de la gente. En una ocasión rompió catastróficamente el suelo de la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres y bajó más de 1.500 sillas entre dos edificios de Estambul para abordar el desplazamiento causado por la guerra. Podéis ver más de su obra en esta web

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