Old Skull Arte

El pequeño sueño de Ted Chin

Fri, 15 Jan 2021 23:01:26 GMT

Ted Chin es un artista digital y fotógrafo profesional con base en San Francisco, CA. Utiliza la fotografía y el Photoshop para contar historias de fantasía.

“Contar historias siempre ha sido algo que me inspiró cuando era niño.
Cuando estaba en la escuela de posgrado, debido a la falta de tiempo y dinero, no podía viajar tanto como quería. Siempre soñé con visitar diferentes lugares, ver y experimentar cosas nuevas, y contar historias”.

Y de allí nace su proyecto de vida llamado “El pequeño sueño de Ted” ya que ha encontrado más fácil contar sus historias fantásticas a través de imágenes, que con palabras; Usando su imaginación y sus habilidades en fotografía y Photoshop, ha convertido su sueño de viajar, en composiciones surreales.

El pequeño mundo de Ted combina paisajes oníricos y escenas al aire libre con detalles fantásticos, composiciones sorprendentes y tranquilizantes. “Hay cosas en el mundo que inspiran asombro y maravilla infantil, y es mi pasión recrearlas y compartirlas con el mundo”, Dice Ted.

Os dejamos su (web) para conocer mas de cerca a este fantástico artistas y su (instagram) para que no os perdáis ni uno de sus pequeños mundos.

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Esculturas en bronce centradas en la figura humana idealizada por Coderch & Malavia

Thu, 14 Jan 2021 23:01:52 GMT

Coderch & Malavia es un proyecto de escultura en el que el cuerpo humano es en el centro del discurso plástico. Un universo de formas significativas centradas en la figura humana idealizada, y un horizonte claro; La belleza como herramienta cotidiana.

Joan Coderch y Javier Malavia son Coderch & Malavia, se unieron en el 2015 para hacer un trabajo de escultura con una técnica sofisticada, que está presente desde el modelado en el estudio hasta la pieza final fundida en bronce.

El centro de su práctica artística es la belleza de la figura humana y sus diversas expresiones, exploran los matices del cuerpo a través de movimientos similares a la danza y lo adornan con elementos naturales como ramas doradas y alas emplumadas.

“El ser humano es tridimensional”, Comentan. “Probablemente esa es la razón principal por la que nos atrae la escultura. Es la representación artística más cercana a nosotros mismos.”

Generalmente trabajan con un modelo vivo para ayudar a la escultura a tomar forma. “La parte complicada es organizar y compartir la creación física de la obra en sí porque se necesita una doble disciplina, debes aprender a confiar en tu pareja y ser capaz de compartir tus ideas y tu trabajo, y, sobre todo, debes dejar tu ego a un lado para mantenerte igual para comprometerte con el resultado final”. Reflexionan

Joan y Javier trabajan actualmente en Valencia, en una antigua nave industrial de 400 metros cuadrados, que sirve también como espacio de exposición privada de toda su colección.

Podéis conocer más del trabajo de este dúo en su (web) y para que amplíes el panorama, os dejamos otro artículo de escultura en donde el estudio del ser humano va un poco mas allá: Escultura “Steampunk” del español Tomàs Barcelò.

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Arte urbano fotorrealista de Lula Goce

Wed, 13 Jan 2021 23:01:41 GMT

La artista Española Lula Goce transforma las paredes en blanco, en verdaderas obras de arte efímeras que representan de forma realista, personajes existentes dentro de entornos de otro mundo.

Lula nació en Galicia, España, pero a los a los 20 años se mudó a Salamanca y se graduó en Bellas Artes con especialidad en pintura, sabiendo en el fondo de su ser, que su fin era llevar su pintura del entorno de la galería a las paredes, y lo hizo, hoy en día ha aportado una nueva perspectiva a una escena de graffiti, dejando obras icónicas en calles y edificios abandonados.

Pero fue en Barcelona donde prosperó dentro de una importante escena de graffiti underground. Lula se convirtió en parte de las colaboraciones artísticas creadas en antiguas fábricas como Hangar, Caminal o La Escocesa en Poblenou, allí se hizo miembro del colectivo de arte callejero en bruto y se dedicó a desarrollar su técnica en las calles y paredes de Barcelona.

A hoy, Lula ha dejado huella en un sinnúmero de muros y no solo en España sino al rededor del mundo, desde Nueva York hasta Azerbaiyán pasando por Kristianstad en Suecia, ha llegado su arte, el cual logra interactuar de manera directa con el transeúnte creando un diálogo profundo con el, un recuerdo imborrable en el espacio y en tu mente.

Podéis contemperar mas de sus pobras efímeras urbanas en su (web), en donde hay un sinnúmero de intervenciones con las que fliparéis.

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La fotografía sin identidad de Frank Diamond

Wed, 13 Jan 2021 08:11:49 GMT

Frank Diamond es un fotógrafo conceptual especializado en fotomontaje procedente de Lleida(España). Lo particular de las obras de Frank es el enfoque dramático y misterioso que se percibe en ellas, ya que siempre trabaja los sentimientos y lo hace de una forma delicada pero a la vez desgarradora.

Sus fotografías suelen estar representadas por perfiles femeninos de los cuales suele esconder sus rostros para crear lo que él define como “fotografía sin identidad”, una forma de llamar la curiosidad del espectador de una forma introspectiva.(instagram)

La fotografía de Frank es fácil de reconocer por su estilo foto pictórico y su atmósfera tenue, siempre trabaja sus fotografías con luz natural y lo hace en localizaciones de exterior, bosques o incluso en interiores como lugares abandonados.

Sus obras han sido expuestas a nivel nacional e internacional y han sido distribuidas de la misma forma a través de galerías de arte, también ha sido entrevistado en varios medios y revistas como: Adobe Photoshop, DNG Photo Magazine, Digital SLR Photography, Neo2 Magazine, Kluid Magazine, etc…

En 2017 publicó su primer libro llamado “instinct”, un fotopoemario con fotografías sobre criaturas mitológicas y poesía.
En la actualidad Frank se encuentra inmerso en dos nuevos proyectos “Aqua” y “Mutants” que se espera que vean la luz este año 2021.

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"Pulso”, Viaje contemplativo a un mundo hipnótico

Tue, 12 Jan 2021 23:01:42 GMT

“Pulso” es una experiencia profunda de luz y sonido que se compone de un sin fin de dibujos de líneas blancas cuidadosamente entrelazadas y superpuestas en 60 paneles de vidrio. Cuando se iluminan, emulan decenas de espirales de nautilo, corales, enredaderas y vegetación, que se mecen y tiemblan en masas brillantes.

Esta hermosa obra de arte que se estrenará próximamente en Meow Wolf Las Vegas, es creación de Claudia Bueno, una artista venezolana reconocida internacionalmente por crear maravillas tecnológicas inmersivas, utilizando la luz, la escultura y el sonido.

“Pulso es una forma de crear volúmenes animados usando capas de dibujos que se acumulan. He estado refinando esta técnica durante los últimos seis años, entendiendo cómo estas formas también pueden tener una calidad de movimiento cuando se aplica el sistema de luz“ Explica Claudia sobre su proceso.

Su creación deja ver la dedicación y conexión íntima que tiene con su trabajo. Claudia pone en su arte la curiosidad mística que refleja su fascinación personal con la energía, la conciencia y la naturaleza, transformando su arte en una celebración de la vida y la creación.

“Parece que no importa el tamaño, los materiales y las herramientas con las que estoy trabajando, los mismos tipos de patrones logran manifestarse una y otra vez. Ha sido un interesante desafío para el cerebro visualizar una pila de dibujos 2D que luego se convierten en 3D y se mueven”. Confiesa la artista.

Sin duda queréis conocer mas de su trabajo, os dejamos su (web) para que sigáis alucinando con sus creaciones.

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El diario fotográfico de Khalik Allah. ¡Inspirador!

Tue, 12 Jan 2021 09:00:03 GMT

Hoy nos damos un paseo visual por el diario del fotógrafo documentalista Khalik Allah, autor del documental “Field Niggas” del que ya hablamos hace tiempo.

Es importante seguirle la pista a estos fotógrafos ya que nunca paran de crear y cada cierto tiempo muestran novedades en sus portales personales. Khalik Allah cuenta ya con una dilatada carrera fotográfica, por ello nos muestra su inspirador diario fotográfico.

Cientos de fotografías realizadas a diario en las que era preciso ordenarlas y darles un sentido. “Early Work” se ha convertido en una preciosa selección de fotografías analógicas en blanco y negro agudizada con la belleza de las imperfecciones de la película.
Estas fotografías muestran la vida en la calle, sus gentes, los “momentos”, etc… En definitiva, un documental sobre la vida.

@jandro_martinez

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La belleza de una simple línea

Mon, 11 Jan 2021 23:01:53 GMT

En un mundo donde cada vez la ambición de querer y tener más, lo simple se ha desdibujado, pero gracias a artistas como Nasr la sencillez se se ha vuelto a pintar.

El arte lineal es el estilo en el cual, a través de líneas se crea una imagen, pero hay artistas que deciden “complicarse la vida” y crean una imagen, ya no a partir de varias líneas, sino con una sola línea continua, esto es lo que hace Nasr en su obra.

Nasr es arquitecto e ilustrador australiano, es un fiel enamorado de la belleza de la sencillez de la línea, su trazo continuo y uniforme se ve en sus ilustraciones en las que dibuja rostros que se miran, cuerpos que se abrazan y manos que se extienden.

Sus obras son una muestra perfecta de la sabia frase “menos es más”, no hacen falta mas líneas, otros cuerpos, colores o profundidad, estas líneas continuas de sus ilustraciones hacen que su obra sea perfecta y hermosa.

Podéis seguir el trabajo de Nasr en su (instagram) y deleitarte con sus sensuales líneas. Algo parecido se puede ver en La atrevida ilustración geométrica de Calvin Sprague, otro estilo pero uno en donde la simpleza y las líneas lo son todo.

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Ivan Alifan y su pintura que chorrea

Mon, 11 Jan 2021 11:42:47 GMT

Ivan Alifan es un artista ruso nacido en 1989, que se licenció en dibujo y Pintura por la “OCADU University” de San Petersburgo, y forma parte de un programa de estudios sobre Florencia para esa misma universidad, además de participar anualmente en el “Art Expo” de Nueva York desde 2008. Ivan en sus pinturas se centra en recrear un contexto sexual más allá de las características físicas, el uso de la ambigüedad como una herramienta de exploración exige que el espectador piense acerca de lo que está viendo.

Ivan cree que si un individuo sexualiza una figura, se vuelve avergonzado y nervioso por la mera sugerencia, todo esto proceso ocurre de manera independiente de la pintura, lo que intenta es romper las barreras que puedan existir acerca del cuerpo desnudo en las esferas sociales y del arte contemporáneo.

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Mareas y tormentas, fotografía sublime de Rachael Talibart

Sun, 10 Jan 2021 23:01:49 GMT

Rachael Talibart es una fotógrafa inglesa de la costa sur, amante del mar con quien tiene una relación de respeto y aprendizaje, ha aprendido a través del cambio de marea y según la fase de la luna, el verdadero sentido del tiempo.

La fotógrafa captura el mar en tormenta, el ir y venir de la costa inglesa a través de instantes en donde las olas chocan, se levantas, su cresta se despeina y forma figuras en medio del infinito horizonte , captura en sus fotos un día de tormenta en la costa con lo tenebroso y hermosos que pude ser.

Talibart escribe que fotografiar mareas y tormentas, le ha enseñado a tener paciencia, a sentirse plena ante las lentas puestas de sol, y amar cada concha desechada por la frenética tormenta.

“El ciclo de las mareas, el sonido de las olas, las formas talladas por el viento y el agua en la orilla, el llamado de los pájaros marinos, el rizo de la espuma de mar alrededor de un guijarro, la forma de una concha, todo esto tiene un ritmo o patrón que encuentro tanto energizante como calmante. Pero no siempre se revelan de inmediato, hay que estar dispuesto a invertir tiempo”.

Particularmente nos ha parecido una artista increíble no solo por su talento en la fotografía, sino por sus reflexiones de vida y sus escritos en general que se pueden ver en compañía de sus fotografías en el libro que ha sacado al culminar esta serie de Mareas y tempestades, podéis verlos en el (link).

Cerramos este artículo con esta bella reflexión sobre el valor que tiene el tiempo. “Algunos de mis días más felices han sido cuando me he quedado en una playa durante un ciclo completo de mareas. Es asombroso cuánto más ves, y aprecias con tus otros sentidos, cuando tienes el lujo del tiempo”.

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Paisajes pixelados en oleo, por Jason Anderson

Fri, 08 Jan 2021 23:01:07 GMT

Las coloridas pinceladas de pixel, que dan nitidez a los paisajes abstractos del artista británico Jason Anderson, son mezcla entre luces y texturas que se divierten con nuestra percepción visual.

Anderson crea vibrantes pinturas abstractas al óleo en tonos pastel, que de frente, se ven como figuras, formas y colores, pero de lejos se ven, claramente, los paisajes.

El artista visualiza el horizonte del paisaje, los posibles encuadres a plasmar y a través de pinceladas prismáticas de óleo, comienza a materializar. no si antes realizar un boceto en blanco y negro antes de pasar al lienzo.

“Me gusta la naturaleza frenética de mezclar y arreglar la pintura en gruesas manchas impresionistas y someterse a un proceso que crea su propio detalle y forma”, Explica Anderson sobre su técnica y estilo en esta serie de obras llamada ABSTRACTS 2020 . “Esto me obliga a ser audaz y decisivo; también produce un caleidoscopio de forma y tono (que recuerda a un vitral) que retrata el movimiento y la energía siempre presentes en la naturaleza.”

Jason Anderson es reconocido por sus pinceladas de oleo y no solo pinta con este estilo pixelado, podéis conocer mas de su talentoso trabajo en la (web) y seguirlo en (Instagram).

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Esculturas urbanas en miniatura con un mensaje social

Thu, 07 Jan 2021 23:01:59 GMT

Las esculturas y fotografías urbanas, creadas por el artista gallego español, Isaac Cordal, hablan de la transformación de la relación entre los ciudadanos y el espacio urbano.

A la altura de sus suelas, los transeúntes visualizan estas pequeñas esculturas que llevan a reflexionar sobre la destrucción y reconstrucción de todo lo que nos rodea y llaman la atención por lo absurdo que parece nuestra existencia, bueno o esa es la intención que tiene Isaac con el mensaje que lleva con sus mini esculturas, camufladas en las calles.

La pequeña pero gran obra de arte, busca llamar la atención sobre la devaluada relación con la naturaleza, mediante una mirada crítica de los efectos indirectos de nuestra evolución.

Con el toque artístico que le da Isaac Cordal a su figuras, las personas que se encuentran con ellas es como si se transportaran a otros mundos mediante la imaginación, la reflexión y las escenas que representan, sobre situaciones rutinarias del ser humano contemporáneo.

Esta serie de mini esculturas llamada “Eclipses de Cemento” critica el pausado cambio en el papel del ciudadano, que se está transformando de un individuo vigoroso en parte del mobiliario urbano.

“Con el simple acto de la miniaturización y la colocación reflexiva, Isaac Cordal expande mágicamente la imaginación de los peatones que encuentran sus esculturas en la calle.” Dice Steven P. Harrington, de Brooklyn Street Art, sobre esta obra de Isaac.

Si queréis conocer más sobre este trabajo de Isaac visita su (web) y sigue su trabajo en (instagram).

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Fotografías de gente corriente de la mano de Raphaël Année

Thu, 07 Jan 2021 18:48:55 GMT

Raphaël Année es un fotógrafo nacido en París en el año 1992, que ha estudiado diseño gráfico en la ESAD Amiens. Hace unos años descubrió la fotografía y se compró su primera cámara, compaginando su aprendizaje de diseño gráfico con la fotografía.

Desde muy joven se ha sentido atraído por las imágenes, le encanta ir paseando por la calle, pendiente de todo lo que pasa a su alrededor para poder captarlo con su cámara.

A Raphaël Année le interesan los temas banales, la gente corriente, y siempre usa la luz natural en sus fotos, aunque desde hace un par de años está añadiendo elementos tecnológicos en sus composiciones. Le encantaría viajar a muchos continentes como África, Asia y América. Su amplia visión y la forma gráfica de sus fotografías famosas son las cualidades y la fuerza de su obra.

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"Cola de basura” la obra de arte de street art dedicada a los océanos

Wed, 06 Jan 2021 23:01:14 GMT

El dúo francés Murmure Street compuesto por Paul Ressencourt y Simon Roche quienes se encontraron durante sus estudios en Bellas Artes y conectaron rápidamente por su pasión común por el diseño y el arte callejero, han terminado recientemente una importante obra de arte urbana realizada en colaboración con el Festival IPAF en el barrio de Terres Sainville de Fort-de-France en Martinica.

La obra se titula “Garbage Tail” o “Cola de basura” en castellano y es una continuación de su serie “Garb-age”, que tiene como objetivo concienciar sobre la contaminación. “Cola de basura” está hecha con acrílico y pincel de manera relista que busca intencionalmente captar el ojo y al mismo tiempo enviar un mensaje muy claro.

El Festival IPAF puso como tema “Los hombres y el mar Caribe”.
con el que buscaban resaltar esta relación que cada vez es mas compleja. Este trabajo quiere recordar los estudios científicos que muestran que para el 2050 los océanos tendrán más basura que peces, si no cambiamos de rumbo.

La obra “Cola de Basura” creada por este dúo francés quiere resaltar este hecho a través de la cola de la ballena hecha de basura como si fuera la punta de un iceberg de la problemática, la cola de la ballena es la única parte visible del animal, simbolizando la gravedad del problema y lo ciegos que somos al ver solo la punta del problema de la contaminación y lo evidente que es.

Os dejamos la (web) de este dúo para que conozcáis su trabajo y la (web)del festival. también os recomendamos un articulo que os pueda interesar si estáis en plan ver cómo los artistas se manifiestan ante este hecho de basuras en los mares y playas.

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Explotando la historia del arte y la cultura popular

Tue, 05 Jan 2021 23:01:26 GMT

Glenn Brown un reconocido y veterano artista inglés, ha concebido un lenguaje artístico que evita la categorización, mezclando una gran variedad de períodos de tiempo y convenciones pictóricas en sus obras, a través de la referencia, la apropiación y la atención precisa a los detalles.

Sus impulsos “manieristas” (Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI), provienen de su idea de dar nueva vida a la historia del arte, usando sus obras y su propio leguaje artístico como medio para la exploración de su obra.

Glenn Brown se ha decidido por líneas ondulantes que crean un laberinto de texturas y colores al rededor los personajes que dibuja, pero antes de empezar, Brown toma una imagen de origen, que luego altera de una manera surreal antes de pasarla al lienzo.

Cada uno de sus cuadros de acrílico y óleo identifican las posibilidades poco exploradas dentro de la imagen original, trazando líneas enredadas, diferentes y complejas, que refuerzan su misterioso estilo y hacen que su obra sean inquietantes, ya que la transformación de la la imagen original también enreda su narrativa.

Si queréis conocer más sobre este gran artistas no olvidéis visitar su (web).

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Delicados bordados botánicos sobre hojas secas por Hillary Waters Fayle

Mon, 04 Jan 2021 23:01:12 GMT

Hillary Waters Fayle es una artista de las bellas artes, que se motiva día a día con el fin de salvar y revivir la conexión del ser humano con el mundo natural. Ha estudiado las tradiciones, los procesos textiles y de estampado, que se hacen con material botánico y orgánico, para unir simbólicamente la naturaleza con un toque humano.

En su reciente proyecto, Hillary ha bordado con hilos delicadamente, diseños botánicos sobre hojas secas, flores de colores vibrantes, líneas y nervaduras, mezclado técnicas artesanales tradicionales con materiales naturales. Buscando no generar desechos en su práctica, ella recoge hojas y vainas de semillas de las zonas en la que vive y borda con el hilo de su abuela.

“Quiero salvar y revivir nuestra conexión con el mundo natural. Estos bordados y planos botánicos nacen de mi deseo de iluminar esta conexión y mi curiosidad por la superposición de la simbología espiritual y religiosa y la geometría sagrada, con los patrones que existen en la naturaleza. Explorar y apreciar lo que tan a menudo se pasa por alto y realizar el potencial de existencia en equilibrio con la naturaleza“ comenta Hillary Waters sobre la intención de sus obras de arte.

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Los estados de ánimo de Sungsoo Kim

Mon, 04 Jan 2021 08:06:52 GMT

Los retratos del artista surcoreano Sungsoo Kim, nos dan un paseo por diferentes estados de animo. Indiferencia, aburrimiento,…

Sus pinturas nos evocan una gran melancolía, tristeza y una fría monotonía de color en su estilo, pero que nos resultan sorprendentemente hermosas.

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El puente de cristal más largo del mundo

Fri, 01 Jan 2021 23:01:26 GMT

Con una extensión de 526,14 metros y 201 metros de altura se extiende a través del río Lianjiang en China, el puente de cristal mas largo del mundo.

En el área de las Tres Gargantas de Huangchuan, en China, se impone esta larga estructura, el proyecto del Instituto de Diseño e Investigación Arquitectónica de la Universidad de Zhejiang.

A cada lado, inmensas torres rojas marcan los extremos con una cubierta de 8,8 metros de ancho entre una y otra. Tres capas de vidrio de 4,5 centímetros de espesor recubiertas de acero componen el puente transparente, que se suspende a través de cables y puede sostener a 500 personas.

Hoy en día es el más largo del mundo, el anterior según datos, era una estructura de puente colgante de 488 metros en la provincia china de Hebei.

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Murales descubiertos en la antigua ciudad romana de Pompeya

Thu, 31 Dec 2020 23:01:30 GMT

Desde hace mucho tiempo la pintura de murales es un arte muy popular y apreciado por su estética y por su versatilidad a la hora de prestarse como un medio de comunicación; para expresar ideas o promocionar algún tipo de producto o servicio.

Cada día aparecen nuevos murales en nuestros paisajes urbanos, pero no todos los días se descubren antiguos, como es el caso del recientemente encontrado por arqueólogos, en la zona de Regio V de Pompeya. Se trata de un mural de un antiguo “thermopolium” (Un establecimiento comercial donde era posible comprar alimentos listos para comer).

El puesto de comida y el lugar se encontraron bien conservados, está decorado con una variedad de frescos en los que aparece una “Nereida” (ninfas de la mitología griega) montada en un caballito de mar y altas jarras que se usaban para el almacenar productos.

Al otro lado, un mural de un particular perro musculoso, también encontraron restos de comida, como huesos de pato, habas, vino y una paella de cerdo, cabra, pájaro, pescado y caracol, ¡Todo un banquete!.

Este “thermopolium” hace parte de los ochenta que han encontrado desde 2019 que empezaron con la excavación, cuando los arqueólogos descubrieron que las ruinas estaban en mas o menos buenas condiciones, ampliaron el proyecto para descubrir más de la zona.

Está programada que para primavera de 2021, este lugar pueda ser visitado por el público y sea reconocido como uno de los increíbles descubrimientos en Pompeya durante 2020.

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Instalaciones hechas en collage de papel sobre la biodiversidad

Wed, 30 Dec 2020 23:01:43 GMT

Las instalaciones en collage creadas por la artista Clare Börsch, se desbordan de flora y fauna con imágenes de archivo cortadas a mano, sobre especies que ya no existen, dejando una reflexión clara sobre la crisis climática y la destrucción de la biodiversidad.

“Esto llamo mi atención cuando hice una serie de collages y luego me di cuenta de que muchas de las especies en las ilustraciones antiguas ya se habían extinguido. La humanidad ha eliminado el 68% de toda la biodiversidad de nuestro planeta desde 1970″ . Comenta Clare.

Con la intensión de tomar acción en el tema, Clare tiene una asociación creativa con la científica de la biodiversidad Louisa Durkin, de la Academia Nórdica de Estudios de Biodiversidad y Sistemática, para encontrar una forma en que las obras de arte puedan generar consciencia sobre la problemática de la destrucción de la biodiversidad.

Sus instalaciones llaman la atención por su colorido y por su inmensa variedad de flora y fauna de todos los rincones de la tierra, con lo que busca crear ese primer paso a entender el tema central de su obra que va mas allá de la estética del arte, podéis conocer y apoyar la obra de Clare en su (web).

Si os interesa conocer las miles de especies que ya no existen o utilizarlas en sus diseños, obras o pinturas, os dejamos en su manos, 150.000 ilustraciones de animales y botánica de la Biblioteca del Patrimonio para la Biodiversidad que podéis usar gratuitamente.

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Vidrio, alma y trascendencia en las esculturas de Christina Bothwell

Tue, 29 Dec 2020 23:01:37 GMT

Christina Bothwell es una artistas inquieta y curiosa que estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania, en Filadelfia, Pennsylvania, antes de aprender por si misma a trabajar con la cerámica, y después a fundir el vidrio.

Desde muy joven se ha interesado por el concepto del alma mas allá del cuerpo y se ha inspirado en esto para construir su obra. “En mi trabajo me siento atraída por los procesos de nacimiento, muerte y renovación. Lo que hay debajo de la superficie me fascina e intento capturar las cualidades de lo “invisible” que expresan la sensación de asombro que siento en mi existencia diaria” Comenta la artista.

Christina utiliza el vidrio par realizar sus esculturas porque el vidrio ofrece un espacio interior y transmite luz, así como imagina el alma. En sus figuras aparecen como personajes centrales los bebés, los animales y los niños, “Pienso en estas piezas como almas que dan a luz nuevas versiones mejoradas de sí mismas”.

“Actualmente estoy explorando la metamorfosis como tema, y he estado incorporando figuras dentro de figuras en mis piezas. Dentro de cada figura de vidrio hay una figura más pequeña vista a través de la superficie del vidrio”, en donde corrobora que la metamorfosis, los cambios, la trascendencia de alma y el cuerpo son su tema central.

Si queréis conocer mas sobre esta trascendental artista en su (web).

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