Los retratos callejeros de TBow son asombrosos, tienen una capacidad increíble para captar la atención y conmover el corazón y la mente del espectador. El fotógrafo Tom Bowden conocido como TBow nos invita a reflexionar y a apreciar los habitantes de calle quienes son los protagonistas de sus imagenes, con quienes podríamos habernos cruzado por la calle sin prestarles atención. Tbow humaniza a estas personas que la sociedad deshumaniza día a día.

Tom retrata a gente interesante y cuenta sus historias, además se relaciona con sus modelos callejeros con un peculiar estilo participativo con sus personajes, y a menudo graba sus historias de vida. Su trabajo demuestra compasión por sus personajes y lleva al espectador a un mundo a veces brutal, desgarrador y lleno de magia.

“Love street”  la monografía artística de los retratos callejeros de TBow

Con su cámara en mano a modo de pasaporte, la serie Love Street es el retrato-diario de TBow, de la vida de los seres humanos apartados en Estados Unidos . Reconocido por su estilo único, TBow transforma de alguna manera a sujetos en principio rebeldes en cómplices participantes en sus retratos. “Love Street” es una visión única de la gente, fotografiada a través de la lente de un gran observador de la condición humana.

La famosa fotógrafa documental Maggie Steber afirma: “Hoy en día, gran parte de la fotografía callejera es distante. No la de TBow. Es un juglar visual y un trovador. Las personas se sienten cómodas con él y le revelan sus historias”. A lo largo de la monografía hay textos breves que cuentan historias sobre algunos de sus sujetos. El trabajo de TBow es extraordinario, muy revelador y de gran belleza. Podeis conocer más de cerca su trabajo entrando en su web , además no podeis dejar de seguir su perfil de instagram donde cada post es no solo una obra de arte, sino una historia conmovedora que vale mucho la pena observar.

Leer la entrada completa en “Love street” Retratos callejeros de TBow .

En la década de 1970 y 1980, Venice Beach, California, se convirtió en un verdadero epicentro de la cultura del surf y el skate. Esta playa icónica, ubicada en el oeste de Los Ángeles, atrajo a una comunidad única de surfistas y skaters que dejaron una huella imborrable en la historia de estos deportes y en la cultura popular en general.

El Surgimiento de una Subcultura: El surf y el Skate de Venice Beach

En esos años, Venice Beach era mucho más que solo arena y olas. Era un crisol de creatividad, rebeldía y autenticidad. La playa atraía a personas de todas partes del mundo, pero eran los locales los que realmente le dieron forma a su personalidad única. Los surfistas y skaters se convirtieron en los protagonistas de este escenario, llevando su estilo de vida a un nuevo nivel.

El surf era el corazón de la cultura de Venice Beach en esos días. Los surfistas locales eran conocidos por su destreza en las olas y su actitud relajada ante la vida. Se pasaban horas en el agua, perfeccionando su técnica y disfrutando de la libertad que las olas ofrecían. El famoso “Breakwater” de Venice Beach era uno de los lugares más codiciados para surfear, con sus olas consistentes y largos paseos.

Si bien el surf era una parte integral de la cultura de Venice Beach, el skateboarding también estaba en auge. Los skaters locales se adueñaron de las calles y los parques de la ciudad, realizando trucos audaces y creando una cultura de skate única. El “Dogtown and Z-Boys,” un grupo de skaters que surgió en Venice Beach, se convirtió en leyendas en la comunidad y contribuyó significativamente al desarrollo del skate moderno.

La cultura del surf y el skate de Venice Beach también se fusionó con la música y el arte de la época. Bandas como The Doors y artistas como Jim Morrison frecuentaban la zona, añadiendo un toque psicodélico a la atmósfera. Además, los murales y grafitis que decoraban las paredes de Venice Beach reflejaban la creatividad y la rebeldía de la comunidad.

El Legado de Venice Beach

Aunque los años 70 y 80 quedaron atrás, el legado de Venice Beach en la cultura del surf y el skate perdura. La zona sigue siendo un destino icónico para los amantes de estos deportes, y su espíritu de autenticidad y creatividad sigue vivo en la comunidad local. Los surferos y skaters de Venice Beach de esa época dejaron una marca imborrable en la historia de estos deportes y en la cultura popular en general, y su influencia se siente aún hoy en día. Si de verdad os apasiona tanto como a nosotros Venice Beach, podeis seguir indagando en este enlace.

Leer la entrada completa en 1970 Venice Beach Shots .

El arte multimedia de LuYang se ha consolidado en el mundo del arte contemporáneo a través de la creación de vídeos envolventes que conjugan avatares digitales, estética de videojuegos y el anime con el budismo y la psicología. LuYang tiene sus raíces en elementos de la cultura pop japonesa que influyeron mucho en su generación en China. A través de los videojuegos, el anime y la ciencia ficción, LuYang explora a través del arte multimedia ideas como la sexualidad, la asexualidad, la religión, la salud mental y la muerte, entre otras temáticas psicológicas. Sus obras están muy arraigadas en la subcultura otaku japonesa, término con el que se describe a las personas que tienen una cierta fijación por el anime, el manga o los videojuegos.

La narrativa de las obras de LuYang también se inspira en las filosofías budistas, sobre la búsqueda de la iluminación y la reencarnación. “En el budismo existe la idea de que nada es real, ya sea en el mundo digital o en el físico. No se puede tocar, es como una burbuja o un sueño. Basándome en este concepto, no creo que los mundos digitales sean falsos. Son reales”.

Los avatares en el arte multimedia de LuYang

Los diseños de LuYang, el artista nominado Artista del Año 2022 por el Deutsche Bank, con frecuencia presentan avatares posthumanos no binarios. Un ejemplo es Doku, una supuesta reencarnación digital del propio LuYang, que protagoniza muchas de sus películas, como DOKU Digital Descending (2020-en curso), presentada en la Bienal de Venecia de 2022. Su nombre hace referencia a la frase “Dokusho Dokushi”, que significa “Nacemos solos y morimos solos”.

Las películas de LuYang están producidas en colaboración, con científicos, animadores y otros profesionales que aportan su experiencia para convertir las expresiones faciales del artista en sus andróginos protagonistas utilizando tecnología audiovisual. LuYang es un artista con un repertorio de obras increíbles que podeis ver en su web y seguir en Instagram.

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Las pinturas geométricas de Eamon Ore-Giron combina una extensa gama de estilos e influencias visuales. Sus pinturas abstractas y llenas de color, hacen referencia a tradiciones indígenas y artesanales, como ruedas medicinales de los nativos americanos y tapices amazónicos, y también a las vanguardias del siglo XX, desde el suprematismo ruso hasta el arte latinoamericano del hormigón, transitan entre temporalidades y encuentran eco en distintos contextos culturales. Ore-Giron también trabaja con vídeo y música, y su trabajo en todos los medios pone de manifiesto una historia de intercambios culturales transfronterizos.

Ore-Giron, actualmente radicado en Los Ángeles, es un artista profundamente influenciado por su entorno. Su padre peruano y su madre de ascendencia irlandesa lo criaron en Tucson, lo que le permitió vivir en una mezcla de culturas globales, desde la latina y la indígena hasta la andina y la europea. Su lenguaje visual es evidente en sus pinturas.

Las pinturas geométricas de Eamon Ore-Giron transforma símbolos culturales

La pintura monumental de Eamon Ore-Giron transforma símbolos culturales en vívidas geometrías. Colores vivos y equilibrados componen sus pinturas en las que se mezcla estructuras arquitectónicas, mapas cósmicos, textiles sudamericanos, jeroglíficos y símbolos indígenas. Sus obras a gran escala representadas sobre lienzos de lino, estan creadas a menudo con pintura mineral y pintura “Flashe”, la primera pintura sintética de la historia del arte, creada en 1654.  Sus obras son envolventes y visionarias, y llevan al espectador al interior de las perspectivas planas y geométricas de Eamon Ore-Giron.

La obra de Ore-Giron, tanto en solitario como en colaboración, se ha presentado en el San Francisco Museum of Modern Art (2019); Hammer Museum, Los Ángeles (2018); LAXART, Los Ángeles (2015); OFF Biennale Cairo (2015); Pérez Art Museum Miami (2013); Los Ángeles County Museum of Art (2008); El Museo Universitario de Ciencias y Arte, Roma, Ciudad de México (2006); y en Prospect.3, Nueva Orleans (2014). Ore-Giron ha sido seleccionado recientemente para importantes encargos públicos en Nueva York y Los Ángeles. Se licenció en Bellas Artes por el San Francisco Art Institute y obtuvo un máster en Bellas Artes por la Universidad de California en Los Ángeles. Podéis conocer más de su obra entrando en su web.

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El proyecto de Samuel Peralta, titulado “Lunar Codex”, tiene como objetivo enviar a la Luna, a finales de este año, obras de más de 30.000 artistas, escritores, cineastas y otros artistas. Peralta quien es físico y guionista de ficción intenta hacerse un lugar en la Luna con este experimento, mientras los programas espaciales de todo el mundo se apresuran a explorar la atmósfera lunar.

“Lunar Codex” Es el primero proyecto en llevar cine y música contemporáneos a la Luna. Es el primero en incluir obras de artistas discapacitados; obras de artesanos en madera, arcilla, bronce, piedra, mosaicos, tela; obras de tatuajes con tinta, arte digital, arte urbano con aerosol; y en incluir poesía de una colaboración entre humanos e inteligencia artificial.

¿Cómo y cuándo llegarán a la luna las obras del proyecto de Samuel Peralta?

La colección, está dividida en cuatro cápsulas con distintas fechas de lanzamiento, se compone principalmente de arte visual, aunque también incluye libros, podcasts, poesía, ensayos, música y películas. Han contribuido con sus obras artistas de 158 países y todos los continentes, y las obras están almacenadas en tarjetas de memoria digital y en una tecnología analógica más reciente conocida como NanoFiche. Esta tecnología, similar al microfilm, es muy ligera gracias a su base de níquel y puede guardar 150.000 páginas de información grabadas en una sola hoja de 8,5 x 11 pulgadas. En una reciente entrevista, Peralta comparaba esta innovación tecnológica con otro archivo actual: El “Golden Record” de la NASA, que envió audio e imágenes a la Luna a través de la Voyager en 1977.

La primera cápsula del Códice Lunar, “Orion Collection”, ya ha completado su viaje con la Artemis I de la NASA y regresó el 11 de diciembre de 2022. Está previsto que la “Colección Nova” despegue hacia el cráter Malapert A situado en el polo sur lunar en octubre o noviembre, la “Colección Peregrine” hacia el plano Sinus Viscositati en noviembre o diciembre y, para terminar, la “Colección Polaris” hacia el cráter Nobile y el polo sur lunar. Éstas permanecerán en la Luna. Podéis conocer más de este interesante proyecto en su web.

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La más reciente serie de la fotógrafa Kamilla Hanapova“Ovejas Negras” es un homenaje a los “incomprendidos” y al poder del ” ser humano”, es una serie que invita a reflexionar sobre las apariencias que suelen engañarnos y sobre el poder que tiene la expresión personal que nunca debe juzgarse a simple vista. “Ovejas Negras un recordatorio de que las apariencias a menudo engañan. vivimos en un mundo en el que se juzga en un instante precipitado, sin embargo, la expresión personal es un viaje y nunca debe juzgarse a simple vista”.

En BLACK SHEEP, Kamilla no sólo captura imágenes, también cuenta historias. historias que celebran la individualidad, defienden la libertad de expresión y resaltan la importancia de la tolerancia. “A veces, los que nos apresuramos a etiquetar de ‘repulsivos’ o ‘difíciles de entender’ son las mismas almas rebosantes de bondad, amor y un profundo sentido de la conexión”.

fotógrafa Kamilla Hanapova

La fotografía de Kamilla Hanapova tiene un estilo único y es reconocida por su habilidad con el uso de la iluminación y la creatividad en sus conceptos. Kamila es una fotógrafa afincada en San Petersburgo, Rusia que se especializa en fotografía de retrato, belleza y arquitectura. En su trabajo, Kamilla siempre busca transmitir un mensaje, una expresión, un nuevo punto de vista de las cosas cotidianas que permita a la gente verlas de otra manera y abrir nuevos horizontes de pensamiento. Su aspiración es crear una realidad propia, según su visión personal o según cómo le gustaría que fuera la realidad.

“En general, me inspiro en instalaciones, esculturas, performances, land-art y pinturas; en la moda moderna, el cine, los libros y la música; en la astronomía, la astrofísica y la cosmología. De toda esta diversidad obtengo una increíble dosis de energía que me llena como ninguna otra cosa” . Podéis ver más del trabajo fotográfico de Kamilla en su web y siguiéndola en Instagram.

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Elena Yeo es una ilustradora, también conocida como Ellustrate, es directora de arte y diseñadora, con sede en Singapur. Su estilo ilustrativo  es muy tipográfico y con una gran cantidad de detalles. Elena cree firmemente que todo el mundo tiene la capacidad de dibujar, siempre y cuando pongan su corazón en ello. Además ve la ilustración como una forma poderosa de comunicación que le permite transmitir sus propios pensamientos e ideas a través de imágenes que están más allá de lo que las palabras pueden ofrecer.

Elena comenzó sus estudios de arte humildemente asistiendo a clases nocturnas en un centro comunitario cercano antes de poder asistir a cursos ANPA (Nanyang Academy of Fine Arts). A pesar de una parada repentina en sus estudios, logró ingresar en la escuela de NTU de Arte, Diseño y Medios de Comunicación, y por fin se graduó en julio de 2011 con el el título de Licenciado en Bellas Artes, con especialización en Comunicación Visual con honores.

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Si has viajado a las vegas seguro que te has encontrado con el letrero Welcome to Fabulous Las Vegas un hito de la ciudad de Las Vegas en el estado de Nevada erigido y presentado al público en mayo de 1959 por la firma local Western Neon.
El letrero de Las Vegas de 7,5m de alto, con iluminación interna, fue diseñado por la fallecida artista y diseñadora Betty Willis.

Betty Willis comenzó a diseñar letreros y en especial de neón en los años 50s para YESCO  y otros fabricantes de letreros de la época. En 1952 se trasladó a Western Neon, una pequeña empresa local, de donde, en 1959, el vendedor Ted Rogich, padre del consultor político Sig Rogich, tuvo la idea de proponer un cartel de bienvenida para la autopista que llegaba desde Los Ángeles.

La historia del cartel Welcome to fabulous Las Vegas

Ted y Betty estuvieron de acuerdo en que el cartel tenía que ser algo llamativo que realmente proclamara la ciudad de “Las Vegas”. El diseño final terminó siendo un lema con fuentes de diferentes familias, bordeado de bombillas amarillas, y rematado con una estrella de ocho puntas que llamaba la atención de todos los coches que pasaban hacia el norte por la autopista 91, “Welcome to Fabulous Las Vegas” (Bienvenido al fabuloso Las Vegas).

A pesar de que la autopista pertenecía técnicamente al estado de Nevada, Ted vendió el letrero al condado de Clark, donde el alcalde Harley E. Harmon, quien “tenía mucho swag en aquellos días”, dijo: “Al diablo con el estado”. Ponedlo”.

Betty explicó que la forma de diamante redondeada del letrero de neón estaba inspirada en el logotipo de Goodyear de la época, y que la idea de la explosión estelar surgió de la del logo de Disneylandia, que para ella significaba un destino feliz.

Los siete dólares de plata detrás de cada letra de “Welcome” eran un símbolo de buena suerte para los visitantes que entraban en la capital mundial del juego y casinos. Su diseño nunca fue registrado como marca registrada, ya que Betty sentía que la ciudad necesitaba publicidad gratuita, y ha sido adaptado en volantes de coches, matriculas de Nevada, campañas de marketing para la Southwest Airlines, entre miles de otros formatos que seguro habréis visto en algún lugar.

En 2005 Betty fue entrevistada por el New York Times donde dijo: “Nunca me sentí como una gran artista en lo que estaba haciendo, pero tenía buenas ideas. Y estaba dispuesta a tomarme el tiempo para aprender de toda la ingeniería y elementos técnicos relacionados con los letreros de neón”.

La directora ejecutiva del Museo de letreros de neón, Danielle Kelly, dijo: “Betty Willis fue una diseñadora gráfica que dominaba un campo casi exclusivamente masculino durante las décadas de los 50’s y 60’s (como la publicista  Peggy Olson de Mad Men)“.

Mientras que el letrero es actualmente propiedad de Young Electric Sign Company (YESCO), tal vez el hecho más sorprendente es que, en unas Vegas siempre en constante cambio y evolución, aún sigue en pie un emblema de casi 60 años.

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La arquitectura de Alexander Zhidkov es impactante e innovadora, se basa en conceptos futuristas y minimalistas con los que entrelaza una fusión única de diseños contemporáneos con motivos tradicionales atemporales y visiones futuristas, creando una arquitectura magistral e icónica. Zhidkov tiene un amplio y diverso repertorio dentro de su portafolio de trabajos, ha diseñado desde centros urbanos hasta paisajes rurales en los que muestra su enfoque flexible y polifacético de la expresión arquitectónica.

Los imaginativos proyectos arquitectónicos de Alexander Zhidkov son un testimonio de la trascendencia del arte y el poder transformador del diseño creativo, en una época en la que la arquitectura en algunas ocasiones da prioridad a la función antes que a la estética. Cada una de sus obras destaca, pero hay una reciente que sobresale se titula “Casas en los Cárpatos“. Un proyecto en el que el diseño vanguardista se combina con la belleza de la naturaleza. Con sus líneas arquitectónicas armoniosas, las casas salvan el vacío existente entre las creaciones del hombre y las de la naturaleza.

La arquitectura de Alexander Zhidkov es una joya

Asi como las joyas son muestra de lujo y comodidad, la arquitectura de este Ucraniano son muestra de lujo, de confort, de buen gusto, de placer, de comodidad y de estilo de vida. En sus proyectos prioriza siempre la estética y claro no deja atrás la funcionalidad. Cada proyecto es diferente ya que Zhidkov los desarrolla según el entorno donde se encuentre y la estética que pueda aprovechar de la mejor manera las ventajas del espacio.

Grandes ventanales, estructuras minimalistas, geométricas, retro y futuristas al mismo tiempo, hacen de su trabajo una obra de arte del diseño y la construcción, una verdadera joya. Si os ha gustado el trabajo de este arquitecto, no dudéis en seguir cada trabajo en Instagram y también su perfil en Behance, encontraréis verdaderas joyas arquitectónicas y además mucha inspiración.

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Para los que no conocéis a Tristan Eaton, es un artista urbano muy representativo en la “corta pero jugosa” historia del arte urbano, empezó desde adolescente con la fascinación de pintarlo todo en la calle de manera rebelde, después evoluciono a los murales y hoy en día expone su arte urbano en los museos más importantes del mundo.

Tristan Eaton presenta en el Museo de Arte de Long Beach: “All At Once”,  una retrospectiva de 25 años de trabajo en una exposición, llena de arte callejero de guerrilla, de murales icónicos, diseños innovadores y bellas artes.

Durante 25 años, Eaton siempre ha estado a la vanguardia de los múltiples movimientos de arte urbano y en esta exposición, por primera vez, los aspectos más destacados de este viaje se expondrán para que todos los vean.

Un viaje por los años 90 cuando dibujaba carteles de hip-hop underground en Detroit y diseñaba “juguetes artísticos” que se convirtieron en un excito internacional y tambien trabajaba como director creativo en Nueva York, liderando el paso del grafiti a la corriente principal a través de la publicidad comercial.

Al mismo tiempo, Eaton marcaba las calles de todo el mundo y cultivaba un alter ego que subvertía las normas del arte callejero con cientos de instalaciones artísticas ilegales. Todo ese esfuerzo y exploración culmina en un enorme conjunto de obras con el arte mural y la práctica de estudio de Eaton en los últimos 10 años.

La obra de Eaton puede (web) verse en la colección permanente del Museo de Arte Moderno (MoMA), así como en el Museo Cooper Hewitt y en el Museo de Arte de Long Beach (web), que es donde se realizara esta retrospectiva de su carrera artística.

Os dejamos otro artículo que escribimos sobre este genio del arte urbano:  “Tristan Eaton: El rebelde que se hizo un hueco en el arte callejero”

Leer la entrada completa en 25 años de arte y diseño callejero de Tristan Eaton en el Museo de Arte de Long Beach .

El diseño 3D de Paulo De Almeida es reconocido y muy bien valorado a nivel mundial. Además de galardonado con numerosos premios. Su arte hace parte de importantes campañas publicitarias en todo el planeta. Además su divertida obra y sus maravillosas creaciones también hacen parte de exposiciones en reconocidas galerías de arte donde presenta diferentes ilustraciones y Arte 3D.

Paulo de Almeida es un ilustrador bidimensional y un experto en el mundo tridimensional y un fotógrafo y retocador digital muy  innovador que se sirve del lienzo digital para hacer divertidas ilustraciones que van de lo simpático a lo espeluznante. Paulo, natural de Brasil, vive actualmente en Dubai, donde realiza trabajos creativos para Prodigious.

El diseño 3D de Paulo De Almeida es extremadamente solicitado

Si os parece familiar alguna de las ilustraciones de Paulo, es sin duda porque ya la habréis visto en alguna revista, comercial o clip publicitario. Cada marca y anunciante masivo quiere contar con el arte de este galardonado artista que sin querer queriendo, se abrió un camino muy importante en el diseño gráfico y en la publicidad con su gran destreza a la hora de crear diseños 3D.

Hasta hace algunos años el uso de software 3D se relacionaba con la industria audiovisual, pero con el paso de los días y la evolución de la tecnología, esta herramienta de diseño se ha convertido en un medio más cercano y fácil de utilizar y del que la publicidad ha sabido sacar provecho en diferentes formatos, desde comerciales de televisión, publicidad impresa y webs, y es ahí donde Paulo De Aleida ha brillado con luz propia y ha sido clave en el desarrollo de esta tecnología en el ámbito publicitario. Si os ha gustado y sorprendido como a nosotros este artista y su obra, os recomendamos seguirlo en Instagram y también conocer toda su obra en Behance.

Leer la entrada completa en La metamorfosis artística en el diseño 3D de Paulo De Almeida .

Las esculturas submarinas de Jason deCaires Taylor están ubicadas principalmente en entornos marinos sumergidos y sometidos a las mareas, a través de las cuales explora temas actuales sobre la conservación y el activismo medioambiental. Durante los últimos 17 años, Taylor ha sido de los primeros en contemplar el entorno marino como un espacio de arte público, y es especialmente reconocido por crear numerosos “museos” y “parques de esculturas” subacuáticos a gran escala. Para construir las obras emplea materiales con un pH neutro y ecológicamente sensibles para estimular el crecimiento natural y los posteriores cambios.

“Se espera que en los años venideros una variedad de especies endémicas como corales, esponjas e hidroides cambien el aspecto de las esculturas de formas vibrantes e impredecibles. Como la propia Gran Barrera de Coral, se convertirán en una parte viva y evolutiva del ecosistema, poniendo de relieve tanto su fragilidad como su resistencia”.

El artista obtuvo reconocimiento internacional en 2006 con la creación del primer museo de esculturas submarinas del mundo, ubicado frente a la costa occidental de Granada, en las Antillas. Este parque de esculturas submarinas de la bahía de Moilinere está considerado una de las 25 maravillas del mundo por National Geographic.

“Ocean Sentinels” La más reciente serie de esculturas submarinas de Jason deCaires Taylor

Una nueva serie de figuras esculpidas por Jason deCaires Taylor pretende revitalizar la Gran Barrera de Coral. Ocean Sentinels, expuesta recientemente frente a las costas de Townsville (Australia) en el Museo de Arte Submarino, consta de ocho esculturas que combinan las texturas de la vida marina con los personajes de influyentes conservacionistas.

El objetivo de las obras de Taylor es ayudar a estimular un nuevo crecimiento, proporcionar un refugio a las especies en peligro de extinción y alejar a los buceadores de las zonas más vulnerables. Ademas de escultor, Jason es ecologista y fotógrafo submarino profesional, podeis conocer mas de su trabajo entrando en su web.

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Los juguetes de madera de Yen Jui-Lin se muestran con sonrisas pícaras y muecas exageradas, son realmente expresivos personajes de cuento. Yen Jui-Lin, artista de Taiwán, esculpe figuras originales, divide sus figuras por la mitad y hace que broten plantas de sus cabezas, creando caricaturas juguetonas y caprichosas. Cada obra, tanto si es un personaje como una planta, demuestra la imaginación de su estilo y su habilidad en el proceso, que comienza con un boceto a lápiz y un trozo de madera gruesa que explica con más detalle en Instagram, hasta que se convierte en una forma completa.

Estos personajes encantadores atraen todas las miradas por su aspecto alegre y sus bellos dibujos de vetas de madera. Algunos son sólo juguetes, mientras que otros pueden funcionar como floreros, llaveros o perchas de pared. Como veréis el trabajo de Yen Jui-Lin es muy variado y en cuanto a tipo de personajes y usos pero siempre son asombrosos y muy divertidos.

“zoo” La más reciente serie de juguetes de madera de Yen Jui-Lin

Actualmente Yen trabaja en una serie inspirada en el zoo, que lleva más de dos años en marcha. “Esta serie no imita a los animales reales, sino que da forma a la imaginación de los animales con formas bonitas e interesantes”. Yen Jui-Lui crea series de juguetes de madera con personajes cada vez más divertidos y caprichosos. Esta serie de animales inspirada en el zoo, nos presenta unos ositos de madera que pueden convertirse en un recipiente para las monedas o la fruta, un conejo cabizbajo que sostiene una cámara de aire y unos pájaros que hacen florecer flores secas de su cabeza.

Yen reutiliza madera de ciprés, canela y haya, entre otras. Estos adorables personajes llaman la atención por su divertido aspecto y sus maravillosas formas de madera. Esta artista taiwanesa se especializa en esculturas, decoración y mobiliario de madera. Podéis ver toda su obra en Instagram.

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Después de sufrir la muerte de un familiar, el artista de Corea del sur Rudcef decide conectar con el mundo que lo rodea y dejar huella en el a través de la ilustración. Unos trabajos totalmente sorprendentes haciendo alusión a reflexiones obscuras sobre la identidad y mortalidad.

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Los murales de Ratur se reconocen por sus extraordinarios retratos hiperrealistas que parecen hechos de porcelana o cristal y estallan en fragmentos botánicos de hojas de colores intensos y muy contrastados. Arthur Maslard, también conocido como Ratur, se inspira en su experiencia en diseño gráfico y en su vínculo con la naturaleza para combinar rasgos realistas con fantásticos estallidos botánicos y abstractos paisajes de color. “Cada pared es un reto y diferente, siempre hay una parte de improvisación y adaptación. Yo diría que el factor más restrictivo es el tiempo”.

Entre sus influencias, destaca el pintor hiperrealista húngaro István Sándorfi, quien perfeccionó la minuciosa interacción de la luz con la piel y los tejidos. Ratur trabaja a menudo con su hermano Oscar, conocido como SCKARO, y entre los dos crean imágenes hiperrealistas que revelan lo que Ratur describe como “seres humanos enfrentados a una naturaleza en ruinas, figuras míticas y símbolos del renacimiento perpetuo”.

Más detalles sobre los murales de Ratur

Durante su infancia siempre tuvo una conexión con la naturaleza que ha sido la principal inspiración de su obra. Desde muy pequeño, Ratur empezó a expresar su creatividad a través del dibujo y el graffiti. Cuando terminó sus estudios de diseño gráfico, se centró en el lienzo y los murales. Sus murales reflejan el dinamismo de la puesta en escena de cuerpos y rostros, cuyo hiperrealismo se ve amplificado por su singular uso de los colores y las pinceladas.

En el lienzo, su gran atención a los detalles se observa en el trabajo de los paños, así como en los tonos de la piel, pasos que sigue del pintor húngaro Istvan Sándorfi en cuanto al uso de técnicas flamencas y colores pastel. Su formación como diseñador gráfico le ha permitido mezclar la naturaleza muerta clásica con formas abstractas. Su arte y en general cada una de sus obras retan a reflexionar sobre la naturaleza y toda su belleza. Ratur también ha participado en innumerables festivales de murales y exposiciones de arte en Europa y Estados Unidos. Podéis conocer mas de su obra entrando en su web y siguiendo su Instagram.

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Juan Carlos Guerrero es el nombre real de este diseñador gráfico e ilustrador creador de Ink Bad Company. A pesar de haber nacido en Jaén, vive en la ciudad de Valencia y se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Granada, pero fue en la ciudad de Valencia donde se especializó en ilustración en la Universidad Politécnica.

A Juan Carlos le apasionan los tebeos de superhéroes, el rock´n roll y las películas de terror de bajo presupuesto.

Actualmente está representado por The Mushroom Company. Reconozco que me encantan este tipo de ilustraciones, además algunos me recuerdan a los dibujos de los Punk-O-Rama,  e ilustración custom de Coop, en su mayoría punk rock, editados por el sello discográfico Epitaph Records, propiedad del guitarrista de Bad Religion, Brett Gurewitz.

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Las acuarelas de Graham Franciose nos presentan mundos de fantasía llenos de magia y surrealismo. Cada día, el artista e ilustrador Graham Franciose se sienta con acuarela, gouache y una pequeña hoja de papel para pintar un escena caprichosa o un momento surrealista. Este artista ha creado más de 450 piezas, que muestran los distintos estados de ánimo, mediante escenarios misteriosos y figuras contemplativas y serenas.

«Pongo mi teléfono en el trípode y enciendo la cámara timelapse y simplemente empiezo a dibujar. Me he dado cuenta de que al filmarlos evito cuestionarme a mí mismo o pasar demasiado tiempo deliberando sobre decisiones como el color o la composición, y me obliga a confiar en mí mismo y en mi práctica», comenta Graham.

«What Is Inside the Tree Is Inside of You, It’s Inside of Me» la mas reciente obra de acuarelas de Graham Franciose

En su actual exposición What Is Inside the Tree Is Inside of You, It’s Inside of Me (Lo que hay dentro del árbol está dentro de ti, está dentro de mí), Graham Franciose habla sobre su fascinación por el fenómeno del crecimiento, la decadencia y el renacimiento lo cual le ha llevado a crear una emotiva serie de obras centradas en la relación inherente entre el ser humano y el resto del mundo natural.

Aparecen unos personajes sentados en gigantescos troncos, de sus cuerpos brotan plantas y se extienden para interactuar con los aros de crecimiento anual en una narración enigmática y metafísica. «Las piezas de la colección no son realmente ensayos sobre este tema, sino más bien poemas visuales, con el hilo conductor enraizado en la conexión que tenemos con las plantas y los animales y con el mundo natural en su conjunto.» Podéis conocer más de su trabajo entrando en su web y en Instagram.

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Las ilustraciones de Domien Delforge hablan de cosas que incomodan, de realidades que si no nos las dicen con humor no las entendemos y que con un poco de sarcasmo e ironía nos caen mejor. Domien Delforge, conocido popularmente como Studio Stoutpoep, es un artista belga con mucho talento que ilustra temas polémicos de la actualidad, su obra hace reír a algunos, pero puede llegar a crear polémica y provocar álgidos debates en los comentarios.

En sus sus humorísticas ilustraciones encontramos reflexiones sobre temas como la masculinidad tóxica, los prejuicios de género, los retos de la mujer, el amor propio y la política entre otros. «Se trata de la importancia del humor y de ser capaz de reírse prácticamente con todo. Hacer bromas es importante para hacer llegar mensajes con un tono más serio a un público amplio. Y reírse con todo es importante para luchar contra la censura, porque la censura hoy en día es un enemigo global para mucha gente.» Comenta el artista afianzando la base de su arte.

Las ilustraciones de Domien Delforge en Instagram

Studio Stoutpoep es el alter ego de Domien y es el nombre que le ha dado a su cuenta de Instagram en donde entre rosa y azul claro deja caer las irónicas ilustraciones llenas de mordaces e irreverentes mensajes. Studio Stoutpoep es el medio que usa este artista para compartir sus ilustraciones que son en realidad una válvula de escape a su acartonado mundo laboral ya que de día es banquero y de noche ilustrador.

Domien dice que dibuja lo que se le pasa por la mente, sin filtros y sin barreras y  cree que el mundo ya es demasiado triste y restrictivo como para además ponerle límites y censuras a los pensamientos y a la imaginación. Para terminar, el artista nos deja con esta frase que le recuerda el valor de hacer lo que hace día a día: «Por definición, tienes que vivir hasta que mueres. Mejor hacer de la vida una experiencia lo más completa y agradable posible, en caso de que la muerte sea una mierda, que sospecho que lo será». No os perdáis todo su trabajo entrando en su web.

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El arte kitsch de Amy Coleslaw es una historia de amor con el fieltro y la cultura pop de los 90. Su trabajo se caracteriza por estar fuertemente influenciado por sus experiencias de la niñez. Como niña de los 90, Amy creció en la época de los trolls, los Polly Pockets y » extraños bichos como Mr Blobby». Sin duda, todo ello ha influido en su estilo artístico.

Por otra parte, es gran admiradora del artista Mark Ryden (20 de Enero de 1963) un pintor estadounidense que forma parte del movimiento «lowbrow «o Surrealismo Pop.​ Ha sido llamado «el padrino del pop surrealista» , y sus pinturas, simpáticas y ligeramente escalofriantes, son una importante fuente de inspiración para Amy.

Cómo nace el arte kitsch de Amy Coleslaw

Los primeros trabajos de Amy Coleslaw con agujas y fieltro comenzaron en 2017, durante un viaje a Vancouver (Canadá). Durante una visita al mercado de Granville Island, descubrió a un artista del fieltro con aguja y le maravilló su trabajo. Inmediatamente sintió que era algo que quería experimentar.

Cuando volvió, Amy se dedicó a buscar tutoriales en YouTube y a probar distintos tamaños de agujas y fibras hasta que encontró lo que mejor le funcionaba. En un principio se dedicó sobre todo a hacer retratos de mascotas para amigos y familiares, en 2D y 3D. Durante la crisis, cuando tuvo que ausentarse del trabajo, le quedó mucho tiempo para experimentar y dedicarse de lleno a este oficio.

Para crear su arte son indispensable las cabezas de muñecos las cuales consigue de mercadillos y tiendas de caridad. También los encuentra perdidos en la calle y les da una nueva vida. «Admito que he sacado un par de ellos de los contenedores de detrás de una tienda de caridad… Me encanta la idea de rescatarlos y darles una nueva vida», comenta la artista. Conoce todas las extrañas criaturas de Amy Coleslaw en su página web y no dejes de seguirla en Instagram.

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Los graffitis realistas de la artista Adele Renault exaltan las texturas verdes de las plantas, los suaves plumajes de las palomas y otras aves y las expresiones de la gente de su alrededor. Es una artista con una gran habilidad a la hora e interpretar lo que muchos consideran cotidiano, modificándolo con fuerza en un elemento que podría parecer trivial pero que se convierte en el eje principal de su trabajo.

Desde las palomas hasta las personas, su arte se centra en representaciones realistas tanto sobre lienzos como en murales de gran tamaño. La obra realista de Adele representa su interés por las personas y las palomas, y ahora por las plantas, ya que comparten el hecho de que independientemente del lugar, cada una de ellas se puede encontrar en abundancia.

«Plantasia», la nueva serie de graffitis realistas de Adele Renault

De forma similar a sus masas abstractas de plumas, una nueva serie de murales de la artista Adele Renault resalta los vibrantes colores y texturas que abundan en la naturaleza. Plantasia, compuesta por obras más pequeñas sobre lienzo y piezas públicas a gran escala, engrandece las hojas de los dientes de león, los plátanos, la ortiga y otras especies. Al ampliar los ejemplares para mostrar las minúsculas redes de venas y los sutiles surcos de su interior, los frondosos murales destacan entre los paisajes principalmente urbanos.

La artista se basa en fotografías tomadas de sus plantas domésticas o de las que encuentra en la naturaleza para realizar estas obras realistas. «Me emociono mucho cuando veo que los rayos de sol inciden en las hojas de una forma determinada, haciendo que el verde parezca translúcido», explica, y confiesa que su obsesión más reciente es el cactus de higo chumbo y su brillo iridiscente.

«Pintar plantas no ha sido una decisión de la noche a la mañana. La semilla se plantó hace mucho tiempo, literalmente. De niña siempre ayudaba a mi madre en su gran huerto, a veces de forma divertida, a veces parecía más una tarea. Pero inconscientemente iba recogiendo toda esa información que me transmitían. Y aunque viví la mayor parte de mi vida adulta en grandes ciudades… algo en esa línea lo resume bien: «Puedes sacar a la chica del jardín, pero no puedes sacar el jardín de la chica». -Adele Renault 2021

Podéis conocer mas de cerca su trabajo visitando su web y siguiéndola en Instagram

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