El color Pantone del año 2023 por fin ha sido revelado, creemos que vosotros también lo estabais esperando tanto como nosotros cada año esperamos a Pantone. Bueno pues el color es el Viva Magenta 18-1750,un color que transmite vigor y energía. Es un tono que tiene sus raíces en la naturaleza y hace parte de la familia cromática del rojo, el Viva Magenta crea un universo que representa una nueva expresión de fuerza, el «Magentaverso» es valiente e intrépido que vibra con euforia y escribe una nueva historia.

Viva Magenta es un color poderoso y «empoderante», es un nuevo rojo vivo que se divierte con la alegría pura, impulsando la exploración y la autoexpresión sin límites, un tono eléctrico que se convierte en una auténtica declaración. PANTONE 18-1750 Viva Magenta acoge a todos y cada uno con el mismo entusiasmo por la vida y con espíritu rebelde.

El color Pantone del año 2023, es un color audaz, lleno de ingenio y que incluye a todos

Con raíces en lo primitivo, PANTONE 18-1750 Viva Magenta nos vuelve a conectar con la naturaleza original. Invocando las fuerzas de la naturaleza, PANTONE 18-1750 Viva Magenta impulsa nuestro espíritu, y nos ayuda a construir nuestra fuerza interior.

En esta era de la tecnología, queremos inspirarnos en la naturaleza y en lo que es verdadero. PANTONE 18-1750 Viva Magenta es un color que nace de la familia de los rojos y se inspira en el rojo de la cochinilla, uno de los tintes más preciosos de la familia de los tintes naturales, y uno de los más fuertes y brillantes que el mundo ha conocido. – Leatrice Eiseman. Directora Ejecutiva, Pantone Color Institute

PANTONE 18-1750 Viva Magenta se combina con una serie de tonalidades en una gama de cuatro paletas, que están disponibles para que los diseñadores puedan incorporarlas a sus diseños a través de la plataforma digital de color Pantone Connect (enlace). Pantone Connect es una aplicación móvil y web, así como una aplicación de extensión para Adobe® Creative Cloud® que permite capturar, conservar y diseñar con Pantone Color de forma fácil y sencilla. La página del Color del Año contiene toda la información sobre el color para utilizar el PANTONE 18-1750 Viva Magenta a través de varios medios de diseño físicos y digitales. Entra en la web y conoce más herramientas disponibles para diseñadores. 

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La arquitectura sostenible durante los últimos años ha acaparado la atención puesto que han construido una gran cantidad de estructuras mediante impresiones en 3D, como casas fabricadas con arcilla y ladrillos apilables; ahora investigadores de la Universidad de Virginia le han dado un nuevo giro a esta ingeniosa técnica.

Se trata del invento creado por el profesor Ehsan Baharlou y su equipo, en el que utilizaron semillas incrustadas en materiales de construcción de tierra creados con impresión 3d, las cuales al ser instaladas empiezan a brotar una exuberante vegetación logrando fusionar la naturaleza con la estructura y brindándole este poder natural a las construcciones.

En su primera fase de estudio, este descubrimiento se utilizo en cúpulas y muros más pequeños, en los que se pudo evidenciar el poder de aislamiento natural que tiene en los edificios, aparte de retener el exceso de agua que podría causar inundaciones y además crea espacios verdes para las vida urbana e incluso ser fuente de emisiones negativas de carbono.

De qué va el nuevo método que utiliza la arquitectura sostenible con impresión en 3D

Combinando tierra y semillas en «tintas de tierra» imprimibles en 3D, la vegetación puede integrarse en el propio tejido de los elementos arquitectónicos en vez de simplemente superponerse. De este modo, se podría reducir la necesidad de emplear los materiales de construcción más intensivos en emisiones y sustituirlos por una alternativa más circular, que, según los investigadores, puede reutilizarse una y otra vez.

«Trabajamos con suelos y plantas locales mezclados con agua, La única electricidad que necesitamos es para mover el material y hacer funcionar una bomba durante la impresión». explica Ehsan Baharlou, profesor de la Escuela de Arquitectura de Virginia. Ver enlace

Además los prototipos de esta nueva técnica sostenible, parecen inicialmente estructuras comunes de tierra cruda, pero al cabo de unos días, brotan y se cubren de vegetación, parecen «mascotas de chía» a gran escala.

Izquierda: 48 horas. Medio: 96 horas. Derecho: 144 horas

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Las esculturas de animales a gran escala que crea el escultor parisino Quentin Garel, analizan el impulso pomposo y desmedido de la caza deportiva. Esta idea empieza a interesarle a Garel hace 20 años, cuando su obra adoptaba una mirada irónica sobre los trofeos de caza en los que denunciaba una práctica orgullosa del hombre, una dominación sobre el animal visto sólo como objeto de consumo.

La intención era «no denunciar la caza como práctica, sino mostrar lo ridículos que pueden ser los hombres cuando hacen gala de su éxito social». La crítica se transformó en una variedad de esculturas en forma de animal, incluyendo obras arqueológicas de cráneos, mandíbulas y piezas de esqueleto que muestran la tensa relación entre los humanos y los animales.

Estas esculturas de animales a gran escala, fundidas en bronce o talladas en madera, evocan trofeos taxidermizados de animales salvajes que imponen y reciben al espectador a la altura de sus ojos o se elevan por encima de la estatura humana cuando parecen salir del suelo o de la pared, «Modifican nuestra relación con la escultura y con lo que representa. Crea distancia e intimidad al mismo tiempo» Confiesa el artista

Quentin Garel nos sorprende con sus esculturas de animales a gran escala

La evolución de la obra de Quentin tuvo lugar cuando empezó a trabajar con paisajistas y arquitectos al servicio de los espacios públicos, cuando empezó a esculpir animales con todas sus formas con un estilo absolutamente figurativo pero también anamórfica y alejado de la realidad animal.

La escultura de animales a gran escala de Quentin, mezcla la realidad y la relación de dimensiones para trasformar las figura e inventar una especie de mundo paleontológico paralelo, parecen restos de un animal real, en un delicado ensamblaje de madera y bronce que trabaja de tal manera que no podemos diferenciarlos a simple vista. Garel es un arqueólogo del presente, que reinterpreta la figura animal a través de sus esculturas. Podéis conocer más de su trabajo y seguirlo en instagram,

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«Drippy Pots» es la línea de cerámica con texturas indulgentes y colores pastel, creada por el ceramista Brian Giniewski quien llena de alegría y placer estas vasijas que gotean colores y parecen cucuruchos de helado derretido o al glaseado de un pastel. Estas dulces piezas está elaborado con esmaltes creados en el estudio de Filadelfia. La inspiración diaria de Brian, viene de la vibrante comunidad de fabricantes y creadores de Filadelfía, la ciudad del amor fraternal, en efecto.

Estas piezas de cerámica tienen como objetivo proporcionar una buena dosis de alegría en la cerámica que no se sabía que se necesitaba, estas pequeñas dosis son a menudo las más importantes, por eso si en casa tienes una «Drippy Pots» no te quedaras sin sentirla. De hecho el artista ha dejado algunas nuevas piezas en su tienda online, piezas que según dice el artista van desde los 20 hasta los 1o0 dólares con el fin de que sean asequibles a todo público que quiera coleccionarlas.

Línea de cerámica con texturas indulgentes creadas para dar alegría

Brian Giniewski ha creado estas piezas de cerámica que dice son mas que una pieza de arcilla, son elementos que nos brindan alegría y bienestar ya que son hechas con todo el sentimiento y el cuidado al detalle, con un uso magnífico del esmalte que asemejan goteos espesos y coloridos congelados en el tiempo, logra dar esta textura resultado de un proceso de aplicación de un barniz arenoso y mate a cada pieza, que se contrasta con un esmalte brillante especial que se funde en gotas durante el proceso de cocción.

Con nombres como «Fluff», «Toast», «Sherbet», «Creamsicle» y «Stardust» reconoce cada pieza de la linea, nombres que solo con leerlos la indulgencia hace que se nos haga agua la boca y son solo piezas de arcilla, que no se comen claro está, pero su textura, su color y su nombre nos dan alegría y satisfacción.

Lo más curioso de este artista es que cuando estudiaba arte, siempre se inclinaba por los colores vibrantes y la textura indulgente, así que busco referentes de eso en la cerámica pero al ver que no encontraba ese tipo de texturas, las creó, ¿Podría decirse que es el creador de las texturas indulgentes en la cerámica? No lo sabemos, lo que si sabemos es que son realmente deliciosas y que parecen pertenecer a una pastelería con glaseados de colores provocativos que gotean como si fueran un glaseado espeso.

Para ver más de su caprichosa línea de cerámica podéis entrar en su web y en su instagram y dejarte seducir por alguna que otra vasija,  jarrón o maceta para llenar de alegría tu día.

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El artista callejero italiano(Nápoles) Jorit cree que el arte es un medio para comprender la realidad, para estudiarlo. Sus retratos en pared y realizados íntegramente con spray de raperos, artistas, celebridades o habitantes de los lugares que visita, están representados con tal realismo que hay momentos en los que no puedes diferenciar su arte de una fotografía.

La atención de Jorit exclusivamente en la representación realista del rostro humano y que en varias de sus obras marca con dos bandas rojas en las mejillas, se refiere al ritual africano para el procedimiento de escarificación. Ritual iniciático del paso de la infancia a la edad adulta. Os dejamos con una muestra de sus increíbles obras.

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Regalar es todo un arte, para hacer un regalo de cumpleaños debes pensar en el destinatario, en sus gustos, sus aficiones… pero para que tu regalo sea especial debes ir un poco más allá: elige algo original y diferente que le sorprenda. Para hacértelo un poquito más fácil os traemos de la mano de Curiosite algunas ideas de regalos de cumpleaños originales y creativos.

Tarjeta de cumpleaños musical indestructible

Sí, si, como lees, con esta tarjeta de cumpleaños tus amigos te recordarán siempre. Una vez abierta no hay vuelta atrás, en la tarjeta empezará a sonar una canción de cumpleaños en bucle durante ¡3 horas! Además, no hay forma de pararla, si la rompes un montón de purpurina saldrá disparada de la tarjeta y la música seguirá sonando.

Cryptex, la caja secreta del Código Da Vinci

Si tu regalo es algo clásico como una joya, puedes darle un poco de emoción y entregarlo en este Cryptex. Inspirado en el auténtico del Código Da Vinci, esta cajita cilíndrica se abre al descifrar una contraseña que previamente has elegido, deberá darle al coco para adivinar la palabra secreta y conseguir su regalo.

Cajas de chuches retro 

No hay nada más nostálgico que comerse una chuchería de tu infancia. Regálale un momento dulce con estas cajas de chuches de las décadas de los 60, 70, 80 y 90. Casi 1 kg de chucherías, chocolates y snacks típicos de la época.

Caja de regalo con los 7 mejores cafés del mundo

Si le gusta el buen café, le encantará esta caja de regalo con 7 de los mejores cafés del mundo, uno para cada día de la semana. Son cafés de comercio justo, de granos seleccionados y tostados a mano en Dinamarca en micro tostadores artesanales.

Vienen en bolsitas listas para servir y son reutilizables, el regalo ideal para los más cafeteros.

Buddha Board: la tableta para hacer pinturas efímeras

Buddha Board es una tableta para hacer pinturas efímeras con agua, las creaciones sobre la tableta desaparecen poco a poco cuando el agua se va evaporando. Inspirada en la idea budista de vivir el presente, es un regalo de cumpleaños original con un bonito mensaje.

Taza para cumpleaños Ya no eres joven

Cumpla 20, 30, 40… esta taza es el regalo de cumpleaños perfecto. Un regalo con humor que le hará recordar que la juventud es un estado mental que pocos son capaces de alcanzar.

Esperamos que te gusten estas propuestas, en la web de Curiosite encontrarás muchas más. Regalos para todos los gustos, presupuestos, ocasiones y destinatarios ¡Convierte en un experto en el arte del regalo!

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Parth Kothekar crea una serie de obras de arte en papel, inspirada en M.C. Escher en las que distorsiona las perspectivas con hojas sueltas de papel. Kothekar es un artista del recorte de papel radicado en la India y es conocido por sus elaborados y detallados recortes de papel que hace con su cuchillo artesanal Ohpapercut.

Su trayectoria como artista empieza en 2010, cuando decide abandonar sus estudios convencionales para dedicarse al arte a tiempo completo. En 2013 tuvo su primera exposición, en la que exhibió 100 obras de arte todas con una aceptación increíble, lo cual le demostró que iba por buen camino y con mas ganas siguió su carrera como artista del recorte de papel.

Otro de sus logros ha sido la invitación por parte del gobierno de Nueva Zelanda para exponer su trabajo en 2016; además su obra también ha sido expuesta internacionalmente y ha aparecido en muchas publicaciones importantes.

Ilusiones ópticas al mejor estilo de Escher, en las Obras de arte en papel de Parth Kothekar

Utilizando el poder fascinante de los patrones y los principios matemáticos, Parth Kothekar crea obras minuciosamente ilusorias a partir de hojas de papel. Estas piezas alucinantes se inspiran en las famosas imágenes de M.C. Escher que utilizan variaciones de profundidad y escala para crear situaciones que parecen tridimensionales. Algunos cortes son más pictóricos y evocan las escaleras de la «Relatividad» de Escher, y otros se apoyan en motivos repetitivos para crear escenarios inmersivos de formas y líneas geométricas.

La forma de trabajar que tiene Parth Kothekar es la de desafiarse a sí mismo, en la actualidad, tiene una estructura que le permite crear diferentes series temáticas con distintas técnicas de corte de papel, que incluyen animaciones, lámparas en 3D, patrones, retratos y otros. Cada vez que explora el papel, sus formas son únicas y puedes verlas en su Instagram y tambien conocerlo as de cerca en su página web y encontrar sus obras a la venta en Etsy.

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Estas nuevas obras de Banksy  son los primeros murales públicos del artista en más de un año y han aparecido en varias ciudades Ucranianas mostrando una clara oposición a la agresión injusta e injustificada de Rusia. Las primeras obras del Banksy en Ucrania aparecieron el pasado 12 de noviembre en el muro de un edificio en ruinas de la ciudad de Borodyanka, a las afueras de Kiev.

A partir de ese momento, los rumores sobre su presencia en Ucrania aumentaron hasta que el fantasmagórico artista callejero reconoció ser el artífice de siete de estos murales he hizo publico un video (enlace)en donde presenta las obras.

¿Qué representan las nuevas obras de Banksy en Ucrania?

Las obras plantean una dura crítica a la guerra y sus efectos desastrosos en la vida cotidiana de los ciudadanos, mostrando a una mujer con rulos, albornoz y máscara antigás sujetando un extintor, a un hombre con barba lavándose la espalda en una bañera al aire libre y siluetas de niños que se balancean sobre un trozo de acero que ha quedado atrás.

La obra de mayor impacto ha sido la de un niño que golpea al presidente ruso Vladimir Putin contra el suelo durante una pelea de judo. Según The Art Newspaper, el medio que publicó por primera vez la imagen, el hombre podría ser una representación del presidente ruso Vladimir Putin, que es cinturón negro de judo. Otra obra de Banksy, según la revista, ha aparecido en la pared de un edificio dañado por una bomba en Irpin, un pueblo del noroeste de Kiev. En ella se ve a una gimnasta haciendo una acrobacia con una cinta, sobre un hueco en la pared.

Si aún no sigues a este ícono del Street art te dejamos su Instagram oficial para que no lo pierdas de vista y su web para que le eches un vistazo.

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La artista Sarah Folts ha captado unas increíbles imágenes de un fenómeno inusual.

Bajo la luz ultravioleta, un escorpión y sus crías acunadas en su espalda emiten un resplandor azul y púrpura brillante causado por las proteínas de los exoesqueletos de las crías pinzadas.

Estos permanecerán en esta posición hasta que sus caparazones se endurezcan adecuadamente.

Los científicos no están seguros del porqué de este fenómeno inusual , aunque las teorías incluyen una táctica para engañar a las presas.

Sarah Folts, es una empresaria, artista y superviviente, quien inició su carrera después un tremendo punto bajo en su vida debido a problemas de salud, pero se levantó desarrollando una profunda conexión con la naturaleza.

Hoy en día se dedica a explorar el inmenso mundo de los insectos y los arácnidos.

Podeis ver más de su trabajo en la (web) y en (Instagram)

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La primera feria de atracciones itinerante dedicada al arte aparece en la década de los 80, cuando el artista multimedia vienés André Heller se centraba en obras extravagantes con un gran impacto escénico. En el verano de 1987, las esculturas voladoras y los espectáculos pirotécnicos iluminaron a Haller, que quería que el arte del espectáculo entretuviera de forma activa a los aficionados. De este modo nació Luna Luna, la primera feria de atracciones itinerante de temática artística, donde las norias y las atracciones estaban pintadas y decoradas por algunos de los más destacados artistas del siglo XX. 

Este proyecto que pretendía llevar por todo el mundo atracciones de gigantes del arte como Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Salvador Dalí, David Hockey y Roy Lichtenstein, no consiguió avanzar más allá de la primera fase en Hamburgo. Algunos problemas de tipo burocrático con la venta de Luna Luna y algunas polémicas legales, hicieron que la feria de atracciones cerrara durante 35 años, hasta 2022, cuando el proyecto es retomado por el mismo André Heller y su hijo.

Las atracciones, que han sido almacenadas durante todos estos años, se han limpiado por completo en un taller de Los Ángeles y las obras de los artistas han empezado a reaparecer.

La primera feria de atracciones itinerante dedicada al arte reaparece en 2022

El planteamiento de Luna Luna, la primera feria de atracciones itinerante dedicada al arte, parte de la idea de concebir el arte como un entretenimiento que sea capaz de llegar a diferentes segmentos, reinterpretando un espectáculo popular como el parque de atracciones gracias a las obras, que se convierten en protagonistas y en un elemento que se puede experimentar de forma tangible.

El arte se convierte, de esta manera, en un objeto de exploración a través de los referentes cercanos a un gran número de personas, en una idea comunicativa, antes que artística, típica del Pop Art, corriente a la que pertenecen algunos artistas implicados como Haring y Basquiat. En la actualidad, el proyecto está listo para volver a salir de gira por Norteamérica, años después de ese primer intento en la década de los ochenta, y después de un debut en enero de 2022, cuando el rapero Drake y su compañía DreamCrew financiaron el proyecto con 100 millones de dólares.

Luna Luna (enlace) es una extravagancia mundial de atracciones, juegos, espectáculos y otras diversiones inesperadas creadas por algunos de los artistas más renombrados del pop art.

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Danil Polevoy es un fotógrafo ucraniano,que nos presenta un buen portafolio repleto de buenos trabajos, pero sin duda los que más llaman la atención son las imágenes que combina fotografías antiguas con personajes de películas o de cómics dándole a estas un toque de humor.

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Las increíbles esculturas de madera pixelada creadas por el artista taiwanés Han Hsu-Tung, combinan el mundo digital y el analógico es un estallido de creatividad. Estas esculturas son talladas en madera suave de cedro rojo occidental o abeto laosiano, con formas de animales y otras figuras de madera que se transforman en píxeles que se desprenden y salen a la superficie.

Sus obras son reconocidas por el componente cinético que incluye, en donde a través de estos pixeles que se desprenden se genera un movimiento horizontal que se asemeja al viento. Cada una de estas detalladas esculturas de madera le lleva a Han entre tres y cuatro meses, en donde con mucho cuidado fusiona una visión computarizada de su figura en movimiento con un el medio tradicional de la escultura, con el fin de destacar la naturaleza fragmentada del mundo virtual y cómo los elementos «off line» son esenciales para el complementarse.

Un recorrido por la vida artística del creador de las esculturas de madera pixeladas

Han Hsu-Tung lleva 30 años dedicándose a la escultura en madera logrando reunir más de 300 obras de diferentes tipos y temas en una serie rica en viveza histórica y pensamiento filosófico, de realidad y fantasía, de desintegración y contemplación, de contrastes entre izquierda y derecha, de humor e ironía, de luz y oscuridad, de día y de noche, en resumen, una serie de esculturas dedicadas al contraste de forma y de espacio tridimensional, de lo virtual y lo real creando sin duda, un estilo único.

Desde hace algunos años, el artista ha presentado una variedad de tallas de madera con imágenes de distintas formas, como la dispersión y el reencuentro, que se llevan a cabo de forma simultánea con la evolución de la sociedad contemporánea, especialmente en la era digital, que supera los estereotipos históricos tradicionales, con el fin de anticipar el futuro, la evolución de los seres humanos se ha introducido en un mundo físico y virtual.

Las esculturas de madera de Han Hsu-Tung han evolucionado poco a poco de esta manera y aunque el contenido sea diverso, el formato de expresión es muy claro y certero, crean una firma inconfundible del artista que podéis conocer más en su web y en Instagram.

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La arquitectura creada con inteligencia artificial por el diseñador arquitectónico Qasim Iqbal es increíble. El artista imagina una detallada arquitectura de estilo barroco con materiales atípicos como la unión de la seda y la piedra. Qasim utiliza los poderes algorítmicos creativos de la herramienta de inteligencia artificial Midjourney para experimentar.

A través de Midjourney, Iqbal imita la extravagancia del arquitecto italiano del siglo XVII Francesco Borromini, creando fachadas de formas irregulares con detalles escultóricos de gran riqueza. Agregando nuevas indicaciones e iteraciones basadas en texto al programa de IA, Qasim logra llevar la arquitectura a otro nivel. Añadiendo la frase «seda» aumenta el valor y las cualidades originales de las fachadas barrocas, permitiendo que la IA aporte nuevas propiedades de la tela a la mampostería y convirtiéndola en una pieza complementaria de cada estructura.

Arquitectura creada con inteligencia artificial por Qasim Iqbal

Las imágenes generadas por Midjourney creadas por Mohammad Qasim Iqbal, experimentan con la seda y la tectónica de la piedra con los que logra representan de manera muy real, las grandes e interesantes fachadas barrocas con un toque surreal.

Este estudio mezcla los detalles escultóricos de la piedra con la sofisticación del tejido de la seda para crear una versión contemporánea de la fachada barroca. La perfecta fusión y desvanecimiento de los materiales y de las formas lleva al espectador a mirar de cerca antes de distinguir entre la piedra y la seda. «En cierto sentido, algunos elementos de la obra recuerdan a la escultura del David de Bernini, donde uno se olvida de que está viendo una escultura de piedra por el inmenso detalle y la sensación visual de la cuerda y el pelo», Comenta Qasim Iqbal.

Cada una de las representaciones contrasta los mármoles y las piedras tradicionales de la arquitectura del siglo XVII, con sedas más suaves y otros tejidos que cubren los balcones o que se despliegan desde elementos lujosamente construidos. Los techos altos y abovedados están cubiertos por una mezcla de telas y de pequeñas cavernas de piedra, así como de motivos y alegorías cuidadosamente diseñados que surgen de las partes más altas de las estructuras. Un trabajo exquisito que no podeís dejar de ver en el Instagram del artista.

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El trabajo de Allan Sanders, ilustrador de Brighton (Reino Unido) me parece exquisito, lineas simples para unos personajes excéntricos con un toque infantil y llenos de colores planos. Allan lleva desde 1999 trabajando para clientes de todo tipo, editorial, publicidad, y principalmente ediciones de libros infantiles :)

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Jeff Bartels y sus pinturas hiperrealistas son protagonistas una vez más, gracias a su perfecta combinación del hiperrealismo con aspectos del surrealismo. Sus detallados óleos han ido evolucionando con los años hasta llegar a esta combinación única de estilos que parecen contradictorios. Sus obras se denominan a veces Hiper-Surrealismo por el extremo realismo mezclado con cualidades de ensueño. El trabajo de Jeff ha sido expuesto en galerías y museos de todo el mundo, incluyendo Canadá, Europa y Corea del Sur.

En sus últimas series podemos notar como logra borrar los límites entre lo que es real y lo que no lo es. El objetivo su trabajo es ampliar y desvirtuar la verdad sobre nuestro pasado y poner de relieve los engaños que se producen en la actualidad como podemos ver en su serie donde cámaras vintage con estilo hiperreal son parte de la vigilancia de la vida moderna lo que lo hace contradictorio y alucinante.

Las pinturas hiperrealistas de Jeff Bartels cuestionan la privacidad y la vigilancia en la actualidad

«No estoy seguro de que sea posible caminar por una calle de la ciudad hoy en día y no ser captado por una cámara en algún lugar, ya sea por decisión propia o sin saberlo». De esta idea parte la idea de esta serie de pinturas de Bartels en donde la situaciones que pinta, suceden en contextos urbanos con un claro estilo vintage, en donde vemos cámaras fotográficas vintage hiperreales, siendo parte de la arquitectura y los elementos de la infraestructura. Las lentes, los mandos y las palancas de gran tamaño se asemejan a las formas de las ventanas y los portales con letreros que simulan los carteles de las tiendas y los restaurantes.

Bartels explora la presencia de las cámaras y cómo éstas hacen parte de la vida moderna, intercalándolas entre cafés, escaparates y escaleras del metro. «Si nos fijamos en las personas que aparecen en los cuadros, ninguna de ellas está haciendo nada especialmente destacable o interesante. Todos viven su vida delante de una cámara, algunos por elección y otros sin darse cuenta» Comenta el artista.

Sus pinturas hiperrealistas – surrealistas no buscan ser aterradoras, solo quieren evidenciar, a su manera, el uso de las fotografía y la posibilidad de capturar y compartir en las redes sociales incluso los momentos más cotidianos. Además de cámaras vintage tambien ha incluido como parte del paisaje surreal otros elementos como como cassettes y equipos de música. Podéis ver mas de sus pinturas extrañas en su Instagram y web.

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Las famosas instalaciones hinchables de Steve Messam intervienen en la arquitectura y los paisajes históricos reinterpretando monumentos históricos, edificios o paisajes naturales, alterando el concepto de lo que nos rodea y modificando la forma en que las personas transitan por éstas.

Su gran tamaño, sus brillantes colores y sus impactantes formas sobresalen a través de columnas y fachadas, provocando que el espectador se cuestione su relación con el entorno.

Las obras de Messam intentan descubrir y explorar los distintos aspectos del entorno rural, a menudo basándose en los distintos tipos de uso de la tierra y reflexionando sobre las prácticas geológicas, culturales y agrícolas utilizadas para dar forma al paisaje. Sus instalaciones artísticas efímeras y adaptadas al lugar, creadas en colaboración con los agricultores, revelan historias ocultas y permiten una mayor percepción del lugar.

Las instalaciones hinchables de Steve Messam reinterpretan el paisaje

Steve Messam es un artista medioambiental residente en el condado de Durham (Reino Unido) que trabaja a nivel internacional. Sus efímeras instalaciones adaptadas particularmente a cada lugar, reinventan lo cotidiano alterando tanto paisajes históricos como la arquitectura abandonada y la naturaleza con el fin de cambiar el entorno e invitar a percibirlo de una nueva manera.

Sus obras, de tamaño extra grande, exploran el color y el tamaño de cada lugar donde son instaladas. Entre estas grandes instalaciones hinchables se encuentra un conjunto de piezas que ocupan las ruinas históricas de los jardines de un castillo escocés y cubren un refugio para sentarse entre muchas otras. Algunas veces impone su obra textil dentro de una construcción o un espacio y otras veces las hace ser parte de algo ya creado, de todas maneras siempre llama la atención por su gran tamaño y por que en un 90% son inflables, lo cual causa mucha intriga tambien.

Entre otras obras se encuentran «PaperBridge» (enlace) , una pasarela para caballos de carga en funcionamiento hecha con 22.000 hojas de papel en el Distrito de los Lagos; y «Hush» (enlace), que es una cicatriz de una mina de plomo en el paisaje de los Peninos del Norte llena de más de cinco kilómetros de tela de color amarillo azafrán.

En la Bienal de Shanghái de 2006 creó la primera instalación fuera de las instalaciones y en la Bienal de Venecia de 2009 creó una serie de instalaciones puntuales en la Laguna de Venecia. En 2021 fue premiado como «Artista visual del año» en los premios culturales del Newcastle Journal. Conoce más de su trabajo en su Web y síguelo en su Instagram para estar al tanto de cada movimiento.

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Corey Arnold es un pescador profesional y fotógrafo nacido en San Diego en 1976, conocido por sus fotografías del mundo de la pesca (peces y pescadores) sobre todo en Alaska. Creció pescando y haciendo submarinismo con su padre. En 1999 consiguió un BFA Photography en la Academy of Art University de San Francisco y después de graduarse trabajó como asistente de un fotógrafo profesional.

Más tarde se fue a Noruega para trabajar los veranos como pescador para ganar dinero extra y actualmente, durante el invierno se dedica a pescar el cangrejo King en el mar de Bering y el salmón salvaje en la bahía de Bristol, en Alaska. No por el dinero sino por la aventura y el resto del año se dedica a viajar, a sus exposiciones de fotografía, revistas y anuncios, todo ello combinando con el mantenimiento de su jardín, el cuidado de su gato y un poco de skate en Portland, Oregón.

Sus fotografías son nítidas y claras con unos colores muy brillantes que crean formas y enmarques naturales. Su temática se centra en las personas que viven en el entorno que rodea el mar, sus animales y los paisajes surrealistas.

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La macrofotografía de Levon Biss revela el vasto mundo de estos pequeños insectos en series expuestas en formato a gran escala que se exponen al rededor del mundo en numerosos museos y colecciones privadas. Biss es reconocido por su excepcional uso de la macrofotografía.

La pasión de Levon por la naturaleza y la fotografía se han unido para crear sus grandiosas series fotográficas y el premiado proyecto Microsculpture, un estudio fotográfico exclusivo de insectos con un zoom alucinante con el que llevó el género de la macrofotografía a un nivel inédito. Levon creó un proceso fotográfico adaptando técnicas tradicionales que revelan los más mínimos detalles de los insectos con una resolución sin precedentes.

 Insectos en peligro, uno de los temas en la macrofotografía de Levon Biss

«Extinct and Endangered: Insects in Peril» (Extintos y en peligro: Insectos en peligro) es una de sus más recientes exposiciones en donde evidencia el gran impacto de estos diminutos animales en nuestro ecosistema a través de su reconocida macrofotografía en la que resalta 40 especies increíbles pero en peligro de extinción, a partir de muestras de la exclusiva colección de investigación del Museo en fotografías de gran formato.

Los insectos, desde abejas hasta mariposas, son los encargados de mantener saludables los ecosistemas naturales. Pero los datos son claros: muchas especies de insectos están desapareciendo. es el mensaje que busca llevar este artista con su obra.

Otra de sus recientes y alucinante obras, está dedicada a las crisálidas de mariposa se centra en la diversidad del diseño y la forma a través retratos iluminados de aproximadamente 30 ejemplares, en el momento en que experimentan la metamorfosis. Podéis ver más de cerca este gran trabajo de macrofotografía de Levon Biss en su web, y también seguirlo en su perfil de Instagram, son imágenes alucinantes, son de otro mundo, no os las perdáis.

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El arte de la pastelería es evidente en las creaciones de la pastelera y arquitecta ucraniana Dinara Kasko, quien empezó horneando por hobbie algunos simples pasteles y tartas y ahora se dedica a ello. Aunque es graduada de la Universidad de Arquitectura y Diseño y ha trabajado como arquitecta-diseñadora y visualizadora 3D, la pastelería le ha resultado más interesante para mí, lo que hacía como arquitecto le gustaba, pero ahora se interesa más la pastelería.

Kasko vivía en Ucrania antes de que empezara la guerra en febrero pero como muchos abandonó su casa y sus estudios en Kharkiv después de la invasión rusa empezó a trabajó como voluntaria y recaudadora de fondos durante unos meses mientras viajaba por Europa hasta que logro instalarse en un pequeño espacio cerca de Liverpool en las últimas semanas.

Kasko convierte tortas en arte geométrico

Esta joven artista pastelera ha decidido darle un vuelco a la pastelería e intentar cosas nuevas dando mucha importancia a la apariencia de las tortas sin dejar agras el sabor claro está. Dinara ha empezado a modelar sus propios moldes e imprimirlos con la impresora 3D logrando resultados asombros. «Quiero probar más y más en la pastelería y no puedo parar, estoy estudiando, modelando y horneando. Prefiero las formas geométricas simples como el cubo, el triángulo y la esfera. Me gusta el color negro, así como el rojo y el blanco. Me gustan las líneas rectas y nítidas».

Kasko aplica una buena dosis de geometría en sus pasteles de diseño impecable. Una torre de cuatro pisos con capas de bizcocho y crema está recubierta de esferas de color caramelo, hay triángulos que se conectan para crear una piel de manzana y pequeñas perlas cubren una forma redonda con un fascinante surtido de pigmentos. En otros casos, los diseños son más orgánicos, por ejemplo, los pétalos brillantes que coronan una tarta de fresa. La mayoría de sus obras de arte comestibles se han creado rellenando moldes de silicona con mousse y luego rociando las formas con vibrantes degradados o colores pastel.

Para ver su repertorio de obras de arte pasteleras puedes entrar en su Instagram y en su web, son una pasada.

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La casa de Mr. doodle o Sam Cox el artista del garabato, es un proyecto en el que ha cubierto cada centímetro de su casa de 1,35 millones de libras, con más de un millón de garabatos monocromáticos. Este proyecto ha sido un sueño que tenía el artista desde niño y en el que ha gastado 2 años, 900 litros de pintura blanca del tipo emulsión, 401 botes de pintura negra en aerosol, 286 botellas de pintura para dibujar y 2.296 plumillas y es una obra a la que le llama «El paraíso», claro es su casa de los sueños.

En todas las paredes, suelos, techos y objetos, Sam ha dibujado sus emblemáticos garabatos monocromáticos de estilo caricaturesco. Los garabatos se encuentran en la ropa de cama, la cocina, los fogones, la tostadora, el microondas, los armarios de la cocina, la bañera, los pomos de las puertas, las sillas, la mesa del comedor, las ventanas, los marcos de las puertas, las lámparas de araña, el marco de la chimenea y mucho más. No hay superficie que no haya sido tocada. Hasta el sofá está garabateado, y además está lacado para protegerlo.

La casa de Mr. doodle no tiene un espacio sin un garabato

El artista Sam Cox conocido como Mr, Doodle (web), no ha dejado ni un centímetro limpio en su nueva casa en Inglaterra, esta obra se ha convertido en su proyecto más gigantesco y fascinante hasta la fecha.  Cox se caracteriza por sus estrambóticos diseños de líneas onduladas y personajes caricaturescos con los que ha transformado esta casa, en  la casa del señor Garabato o mejor conocida como «The Doodle house» en una casita monocromática de animales, formas y dibujos que ocupan cada centímetro del espacio.

Los animados dibujos cubren la fachada y el paisaje que la rodea, las 12 habitaciones del interior y objetos personales como sábanas, fotos enmarcadas e incluso la ropa del artista. Ahora que el proyecto está terminado, el Sr. Doodle ya tiene planes de mudarse al excéntrico espacio, ¿Vivirías en una casa con tantos garabatos? Podéis ver mas garabatos en su Instagram 

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