La serie de retratos «365 Days of Ao Dai» del arquitecto, ahora fotógrafo de moda vietnamita, Chiron Duong, muestra de manera majestuosa,  infinidad de posibilidades de llevar el Ao Dai, el traje tradicional vietnamita.

La inspiración de Chiron Duong viene de las tradiciones culturales de su país, así como de otros países asiáticos, que ha ido descubriendo y aprendiendo gracias a sus encuentros culturales e investigaciones personales. La moda asiática no sólo es llamativa de fotografiar por su  generosidad en detalles, su alegre y su trascendentalidad, por lo que se convierte en un placer visual observar esta serie.

Una serie de retratos llena de folclore, religión y cultura

A través de los colores, la espiritualidad y la moda, Duong intenta reflejar los secretos tradicionales de su cultura como la fe y la religión fusionándola con la cultura occidental logrando imágenes altamente emotivas.

En su trabajo (enlace), Duong utiliza las técnicas más variadas para crear emotividad en sus obras, en vez de intentar crear una impresión visual. Al estar inspirado en estilos místicos, incluso fantásticos, sus colores combinan la ropa, la naturaleza y las flores, que gracias a su habilidad en el uso del desenfoque y la creación de luces, convierten sus obras en algo casi sobrenatural, gracias a su efecto fantasmal en cada una de los retratos, no sólo porque capta el encanto del vestido, sino también porque envuelve el cuerpo. En cada fotografía existe un presencia que permanece.

«El Ao Dai vietnamita no es sólo un tipo de traje nacional, sino que contiene una rica historia, tradiciones culturales, concepciones estéticas, conciencia nacional y espíritu del pueblo vietnamita. el poder de la ropa encarna muchos sentimientos» Asegura Duong

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Ciudades e iconos de las mismas son lo que pensamos visitar cuando viajamos pero nos olvidamos de conocer joyas arquitectónicas que tal vez estén escondidas pero que siempre nos sorprenderán.

Estamos más acostumbrados a sorprendernos con grandes construcciones, reliquias históricas u obras arquitectónicas de renombre, pero hay cientos de miles de joyas arquitectónicas perdidas por el mundo que no sabemos que existen, por eso hemos querido compilar algunas para que si puedes planees un viaje a conocerlas, pero si no, que por lo menos no te quedes in verlas así sea de manera virtual

Joyas arquitectónicas escondidas por el mundo

Si bien Paris es reconocido por la torre Eiffel, Barcelona por las construcciones de Gaudí, Londres por el Puente de Londres y el Palacio de Buckingham, China por su muralla, Egipto por sus pirámides, Machu Picchu en Perú por su ciudad perdida en las montañas, esta vez traemos nuevos tesoros por descubrir.

1. La Abadía de San Galgano, Florencia, Italia

La Abadía de San Galgano fue un monasterio cisterciense fundado en el valle del río Merse, entre las ciudades de Chiusdino y Monticiano, en la provincia de Siena, en la región de la Toscana, Italia. Actualmente, los muros sin techo de la iglesia de la abadía, de estilo gótico y del siglo XIII, siguen en pie.

2.Iglesia del Santo Redentor, Ani, frontera con Turquía y Armenia

La Iglesia del Santo Redentor (también llamada Surp Amenap’rkitch) es una de las pocas estructuras que se conservan en Ani, la capital de la Armenia medieval de los Bagratides, en los siglos X y XI. Situada en las Rutas de la Seda, actualmente se encuentra en la actual Turquía oriental, en la frontera con Armenia. En los libros de historia se dice que la iglesia fue construida por un príncipe para guardar los fragmentos de la verdadera cruz, que se creía que era la cruz en la que fue crucificado Jesucristo.

3. Sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España
El edificio del Instituto del Patrimonio Histórico Español (web) también conocido como Corona de espinas es una construcción  de la ciudad española de Madrid, sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España. Situado en la Ciudad Universitaria que cuenta desde 2001, con el estatus de Bien de Interés Cultural. Los arquitectos responsables fueron Fernando Higueras y Antonio Miró.

El estilo arquitectónico se inspira en la arquitectura orgánica u organicismo arquitectónico que es una filosofía de la arquitectura que promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural. El comienzo de la construcción tuvo lugar en 1967.

4.Catedral de Las Lajas en Colombia

Situada en Ipiales, en Nariño, al sur de Colombia, es una imponente catedral que fue construida entre 1916 y 1949 por los arquitectos J. Gualberto Pérez y Lucindo Espinosa en estilo neogótico.
La catedral mide 100 metros desde su base hasta la torre. Dentro, se pueden apreciar las hermosas vidrieras realizadas por el alemán Walter Wolf.

5.El templo Tō-ji (東寺, Tō-ji, «Templo del Este»

También conocido como Kyō-ō-gokoku-ji (教王護国寺, Templo para la Defensa de la Nación es un templo budista shingon en el barrio de Minami-ku de Kioto, Japón. Fundado en el año 796, y hace parte de uno de los tres únicos templos budistas permitidos en la ciudad. Tiene una larga historia, ya que guarda tesoros y documentos de principios del periodo Heian y de la dinastía Tang. Abarcan los periodos Kamakura, Muromachi, Momoyama y Edo.

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Las esculturas de piedra del artista japonés Hirotoshi Ito parecen abrirse para revelar escenas surrealistas en miniatura y aunque la piedra no es maleable por naturaleza, Hirotoshi Ito esculpe sus esculturas de forma que parezca que el material puede abrirse o cortarse con un cuchillo de mantequilla.

El artista crea diminutas escenas con rocas que encuentra cerca de su casa, en la ciudad de Matsumoto, y las reviste con cierres o sujetadores sencillos. Seguidamente, coloca en esas cavernas objetos en miniatura, como dientes, una colección de conchas marinas y escenas futuristas, para crear situaciones surrealistas e increíblemente engañosas en el espacio de unos pocos centímetros.

Esculturas de piedra como tradición familiar

Desde 1879, la familia de Hirotoshi Ito se dedica a la escultura en piedra, por lo que desde que nació se encontraba rodeado de diferentes clases de piedra y de trabajos como linternas de piedra y piedras para tumbas. Aunque estaba decidido a acabar haciéndose cargo del negocio familiar, ingresó en el curso de trabajos en metal de la Universidad de las Artes de Tokio. El encuentro con otros artistas del metal en la escuela, y su trabajo, se convirtió en la base de su forma de pensar y de su creatividad.

La obra de obra Ito puede clasificarse en dos grupos; Uno de ellos es la escultura sólida tallada en mármol o granito, en la que altera la superficie natural de la piedra en formas escultóricas que no parecen ser de piedra sino de otro material, la otra categoría es la de las piedras de playa, en la que emplea las formas naturales de las piedras y les añade modificaciones y adiciones que les otorgan un carácter diferente. Toda su obra en ambas categorías está relacionada con las imágenes, objetos y experiencias ordinarias de la vida cotidiana. Una de las características más destacadas de ambos tipos de obra es la intención del artista de crear la ilusión de que la piedra es algo más que piedra o es un material totalmente diferente. (Ver Instagram)

La ciudad de Matsumoto, donde vive Hirotoshi (web), está rodeada de montañas y es rica en belleza natural. Cada piedra tiene una forma única que se ha creado de forma natural por lo que el artista intenta resaltar las formas, los colores y la belleza naturales por lo que trata de no cambiar sus formas originales. «Respetar y utilizar las características naturales del material original es un aspecto muy antiguo e importante de la cultura japonesa. Aunque soy un artista contemporáneo, siento que estos antiguos conceptos japoneses están profundamente arraigados en mi ADN».

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Cuantas veces por un descuido o sin querer hemos manchado nuestros apuntes con la taza de café? Yo por lo menos varias veces… y creo que al diseñador Carter Asmann también le debe de haber ocurrido alguna que otra vez.

Carter Asmann es un artista y diseñador natural de San Diego, California. Carter explora una variedad de medios con su trabajo que incluye la ilustración en grafito, la pintura al óleo, el grabado o la cerámica.

La creatividad de Asmann le hizo convertir las marcas del café en divertidas ilustraciones de motos, coches y algún que otro objeto más. Pasad y contemplar su trabajo.

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Los retratos minimalistas de Luke Stephenson reflejan la elegancia del plumaje de las aves de exposición. Stephenson ha estado fascinado por las aves de exposición, sus plumas impecables y sus personalidades únicas por casi una década, las cuales captura en sus retratos minimalistas de fondos monocromáticos que resaltan los distintos colores y patrones de cada pluma.

Los retratos su serie, titulada «Diccionario incompleto de aves de exposición» (Incomplete Dictionary of Show Birds), se iniciaron cuando Stephenson pretendía documentar a los canarios, pero se interesó también por otras especies cuando se encontró con algunos de sus futuros sujetos y sus propietarios. Entonces, diseñó un estudio portátil del tamaño de un pájaro con iluminación y una abertura para cambiar los fondos. La mayoría de los animales que retrata se acercan a la posición de madera, dice, donde se posan y muestran sus distintas personalidades.

Retratos minimalistas y humor al mejor estilo de Stephenson

Luke Stephenson es un artista conocido por su visión humorística y extravagante de la vida cotidiana en el Reino Unido, utilizando la fotografía para acceder a las personas, los ligares y las cosas que despiertan su curiosidad, Luke captura tanto lo cotidiano como lo extraordinario con la misma perspectiva irónica.

Luke dice «Me gusta encontrar temas que están un poco escondidos de la corriente principal, o que son un poco extraños» por lo que constantemente se centra en aficiones, colecciones o comunidades especializadas. Esta fijación se ve reflejada en sus proyectos personales como el del diccionario de las aves, El registro de huevos de payaso (enlace), 99 x 99s (enlace) y La Rosa Inglesa (enlace), entre otros.

Su coleccion de retratos minimalista sobre aves ha volado lejos, ha inspirado una coleccion de moda y una colaboración con la marca de moda de lujo Dries Van Noten, y una colección de sellos para el correo de la Isla de Man, podéis ver todo su trabajo en la web y seguirlo en Instagram.

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El director de arte Italiano Marco Sodano, ha creado esta llamativa y divertida campaña de publicidad no oficial para la famosa marca de juguetes LEGO.  Sodano quiere transmitir la idea de que todos los niños con LEGO pueden convertirse en un gran artista.

Veamos como cuadros famosos de artistas clásicos como Da Vinci o Vermeer son recreados con las versátiles piezas LEGO.

La historia de las famosas piezas LEGO

Los juguetes LEGO existen desde hace décadas y son los favoritos de muchos. Estos bloques de construcción únicos, coloridos y desafiantes son ideales para estimular la imaginación de los niños y adultos.

También son una forma estupenda de desarrollar el cerebro y su creatividad. A continuación te explicamos por qué son tan populares. Sigue leyendo para saber más sobre esta marca única de juguetes.

El nombre «Lego» proviene del danés, que significa «juego». Su fundador, Ole Kirk Kristiansen, puso en marcha la empresa a principios de los años treinta.

Primero fabricó juguetes de madera, pero en los años 50 empezó a experimentar con ladrillos de plástico.

Al cabo de unos años, su hijo, Benjen, comercializó Lego como sistema de construcción. Los ladrillos LEGO originales eran compatibles con los productos Lego actuales.

Materiales de las piezas Lego

Aunque la mayoría de los juguetes se fabrican con plástico, los principales materiales que utiliza Lego son el ABS, el policarbonato y el polipropileno.

Estos materiales son duraderos y no se rompen ni se degradan si no se tratan. Los ingenieros utilizan un paquete de software llamado NX CAD/CAM/CAE PLM para diseñar los nuevos juguetes. Este software les permite simular la tensión y las propiedades de los materiales. A veces, se crean moldes prototipo antes de comprometerse con la producción en masa.

La empresa cuenta con más de 5.000 tiendas en todo el mundo. En Estados Unidos, hay una docena de tiendas Lego. En Europa, hay más de 300 tiendas Lego. Y en China, hay más de un centenar. Un negocio global con reconocimiento internacional, Lego está creciendo rápidamente.

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Los dioramas tridimensionales y las ilustraciones recortadas de Su Blackwell están fuertemente influenciados por las narraciones folclóricas y los cuentos fantásticos. Rehaciendo las páginas físicas de los cuentos de hadas, recortándolas y pegándolas, la artista construye mágicas instalaciones en miniatura sobre un libro abierto.

La artista londinense Su Blackwell, gran lectora, se inspira en el arte de las palabras escritas que aparecen en los libros y aprovecha esa influencia creativa para diseñar sus admirables esculturas de libros. Su Blackwell representa físicamente la narrativa textual, convirtiendo sus piezas en meta-esculturas, figuras hechas de historias que cuentan historias.

Suelo trabajar en el ámbito de los cuentos de hadas y el folclore. Empecé a hacer una serie de libros-escultura, recortando imágenes de libros antiguos para crear dioramas tridimensionales, y exponiéndolos dentro de cúpulas de cristal o cajas de madera.

Dioramas tridimensionales convertidos en «Book art»

El Book Art es la forma de catalogar el arte de esta artista quien crea una narrativa tridimensional partiendo de una narrativa que hace parte de los libros en si; por las letras y por el papel. Su utiliza el papel por lo delicado como medio de reflexión sobre la vulnerabilidad del mundo en el que vivimos y la fragilidad de nuestra vida, nuestros sueños y nuestras ambiciones.

La artista ensambla cada pieza completamente con libros y, en ocasiones, encierra las esculturas en cajas de madera o cúpulas de cristal para darles mayor relevancia. «Si la pieza está en una caja de madera, parecerá un cuadro o un show de marionetas, y si esta en una cúpula de cristal le dará un efecto de globo de nieve, imitando un momento atrapado en el tiempo».

La obra en papel de Blackwell está en colecciones como la National Art Gallery de Cardiff y el Robert Burns Birthplace Museum de Alloway (Escocia), también podéis verla en su web y seguirla en Instagram para no perderte nada de esta obra original de «Book art»

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El artista surcoreano Kim Byungkwan intenta destruir, romper y reconstruir la visión habitual de lo que vemos normal en un cuadro.

El trabajo de Kim se centra en Pintura acrílica llena de borrones y trazos dispares como estilo personal del artista, una técnica que nos ha encantado y que queremos como siempre, compartir con vosotros. ¡Mirad!

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Mous Lamrabat reinventa la fotografía de moda con la que aborda con ironía la sociedad de consumo, combinando el lujo más ostentoso y la falsificación en función de las referencias culturales marroquíes. La mayoría de sus modelos, con rostros y cuerpos enmascarados, figuran en escenarios naturales de paisajes marroquíes. El objetivo de Lamrabat ha sido mostrar la cultura marroquí desde una nueva perspectiva.

En la obra de Mous Lamrabat, la belleza y el sentido de la esperanza son fundamentales. Su trabajo es inspirador y, a veces, es una fusión de su vida en la diversidad, que utiliza la belleza y el humor para crear nuevas y poderosas historias relacionadas con asuntos importantes como el racismo, la religión y los derechos de la mujer.

Mous Lamrabat reinventa la fotografía de moda con «Blessings from Mousganistan»

La utópica fotografía  de Mous aparece con Blessings from Mousganistan, una exposición que se presenta en Foam, en Ámsterdam, hasta el 16 de octubre de 2022, en la que se combinan grandes fotografías enmarcadas con otras menos convencionales, como las impresiones lenticulares o las imágenes extraídas al vacío alrededor de un logotipo de Nike y de la «M» de McDonald’s que ha incluido en su obra, cambiando las formas de símbolos e imágenes conocidos, deconstruyendo la noción de «normalidad».

Mous (web) ha venido incorporando en su obra, mensajes importantes a través de alteraciones de símbolos e imágenes convencionales para cuestionar la idea de lo que es «normal», el artista busca empatizar con todos para sentir que podríamos ser iguales y poder contribuir con un mundo mejor, con más paz y justicia. En el centro de su obra está también su deseo de dirigirse al mayor número de personas posible. Por ello, Mous transmite mensajes de amor y conexión con los demás a través de imágenes encantadoras a las que es casi imposible resistirse, y en las que no importa entender, sino sentir. (Instagram)

Me encantaría decirle a la gente que viene a mi exposición que la vida debería ser fácil y sencilla, y así es como podemos conseguirlo: conectando unos con otros y celebrando las diferencias que nos separan.

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R – K A I D – R es la videoconsola retro más molona que verás por estos días, ha sido creada por el artista audiovisual y carpintero sueco Love Hultén, esta videoconsola de primera clase, está equipada con juegos clásicos como Pac Man y Asteroids. Se trata de una consola de madera maciza hecha a mano con capacidad para almacenar más de 10.000 juegos emulados.

La unidad garantiza más de 10 horas de juego por carga. El R-Kaid-R es un auténtico juguete para los amantes de los videojuegos. Representa un vínculo entre el presente y el pasado y un homenaje a los salones recreativos. 

Esta videoconsola retro tiene forma de caja de madera que cuando se abre revela todas las características de una máquina recreativa, con una pequeña pantalla y espacio suficiente para cargar todos los juegos que puedas imaginar, tanto de la PS1 como de la Super Nintendo, o cualquier otro. Además, cuenta con un altavoz integrado, una toma de auriculares, una salida HDMI y ocho horas de batería, por lo que es difícil encontrar una forma mejor de disfrutar de los juegos de la vieja escuela.

La videoconsola retro y las instalaciones sonoras de Love Hultén

Hultén también es conocido por sus instalaciones sonoras extravagantes y poco convencionales que se encuentran entre la música, el arte y el diseño y utilizan sintetizadores y visualizadores personalizados para crear elaboradas mezclas audiovisuales.

Tanto si se trata de un homenaje a Nintendo, Pacman o las bocas parlanchinas de Simone Giertz, los sintetizadores personalizados son elaborados instrumentos electrónicos con una amplia capacidad de audio y, a menudo, un visualizador MIDI único capaz de responder en tiempo real: si se toca el teclado de «NES-SY37», por ejemplo, aparecerá una representación que evoca un videojuego antiguo en una pequeña pantalla LCD. En el caso de «The Doodlestation», un acorde puede hacer que una figura de dibujos animados vomite un infinito arco iris de colores pastel.

Los diseños de Hultén (web) son visualmente elegantes y estructuralmente complejos, requieren aproximadamente diez semanas de trabajo procesos que podéis seguir en su canal de YouTube y en Instagram, no os los perdáis son una pasada.

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Los murales de Alice Pasquini tienen como tema la feminidad y la mujer independiente. Su obra se compone de murales, pinturas e ilustraciones que cuentan historias sobre actos de bondad y amor .

Hablo de las emociones humanas y de las relaciones entre las personas, eso es lo que más me influye. Los muros de todo el mundo son una forma de transmitir un mensaje de unión, aunque parezca banal, frente al cinismo desenfrenado

Sídney, Nueva York, Barcelona, Oslo, Moscú, París, Copenhague, Marrakech, Berlín, Saigón, Londres y Roma son algunas de las ciudades donde se puede encontrar su obra,  no sólo en superficies urbanas y paredes, sino también en galerías y museos de más de cien ciudades diferentes de todo el mundo.

Los murales de Alice Pasquini transmiten esperanza y afecto

Pintar al aire libre entre peatones, coches y el entorno de la vida local, son un elemento esencial en el trabajo de la artista callejera, pintora  ilustradora y escenógrafa Alice Pasquini, quien empieza cada mural analizando la pared en la que va a pintar y sus características físicas. El material, el color de la pintura y las marcas y daños diversos le ofrecen indicaciones sobre la historia y la gente de la zona.

Pasquini (web) está convencida que el entorno del muro es lo que constituye el lienzo desgastado y culturalmente situados dispuesto a ser intervenido por ella. Después del análisis, crea piezas a gran escala de personas afectuosas, niños y personajes con expresiones especialmente amables y acogedoras, que contrastan con los numerosos mensajes de carácter subversivo y político que caracterizan al arte callejero.

La artista viene desarrollando diferentes ejes de investigación, desde la narración de la fuerza vital femenina hasta la transformación de las posibilidades tridimensionales de su obra. Se mueve entre las exploraciones urbanas y las instalaciones con materiales encontrados. Podéis ver mas de su obra en su perfil de Instagram.

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Los proyectos lumínicos de Mandalaki, un estudio de diseño independiente con sede en Milán, experimentan con la intersección entre el arte, el diseño y la tecnología con el fin de crear obras únicas con un alto nivel de calidad y valores conceptuales que resultan de su enfoque innovador y constante entre los procesos industriales y artesanales.

Todos los proyectos están relacionados entre sí: desde micro casas modulares hasta coches eléctricos, desde instalaciones de iluminación hasta muebles. Los proyectos están orientados a la investigación de la funcionalidad y la sostenibilidad, así como al rendimiento. Mandalaki fue uno de los protagonistas de la última Semana del Diseño de Milán.

HALO: uno de los recientes proyectos lumínicos de Mandalaki

Durante los últimos años, Mandalaki (web) se ha centrado en una extensa investigación sobre la naturaleza de la iluminación que ha llevado a la creación del Proyecto Halo.

El objetivo es dejar de percibir la luz como una fuente de iluminación, para pasar a ser una proyección gráfica exacta y bien definida. Así se establece un vínculo entre ambos elementos: el objeto físico y la proyección metafísica. Como resultado de ello, se ha creado un nuevo conjunto de lámparas diseñadas para diferentes paisajes, con la capacidad de crear nuevos ambientes en los que las personas pueden sumergirse como fuente de nueva energía.

Las luces dejan de ser sólo iluminación y pasan a ser en primer lugar un signo gráfico en el paisaje que abre nuevos puntos de observación, un espacio cósmico por descubrir sobre el cual la mirada tiene la posibilidad de ampliar las dimensiones del entorno. Este proyecto lumínico de Mandalaki aparece como fuente de nueva energía proveniente  de una fuente a menudo oculta o delgada, que puede proyectar colores que se difuminan de forma precisa y generan una sensación de equilibrio y armonía.

El trabajo de Mandalaki se extiende también al diseño de espacios habitables, podéis seguir todos sus proyectos en su Instagram.

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Cámaras fotográficas «poperas» creadas con una nueva inteligencia artificial en forma de íconos de la cultura pop. El fotógrafo y cineasta Mathieu Stern, que también es inventor de cosas extrañas, ha desarrollado nuevas cámaras a partir de ideas sencillas: el diseño de una colección es de faraones, el de otra de aztecas y el de otras se inspira en los superhéroes y la cultura pop. Las cámaras son visualmente fascinantes y muy originales, pero, lamentablemente, no son reales.

Mathieu Stern conocido también bajo el estrambótico seudónimo de «Weird Lens Guru» (El gurú de las lentes extrañas), ha basado parte de su carrera experimentando con la fotografía y en la exploración de materiales que se consideran, a menudo y erróneamente, anticuados.

«La fotografía es una forma de arte que ha dado lugar a una infinita variedad de técnicas», Confiesa. Desde que comenzó a hacer fotos en 2013, ha seguido experimentando cada día, estos experimentos lo han llevado a crear un canal de YouTube, donde difunde tanto sus proyectos artísticos como sus investigaciones técnicas, incluidas las adaptaciones de objetivos antiguos a las cámaras digitales.

Cámaras fotográficas «poperas» con diseños alucinantes

Stern ha experimentado con el nuevo sistema de inteligencia artificial llamado DALL-E 2, el cual reconoce las indicaciones de texto en lenguaje natural y genera imágenes casi fotorrealistas, con resultados sorprendentes. Como IMAGEN la versión IA de Google que logra imágenes fotorrealistas a partir de el lenguaje.

A través de esta tecnología de inteligencia artificial, este Guru ha experimentado varios diseños de cámaras fotográficas «poperas» con los mejores diseños de la cultura popular, desde Nintendo, hasta R2 – D2, pasando por superhéroes y faraones egipcios. La mayoría de las creaciones de Stern implican una cámara de formato medio que parece Groot, Homer Simpson o imagina cómo sería una Polaroid si estuviera hecha de mármol y madera o mezclada con Nintendo.

Son alucinantes esta cámaras fotográficas, lástima que no sean reales, porque de ser así, las quisiéramos coleccionar todas y vosotros?. No os perdáis mas de su trabajo en Instagram.

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El autodidacta fotógrafo japones Masashi Wakui nos deja con la boca abierta con el espectacular set de fotografías nocturnas de la ciudad japonesa de Tokio.

Colores y lugares que solo se dan en una ciudad tan peculiar como Tokio, calles y lugares míticos con encanto que el artista ha sabido retratar con un mimo y genialidad exquisito. No dudéis en visitar su Flickr para enamoraros de sus trabajos y de una ciudad sacada de un cuento.

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Las sensuales esculturas de papel de Polly Verity evocan momentos de intimidad a partir de simples hojas de papel. La artista convierte hojas de papel de acuarela, lienzo y malla metálica en esculturas elegantemente insinuantes. Estas obras están cuidadosamente moldeadas a través de una serie de curvas, giros y pequeños pliegues que delinean los labios apretados o una rosa rozando la nariz, y cada curva cambia sutilmente la expresión de la silueta.

Además de sus siluetas de rostros, Verity también da forma a torsos fragmentados y extremidades voluptuosas, una ampliación de su práctica que conecta el material «sensual y flexible» de forma más directa con el material. Lleva experimentando con esculturas de papel tridimensionales y pliegues intrincados desde los ocho años, cuando su abuelastro le regaló un libro de plegado de papel.

Esculturas de papel se inspiran en una técnica más moderna que el origami

Verity encuentra su inspiración en la técnica más moderna de los teselados abstractos desarrollada por la experimentación de la Bauhaus en los años veinte. Con los años, se ha centrado principalmente en patrones geométricos abstractos repetitivos hechos con trozos de papel blanco sin cortar para permitir que su público se concentre en las formas de las obras en vez de distraerse con el cromatismo elegido. Además de las pequeñas esculturas, Verity también ha creado vestidos de un solo uso para bodas, actuaciones y sesiones fotográficas.

Los plegados de Polly Verity (web) son sobre todo patrones geométricos abstractos repetidos, cada uno de ellos creado simplemente doblando una hoja sin cortes. Este método permite crear una variedad infinita de formas, y Polly elige pliegues especialmente fotogénicos y llamativos por los efectos de dramatismo que se crean cuando la luz, en especial la luz lateral, impacta en una de las piezas. Polly suele trabajar en un papel blanco para que el ojo no tenga distracciones en el propio medio y el papel blanco haga resaltar la forma nítida de manera idónea.

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Los graffitis realistas de la artista Adele Renault exaltan las texturas verdes de las plantas, los suaves plumajes de las palomas y otras aves y las expresiones de la gente de su alrededor. Es una artista con una gran habilidad a la hora e interpretar lo que muchos consideran cotidiano, modificándolo con fuerza en un elemento que podría parecer trivial pero que se convierte en el eje principal de su trabajo.

Desde las palomas hasta las personas, su arte se centra en representaciones realistas tanto sobre lienzos como en murales de gran tamaño. La obra realista de Adele representa su interés por las personas y las palomas, y ahora por las plantas, ya que comparten el hecho de que independientemente del lugar, cada una de ellas se puede encontrar en abundancia.

«Plantasia», la nueva serie de graffitis realistas de Adele Renault

De forma similar a sus masas abstractas de plumas, una nueva serie de murales de la artista Adele Renault resalta los vibrantes colores y texturas que abundan en la naturaleza. Plantasia, compuesta por obras más pequeñas sobre lienzo y piezas públicas a gran escala, engrandece las hojas de los dientes de león, los plátanos, la ortiga y otras especies. Al ampliar los ejemplares para mostrar las minúsculas redes de venas y los sutiles surcos de su interior, los frondosos murales destacan entre los paisajes principalmente urbanos.

La artista se basa en fotografías tomadas de sus plantas domésticas o de las que encuentra en la naturaleza para realizar estas obras realistas. «Me emociono mucho cuando veo que los rayos de sol inciden en las hojas de una forma determinada, haciendo que el verde parezca translúcido», explica, y confiesa que su obsesión más reciente es el cactus de higo chumbo y su brillo iridiscente.

«Pintar plantas no ha sido una decisión de la noche a la mañana. La semilla se plantó hace mucho tiempo, literalmente. De niña siempre ayudaba a mi madre en su gran huerto, a veces de forma divertida, a veces parecía más una tarea. Pero inconscientemente iba recogiendo toda esa información que me transmitían. Y aunque viví la mayor parte de mi vida adulta en grandes ciudades… algo en esa línea lo resume bien: «Puedes sacar a la chica del jardín, pero no puedes sacar el jardín de la chica». -Adele Renault 2021

Podéis conocer mas de cerca su trabajo visitando su web y siguiéndola en Instagram

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Juan Pablo Echeverri el artista colombiano de las mil caras (1978 – 2022) era, pero siempre será uno de los mejores y mas reconocidos artistas contemporáneos, quien dedico su obra a el mismo, pero no desde el egocentrismo como tal, sino desde la exploración de las «mil caras» que una sola persona puede tener y todo lo que puede representar.

En 1995, cuando inició sus estudios de artes visuales en la Universidad Pontificia Javeriana empezó a tomar esporádicamente fotos de 4×5 cm para sus diarios personales. Al convertirse en un hábito diario, el repertorio de fotos se convirtió en un proyecto a largo plazo titulado «Miss Fotojapón» (Enlace)

La columna vertebral de mi trabajo es una serie que llevo a cabo desde 1998 y que se convirtió en una actividad diaria para mí en el año 2000: he ido a un fotomatón y me he hecho una foto de carnet cada día durante los últimos 22 años. Se titula «miss fotojapón». Todo empezó con un diario escrito, y el hecho de que había un estudio fotográfico que hacía fotos de pasaporte cerca de mi casa en Bogotá, Colombia.

Un año después de su graduación, en 2003, «Miss Fotojapón» hizo que Echeverri expusiera en solitario en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y en 2010, una parte de esta obra sería adquirida por el Museo del Banco de la República para su exposición permanente «Ires y venires» .  En 2022, Miss Fotojapón superaba las 8000 fotografías, y había sido expuesta en importantes galerías al rededor del mundo como en la Saatchi Gallery de Londres como parte de la exposición «From Selfie to Self-Expression» en 2017, e incluida en los libros 500 Self-Portraits (2018) y «Younger than Jesus Directory» (2009), ambos publicados por Phaidon Press.

Hoy, «Miss Foto Japón», su obra maestra, que ya se es una pieza clásica para el arte colombiano, es solo un pedazo del gran legado que deja este joven artista que a sus 43 años de edad logró marcar la diferencia y hacer parte de la historia del arte contemporáneo en Colombia.

Juan Pablo Echeverri el artista colombiano de las mil caras se cuestionaba sobre la idea del ‘yo’, el género y la identidad

Soy coleccionista y disfruto coleccionando todo tipo de cosas. Con el tiempo, mi trabajo se ha convertido en una colección en sí misma, una colección de personajes que he creado alterando mi imagen. Jugar con mi propia apariencia y convertirme en cualquier cosa y persona que quiera se ha convertido en mi forma de reflejar mi visión del mundo. Me interesa mucho cómo la gente construye su «yo». Al fin y al cabo, «si todos somos únicos, solemos intentar proyectar esta singularidad en la forma en que nos presentamos al mundo».

Echeverri construyo una carrera firme y original en la que el autorretrato es el eje, aparte de su extensa serie de Mis Fotojapón, también creo series cortas que, como «Fantasía de Macho maduro» (2001), «Merengue glacé» (2007), «Supersonas» (2011), «FuturoSEXtraños» (2016) y Muertos Vivientes (2019), obras que han sido expuestas en lugares importantes como el Museo Nacional de Colombia en Bogotá, la Bienal de Arte Contemporáneo de Irlanda (2018), y los Rencontres d’Arles en Francia (2017) dentro de muchas otras, en pocos días tenia una exposición importante en México

«Él es una de las figuras más relevantes del panorama del arte contemporáneo. Era como una clase de estrella en música y esta muerte prematura va a dejar una fuerte impresión entre quienes lo conocimos. Creo que su legado persistirá”, señaló el artiosta Andrés Moreno Hoffman en un comunicado.

Desde 2012, Echeverri colaboraba estrechamente con el reconocido fotógrafo alemán Wolfgang Tillmans (Instagram), tanto en el montaje de exposiciones como en la participación en algunos de sus proyectos musicales, justamente estuvo el mes pasado de mayo con el en Nigeria en donde fue picado por un zancudo que le transmitió la malaria y fue la causa de su prematura e impresionante muerte, increíble para muchos e inaceptable para otros. Sea como sea seguirá vivo a través de su obra que podéis ver completa en su web

Me imagino como un medio para que existan «otros», y desde hace más de una década fantaseo con ser «cualquier cosa» menos yo mismo. Me gustan mucho los estereotipos y cómo se vuelven tan identificables, y también funcionales. Muchos tienden a pensar que saben qué esperar de una persona que va vestida de una determinada manera. Es como una etiqueta/estigma. QEPD Juan Pablo.

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Las esculturas realistas sobre animales de Nichola Theakston estan llenas de sensibilidad y reflexión. Inspirándose en la fauna que se ve comúnmente en el Reino Unido, como las liebres y los perros de caza, Theakston se centra también en especies que se encuentran lejos o en peligro de extinción, como los langures o los osos polares, amenazados por la caza y la pérdida de hábitat.

Se inspira en antiguas culturas que adoraban a determinados animales, como la diosa egipcia Bastet, que era honrada en forma de gato y alejaba los espíritus malignos y las enfermedades, sobre todo las relacionadas con las mujeres y los niños.

Las esculturas de animales apacibles, esculpidas en terracota y fundidas en bronce, representan un mundo animal tranquilo en el que las especies se relajan reflexionan y sueñan, evidente en lo ojos semicerrados o rostros girados hacia el cielo de cada obra que explora íntimamente los sentimientos y la empatía.

«La noción de que una criatura individual puede experimentar alguna dimensión espiritual más allá de sus comportamientos animales instintivos es la premisa que subyace en gran parte de mi obra»

Esculturas realistas únicas y originales

Las obras únicas, normalmente construidas con bobinas o losas, representan formas personales de abordar un tema, y pueden formar parte de una pequeña serie o de un conjunto de obras que evolucionan a lo largo del tiempo. Trabajar en serie facilita la búsqueda de una idea o un gesto elusivo que no siempre se capta inmediatamente.

En el estudio, Theakston (web) comienza a moldear la arcilla para dar forma a los felinos, monos y perros, procurando reflejar los gestos y contornos que dan a cada uno de ellos su carácter distintivo. Cada escultura refleja de forma única y realista, las alteraciones emocionales del ser humano, invitando a la contemplación y la conexión con el mundo natural en equilibrio.

Algunas de ellas se funden en bronce, al que aplica una pátina que proporciona a las esculturas una textura y un tono característicos. Algunas piezas se conservan en terracota, aplicada con láminas de colores distintivos.

«Mi principal razón para trabajar es intentar elevar al animal a una expresión de algo más allá de una representación de su forma»

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Los murales sobre critica social del artista urbano italiano MrFijodor se caracteriza por sus mensajes activistas compuestos por figuras básicas que expresan mensajes directos e incluso irónicamente responsables, basándose en una simple interpretación, para poder conversar continuamente con el espectador.

A menudo, sus obras se caracterizan por una crítica de carácter social o ecológico, recurriendo a una sonrisa inocente y a un estilo espontáneo y directo, sin elementos culturales complejos.

Murales sobre critica social aparecen a la afueras de Turín en el marco del «Nichelino Lights Up Fest»

«Nichelino Lights Up Fest» es un nuevo festival dedicado al arte urbano y este año se celebra la segunda versión, para esta edición el artista MrFijodor a participado con su mural  «Gray Heron: The Good Immigrant» (Gray Heron: El gran inmigrante), en el cual  interpreta el concepto de hogar, eligiendo como símbolo de esta metáfora un animal migratorio típico de la zona como lo es la garza real. El ave representada por MrFijodor es una de las aves migratorias que llega a las zonas más al norte de la Tierra, hasta el Círculo Polar Ártico.

Con este mural, MrFijodor (web) pretende representar las terribles condiciones a las que se enfrentan los migrantes que intentan llegar a Europa por mar. Al igual que la garza real, la migración está constantemente amenazada por factores externos, representados visualmente en el mural a través de los detalles que componen el dibujo.

En este mural representa el concepto de hogar como el lugar de refugio un lugar anhelado que a veces se busca por encima de la visa misma.  Esfuerzo que necesita ser mas valorado por la sociedad. Esta conciencia, combinada con la sensibilidad medioambiental, son temas que MrFijodor aborda a menudo en sus obras.

Una vez mas vemos como se crean mas espacios que unen el arte y la consciencia para buscar un mejor mundo, una mejor sociedad y trata de salvar este mundo aunque sea con un poco de color y arte. Podéis ver más del trabajo de MrFijodor en su Instagram.

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La primera imagen para darte a conocer es un buen curriculum vitae, una herramienta indispensable para encontrar ese trabajo que estas buscando. A la hora de diseñar un curriculum debes tener clara todo la información que vas a mostrar y los elementos que quieres incluir, ideas claras, precisas y bien explicadas.

Para destacar  mejor trabajo y creatividad, necesitas una estilosa plantilla de curriculum vitae para que tus futuros clientes puedan contactarte fácilmente y ver con claridad tu fuerzas y debilidades en un simple vistazo, sin enredos ni parafernalias.

Por lo tanto, hemos elaborado una breve recopilación de plantillas de currículum vitae gratuitas que cuentan con muchas funciones para mostrar tu trabajo, proyectos, educación y campo de interés de la manera más profesional y creativa.

Fernando Báez

Tilman Roeder

Tap Tap Ideas

Bro Luthfi

Ayoob Ullah

Wassim Awadallah

Con las plantillas gratuitas para curriculum vitae en formato photosop que os dejamos para descargar, os servirán de modelo para daros una idea de como realizar una buena hoja de vida y una buena manera de presentar una imagen limpia y con estilo de vuestra carrera profesional.

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