El italiano Paolo Troilo pinta autorretratos con una única herramienta: sus dedos. No emplea pinceles ni paletas y el blanco/negro son sus dos únicos colores de referencia.

Para crear sus obras de gran tamaño sólo necesita empapar los dedos en acrílico y acariciar el lienzo o lanzar la pintura en pegotes. El resultado, figuras llenas de expresividad, expresiones faciales extremas y cuerpos en tensión que transmiten dolor, desgarro y dramatismo en movimiento. Le agradecemos que tras trabajar como director creativo en Saatchi & Saatchi y Arnold Worldwide se lanzara de cabeza a la pintura figurativa. ¡Bendito caos!

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Los dibujos realistas en 3D de Keito (慧人), un artista japonés de 18 años, parecen ilusiones ópticas que sorprenden hasta los que creen haberlo visto todo.

El joven artista Keito (慧人), tiene un talento inmenso y una mano firme y prodigiosa, que le permite crear dibujos realistas o mejor, dibujos hiperrealistas o excesivamente realistas

Sus dibujos a lápiz hacen que la gente se confunda entre la obra de arte y los objetos reales.

A pesar de su escasa edad y su corta carrera, Keito ya es conocido en el mundo entero, por su obra 3D, en al que podemos encontrar objetos cotidianos como latas, alimentos, llaves e incluso piedras preciosas

Sus obras se confunden fácilmente con ilusión óptica, porque son demasiado realistas y precisas, cuando se comparan con los objetos reales.

Keito utiliza lápices de grafito de colores y a veces incluso rotuladores para hacer su dibujos y si observáis de cerca, veréis que utiliza la misma técnica para crear sus obras; primero foto 2D del objetos, desde varios ángulos y después creando la ilusión en 3D.

Keito puede ilustrar prácticamente cualquier cosa para que parezca que ha cobrado vida, para comprobarlo os dejamos su (Instagram) para que no os perdáis ninguno de sus trabajos.

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La artista procedente de Salt Lake city Heather Mahler nos presenta unos trabajos ilustrativos con estética peculiar, gótica y desgarbada que resuenan a ese rebelde interior que llevamos dentro.

Ilustraciones a agua color en sus retratos de simbología feminista, personajes de la cultura popular o ideas de la propia artista aderezados con suaves colores pastel, algodón de color caramelo y tatuajes, inspirados en el anime y llenos de toques divertidos y vanguardistas. 3,2,1… Heather Mahler

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“Numina”: Un país de las maravillas rebosante de criaturas extrañas y escenas fantásticas se estrena en la “Convergence Station” de Denver.

Meow Wolf: Convergence Station, es una enorme exposición de arte narrativo de 90.000 pies cuadrados construida en torno al concepto del viaje cuántico.

Los visitantes explorarán cuatro plantas y más de 70 instalaciones interactivas y envolventes diseñadas por más de 300 creativos, entre ellos más de 110 artistas de Colorado.

Accesible a través de una serie de portales secretos y agujeros de gusano, aparece “Numina” un país de las maravillas que parece un pantano mágico, elevado a 35 pies en el aire

“Numina” esta creado como una experiencia multisensorial que invita a los visitantes a interactuar con su entorno sobrenatural.

Al hablar con alguna de las cuatro criaturas brillantes que parecen erizos de mar, las formas se desvanecen y emiten un eco por todo el espacio.

Los “orbes de hadas”, que cambian de color, también cantan y vibran cuando una persona pasa cerca, y el “jardín de huevos de rana” se ilumina con luces caleidoscópicas y sonidos suaves cuando se activa con el tacto.

El extraordinario y mágico país de las maravillas, fue construido a mano con mucho cuidado a los detalles y con una capacidad altísima para fusionar materiales logrando convertirse en esculturas surrealistas de diversos colores, texturas y formas.

“Los elementos estructurales de madera, por ejemplo, están envueltos en innumerables pliegues que los artistas modelaron a partir de la piel arrugada de los gatos sin pelo.

Mientras que piezas como los “Cerditos de sapo” son creaciones híbridas y los “Nudibranquios” exageran los llamativos cuerpos de moluscos de la vida real estirándolos hasta los siete pies.

“Algunas ‘flores’ están inspiradas en medusas, y algunas ‘medusas’ se parecen más a flores”. Dice Caity Kennedy, directora creativa del proyecto y cofundadora de Meow Wolf.

Podeis conocer un poco mas de este mágico y maravilloso proyecto en la (web) o si Podeis ir o estáis en Denver no dudéis en ir a visitarlo, está abierto desde el 17 de septiembre 2021.

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Jack Garofalo (1923-2004) fue uno de los principales fotógrafos de la revista Paris Match, pasó seis semanas en el barrio de Harlem, Nueva York, en el verano de 1970. Sus imágenes de la década de los 70 tenían una vitalidad única e impronta estética diferente a cualquier otra década antes o después, ya que durante esa década el barrio estaba pasando por una crisis existencial y mucha gente se estaba moviendo a otros barrios de Nueva York para escapar de la mala infraestructura y el crimen de la vecindad.

Algunos se quedaron porque no podían salir, mientras que otros se quedaron porque querían. Pero a pesar de las dificultades, el barrio era un lugar innegablemente vibrante.

“Desde 1970, el éxodo de los residentes ha dejado atrás a los pobres, los ignorantes, los desempleados. Casi dos tercios de los hogares tienen ingresos por debajo de $ 10,000 al año. En una comunidad con una de las tasas de criminalidad más altas de la ciudad, lleno de basura lotes baldíos y viviendas en ruinas, muchos de ellos abandonados y sellados, contribuyen a la sensación de peligro y desolación que impregna gran parte de la zona.” (New York Times)

Las imágenes de Garofalo son como una máquina del tiempo, te llevan de nuevo a un lugar y tiempo que nunca has visto. Y como dijo Camilo José Vergara, otro fotógrafo que documentaría Harlem durante la misma década: “Había algo vital pasando en Harlem en los años 70“.

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Las más impresionantes fotos ganadoras de los Drone Photo Awards 2021. El concurso más importante a nivel mundial sobre fotografía y vídeo aéreos.

El concurso está abierto a la fotografía y los vídeos aéreos cuyas plataformas incluyen aparte de drones, aviones de ala fija, helicópteros, vehículos aéreos no tripulados, globos, dirigibles y dirigibles, cohetes, cometas y paracaídas.

Bajo el lema “Above Us Only Sky” (Sobre nosotros solo el cielo), los Drone Photo Awards 2021. ha recibido casi 14.000 imágenes de fotógrafos aficionados y profesionales de 104 países de todo el mundo.

La foto del año: Una bandada de gansos de patas rosas volando sobre un terreno cubierto de nieve, inmortalizada por el fotógrafo noruego Terje Kolaas, es el ganador absoluto de los Drone Awards 2021, el principal concurso internacional de fotografía aérea.

CATEGORÍA URBANO 
Declaración metafórica sobre la ciudad y el invierno
por Sergei Poletaev: Un monasterio de 500 años de antigüedad en la región de Moscú y una gran central eléctrica al fondo.

CATEGORÍA VIDA SALVAJE

Volver a la aventura por Qasim Al Farsi:  Tortuga verde volviendo al agua tras desovar en su pacífico nido en la costa de Omán

CATEGORÍA DEPORTE:

El oro al final del arco iris por Phil De Glanville: Encontrando el oro al final de este arco iris mientras el surfista, Ollie Henry, escapa de una ola monstruosa en la costa del suroeste de Australia Occidental.

CATEGORÍA PERSONAS:

La pesca en el bosque de manglares por Trung Pham Huy; Un pescador comienza su jornada de pesca en el bosque de manglares de la laguna de Tam Giang, en la provincia de Hue. durante el invierno.

CATEGORÍA NATURALEZA: 

Extragaláctico por Martín Sánchez: Los intensos y gloriosos momentos durante un volcán en erupción con una vista exclusiva desde el interior. Capturado en Islandia.

CATEGORÍA ABSTRACTA: 

Río envenenado por Gheorghe Popa: Es una fotografía detallada de uno de los pequeños ríos llenos de veneno. “Belleza envenenada”  un proyecto personal que cuenta la historia de la catástrofe natural en las “Montañas Apuseni”.

CATEGORÍA BODA: 

Verso l’Infinito Insieme a Te por Matteo Originale: Marina di Pisa, una tarde de verano al atardecer.

CATEGORÍA SERIES: 

Cubierto de retardante de fuego por Adrees Latif: En 2020, Oregón se llevó la peor parte de los casi 100 grandes incendios forestales que asolaron el oeste de Estados Unidos, uno de los más destructivos, quedó cubierta por un retardante de llama rojo lanzado por los bomberos aéreos con la esperanza de salvar la ciudad.

CATEGORÍA VÍDEO: 

Ballet sobre hielo por Nestoras Kechagias

Si queréis ver mas fantásticas fotografías aéreas entra a la (web) del concurso y no os quedéis con ganas de ver los ganadores del año pasado: Las 10 fotografías ganadoras del “Drone Photo Award 2020”

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Un proyecto de arte urbano que relaciona la preocupación por el medio ambiente y la justicia social lleva ya ocho murales a Essex, Inglaterra.

En el marco de una nueva iniciativa que mezcla justicia social y medioambiental, ocho artistas han creado inmensos murales y obras pintadas más pequeñas, para darle voz a los problemas más álgidos.

Uno de los murales más representativos de esta oleada de arte urbano, es el realizado en Basildon, una construcción fundada por el gobierno, para albergar a los londinenses reubicados tras la Segunda Guerra Mundial.

Basildon está marcada por su arquitectura brutalista, un estilo arquitectónico que se asoció con las ideologías de utopías sociales que tendían a promover sus diseñadores.  La idea del brutalismo, como bien dice el nombre, es expresar los materiales en bruto.

“Queremos  invita a la cultura a plantearse nuevas soluciones a viejos problemas para abordar nuestra relación con el espacio público y con los demás”, dice un comunicado.

¡Siempre es bueno ver como el arte puede transformarse en mensajes que pueden cambiar el mundo!.  Podeis ver más del proyecto en (Instagram).

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La artista californiana Normalynn Ablao, también conocida como Copacetic Crocheter, es una artista y profesora de ganchillo afincada en California, que cambia la sémola de trigo de la pasta por hilos tejidos en ganchillo.

La receta de Copacetic Crocheter para hacer unos ricos platos, es secreta pero sabemos que el ganchillo es su toque secreto.

Dando forma cuidadosamente a los penne, a los espaguetis en espiral y a los tortellini rellenos, crea montones de pasta amarilla a partir de hilos apretados.

Como si se trata de macarrones individuales de ganchillo, como de lasaña rellena de ricotta y salsa, los diseños en ganchillo son tan provocativos y reales como los varaderos.

También cocina entre sus agujas de ganchillo, deliciosos postres y tortas, no os perdáis su amplio menú en su (web) y su (Instagram).

Y por si fuera poco, la artista vende los patrones en Etsy (web) por si queréis hacer vuestras propias recetas de ganchillo.

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César Piette es un artista francés que ha buscado que su obra sea fría, y sintética, pero dentro de todo muy real.

Una figura de plástico es real y sin embargo no habíamos visto que fuera pintada con realismo y considerada una obra de arte, esta vez con aerógrafo para no dejar marcas y se conviertan en figuras de plástico enmarcadas.

Aunque Piette revoluciona la pintura con su hiperrealismo plástico, no deja de lado el uso de las técnicas tradicionales como el de la pintura figurativa; capas monocromáticas, perspectiva, luz, composición y efectos de sombreado muy representativos.

Pintadas con aerógrafo, sus imágenes “hiperplásticas” incluyen efectos tridimensionales, aunque los temas de sus obras sigan siendo totalmente clásicos: un desnudo, un pájaro, un bodegón.

Piette viene del mundo de la ilustración, del mundo del cómic y los videojuegos, y sin embargo rechaza la influencia de la imaginería digital y concibe su obra como un juego de construcción.

Aquí, el objeto artificial se acentúa y el carácter lúdico del juguete se toma en serio y se combina con referencias históricas del arte.

No os podéis perder el trabajo de Piette, seguidlo ya mismos en (Instagram), os aseguramos un contenido muy original.

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Wedge & Lever es un estudio de diseño independiente fundado en 2012 con sede en San Diego, California. Este estudio está formado por un grupo de amigos, cuyo proceso creativo tiene un único fin, y es que el diseño tenga un sentido propio y que cada trabajo que realizan tenga la capacidad de comunicar unas ideas claras y de proporcionar unas respuestas estéticamente únicas.

Toman ideas complejas pero que comunican de manera simple, eficaz e inteligente, esto se logra trabajando de cerca con sus clientes para entender sus necesidades específicas, de este modo pueden ofrecer el mejor resultado posible. Dicho esto, recomiendo que veáis la calidad de su porfolio, además, que se agradece ver tantos trabajos y poder apreciar todos los detalles de cada trabajo realizado.

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El Ilustrador, dibujante, artista, famoso por su inquietante humor y sus cómics llenos de ironía; Jon Cornellà ha creado su mas reciente e irónica obra.

Se trata de una figura en vinilo de 15 cm de altura de un hombre sin brazos, vestido con una camiseta amarilla con un mensaje irreverente y tristemente irónico en rojo en la parte delantera que dice: “FREE HUGS”.

Cornellà se ha convertido en un icono del arte pop, gracias a su descarado humor negro y sus ilustraciones mudas impregnadas de ironía, locura y surrealismo.

“Sí, creo que tiene sentido para lo que es mi trabajo… Es algo que debería haber hecho hace mucho tiempo y no sé por qué no lo he hecho en el pasado. La recepción ha sido realmente buena. Creo que la gente lo espera desde hace mucho tiempo y parece que quiere más” Dijo el artista

La figura “Free Hugs” estará disponible a partir del 15 de septiembre en la tienda (web) del artista y si aún no lo sigues, no dudéis en hacerlo te dejamos su (Instagram)

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Si queréis saber más sobre este irónico e irreverente arista no os perdáis esta entrada: Joan Cornellà rozando los límites de lo “correcto”

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En 1978, el reconocido fotógrafo de celebridades, Gregg Cobarr, realiza una una sesión de fotos con Michael Jackson y sus hermanos en un lago privado en Westlake Village.

En las fotos ve un Michael Jackson joven y sonriente, aún no cumplía los 19 años. Se veía educado mientras compartía con sus hermanos en el muelle y se divertían en una barca eléctrica durante la sesión.

Esta sesión fotográfica se daba justo cuando el grupo de los Jackson 5 abandonaba la Motown y comenzaba una nueva relación con Epic Records, el grupo musical se preparaba para el lanzamiento de su primer álbum con Epic, titulado Destiny.

“Estaban muy entusiasmados con un nuevo nivel de su carrera, con nuevas oportunidades”, recuerda el fotógrafo Gregg Cobarr sobre los hermanos Jackson y su hermana pequeña Janet, que debutó en público en la sesión de aquel día de verano de 1978.

Muchos años después, Cobarr aún puede recordar detalles de aquel día, y del joven tan especial que encontró en Michael Jackson. “Tenía un carácter tan amable, sensible, divertido y carismático” Dijo Cobarr. “Me causó una impresión duradera”.

“Hicimos muchas fotos ese día. Algunas en color, otras en blanco y negro, y fue simplemente un día estupendo juntos. Fueron muy profesionales y, al mismo tiempo, pudieron ser ellos mismos. Algunas de las fotos de ese día se utilizaron en materiales promocionales, pero la gran mayoría nunca vio la luz.”

Si queréis conocer más del trabajo de este gran fotógrafo de celebridades, con mas de 40 años de experiencia no dudéis en visitar su (web)

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Shamsia Hassani, pintora que ha dado clases en la Universidad de Kabul, está considerada la primera mujer artista callejera de Afganistán.

Las obras de Hassani representan el papel de la mujer en una sociedad dominada por los hombres y muestran la batalla entre la luz y la oscuridad que ha esclavizado su rol dentro del “hogar”.

Con el tiempo ha ido afianzando su estilo y resaltando su personaje característico; una mujer con los ojos cerrados y sin boca, el cual ha pintado por todo el país, en muros, en edificios bombardeados y hasta en lienzo.

El camino de Shamsia por el mundo del grafiti no ha sido fácil, cuando inicio su obra, el país se volvió más peligroso y no podía salir a la calle. También hubo otros problemas culturales a los que tuvo que enfrentarse.

“La gente en Afganistán no está en contra del arte, pero sí de las actividades de las mujeres”, dijo. “Así que cuando alguien me veía fuera haciendo grafitis, me decían malas palabras, maldecían, y algunos lo llamaban pecado”.

Shamsia afirma que, tras la caída de los talibanes en 2001, a pesar de la guerra, la situación de las mujeres mejoró realmente.

“Durante estos veinte años, muchas mujeres se desarrollaron en diversos campos como la educación, el comercio, la cultura, la medicina, etc. El progreso fue lento pero muy prometedor”.

Pero, por desgracia, las cosas acaban de cambiar. “Ahora, con el regreso de los talibanes (todavía no me lo creo del todo cuando digo esto), muchas mujeres están abandonando el país y… no ven un futuro brillante. El resultado de todos estos años de esfuerzo ha sido para nada”. Confiesa la artista.

Por suerte, Hassani está a salvo pero, para su decepción y tristeza, ha tenido que abandonar su país.

Para conocer más a Hassani visita su (web) y síguela en (Instagram).

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Sorprendentes historias visuales cargadas de emoción y minimalismo nos sorprenden en la fotografía surrealistas de Dasha Pears en las que que transmite estados psicológicos a través de escenas minimalistas centradas en el color.

Dasha Pears es una artista galardonada que basa su obra fotográfica en  el autodescubrimiento y los mundos interiores.

Las fotografías estéticamente limpias y agradables, son la entrada a un universo surrealista en el que cualquier estado psicológico se convierte en algo bello.

A través de fotografías conceptuales, Dasha Pears pone en evidencia el abismo existente entre el mundo interior y el exterior. Sus imágenes representan estados psicológicos, capturando su belleza y su transitoriedad con un toque surrealista. 

“Es mi manera de expresar que controlar tu mente y crear espacio es crucial para descubrir quién eres y quién no eres”.

Dasha utiliza el surrealismo, el minimalismo, el color, la fotografía y la manipulación digital para contar sorprendentes historias visuales con un giro.

Logrando darle a los espectadores la oportunidad de estar en paz consigo mismos, proporcionando un efecto casi físicamente calmante en la psique humana.

Pears vende impresiones de su en la tienda online (web), y en (Instagram) podéis encontrar un gran archivo de sus obras cargadas de emoción y minimalismo.

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 Arnold Schwarzenegger y otros famosos de Hollywood en los años ochenta y principios de los noventa,  ganaban dinero extra haciendo anuncios bizarros en Japón.

La razones de este auge ochentero, se dio porque en esa década Internet aún no existía y era la única forma de que Japón conquistará  a ese público estadounidense. Cabe resaltar que los anuncios eran bastante creativos y producidos con detalle.

Por otra parte, los famosos pensaban que aparecer en anuncios era “venderse” y que la gente no se tomaría en serio sus otras actividades, ya fueran deportivas, de fitness o de actuación, pero en otro país y cultura podía ser diferente.

Pero en Japón, no existe la palabra “venderse”. Las celebridades japonesas lo hacían y no veían ningún problema, sobre todo en la década de 1980.

Otra razón por la razón por la que las empresas japonesas querían celebridades extranjeras en sus anuncios, para que los japoneses se entusiasmasen con la idea de que a otras culturas les interesaran sus productos locales.

Os dejamos un vídeo recopilatorio de algunos de los anuncios japoneses que Arnold Schwarzenegger rodó en Japón entre 1987 y 1992; Desde bebidas vitamínicas hasta fideos ramen, pasando por algunos anuncios japoneses de sus películas The Running Man y Total Recall.

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Formas geométricas e ilusiones tridimensionales transforman la arquitectura existente en los murales anamórfico del italiano Manuel (Peeta) Di Rita , artista del Graffiti, pintor, escultor y diseñador.

Atreves de la interacción, Peeta juega con la sombra y la luz para convertir planos monocromáticos en engañosos murales tridimensionales.

“En mis composiciones pictóricas, escultóricas y murales, las formas geométricas que diseño se comportan al interactuar con el entorno.

En particular, cuando pinto sobre paredes, mi objetivo es crear un diálogo con los parámetros estructurales y culturales del contexto circundante, ya sea arquitectónico o no”  Asegura el artista.

Su objetivo es neutralizar las ideas preconcebidas e incitar a la aparición de nuevas perspectivas a través de su estilo anamórfico que engaña la percepción humana con sus trucos visuales tridimensionales.

“En la actualidad, a través de mis obras anamórficas, rediseño los volúmenes de cualquier superficie implicada, provocando así con mis pinturas una “interrupción temporal de la normalidad” al alterar la percepción de los contextos familiares y planteando así una comprensión diferente de los espacios y, en consecuencia, de la realidad en su conjunto” Comparte Peeta

Podeis ver más de su trabajo en (Instagram) y en su (web), y si os mola  el tema tridimensional en los muros, no os perdáis “La colección de mariposas de Mantra, el artista urbano que juega con ilusión óptica”.

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Las criaturas medio humanas y monocromáticos de Phlegm, se toman las paredes de toda Europa, podéis atraparlas en espacios degradados y en desuso como es castillos, torretas y escaleras de caracol.

Phlegm es un muralista y artista nacido en Gales y afincado en Sheffield que desarrolló por primera vez sus ilustraciones en cómics autopublicados.

Este artista crea ilustraciones surrealistas para historias no contadas, tejiendo una narrativa visual que explora lo irreal a través de criaturas de su imaginación.

El nombre “Phlegm” viene de uno de los cuatro temperamentos de la antigua medicina griega: sangre, bilis amarilla, bilis negra y Phlegm que significa flema. Se creía que la flema era la responsable de un temperamento apático y sin emociones.

Las criaturas de “Phlegm” transmiten la sensación de acción, esfuerzo y perseverancia, estas criaturas medio humanas de otro mundo, aparecen tambien no solo en muros, tambien en grabados, pinturas y cómics.

Cada obra mezcla el estilo pictórico monocromático con el que empezó en su sus primeros cómics y las narraciones folclóricas inspiradas en obras de arte históricas. Cada obra puede parecer cómica o trágica a la vez.

Una obra sin duda, muy especial, es como ver un comic en un muro o un muro en un comic, no lo sé… pero es flipante, podéis seguir viendo su trabajo en (Instagram).

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Yuki Kawae es un diseñador, amante de la jardinería en general y ahora creador de un maravilloso antídoto contra la ansiedad.

Se trata de un jardín Zen que ha revolucionado las redes y que le pone un pare al “Doomscrolling”, el bajado interminable en nuestras líneas de tiempo de las redes, en el que vemos pasar contenido por minutos o hasta horas, sin interesarnos por nada.

Bueno pues ahora será diferente ya que quedareis hipnotizados con Los Jardines Zen del diseñador Yuki Kawae que interrumpen con ese “Doomscrolling” con patrones meditativos.

Kawae construye a mano pequeños jardines Zen y graba imágenes meditativas de cómo con púas de dientes anchos y densos rastrillos, raspa la arena blanca del jardín.

Crea maravillosas formas que imitan el movimiento del agua del mar , fractales y otras formas orgánicas que hacen que paremos a verlas.

Cada video nos impresiona al ver el pulso y precisión con los que Kawae ara meticulosamente los granos de arena creando líneas y formas relajantes,

Cada vídeo le lleva horas de trabajo, desde la creación del concepto , el diseño y la producción del rastrillo, la práctica del patrón, las revisiones, la filmación y la edición. “Puedes tener alguna idea del producto final, pero con la prueba y el error, acabas con un patrón final completamente diferente”

“Todos los patrones del jardín zen no son permanentes, y se borran para empezar uno nuevo. Es temporal, como muchas cosas en la vida. Me enseñó a no pensar demasiado, ya que lo que me estresa también puede ser temporal“. Confiesa Yuki Kawae

Todo empezó en el 2019 cuando Yuki decidió a utilizar la jardinería para escapar de las presiones de la vida y de la ansiedad que provocan las redes sociales.

“Estaba bastante abrumado con las tareas del día a día y con cuáles son los próximos pasos ‘esperados’ en la vida... Un día, me di cuenta de que todos esos pensamientos desaparecían por completo cuando cultivaba el jardín, podaba, regaba y volvía a plantar la tierra” Cuenta el diseñador

Si queréis tener en tu contenido de redes algo que te relaje no dudéis en seguirlo en (Instagram) y ver sus meditativos videos en (Youtube)

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40 años más tarde vuelve ABBA, con música nueva y un revolucionario concierto con hologramas de ellos. 

Una semana emocionante para los seguidores del icónico grupo ABBA, pues sus integrantes, Björn Ulvaeus, Benny Andersson, Anni-Frid Lyngstad y Agnetha Fältskog, anunciaron su regreso a la escena musical.

Todos a la espera de su nuevo álbum y el esperado concierto donde ellos mismo se transformarán en hologramas para cantar su éxitos de toda la vida y las nuevas canciones.

Hasta el momento, el mítico grupo sueco ha presentado dos nuevas canciones “I Still Have Faith in You” y “Don’t Shut Me Down”, que harán parte de su nuevo álbum que se lanzará en noviembre.

Tambien han dejado ver algo de las nuevas versiones digitales de los que preparar para los próximos shows de “Voyage Tour 2022” que empezara en mayo de 2022, y en el que los artistas se convertirán en personajes holográficos, apodados como “Abbatars”, e interpretarán 22 temas.

“No hay imaginación que pueda soñar eso, lanzar un nuevo álbum después de 40 años y seguir siendo los mejores amigos y disfrutar de la compañía del otro, y tener una lealtad total”. Dice Bjorn Ulvaeus.

Podéis saber todo de primera en mano en la (web) de ABBA y seguirlos en (Instagram).

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La artista y escultora Stéphanie Kilgast crea intensos mundos postapocalípticos llenos de corales, hongos y frondoso musgo. Utiliza como base utensilios desechables, arcilla pintada de colores y texturas increíbles.

Inspirada en las formas naturales, las obras de Stéphanie Kilgast son una oda a la naturaleza y a su biodiversidad actual. Plantas, hongos, insectos y otros animales se encuentran en un vibrante remolino de colores bajo su pincel o herramientas de escultura.

“Mi obra es una oda a la vida. Utilizo basura, objetos viejos y libros sobre los que creo una representación vibrante y abundante de plantas, animales y hongos”

Este encuentro salvaje de formas naturales y colores brillantes sobre objetos fabricados por el hombre cobran vida en su obra escultórica y pictórica.

A través de colores atrevidos y vibrantes, Kilgast crea un divertido mundo postapocalíptico y aunque aborda un tema complejo, como el impacto catastrófico de los desechos, busca que los espectadores que ven su obra,  terminen con un sentimiento de felicidad y esperanza.

“En definitiva, a través de mi obra, me gustaría provocar el asombro de los vivos al tiempo que cuestiono el statu quo de nuestras sociedades actuales”. Declara Stéphanie Kilgast

Cada una de sus obras confronta el objeto creado a partir de los desechos, con el crecimiento natural de la naturaleza, imaginando un universo libre de humanidad y aún arruinado por sus hábitos de consumo descontrolado.

“En ese sentido, mi trabajo es alegre. Elimino la raíz del problema, nosotros, y dejo que todas las demás especies crezcan por encima de nuestros errores”

“La propia naturaleza está llena de colores brillantes. Es intrínsecamente bella, y mi obra es una oda a todas las especies vivas y existentes, (excepto) nosotros. La esperanza muere al final, así que sigo esperando que mi obra abra el debate, la reflexión y, finalmente, el cambio”.

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Podeis ver su proceso creativo en (Youtube) y seguir su trabajo en (Instagram).

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