Fotografía arquitectónica tomada por el reconocido fotografo Andrew Moore que muestra a una cuba majestuosa pero decadente a finales de los 90 con una exquisita arquitectura, llena de historias y recuerdos.

Andrew Moore es reconocido por sus series fotográficas en las que trabaja por largos periodos de tiempo, como en este caso con Cuba, la serie fue tomada entre septiembre de 1998 y enero de 2001.

Moore viajó a Cuba para conocer a sus habitantes y fotografiarlos en su entorno, en estos viajes tomó más de 700 negativos en color de 8 x 10, registrando un momento particular de la historia del país, mostrado principalmente a través de su arquitectura.

Fotografía arquitectónica decadente y hermosa

Moore logra captar los hermosos interiores de las construcciones interiores, generalmente lujosos, con mármol y detalles dorados, llenos de una decadencia que al mismo tiempo se convierte en estético y bello.

Vemos como se desprende la pintura del techo, dejando al descubierto la estructura de madera que aún resiste no solo la construcción,  sino el peso de la historia.

Ventanas rotas en mal estado, asientos disparejos y electrodomésticos que se convierten en muebles, todo fuera de lugar pero en una nueva forma de vida.

Una serie fotográfica (ver web) que en su mayoría ha sido tomada en zonas urbanas, nos seduce con imágenes que muestran como la arquitectura y la sociedad se adaptan y generan un modo de vida de una comunidad.

«La Habana está construida en vertical, con tejados de tejas, techos altos y altas ventanas que rodean los patios centrales y ofrecen alivio del feroz calor y del sol, La luz del día es generalmente dura y crea sombras profundas, mientras que por la noche, que cae rápidamente, la ciudad es bastante oscura con poca iluminación en las calles. Las paredes exteriores se blanquean con el tiempo por el sol, y el verde y la vida vegetal crecen en exuberantes mechones desde las jardineras y los chalets ajardinados»

Leer la entrada completa en Fotografía arquitectónica que muestra la vida de Cuba a finales de los 90´s .

Las escultura y pinturas de Mike Stilkey son muy llamativas y originales porque toman libros viejos como papel para sus pinturas y como forma esencial para hacer esculturas. Lo central en su obra son los personajes absurdos y melancólicos que pinta.

Mike Stilkey siempre se ha sentido atraído por pintar y dibujar sobre material vintage como papel vintage, portadas de discos y páginas de libros, pero ahora lo hace sobre los propios libros, sus portadas y sus lomos se convierten en lienzo.

«Los libros están muriendo. Hay tantos que van a la basura. Es una locura. Si puedo pintar sobre ellos, les doy una segunda oportunidad».

Escultura y pinturas melancólicas creadas con libros viejos

Pintando con tinta, lápiz de color, pintura y laca, Stilkey (web) representa un melancólico y a veces caprichoso repertorio de personajes que habitan sin tiempo en espacios ambiguos dentro de narrativas irónicas.

Una constante sensación de melancolía revela la profundidad emocional de estos personajes y atrae al espectador hacia su encanto introspectivo con una mezcla de ingenio y misterio.

Aunque llenos de misterio y melancolía, estos personajes se mueven entre lo lúdico y caprichoso y lo descarado e irónico, quienes a veces  traducen una interpretación esencial de los mensajes o temas de los libros a través de una lente contemporánea.

«A veces es algo irónico, irónico y satírico, y a veces es una extensión o interpretación de lo mismo. Depende del libro y de mi estado de ánimo. En los últimos dos años ha habido mucho material con todas las conversaciones políticas y las cosas que se oyen o leen en las noticias o en las redes sociales. Pero siempre he podido hacer esto con los libros. Es una de las razones por las que empecé a utilizar los libros como lienzo o vehículo para pintar: la riqueza de superponer narrativas literarias y visuales para transmitir algo más complejo» Explica Mike 

Leer la entrada completa en Escultura y pinturas hechas a partir de libros recuperados por Mike Stilkey .

Arte culinario lleno de rayas, cuadros y otros diseños geométricos, que  convierten la pasta en una cocina de colores gracias al chef David Rivillo quien crea pasta única y personalizada para cada comensal.

Desde hace años este Chef compró su máquina de hacer pasta y jamás volvió a compararla en el supermercado; Espaguetis, fetuccini o penne llenos de estilo, hacen de sus platos hechos a mano, verdaderas obras de arte.

Vibrantes rayas, colores y figuras que evocan más a los tejidos o a las vidrieras que a platos pasta, están conquistando no solo a los comensales, sino a los internautas, ya que sus creaciones se han hecho virales ya que Rivillo comparte en sus redes estas obras y su procesos. Actualmente tiene más de 30.00 seguidores en Instagram.

View this post on Instagram

A post shared by David Rivillo-Pasta designer (@david_rivillo)

Arte culinario que convierte la pasta en una cocina de colores

Detrás de cada masa llena de diseño, hay una exhaustiva investigación sobre los ingredientes ideales para darle forma y color a la pasta, además de un entendimiento de la relación química entre ambos lo que garantiza que cada diseño conserve el diseño durante el proceso de cocción.

«Aunque he comido pasta toda mi vida, empecé a trabajar con pasta fresca en 2016, cuando empecé mis estudios culinarios profesionales en Porto Alegre, desde entonces, conseguí mi primera máquina de pasta y nunca más compré pasta en el supermercado».

Un arte que abraca más que la estética, también incluye el sabor, la delicadeza, la paciencia y la alquimia, dones que han dotado a este chef para ser uno de los más «trendy» de la temporada.

Una pasada ver cómo un plato de comida se convierte en una obra de arte, una cocina en un laboratorio de ideas, en un estudio de arte y en el centro de la creatividad.

Jamás hubiéramos imaginado que comer una simple pasta fuera tan especial como estar de frente a una gran obra de arte, y aunque siempre hemos enaltecido el arte de la cocina, en este caso quedamos alucinados con su detalle y colorida creatividad.

Leer la entrada completa en Arte culinario: El arte de hacer pasta de colores .

El uso de ilustraciones ha surgido como una buena tendencia popular para dar «vida» en el diseño web. Las ilustraciones bien hechas ayudan a construir historias con las que la gente se conecta. No sólo son una forma increíble de atraer a los visitantes a tu web, sino que también añaden un toque humano a la experiencia de usuario.

En este artículo, os dejamos una lista de sitios web donde podéis encontrar ilustraciones gratuitas de alta calidad para usar en vuestros proyectos de diseño web o presentaciones al estilo Slidesgo Estupendas ilustraciones que se ajusten a tu producto o servicio o crear interfaces web para mejorar la estética.

La mayoría de las webs que os dejamos, ofrecen imágenes en formato vectorial SVG y las podéis editar en editores vectoriales gratuitos .

Principales webs donde encontrar ilustraciones gratuitas

Ouch by Icons8

Ouch by Icons8 nos proporciona ilustraciones llamativas en 20 estilos de arte diferentes, desde ilustraciones planas y geométricas hasta gráficos con textura y vectores de caricaturas. Las ilustraciones están clasificadas por diferentes categorías, incluyendo algunas como tecnología, comercio electrónico, finanzas o medicina.

La descarga gratuita incluye imágenes PNG para su uso en su móvil e interfaces web con atribución. Si os hacéis con una suscripción os da el acceso a los archivos vectoriales SVG. [Web]

Open Doodles

Open Doodles es la aportación del ilustrador Pablo Stanley donde nos ofrece ilustraciones gratuitas y esquemáticas ideales para aquellos que buscan añadir elementos dibujados a mano en sus páginas webs. Libres para uso comercial bajo la licencia CC0, estas ilustraciones están disponibles en formatos SVG, PNG e incluso en GIFs animados. [Web]

FreePik

Muchos de vosotros ya conocéis el servicio de descarga gratuita de vectores en Freepik. La web de Freepik nos ofrece hacer una búsqueda por palabras clave, por ejemplo para las ilustraciones de la página de destino como se ve en la imagen de arriba y descargar el gráfico vectorial que se adapte a sus necesidades desde su ella. [Web]

unDraw

Esta fantástica web creada por Katerina Limpitsouni, bajo el nombre de unDraw tiene una colección de elegantes ilustraciones vectoriales que puedes usar en tus sitios web, aplicaciones o cualquier otro diseño completamente gratis sin atribución. Centradas en la gente y la tecnología, las ilustraciones son perfectas para el diseño web moderno. Puedes usar el selector de colores en la parte superior de la página (visto en la imagen de arriba) para personalizar el color principal para que coincida con tu marca.

La descarga incluye archivos SVG y PNG. Si eres usuario de Adobe XD, también puedes obtener el plugin unDraw que trae todos estos SVG a XD para que puedas personalizarlos y animarlos. [Web]

DrawKit

DrawKit tiene una colección de ilustraciones gratuitas en formato SVG dibujadas en un estilo limpio perfecto para diseño moderno e  interfaz de usuario. Hay ilustraciones que cubren varias categorías desde abstracto, educación, negocios y finanzas, salud y medicina, diseño, arte y muchas más. Cada uno de los vectores está disponible en dos versiones – Color Brillante y Monocromo. La descarga gratuita incluye archivos SVG y PNG en diferentes tamaños. [Web]

ManyPixels

ManyPixels tiene un montón de ilustraciones libres de derechos de autor de estilo plano para sus páginas de destino, publicaciones de blog, boletines de correo electrónico y medios sociales. Podéis buscar por palabras clave en diferentes categorías, incluyendo Inicio, Tiempo, Deportes, Gente y Mundo. También puede personalizar el color antes de descargar los archivos SVG y PNG. [Web]

Absurd Design

Este estilo de ilustración surrealista nos recuerda mucho al nuevo diseño de MailChimp. La descarga gratuita incluye 11 ilustraciones en blanco y negro en formatos PNG que puedes usar dando crédito, también puedes pagar para obtener la versión a color y el juego completo de vectores. [Web]

Illustrations.co

Illlustrations.co de Vijay Verma es una biblioteca de código abierto con 100 ilustraciones gratuitas que puedes utilizar para diseñar tus páginas web, interfaces de aplicaciones móviles, imágenes de blogs o presentaciones. La descarga incluye ilustraciones en formatos AI, SVG, EPS y PNG que puedes editar y remezclar para tus proyectos de diseño. [Web]

Smash Illustrations

Smash Illustration es un constructor de ilustraciones mixto disponible  para Sketch. El pack gratuito viene con 45 personajes únicos, 200 objetos de fondo y 20 escenas listas para usar. Todas las ilustraciones son totalmente vectoriales y personalizables, puedes crear una historia única mezclando estos personajes con escenas y objetos. [Web]

Paper Illustrations

Hechas a mano usando recortes de papel, las ilustraciones en papel de IconScout son gratuitas para uso personal y comercial. Incluye 20 ilustraciones que podéis utilizar en vuestros proyectos. La descarga incluye archivos PNG y EPS. [Web]

Con estos sitios de recursos y gratuitos, vais a poder encontrar ilustraciones de una variedad de estilos de forma gratuita y utilizarlos para añadir un toque moderno y de moda a vuestros proyectos de diseño web o gráfico.

No olvidéis revisar nuestra sección de recursos gráficos gratuitos para diseñadores y desarrolladores donde vais a encontrar muchos recursos como iconos, fuentes y e imágenes gratuitas que pueden ser útiles en vuestros proyectos de diseño.

Leer la entrada completa en 10 lugares donde encontrar ilustraciones gratuitas .

Esculturas miniatura de memes de Internet, son creadas por el artista japonés «Meetissai», sin duda estas esculturas se están convirtiendo tan virales como los mismos memes, sus seguidores en Twitter superan actualmente los 224.500.

El artista japonés reproduce estos icónicos memes de animales en forma de mini esculturas de arcilla, utilizando arcilla de polvo de piedra y masilla epoxi, un tipo de adhesivo que se endurece a temperatura ambiente.

Ha llegado a tener en una sola publicación más de 38.200 «me gusta» y 7.500 «retweets» en Twitter.

Esculturas miniatura que se viralizan en las redes sociales

Los memes son actualmente el elemento digital con mayor auge por la cantidad de reacciones que producen, lo que los hace el elemento viral por excelencia, pero las esculturas miniatura de «Meetissai» estan logrando el mismo fenómeno.

Los animales causan gracia y ternura y encontrarlos en situaciones graciosas nos cautivan. Es esa diversión lo que «Meetissai» rescata de estas figuras y las replica en cuidadosas y diminutas esculturas que atrapan los momentos más ridículos y encantadores de la vida de los gatos y otros animales.

Podemos ver en sus esculturas de animales, perros y gatos en posiciones imposibles y en situaciones nunca antes vistas, también personajes esponjosos, aplastados como alfombras y distorsionados como dibujos animados

El artista se ha hecho famoso gracias a sus divertidas esculturas que hacen referencia a estos memes populares, a fotos manipuladas, a perspectivas retorcidas y a momentos fortuitos para crear sus esculturas miniatura que podéis ver en su Twitter e Instagram.

Si crearíamos que ya estaba todo hecho con los memes, ahora vemos que no, ¡Encontrarlos en 3D no tiene precio!. Estas esculturas que hoy nos han dejado mas pegados al ordenador que cuando pasamos viendo memes horas y horas, nos han hecho el día, os dejamos algunas mini esculturas.

Leer la entrada completa en Esculturas miniatura que representan los mejores memes de animales .

Inmensos murales son pintados por el artista Sean Loro, más conocido como HULA, un joven artista nacido en Hawái que hoy en día residen en Los ángeles. Sus murales marcados con dibujos y texturas, parecen emerger del mar y jugar con las mareas. Son una perfecta muestra de unión entre arte y naturaleza.

Para pintar sus murales, Sean Yoro tiene en cuenta no solo el muro a intervenir, que de hecho es escogido muy bien, sino depende de las mareas, ya que accede al lugar de su obra remando en su tabla de surf y desde allí, en equilibrio, se dispone a pintar.

Murales pintados sobre una tabla de surf

Hula rema hasta los lugares más arriesgados, a los que sólo se puede acceder por el agua, donde hace equilibrios sobre una tabla de surf con un número mínimo de materiales; todas las pinturas, pinceles y otros utensilios que tienen que caber en un espacio de 3 metros.

Los inmensos murales de Hula juegan con el mar, los retratos que dibuja quedan en parte sumergidos en el mar lo que hace que parezca que emergen del océano.

 «Tuve que aprender no sólo una forma más rápida y eficiente de pintar mientras estaba sobre una tabla de surf, sino que también era necesario mezclar las capas para poder adaptarse a las mareas y otras variables que pudieran restringir ciertas zonas de la pared», confiesa el artista.

Una destreza extra que tiene este artista ya que más de la mitad de su vida paso surfeando hasta que el arte le gano a las olas y se mudó a Los Angeles para seguir remándole al arte.

Hula (web) disfruta de explorar el arte de gran impacto, alineando los valores medioambientales fundamentales para crear arte en la naturaleza «Me encantaba incorporar elementos más surrealistas a mis figuras pintadas, siempre intentando equilibrar la estética del agua y del hormigón», dice.

No dejéis de seguir el trabajo de Hula en instagram y conocer mas de sus proyectos con el colectivo KAPU en un unión con su hermano fotografo en Youtube

Leer la entrada completa en Inmensos murales que emergen del mar .

Construcciones sobrenaturales hechas por fuertes vientos son captadas por el ojo del fotografo Joshua Nowicki.  Estas columnas de arena congelada que parecen de otro mundo, surgen normalmente durante los inviernos de los Grandes Lagos, aunque el fotografo afirma que estas formaciones de 40 cms aprox. son las más altas que ha fotografiado.

«No duran mucho, normalmente sólo un par de días. El viento las erosiona por completo o las derriba. Si la temperatura sube por encima del punto de congelación, se desmoronan y, a menudo, en invierno, se cubren pronto de nieve a la deriva», Comenta Nowicki.

Construcciones sobrenaturales convierten la vista junto al lago en un entorno extraño

Entre dunas y columnas de arena esculpidas por el viento, el paisaje asombroso al rededor del lago Michigan, uno de los cinco Grandes Lagos de Norteamérica. Está rodeado por los estados de Indiana, Illinois, Wisconsin y Míchigan, que recibe su nombre del lago.

El lago Míchigan tiene muchas playas. En ocasiones se refieren a la región como la «tercera costa» de los Estados Unidos, después de las del océano Atlántico y el océano Pacífico.

La arena es suave y de color blanquecino, conocido como «arenas que cantan» por el sonido causado por el alto contenido de cuarzo que se produce en la zona.

A través de la costa hay muchas dunas altas de arena cubiertas de hierba verde y ‘cerezas de playa’ y el agua es normalmente transparente y fresca, entre 13 y 27 °C, incluso a finales del verano.

En invierno los vientos helados esculpen esas dunas y crean formaciones de otro mundo; mundos que son fotografiados por Joshua Nowicki (web) que logra captara segundos antes de ser destruidas a estas magnificas esculturas esculpidas y destruidas por la misma naturaleza, tan efímeras como bellas.

Las increíbles obras de arte que son formadas por la misma naturaleza son alucinantes, ver un paisaje que se transforma, que se crea a el mismo no tiene comparación. Sin embargo este tipo de arte natural o como la corriente del «Land Art» lo propone, trae majestuosas obras creadas a partir de la naturaleza pero hechas por el hombre, construcciones y piezas artísticas que se crean de manera colectiva.

Leer la entrada completa en Construcciones sobrenaturales en arena, fotografiadas por Joshua Nowicki .

Diseños geométricos creados a partir de elementos cotidianos y organizados por forma, color y textura y mucha creatividad, nos roban hoy la atención. Se trata de las cuidadosas y geométricas creaciones de Kristen Meyer, una artista multimedia que actualmente reside en New Haven, Connecticut con sus dos hijas y su marido, quien es el encargado de fotografiar todas las imágenes finales.

Kristen durante su carrera como artista ha sido parte de proyectos de diseño floral, decoración de interiores y apoyo de estilo, tiene una sensibilidad única de crear espacios y obras delicadas y hermosas

Diseños geométricos en «Flat Lays»

Kristen Meyer (web) crea capas planas con diseños geométricos a partir de elementos cotidianos como piedras y hojas, dispuestos con mucho orden y precisión. Kristen resalta la importante unión de la organización y el arte en sus cuidadosos diseños planos.

Influenciada por la decoración de interiores, el diseño de escenografía y la floristería,  construye formas geométricas precisas y composiciones en forma de red a partir de materiales cotidianos como trozos de cáscara de huevo, objetos de oficina, caramelos galletas y ramos de flores desmontados.

Con un material perfectamente seleccionado y rico en profundidad y textura, las asombrosas obras utilizan contornos implícitos y espacios planos para construir interesantes diseños geométricos dentro de cuadrados y círculos perfectamente redondos.

Los diseños geométricos que crea Kristen son obras hipnotizantes que se asemejan a los mandalas como podemos ver en sus diseños con galletas, o con rodajas de frutas, semillas, flores y pedazos de hojas que juntas, crean una sola.

Todas sus obras (Instagram) son creadas con materiales naturales organizados en formas geométricas y precisas, en su propia casa, en donde tiene un estudio, sin embargo cualquier espacio que tenga mejor luz es perfecto para que su marido tome la fotografía y quede para siempre su diseño geométrico.

Leer la entrada completa en Diseños geométricos perfectamente formados por elementos cotidianos .

Steven Brooks es un fotógrafo americano, ubicado en Seattle especializado en retratar paisajes urbanos. Hijo de un padre carpintero y una madre galerista / artista, comenzó a experimentar con cámaras y películas desde joven y, con la ayuda de su padre, construyó una cámara oscura en su casa donde pasó muchas noches en busca de la impresión perfecta, llegando a veces a pasar noches en vela.

La fotografía fue una salida para explorar su fascinación por la luz tal y como la percibimos, además de mostrarse interesado por los ambientes naturales y los paisajes urbanos.

Steven se siente atraído por las zonas periféricas, donde realmente empezaron a formarse las ciudades, las carreteras secundarias llenas de nostalgia y soledad donde sobreviven los pequeños negocios marginales, los moteles, las tiendas de coches de segunda mano, las casas de empeño y los clubs de striptease. (Ver web)

Leer la entrada completa en Steven Brooks, soledad fotográfica .

Creatividad y reciclaje es lo que vemos en el mini documental creado por el Youtuber y educador inglés Tom Scott (web), quien recorre una montaña de 25.000 maniquíes.

El documental le da una asombrosa mirada al consumismo y al despilfarro, lo cual corrobora la directora de Mannakin (web), Roz Edwards.

Mannakin es una distribuidora de maniquíes, frecuentado por una amplia clientela, que ha acumulado unas 25.000 figuras recicladas y recogidas en muchos lugares de toda Europa.

El corto documental muestra el proceso de Mannakin para reciclar y re utilizar brazos, piernas y torsos de maniquíes viejos, en donde a su vez crea un extraño y surrealista entorno contando con miles de cuerpos sin vida arrumados en un montaña.

Es una impactante denuncia visual del consumismo y de nuestro enfoque colectivo de los residuos.

Creatividad y reciclaje en una montaña de cuerpos sin vida

Podeis pasar 15 minutos recorriendo Mannakin y viendo su pila de metros de altura de formas humanas desechadas en busca de, nada más y nada menos, que partes del cuerpo.

Todo un reto llenar un coche con el mayor número de piezas posible, lo cual es sólo una parte del modelo de negocio de la empresa, que consiste en salvar los expositores de fibra de vidrio usados de los vertederos y devolverlos al ecosistema de las tiendas.

Por lo general, los maniquíes se compran, se utilizan una vez para un proyecto y luego se tiran al vertedero. Excepto aquí, en Mannakin, en Lincolnshire. Gracias a Roz y al equipo de Mannakin.

«Me preguntaba si los maniquíes se pudrían y se descomponían, simplemente sentados allí en el clima. Y luego me di cuenta: no, no es así, son de fibra de vidrio. Ese es parte del problema que Mannakin intenta solucionar» Dice Tom.

¿Quién es Roz Edwards y por qué salva maniquíes?

Roz ha estado dirigiendo sus propios negocios durante los últimos 30 años de su vida. Primero en el arte africano y ahora con una colección de miles de maniquíes sostenibles.

«Empecé el negocio Mannakin de la nada, ni siquiera tenía maniquíes, pero mi determinación de tener éxito es porque quería un futuro para mis hijos y con mi mentalidad ambiciosa sabía que trabajar de 9 a 5 no iba a ser suficiente» Confiesa Roz , Quien volvió de Malawi África a los 32 años después de una dura ruptura amorosa habiéndolo perdido todo, menos a sus dos hijos.

Roz Salva maniquíes para salvarse ella y de paso inspirar y ayudar a ortos a seguir el mismo camino de emprendimiento, si bien por un lado quiere ayudar al medio ambiente con este negocio sostenible, también quiere invitarte y ayudarte a seguir tus propias ideas de negocio para ser independientemente económico y para darle una vuelta a la vida si se ha puesto de color negro,

«Tengo visión, estoy comprometida, soy inspiradora y, lo que es más importante, no tengo miedo, y ahora estoy aquí como ser humano para ayudarte a resolver cómo vas a dar la vuelta a tu propia situación, a avanzar con confianza, a conectarte y a presentarte cada día para ser económicamente independiente utilizando tus propias ideas de negocio, tal y como yo he hecho».

Si queréis ser parte del club Mannakin entra en la (web), también conoce cómo Mannakin es un museo de maniquíes, una locación para fotografía profesional, amateur, videos y mucho mas.

Leer la entrada completa en Creatividad y reciclaje en una montaña de maniquies .

«Diseño Salvaje» es un nuevo libro publicado por Princeton Architectural (enlace), una editorial de libros ilustrados y visuales sobre arquitectura, diseño, naturaleza, jardinería, cultura pop y mucho más y se centra en los patrones y las formas que estructuran el planeta y explora la ciencia que hay detrás de un conjunto de formas orgánicas.

Este encantador libro está escrito por la autora Kimberly Ridley (web), una escritora científica, ensayista, editora y autora de libros infantiles que lleva más de 25 años escribiendo sobre la naturaleza, la ciencia, la salud y el medio ambiente.

Diseño Salvaje incluye ilustraciones vintage

En este libro se combinan ilustraciones vintage, entre las que se destacan las del famoso biólogo alemán Ernst Haeckel (Biografía), un naturalista y filósofo alemán que popularizó el trabajo de Charles Darwin en Alemania, creando nuevos términos y conceptos como «ecología», «filo», «ontogenia», «filogenia», «monofilético» o «polifilético».

«Diseño Salvaje» revela las maravillas del mundo natural como nunca antes se habían visto, a través de las impresionantes, extraordinarias y funcionales formas creadas por animales, plantas y otros organismos que nos rodean como los mas expertos arquitectos de la naturaleza.

El arte y la ciencia se mezclan increíblemente en esta alucinante exploración de estructuras y formas que se encuentran en la naturaleza, contada a través de animados ensayos y magistrales ilustraciones vintage.

Es el libro perfecto para perderse en las hipnotizantes imágenes microscópicas de las diatomeas que parecen joyas y en las extrañas redes de hongos subterráneos que dan forma al gran diseño de los bosques.

Mientras os enamoráis de la arquitectura natural, podéis ver con detalle cómo se construyen de manera sorprendentemente, los elaborados y delicados nidos de las aves.

Este grandioso libro nos recuerda que los fenómenos extraordinarios ocurren a nuestro alrededor, sólo hay que saber encontrarlos, si queréis tener una copia del libro haz clic en el (Enlace)

Leer la entrada completa en «Diseño Salvaje»: Arquitectos de la naturaleza .

Esculturas en arcilla que capturan momentos genuinos de expresión humana y encarnan a ese niño interior que llevamos dentro, robándonos el corazón por su sinceridad. Joakim Ojanen  es el artista creador de estas esculturas encantadoras con las que crea un universo profundamente personal lleno de personajes únicos que se ganan automáticamente el corazón del espectador .

Cuando se agrupan los personajes, crean historias sensibles llenas de de emoción que a su vez, mantiene un gran sentido del humor, logrando llegar a un punto intenso de la psique humana.

Cada una de las esculturas de Ojanen cuenta una historia sobre la búsqueda del propio camino en el mundo transmitiendo el mensaje de «Está bien ser nosotros mismos»

Esculturas de cerámica llenas de cultura urbana y popular

La carreras artística de Ojanen comienza en Västerås (Suecia) y empieza a través del grafiti. Para él, fue un camino creativo, que despertó su interés por otros tipos de medios artísticos.

Se intereso por aprender programas de animación y empezó a hacer cortometrajes y vídeos musicales. También se dedicó a dibujar, publicar fanzines y organizar exposiciones de arte.

Tras un par de años, decidió que la ilustración no era para él, por lo que busco un pasatiempo, se apuntó a una sesión de estudio abierto de cerámica y fue durante estas sesiones, que empezó a hacer esculturas a partir de sus dibujos.

La iconografía de su obra recuerda al lenguaje del cómic, desde el punto de vista pictórico,

Dibujos convertidos en esculturas

Ojanen empieza a realización sus esculturas llevando a otro plano sus  dibujos, va directamente a la arcilla y una vez iniciado el proceso, deja que éste tome la iniciativa hasta que surge una pieza acabada.

Si queréis conocer más del encantador trabajo de Ojanen, no dudéis en entrar en su (web) y seguirlo en (Instagram)

Leer la entrada completa en Esculturas en arcilla que encarnan al niño interior que llevamos dentro .

Esculturas figurativas a gran escala son creadas por el artista Frank Plant.

Soldando múltiples capas de metal o sobre una sola, Frank crea figuras humanas y botánicas. logrando unas hermosas ilustraciones de metal.

El acero soldado es el medio principal de su obra, ya sea en sus esculturas bidimensionales, o en las metálicas tridimensionales, en las que también incorpora objetos encontrados.

En 1999 Plant se trasladó a Barcelona y comenzó a diversificar los materiales que utiliza en su escultura.

Esculturas figurativas posmodernas

En esencia se encuentra posmodernidad en las esculturas de Frank, por su concepto, mensaje, medio y expresión particular.

Sus mensajes son sutiles, perspicaces, profundos, amables y afectuosos que apuntan a perspectivas diferentes y a menudo novedosas, sin ser condescendientes ni reivindicar la superioridad moral.

Así como la obra en acero de Lee Sangsoo, un artista y escultor surcoreano con su «Escultura minimalista llena de Inocencia y felicidad»

«Mi trabajo consiste en observaciones físicas y sociales. Pienso en las cosas en términos de composición, ya sea un objeto, una línea de texto o una situación social. Para mí es importante que la obra sea abierta y accesible. Busco por igual la armonía y la discordancia y las encuentro igualmente reveladoras y fascinantes. Estoy imbuido de un sentido de conciencia social y por eso elijo tratar estos temas, tal y como los veo, a veces en mi obra. Para mí, encontrar y examinar las sutiles formas de comunicación de los seres humanos y entre ellos consiste en exponer el equilibrio y la simetría, o la falta de ellos, en nuestra existencia cotidiana».

Frank Plant (web) es un escultor estadounidense afincado en Barcelona. Estudió escultura en la Universidad de las Artes de Filadelfia, Pensilvania. Tras finalizar su licenciatura en Bellas Artes en 1993, se trasladó a Ámsterdam, Holanda, y durante este periodo comenzó a desarrollar sus dibujos en acero.

Son estudios sencillos y directos de las formas y composiciones de objetos y situaciones cotidianas. En 1999 se trasladó a Barcelona, España, donde sigue viviendo.

Leer la entrada completa en Esculturas figurativas en acero por Frank Plant .

Pinturas oníricas de espacios domésticos íntimos, pintados en colores saturados por la artista Rusa Ekaterina Popova.

Estas pinturas expresan momentos reflexivos, sentimentales y de ensoñación, que sin mostrar una figura humana, se evidencia la relación íntima de cada persona con su espacio.

«La obra ha evolucionado lentamente, pasando de ser reflexiva y sentimental a estar atenta y presente en mi entorno actual. Pinto repetidamente mi propio dormitorio, visito las casas de otras personas y utilizo fotos de referencia que me envían otras personas por Internet.»

Pinturas oníricas que representan el significado de «hogar»

«En los últimos años, he estado explorando los interiores en mi trabajo. El interés comenzó como una forma de reflexionar sobre mi crianza en Rusia, pero con el tiempo progresó hasta explorar la idea general de «hogar» y lo que significa para mí ahora». Confiesa la artista.

En las pinturas oníricas de Ekaterina vemos habitaciones desordenadas, objetos íntimos y objetos que hacen referencia a la presencia humana sin incluirla.

«Recojo los tonos sutiles, la iluminación y el ambiente de cada lugar para captar la emoción que asocio con el espacio y luego exagero el color para crear una imagen onírica» Explica Ekaterina

Es interesante ver como un espacio íntimo dice tanto de una persona aun si quiera sin verla, recuerdo querer llenar mi habitación de todo lo que me gustaba para sentir que iba afianzando mi personalidad mientras crecía, Que levante la mano quien no haya tenido una habitación así en su adolescencia.

La obra de Ekaterina Popova (web) ha sido expuesta internacionalmente, incluyendo las ferias Art Miami, Affordable Art Fair New York y London, Delaware Contemporary, A.I.R. Gallery y otras. También ha aparecido en medios y publicaciones, como The Philadelphia Inquirer, The Jealous Curator, Iceview, Professional Artist Magazine, etc. Ekaterina vive actualmente en Delaware y Filadelfia.

Leer la entrada completa en Pinturas oníricas de espacios íntimos del hogar .

Retratos peculiares de anatomía humana y flora en descomposición, revelan una mezcla surrealista de sueños y sentimientos en la obra de Rafael Silveira, un artista brasilero afincado en Curitiba (Brasil), que próximamente expondrá en Londres.

Situaciones peculiares rodean a los sujetos que vemos en los retratos de este artista, mientras su ropa y sus caras se derriten y se descomponen entre su cuerpo y la mezcla de flores y otros seres del mundo vegetal.

Retratos peculiares conocidos como «Desretratos»

En los «Desretratos» de Rafael Silveira, las facciones de la cara en su mayoría y a veces las partes del cuerpo de descomponen en coloridas imágenes botánicas, como si cada parte del cuerpo tuviera una extensión mística hacia el mundo natural.

El artista brasileño, escoge el óleo para crear sus «Desretratos», aunque a veces también lo hace en bordado y su intención es representar la psique de un personaje a través de flores y diferentes figuras botánicas y especímenes animales

Los elementos anatómicos como los ojos, la boca y el cerebro, entre otros, se retuercen con el fin de reforzar las cualidades sobrenaturales de cada obra, que funden flora y fauna en un amasijo surrealista.

«Por dentro, somos una extraña mezcla de sueños, pensamientos, sentimientos y carne humana», confiesa Silveira  «Creo que estos retratos no son personas, sino estados de ánimo».

 «Esta rica energía mental es como un elemento bruto invisible, parte de la alquimia inmaterial de mis obras», dice. «No podemos controlar lo que nos trae la vida, pero podemos decidir cómo reaccionar. Tomamos estas pequeñas decisiones todo el tiempo. Estos personajes evocan el poder de la reacción».

Estas acciones fugaces forman parte de la referencia del artista a los objetos efímeros de papel y a la forma en que los pensamientos y sentimientos se descomponen con el tiempo.

Para conocer más de estos retratos peculiares os dejamos el perfil de (Instagram) del artista y su (web), donde podréis deleitaros con estos «Desretratos» llenos de color, surrealismo, y belleza.

Y como sabemos que os ha gustado esta obra, os dejamos también «Los retratos «decorados» de Aniela Sobieski» que también son algo surreales y mezclan la botánica con las facciones de las caras dibujadas.

Leer la entrada completa en Retratos peculiares de anatomía humana y flora en descomposición .

Gregory Colbert es un cineasta y fotógrafo documentalista nacido en Toronto (Canadá) en el año 1960. Gregory, empezó en el cine haciendo documentales sociales para luego hacer fotografía artística, y en el año 1992 expuso, por primera vez, su obra gráfica en el museo Elíseo de Lausana, Suiza, y en la Galería Parco de Tokio, Japón.

Pero en abril de ese mismo año decidió desaparecer: renunció a su actividad cinematográfica y artística y se dedicó por entero, en el más absoluto silencio, a filmar y fotografiar la interacción entre el hombre y los animales (elefantes, cachalotes, manatíes, águilas, halcones, etc.) en el curso de 27 expediciones en la India, Ceilán, Tailandia, Egipto, Birmania, Dominica, Tonga y Azores.

Un mundo irreal en la fotografía de Gregory Colbert

Las fotografías introducen al hombre en un mundo casi irreal de perfecta sintonía entre el humano con los animales con imágenes que transmiten serenidad y silencio intentando que el espectador oiga y vea el mundo de otra manera.

En sus obras muestra lo absurdo de una civilización asentada en las tecnologías, que ha olvidado frecuentemente ese nexo sagrado entre hombre y naturaleza; un nexo que refulge en imágenes cargadas de lirismo que son un majestuoso alegato contra la degradación medioambiental.

En el año 2002, y después de ese largo período de trabajo, se plantó en Venecia y presentó su obra Ashes and Snow, considerada como una de las mayores exposiciones de un único autor.  Ashes and Snow es una obra impresionante, simplemente por su valor y su calidad, pero además es la exposición de un artista vivo más visitada de la historia, con una asistencia de más de diez millones de personas.

Además según el autor ninguna de las imágenes se ha manipulado de forma digital para parecer un collage o está superpuesta, sino que las imágenes registran lo que el artista vio a través del objetivo de su cámara, y ese acabado tan especial es fruto de un proceso encaústico sobre papel japonés hecho a mano.

Leer la entrada completa en Gregory Colbert, fotografía documental .

Ilustraciones asombrosas de monstruosas criaturas infernales son dibujadas por Dan Peacock, un artista británico que deja volar su imaginación hasta mundos oscuros y retorcidos.

Con formas extrañas, derretidas y borrosas, pero perfectamente bien ilustradas, sus criaturas aterrorizan e impresionan, parecen salidas de la peor de las pesadillas.

Ilustraciones asombrosas, espeluznantes y surreales

Todos los monstruos de Peacock son criaturas lo más surrealistas posibles pero extrañamente con toques muy reales, como la piel y la iluminación que utiliza; el claroscuro resalta lo más retorcido de cada creación.

Peacock es un experimentado artista conceptual e ilustrador con un historial de trabajo en la industria de los videojuegos.

Con conocimientos avanzados de Photoshop, 3DS Max, Zbrush y dibujo tradicional.

Seguro de sí mismo y muy motivado por lo que ha logrado llegar lejos en este mundo de la ilustración y más con este estilo de ilustraciones asombrosas.

Dientes afilados, heridas sangrantes, cicatrices espeluznantes y pieles casi reales caracterizan las escenas terroríficas de este artista, que dejan ver como una imagen surreal puede impresionar y generara tantas sensaciones como si fuera verdadera.

No importa si Peacock dibuja en 3D, en boceto, creando retratos menos monstruosos o inclusive tratando de ser tiernos, siempre generarán sus ilustraciones una sensación de terror que deja marca.

Para conocer más de esta aterradora obra os dejamos el perfil de (Instagram) de Dan Peacock para que podáis conocer cada creación de una manera mas cercana,

Este estilo de ilustración totalmente «gore» nos recuerda al gran ilustrador Stéphane Blanquet, quien nos envuelve también con sus escenas traídas de los mundos más oscuros y aterradores, pero que a su vez crea unas ilustraciones con un estilo impecable al igual que Peacock.

Os dejamos también un video muy interesante del proceso en que Dan crea sus personajes aterradores, partiendo de criaturas bellas y reales, no os lo perdáis.

Leer la entrada completa en Ilustraciones asombrosas de monstruos surrealistas .

10 Fotografías ganadoras llenas de hermosura y color que nos llevan a sentir y a vivir la aventura de la vida.

El Premio ColorPro fue fundado por ViewSonic en 2020. Como proveedor líder mundial de soluciones visuales, ViewSonic cree que los buenos pensamientos, opiniones y perspectivas pueden ser compartidos y entregados a través de la lente de la fotografía, el diseño y el arte.

ViewSonic invita a los líderes de la industria creativa a conectar todas las mentes creativas del mundo.

Fotografías ganadoras que celebran el espíritu de la aventura

«La aventura viene en todas las formas y tamaños. A veces la buscamos, a veces simplemente nos encuentra. No importa cuándo, dónde o cómo ocurra, la aventura se siente, se experimenta y se recuerda. Parte de su belleza es la amplitud de su definición.»

El tema para el premio ColorPro para el año 20201 es la Nueva aventura y parte de su belleza es la amplitud de su definición: celebra el espíritu de la aventura, a través del objetivo de fotógrafos de todo el mundo.

«Creamos el Premio ColorPro por la misma razón por la que creamos toda la línea ColorPro de ViewSonic: para celebrar a los creadores visuales inspirados de todo el mundo. Juntos, con nuestro conjunto de socios líderes en la industria, estamos celebrando la aventura en todas sus formas como se ve a través de las lentes de todo el mundo».

Ahora si os invitamos a sumergiros en la aventuras capturadas por estos fotógrafos ganadores que nos muestran la aventura de descubrir culturas nunca vistas, maravillas de la naturaleza, profundidades de la historia y a experimentar lo inesperado.

PRIMER PREMIO GANADOR: Cabras muertas por Alain Schroeder Bélgica

SEGUNDO PREMIO GANADOR: Clores de la vida de Zay Yar Lin, Myanmar

TERCER PREMIO GANADOR: El espíritu de Altái, de Alexandr Isakov, Federación Rusa

FINALISTA TOP 10: Tormenta de peces de Khaichuin Sim, Malasia

FINALISTA TOP 10: El peligroso viaje 3 de Mithail Afrige Chowdhury, Bangladesh

FINALISTA TOP 10: Nacido del fuego de Filip Hrebenda, Eslovaquia

FINALISTA TOP 10: El pastor búfalo de Meric Aktar, Turquía

FINALISTA TOP 10: Salvar a los orangutanes 1 de Alain Schroeder, Bélgica

FINALISTA TOP 10: La captura de Zay Yar Lin, Bangladesh

FINALISTA TOP 10: Monjes de Alain Schroeder, Bélgica

Flipantes fotografías de aventura nos ha presentado ViewSonic (web), así como las del «Red Bull Illume 2019, el concurso fotográfico más aventurero del mundo»

Leer la entrada completa en las 10 fotografías ganadoras del concurso ColorPro de ViewSonic .

Ilustraciones de chicas lindas dibujadas con mucho color y travesura por el artista Filipinio Philip Bawasanta, conocido como «Philtomato».

Es un artista profesional graduado de publicidad en la Universidad de San Carlos de Filipinas, pero se dedica a la ilustración digital, pixel art y diseño para video Juegos, aunque su mayor inspiración son estas chicas que viven en su imaginación y nos las presenta en sus ilustraciones.

Ilustraciones de chicas al mejor estilo de «Philtomato»

Con mucho color y travesura, Philtomato crea ilustraciones de chicas que resultan «perfectas»: ligeras, alegres e imposiblemente seductoras, muchas de ellas inspiradas en personajes de la cultura popular.

Es un artista que disfruta mucho de crear en streaming y por eso ha creado un canal de (Youtube) en el que podéis ver ver su proceso y en el que el, a manera de «Youtuber» os cuenta muchas cosas.

Chicas deportistas, inocentes, divertidas, cotidianas y hasta robóticas inspiran a Philtomato y aparecen en su repertorio que no deja de cautivar a sus cientos de seguidores en (Instagram).

Como muchos otros artistas, Philip se ha ido por la corriente estilo anime de chicas seductoras sin ser pornográfico, lo que lo hace apto para casi todo tipo de público y edad.

Las chicas encantadoras de este artista filipino están por todas partes, podéis encontrarlas en este (enlace) y flipar con cada diseño, todas las ilustraciones están llenas de diversión y sensualidad «inocente», podéis escoger vuestra favorita.

Sin duda la mujer siempre ha sido una gran fuente de inspiración para artistas de todas las épocas, desde el renacimiento hasta el ánime, pasando por todos los géneros artísticos y de todas las formas posibles de representarla, pero hoy quisimos resaltar el trabajo de este artista que nos sorprende y queríamos compartirlo con vosotr@s.

Os dejamos una muestra de que la mujer anime ha llevado la sensualidad de la mujer a otro nivel y que inspira a muchos artistas, no os perdáis las «Transformaciones realistas de personajes de anime» de Shenoa Loewy.

Leer la entrada completa en Ilustraciones de chicas lindas y traviesas por Philip Bawasanta .

La vida de Fred Herzog ha sido como una montaña rusa, constantes altibajos especialmente durante su infancia. Fred creció en la ciudad alemana de Stuttgart. Durante la Segunda Guerra Mundial bombardearon la ciudad y fueron evacuados el mismo Fred y su familia. Durante la guerra perdió a sus padres por la fiebre tifoidea y por cáncer, quedándose huérfano y sin un futuro a corto plazo.

Abandonó la escuela y la suerte hizo que encontrara trabajo de marinero en un buque. Este trabajo le llevó a emigrar a Canadá donde finalmente se instaló en 1953 en la ciudad de Vancouver.
Desde pequeñito tomaba fotografías como hobby, pero su llegada a Vancouver le abrió los ojos y se dio cuenta del potencial que tenia la ciudad en sus fotografías en color. (web)

La fotografía en color nació en los años 30 con la llegada de la primera diapositiva en color llamada Kodachrome. Muchos fotógrafos acostumbrados a trabajar en blanco y negro se mantuvieron durante años fieles a sus principios monocromáticos.
No fue hasta la década de los 60 cuando se democratizó la fotografía en color y muchos fotógrafos entre los que se encuentra Saul Leiter el padre de la fotografía a color, empezaron a utilizar estas películas para sus encargos y proyectos personales.

Fred Herzog es considerado uno de los pioneros en documentar la vida en las calles de Vancouver y también en utilizar la película en color, junto a grandes nombres como Joel Meyerowitz o Jeff Merlmestein entre otros.

Leer la entrada completa en Fred Herzog: Uno de los pioneros de la fotografía callejera en color .