La convocatoria llama a quienes empiezan a construir su propio camino tanto en realización como en producción, sean estudiantes o egresados de las carreras de cine y audiovisual.

Pueden inscribirse producciones y coproducciones uruguayas finalizadas en 2022, que aún no se hayan estrenado en el país y que no superen los 15 minutos de duración.

El premio para el cortometraje ganador es un pasaje y alojamiento para el Festival de Cannes 2023.

Todos los cortometrajes seleccionados participarán del Catálogo de Mercado del Short Film Corner que se realiza cada año en el marco del Festival de Cannes.

Además, todas las obras seleccionadas también compiten por el Premio del Público que se otorga a la película más votada por los espectadores de JIIFF 2023.

Bases disponibles en: //joseignaciofilmfestival.com/13/es/programacion-cortometrajes

Mauricio Rosencof  Silberman , nacido en Florida, Uruguay, el 30 de junio de 1933, de ascendencia judío-polaca y apodado “El Ruso”, fue desde los años 60 uno de los líderes del Movimiento de Liberación Nacional -Tupamaros y uno de los nueve rehenes tupamaros de la dictadura, hasta su liberación en 1985, tras la restauración democrática.

Escritor, dramaturgo, periodista, poeta, ex director del Departamento de Cultura de la Intendencia de Montevideo, Rosencof permaneció recluido durante trece años en diversos cuarteles en condiciones infrahumanas, “en sótanos y excavaciones a las que sólo llegaban las ratas y los centinelas de la guardia militar”, según él mismo ha señalado.

Como hemos afirmado en otras oportunidades, vale reiterar que el extenso encierro en condiciones infrahumanas, las constantes sesiones de tortura a las que fue sometido y el consiguiente deterioro de su salud física, no afectó su aguda lucidez, ni su inconmensurable voluntad, haciendo realidad aquella frase que sentencia que cuando una persona atraviesa una situación límite,  extrema, o se sucumbe, o se sale fortalecido de ella. El segundo es su caso. Con la fuerza que dan las convicciones más profundas, la coherencia de su pensamiento, de su lucha y de su vida demuestran que es un hombre que no se queda en la mera elaboración teórica y que en la práctica trabaja cada día por una sociedad más justa y solidaria. Un hombre que ama, que ríe y que llora, uno más en la larga cadena de ilustres que le precedieron y también que le acompañan.

En fin, este hombre de 89 años y ojos muy vivaces, cuenta historias en forma muy amena… Rosencof cuyo nombre de guerra fue “Urbano”, cree que siempre quedan cosas por decir de los horrores que comete la humanidad contra sí misma, que nunca es suficiente todo lo que se ha dicho y escrito. “Pensamos que las cosas se resuelven por arte de birlibirloque y no es así. Hay que tener siempre presente la historia de cada uno, tu memoria, que no tiene calendario, tus recuerdos”.

Una extensa e intensa producción

Entre las obras de la intensa producción de Rosencof se destacan Las ranas, Los caballos, Conversaciones con la alpargata, Vincha brava, Teatro escogido, Desde la ventana, Pensión familiar, La valija, La calesita rebelde, El gran Tuleque, Las cartas que no llegaron, El bataraz, El combate del establo, Los cuentos del Abuelo de la Noche, Memorias del calabozo (en coautoría con Eleuterio Fernández Huidobro) , Y los caballos serán blancos, Piedritas bajo la almohada, Los corderitos de Dios,  Las agujas del tiempo, La rebelión de los cañeros: los hombres del arroz,  El saco de Antonio, El regreso del Gran Tuleque , El hijo que espera, Leyendas del abuelo de la tarde, La margarita. Historia de amor en 25 sonetos, Las ranas y otras obras, De puño y letra: antología, Cajón de sastre, Las agujas del tiempo, El enviado del fuego, El barrio era una fiesta, Una góndola ancló en la esquina, Les lettres qui ne sont jamais arrivées (edición francesa), Medio mundo, Memorias de insurgencia. Historias de vida y militancia en el MLN-Tupamaros. 1965-1975 (con Clara Aldrighi), Memorie del Calabozo. 13 anni sottoterra (edición italiana), Un republicano vuelve a las barricadas, Lo grande que es ser chiquito, Sala 8, Diez minutos, Il Duce, -libreto de ópera, música de Federico García Vigil- (con Carlos Maggi), La segunda muerte del Negro Varela, La calesita de Doña Rosa, Las respuestas del Ruso (recopilación de entrevistas), Medio mundo, ¡Que nunca falte! (Las entrevistas de TV Ciudad), La seconda morte del Negro Varela (edición italiana), La caja de zapatos, Los silencios del viejo.

Asimismo es protagonista de otros dos libros, Mano a mano con Seregni, escrito por Fernando Butazzoni y Las vidas de Rosencof, una biografía realizada por Miguel Ángel Campodónico. En Teve Ciudad realizó una serie de programas  titulados Que nunca falte. También el cine se ha ocupado de su vida, además de varios documentales y filmes testimoniales, su vida junto a la de Eleuterio Fernández Huidobro y José Mujica en calidad de rehenes de los dictadores uruguayos está retratada en el exitoso filme La noche de 12 años, que puede verse en Netflix.

Vale recordar que siendo dirigente del Movimiento de Liberación Nacional (Tupamaros), fue detenido en 1972 y durante diez largos meses fue sometido sin respiro (salvo dos ingresos al hospital) a todo tipo de torturas e interrogatorios. Luego pasó 13 años incomunicado, como rehén de la dictadura, en una celda de apenas dos metros cuadrados. Tiene una hija (Alejandra) que cuando fue capturado contaba con apenas cinco años de edad y que en el momento de su liberación se la reencontró con 18.

Los silencios del viejo

Este nuevo libro de Rosencof  sigue la ruta de su memoria, el camino de la memoria que este hombre auténticamente comprometido con su tiempo ha transitado durante toda su existencia. Podríamos establecer así una ruta “Rosencofiana” ya que como el mismo ha advertido en más de una oportunidad, uno no es otra cosa que su memoria.

Aquí Rosencof recuerda a su padre Isaac Rosenkopf, (apellido original), a su viejo, al sastre polaco que escapó del Holocausto junto a su familia: Rajzla la madre de Mauricio que luego cambió su nombre por Rosa y Leibú hermano mayor de Mauricio que más tarde trocó su nombre por León o Leonel. Ellos vivían en el pueblo polaco de Belzitse. Isaac fue el primero en venir a Uruguay. Luego en 1932 llegaron su esposa y Leibú. Un año más tarde en el departamento de Florida nació Mauricio. Su hermano  Leibú falleció por causa de meningitis cuando Mauricio era aún un niño.

Los recuerdos de Rosencof imaginan además las sensaciones, los sentimientos, los pensamientos y aún las actitudes de su padre cuando don Isaac viajaba en tren a visitar a su hijo preso en condición de rehén de la dictadura uruguaya. Generaciones que se unen en la percepción del sufrimiento causado por el desarraigo, la persecución y la injusticia. Un hilo rojo generacional que lucha por establecer una sociedad en donde el hombre no sea más el lobo del hombre, en donde el ser humano pueda desarrollar sus mejores aptitudes en paz, pero en la paz que solo puede otorgar la justicia social.

Una génesis casi fortuita

Según ha contado Rosencof, este nuevo trabajo es fruto de algo tal vez casual o fortuito. Un viejo libro cuyo título estaba escrito en yiddish cayó de pronto sobre el escritorio en el que él se encontraba escribiendo en su ya legendaria Olivetti. Un libro que antes había pasado desapercibido y que su padre, el viejo Isaac había dejado en un estante, cuando la dictadura lo desalojó de su casa obligándolo a él y a doña Rosa a mudarse a un hogar de ancianos. Un libro con fotografías y una leyenda al pie de cada una de ellas. En esas páginas Mauricio encontró una cronología de su historia familiar, de  sus antepasados, de su gente, de un pequeño pueblo llamado Belzitse, de sus orígenes, de sus raíces que florecieron de manera exuberante durante toda su vida de luchador social, de intelectual comprometido con las mejores causas humanas y que se extienden hasta este presente de un bello ser humano casi nonagenario que narra y cuenta de una forma amena que cautiva, que atrapa; tal vez por aquello de “nada de lo humano me es ajeno”. Lo cierto es que Rosencof encuentra palabras y modos de decir que trascienden lo puramente testimonial como ya lo ha mostrado y demostrado en todas su obras anteriores.

El desarraigo, la peregrinación, la soledad, el confinamiento, los campos de concentración (debe decirse de exterminio) de los nazis, así como las cárceles y centros de torturas de la dictadura cívica militar uruguaya dan cuenta de la degradación a la que puede llegar el ser humano.

Uno es su memoria

La hondura de la interioridad de los protagonistas de sus relatos permite acercarse y entender aquello que las palabras no pueden describir. Hay climas que son inenarrables y que sin embargo llegan al lector como un golpe directo al estómago. Se llega así a una comprensión cabal, exacta de lo que Rosencof desea transmitir.

“Uno es su memoria y la historia de un país también es su memoria”, dice Rosencof una y otra vez. “Estamos construyendo memoria generación tras generación. Nuestros padres lo hicieron, nosotros lo hacemos y seguimos luchando por lo que se peleó, por los que cayeron, por los que ya no están… peleamos por nuestra memoria y por los herederos, por los que vendrán, eso no para, sigue en los herederos”.

La existencia es una sucesión de generaciones, “todo pasa y todo queda, aunque lo nuestro solo sea pasar” -nos recuerda otro poeta, el español Antonio Machado- y por ahí anda el sentido de la vida. Esa vida que no empezó con nosotros y que tampoco finalizará con nosotros. La vida como un árbol cuyas raíces se nutren en lo más profundo y del cual, nosotros individuos, no somos otra cosa que las hojas que nacen, se desarrollan, cumplen su función, caducan y finalmente caen mientras la vida sigue en ese árbol, que en la próxima primavera volverá a tener otras hojas que volverán a cumplir su rol en el ciclo inextinguible del hecho vital.

De la misma forma en que hay un aprendizaje biológico con la información hereditaria en cromosomas, también hay un aprendizaje en la suma de relatos que provienen de la memoria y que de generación en generación dan motivo y sentido a la vida, dan sentido de trascendencia y de proyección hacia el futuro al hecho de vivir. Eso es lo que nos enseña Mauricio Rosencof. ¡Que nunca falte!

Gardel nació el 11 de septiembre de 1890, y falleció el 24 de junio de 1935 en Medellín, Colombia, en un accidente aéreo.

Fue cantante, compositor y actor de cine. Se convirtió en el más conocido representante en la historia del tango.

Asimismo, fue uno de los intérpretes más importantes de la música popular mundial en la primera mitad del siglo XX, tanto por su voz como por la cantidad de placas vendidas.

A los 21 años, conoció a José Razzano, conocido como “El Oriental”, con quien formó un dúo de canciones criollas, llamado “El Morocho y el Oriental”.

En 1917 fue el primer cantor oficial de tangos, con “Mi noche triste” siendo el primer tango-canción, ya que antes el tango era instrumental.

Filmó y estrenó su primera película “Flor de Durazno”. Fue el encargado de llevar el tango a Europa. Con posterioridad, conquistó Estados Unidos donde grabó discos, cantó en radios y filmó más películas.

Realizó más de 900 grabaciones de tango y también de folclore, milongas y rancheras.

La nacionalidad de “El Mago” ha sido motivo de disputa histórica, pero lo cierto es que su figura, su canto y su voz no tienen fronteras, convirtiéndose en un mito popular.

Entre los reconocimientos póstumos se destacan: el International Latin Music Hall of Fame (2000) y el Pabellón de la Fama de los Compositores Latinos (2014).

Asimismo, en 2003 la voz de Gardel fue registrada por la UNESCO en el programa “Memoria del Mundo”, cuyo objetivo es la preservación de documentos pertenecientes al patrimonio histórico de los pueblos del mundo.

Entre los temas más recordados y exitosos se encuentran: “El día que me quieras”, “Volver”, “Caminito”, “Mi noche triste”, “Lejana tierra mía”, “Por una cabeza”, “Cuesta abajo”, “Amores de estudiantes”, “Silencio”, “Mi Buenos Aires” y “Sus ojos se cerraron”.

Sus restos descansan en el cementerio de la Chacarita de Buenos Aires.

Fiesta de San Juan en La Floresta. Archivo.

Jueves 23

Plaza Varela (Bv. Artigas y Av. Brasil), a partir de la hora 19.

Centro Juvenil Salesiano (Bv. Batlle y Ordóñez esquina Av. Sayago), a partir de la hora 19. La actividad es organizada por la Comisión de Cultura del Concejo Vecinal de la Zona 13. Se realizará la tradicional fogata y quema. Habrá chocolate caliente para el público y se presentarán espectáculos artísticos.

Viernes 24

Parque Grauert (Av. Rivera, calles Costa Rica, Lieja y Leonel Aguirre), a partir de la hora 18. Habrá música en vivo, funcionará una feria de emprendimientos y se instalarán foodtrucks.

Centro Cultural Florencio Sánchez (Grecia 3281 Esq. Norteamérica), a partir de la hora 18. Feria holística en el hall del centro, con emprendimientos de todo el Oeste; plaza de comidas, danzas españolas de Academia Rossana Viera, música popular portuguesa, grupo scout y artes circenses. A la hora 21 la actividad se traslada a la esquina de Norteamérica y Grecia para el cierre musical.

La Floresta

En el interior, uno de los puntos destacados es el festejo que se realizará en el balneario La Floresta de Canelones, el jueves 23 desde las 17 horas. Habrá música en vivo, espectáculos con fuego, quema de esculturas, mesa de deseos, actividades para niños, gastronomía y foodtrucks.

Como se celebra San Juan

El fuego y las hogueras son el principal reclamo de la fiesta de San Juan. Marca la tradición que al saltar el fuego en la playa si se pide un deseo se cumplirá en un plazo corto de tiempo.

Las chispas del fuego saltan y bailan en el medio de la calle. Contaba Luis Grene que hasta promediar la década de los años 50 en Montevideo y en otros puntos del país se podía ver una gran fogata y allá otra y otra más. Así en todos los barrios se repetía el mismo ritual. Los vecinos muy alborotados y la cuadra era una fiesta. Ceremonias populares que chisporroteaban en la noche del 23 – 24 de junio, la fiesta de San Juan Bautista. Medio con disimulo, entre creyendo y desconfiando, las doñas arrojaban al inmenso fuego callejero unos papelitos con los nombres de los temidos “yetatores”. Así se libraban de las personas que según ellas traían mala suerte al barrio. Noche mágica que llegaba con tradiciones de romances. Chispas de ramas ardiendo en la calle y un rico sabor de chocolate que impregnaba al viejo hogar. Era la noche de “las cédulas de San Juan”, un juego que supo ser muy popular en nuestro querido Montevideo de antaño. En una caja de cartón se ponían dobladitas unas servilletas con los nombres de los galanes y las damas casamenteras. Cada uno sacaba las llamadas cédulas y así se armaban las parejas que compartían la gran mesa del comedor familiar. Vecinos, tías, jóvenes y veteranos y hasta los comerciantes de la cuadra se reían y emocionaban. Hasta alguno se sonrojaba por ese juego que había llegado hace muchos años desde las aldeas europeas junto a los primeros inmigrantes. Con el infaltable chocolate, ideal para esa helada noche invernal, una joven cantaba los nombres de las cédulas y anunciaba la ubicación de las parejas entre aplausos y risas. A veces, el azar determinaba carcajadas sin tregua como al ver a una tía recalcitrante solterona al lado de su ocasional pareja que resultó ser el gallego almacenero de la esquina. San Juan y su tradicional juego de las cédulas alegraban a los parientes y vecinos del barrio. A llegar la media noche, todo el mundo afuera. Había que echar maderas a la gran fogata que un rato antes habían encendido los botijas. Adentro, sobre la mesa y su coqueto mantel de puntillas quedaban las empanadas que chorreaban la dulzura del membrillo y el humeante chocolate. Los que se llamaban Juan ligaban de lo lindo, pues era obligación de todos el hacerles un regalito.

Un pibe entra corriendo a tomar un sorbito de chocolate, una damita mira risueña a su entusiasmado galán, las abuelas en la cocina cocinaban más empanaditas y de la gran olla el dulce aroma impregna todo el hogar. Sobre los empedrados y adoquines las fogatas iluminan las casas humildes de esos vecinos que vivían sus sencillas alegrías. Llamas, crujir de maderas ardientes, conjuros contra la yeta, cédulas románticas y un rico sabor flotando entre los familiares y vecinos. Noche de San Juan, antiguas tradiciones, costumbres y leyendas que vivieron muy dentro del corazón de los barrios populares del ayer.

Otra de las tradiciones, aunque menos arraigas en la noche de San Juan era la quema de un mechón de pelo para mejorar la felicidad en pareja o lavarse la cara en agua como petición de una buena salud y mejor belleza en el año venidero.

Origen de la Noche de San Juan

El origen de la Noche de San Juan representa una fiesta pagana de culto al Sol, también en homenaje a los tiempos de cosecha y como un elemento purificador. Se trata de un elemento dinamizador de quemar todas las energías negativas y estrenar una nueva etapa de prosperidad.

En clave religiosa, en esta misma fecha se recoge en la Biblia el nacimiento de Juan Bautista. Una llegada que fue anunciada por Zacarías con una gran hoguera en la noche del 23 al 24 de junio. De ahí que se adaptara la fiesta pagana al cristianismo para celebrar el advenimiento de Juan Bautista con el encendido de hogueras nocturnas en esta fecha del calendario.

El sello se compone de una fotografía de Presidencia de la República en el preciso instante en que Tabaré Vázquez está haciendo entrega de la primera Ceibalita a una escolar en Villa Cardal, Florida, en el marco del programa una computadora por niño.

La presentación del sello conmemorativo se realizó en el Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo, con la presencia del diputado Alfredo Fratti (promotor de la iniciativa), el presidente de la Cámara de Diputados, Ope Pasquet; el presidente del Correo, Rafael Navarrine; y el ex vicepresidente de la República y ex canciller, Rodolfo Nin Novoa. También participaron familiares de Vázquez, allegados, legisladores y figuras de la política.

Fratti destacó que impulsó la idea de emitir un correo ante el cumplimiento de un año de la desaparición física de Vázquez, quien fue el primer presidente de izquierda en Uruguay.

El legislador destacó que durante el mandato de Vázquez existieron íconos distintivos, tales como: la lucha antitabaco y el Plan Ceibal.

Remarcó, asimismo, que el Correo respondió rápidamente y que no se pudo implementar antes por los problemas sanitarios.

Foto: Mary McCartney/Facebook.

“Gracias por todos los saludos y buenos deseos por mi cumpleaños”, manifestó Paul McCartney en todas sus redes sociales, y publicó una fotografía, tomada por su hija Mary, en la que se lo ve sonriente, como si el tiempo nunca hubiera pasado, y recostado a una camioneta al costado de un camino.

McCartney es una de las figuras más importantes de la historia del pop – rock, un mito viviente.

Tras la disolución de The Beatles en 1970, formó el grupo Wings, junto a su esposa Linda, y también entabló una carrera solista prolifera y repleta de éxitos, además de participar en diferentes dúos musicales.

Ha recibido decenas de galardones y reconocimientos, integra el Libro Guinness de Récords Mundiales como el músico y compositor más exitoso en la historia de la música popular,​ con ventas de 100 millones de sencillos y 60 discos de oro.

El planeta menor 4148, descubierto en 1983, fue nombrado “McCartney” en su honor. Una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood lleva su nombre.

Además, McCartney integra el Salón de la Fama tanto por formar parte de los Beatles como en forma individual.

En Uruguay

Paul McCartney visitó dos veces Uruguay, la primera vez fue en abril de 2012 en el marco de su primer show de la gira Latinoamérica de “On the run”.

Dos años más tarde, en abril de 2014, McCartney regresó a Montevideo en el marco de su gira “Out There!”.

Sin dudas se trata de una figura cargada de magia.

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Con la excusa del montaje de “El tiempo sin libros” (estrenada en el Teatro Solís de Montevideo en 2018) en “Camino a Casa” se habla sobre el arraigo y el desarraigo, de cómo se transforma la identidad cuando se tienen dos hogares, dos países.

El filme también profundiza en las cosas no dichas, en las no habladas, en las que los hijos no preguntan y los padres no cuentan. En cómo lo doloroso o inconveniente se calla y de cómo el arte puede ayudar a entender y a sanar.

Si bien se estrena este jueves 16 de junio en la Sala B Auditorio Nelly Goitiño, también se exhibirá en las siguientes fechas y lugares: el 17 de junio en el Centro Cultural Shangrilá a las 20.30 horas; el 1º de julio, Centro Cultural Salinas 19.30 horas; el 20 julio en Espacio Memoria de Soriano 20 horas; y el 23 de junio en Cinemateca Uruguaya.

Director y guionista

Oscar Estévez desde el año 2000 trabaja como guionista y director en ficción y documental, tanto en televisión, como en cine.

Ha participado de varias series de ficción para televisión en el doble rol: “Mañana será otro día” (2002), “Constructores” (2003), “8 x 8” (2004) y “Charly en el Aire” (temporadas 2009 y 2010).  Además, en ficción, escribió “Uruguayos Campeones” (2004) y cuatro capítulos de “Adicciones” (2011). También para televisión escribió y dirigió los programas documentales: “Seleccionados” (2010), “De  América y del Mundo” (2013), “Tarea Pendiente” (2013) y “Héroes de la Comunidad” (2010, 2011 y 2012), serie documental de 18 capítulos para el canal BYU Internacional de los Estados Unidos, ganadora de dos premios EMMY Rocky Mountain, a mejor programa documental de interés humano en 2012 y mejor documental cultural en 2013.

En cine escribió “La Casa Muda” (2011), contribuyó con la idea original en “Dios Local” (2014), coescribió y codirigió “El Sereno” (2017).

En 2022 estrenará dos proyectos que lo tienen como director y guionista: la película documental “Camino a Casa” y la película de ficción “Amores Pendientes” ambas ganadoras del fondo Montevideo Socio Audiovisual en 2020.

En teatro escribió y dirigió “Forros” y “De Bailes y Fantasmas”. Fue docente de actuación frente a cámara en el IAM (Instituto de actuación de Montevideo) y junto con Cecilia Caballero, fundó y dirigió la escuela de actuación y oficios audiovisuales “La Escena”, donde da clases de actuación y guion.

Ficha de la película

Protagonistas: Cecilia Caballero, Carlos Caballero.

Guion y Dirección: Oscar Estévez, Elin Moe.

Producción Ejecutiva: Yvonne Ruocco, Mari Monrad Vistven, Mónica Caffa. Productor Asociado: Federico Moreira.

Dirección de Fotografía y Cámara: Rafael Hernández Cámara y steadycam Uruguay: Renzo Stevenson.

Cámara Noruega: Line Konstanse Lyngstadaas, Mats Muri Sonido directo: Santiago Carámbula, Andreas Berge Montaje: Nicolás Ciganda.

Música original: Hernán González.

Diseño de sonido: Federico Moreira.

Gráfica: Sebastián Santana.

Animación y créditos: Lucas Carrier.

Género: Documental.

País de Producción: Uruguay / Noruega.

Ernesto Sábato.

Desde su primera publicación en 1945  “Uno y el universo” hasta sus libros más recientes, “Antes del fin” (1998) y “La resistencia” (2000), Sábato quien nació el 24 de junio de 1911, en Rojas, provincia de Buenos Aires y falleció el 30 de abril de 2011 apenas dos meses antes de cumplir cien años, se destacó no sólo en lo estrictamente literario, sino que además incursionó en la ciencia -en 1938 se doctoró en ciencias físico-matemáticas-  y también se destacó en la pintura, debe recordarse que, entre otras obras Sábato realizó una serie de retratos de escritores a los que admiraba: Kafka, Nietzsche, Poe, Dostoievski, Sartre, Virginia Woolf,  Baudelaire, son algunos de esos intelectuales que en sus retratos se ven desesperados, trágicos, atormentados, sufrientes al igual que los personajes de sus novelas.

A todo esto se suma que Sábato presidió entre 1983 y 1984, la CONADEP, Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas. El trabajo de dicha comisión fue editado en el libro “Nunca más”, también conocido como “Informe Sábato”, investigación fundamental para el enjuiciamiento de las juntas militares que encabezaron la pasada dictadura en Argentina. Su casa ubicada en la calle Langeri 3135, Santos Lugares, Provincia de Buenos Aires, es desde 2014 un museo de la memoria custodiado por sus nietos.

Un pequeño libro y todas las respuestas

Este nuevo aniversario de su nacimiento trae el recuerdo de un atardecer porteño un año antes de que la dictadura se instalara en el país hermano en marzo de 1976.

Era el verano de 1975. Yo estaba en Buenos Aires. En una tardecita de finales de febrero, solo y abandonado a mi suerte, me encontraba caminando por el Pasaje de la Piedad, en la zona de Congreso, rumbo a la casa de una gente amiga que me había ofrecido cobijo en el recién iniciado exilio. Fue allí -en ese extraño pasaje peatonal en forma de herradura- que de pronto, en un hombrecito de anteojos que observaba con atención las fachadas de las antiguas edificaciones, reconocí al escritor de una de mis novelas favoritas: “Sobre héroes y tumbas”. Entonces, de pronto su frágil y menudo adquirió para mí la dimensión de un gigante y fue así que  venciendo la timidez, mi propia timidez,  me le aproximé preguntando ¿usted es Sábato?

Por un instante me miró fijamente por sobre el grueso aro de sus lentes y, seguramente avisado por la entonación de mi voz, me respondió con otra pregunta: ¿sos uruguayo?  Tras mi respuesta afirmativa y luego de confesarle mi admiración y las causas por la cuales yo estaba en Argentina, me invitó a caminar juntos hacia el Café de La Paz -una especie de Sorocabana- ubicado en la avenida Corrientes esquina Montevideo y que lamentablemente no resistió a la pandemia y cerró su puertas en marzo de 2021.  Pero era 1975 y una vez allí, Sábato, tras ser saludado por varias personas me ofreció un lugar en su mesa. Preocupado por mi situación de perseguido por la dictadura uruguaya, me sugirió algunas cosas, entre ellas, no frecuentar ciertos lugares.

Luego de beber varias tazas de café, la conversación derivó inevitablemente hacia la literatura.

Yo, con apenas veinticuatro años y deslumbrado por la ventura de estar compartiendo ese instante de vida con alguien de su talla, le preguntaba acerca del arte de escribir.

En esos días él había publicado un librillo artesanal titulado “Carta a un joven escritor”. Introdujo una de sus manos en su ajado portafolios de cuero que descansaba en una silla contigua y extrayendo el libro de su interior me lo obsequió. Allí, en ese pequeño libro estaban, están todas sus respuestas.

Y allí, en una de sus páginas se puede leer: “Si estás dispuesto a sufrir, a desgarrarte, a soportar la mezquindad y la malevolencia, la incomprensión y la estupidez, el resentimiento y la infinita soledad, entonces sí… entonces estás preparado para dar tu testimonio… La verdadera justicia solo la recibirás de seres excepcionales, (seres) dotados de modestia y sensibilidad, de lucidez y generosa comprensión”.

Y aquí, en este Montevideo al sur como otrora en Buenos Aires, con Sábato ahora en la memoria, en un nuevo aniversario de su nacimiento y parafraseando con sus palabras, melancólicamente me recuerdo sintiendo las primeras gotas de una lluvia en la tierra reseca de mis calles y sobre los techos de zinc: “que llueva que llueva la vieja está en la cueva” hasta que los pájaros canten nuevamente y otra vez corramos descalzos a empujar los barquitos de papel.

La declaración como Monumento Histórico Nacional será el martes 14 de junio a las 15 horas en el Teatro Politeama de la calle Tomás Berreta 312.

La construcción del teatro comenzó en 1919 con el propósito de ampliar la capacidad limitada de las dos salas de proyección cinematográfica existentes que no podían satisfacer la demanda del público de la época.

El 26 de marzo de 1921 se inauguró con una capacidad de 750 localidades con el programa musical de la “Orquesta Pathé Journal (actualidades)”, conjuntamente con la proyección de dos películas.

En sus cien años de historia, el Teatro Politeama fue escenario de múltiples actividades culturales e importantes eventos sociales, cine, espectáculos de variedades, conciertos, ópera y zarzuela, representaciones teatrales, conferencias, exhibiciones circenses y hasta competencias de boxeo.

El edificio sobre la calle Tomas Berreta frente al antiguo Teatro Colón, posee una fachada de características eclécticas y está inspirado en el tipo de teatro “a la italiana”, caracterizado por una marcada división sala-escenario, indicó el Ministerio de Educación y Cultura.

Recuperación en 2014

El edificio fue objeto de varias intervenciones arquitectónicas a lo largo del tiempo que, sin embargo, no alteraron sus valores y elementos característicos, contando actualmente con una capacidad de 291 butacas en platea, 22 localidades en la tertulia baja y 25 localidades en tertulia alta.

Desde su reapertura, el 19 de setiembre de 2014, se transforma en el Complejo Cultural Politeama “Teatro Atahualpa del Cioppo” en homenaje al maestro canario de las artes escénicas.

Todos los discos tienen sus particularidades, pero éste, el tercer material de estudio en formato solista de Diego Drexler, será recordado como el que se gestó durante una pandemia mundial en un contexto de confinamiento totalmente excepcional.

Grabado íntegramente en el “estudio de las naranjas”, el laboratorio de creación de Diego, está disponible en formato digital (en todas las plataformas digitales) y también en formato físico.

La edición física tiene la peculiaridad de tener un formato de 17cm. x 17cm. con tapas duras. En cada página se verá que hay códigos QR que redirigen a contenidos específicos para cada canción (historias sobre cómo se compuso la canción, instructivo con los acordes para tocarla en guitarra) y también a contenidos audiovisuales desarrollados específicamente para esta edición.

De esta manera, la edición física (además de ser un objeto de diseño en sí mismo) se transforma en una interfase que redirige a nuevos contenidos.

El diseño gráfico, fotografías y contenidos audiovisuales estuvieron a cargo de Luis López del estudio hastaller.

Fundación Cero Callejero

Todas las ventas de la edición física se destinarán íntegramente para la Fundación Cero Callejero, de la cual Diego es padrino junto a Francis Andreu y otras personalidades como María Noel Riccetto, Manuela Da Silveira (entre muchos más) que apoyan de forma honoraria y ayudan a difundir el trabajo que la fundación realiza participando activamente en actividades, eventos y encuentros.

El mundo de García Lorca supone una capacidad creativa, poder de síntesis y facultad natural para captar, expresar y combinar la mayor suma de resonancias poéticas, sin esfuerzo aparente, y llegar a la perfección, no como resultado de una técnica conseguida con esfuerzo, sino casi de golpe. La variedad de formas y tonalidad resulta deslumbrante, con el amor, presentado en un sentido cósmico y pansexualista, la esterilidad, la infancia y la muerte como motivos fundamentales.

Federico García Lorca, (quien residió en Montevideo durante 1934, época en la que también estuvo su compatriota Margarita Xirgu) nació en Fuente Vaqueros, un pequeño pueblo de Granada, el 5 de junio de 1898. Sus padres fueron Federico García Rodríguez (agricultor) y Vicenta Lorca Romero (maestra).

En 1910 comenzó sus estudios de bachillerato y musicales en Granada; cinco años después empezó su carrera universitaria. Entre 1916 y 1917, cuando cumplía los 18 años, realizó sus primeros viajes de estudio y estableció sus primeros contactos literarios. Fue entonces que conoció a Manuel de Falla. En 1917 falleció su maestro de música, Antonio Segura, lo que le llevó a interrumpir sus estudios musicales. Un año más tarde publicó su primer libro, Impresiones y paisajes.

En 1919 ingresó en la Residencia de Estudiantes. Es esta una época en la que el poeta experimentó la angustia de los primeros fracasos. Entre 1921 y 1922 publicó Libro de poemas y escribió Suites y canciones. En ese tiempo empezó a escribir Poema del cante jondo y organizó junto con Manuel de Falla el Primer Concurso de Cante Jondo, en Granada.

En 1923 obtuvo su licenciatura en Derecho y terminó su primera temporada en la Residencia, aunque continuó en ella hasta 1928. También ese año conoció al pintor Salvador Dalí y al cineasta Luis Buñuel. Posteriormente, en 1924, escribió los primeros romances que componen el célebre Romancero gitano. Al año siguiente editó Mariana Pineda. En 1926 escribió la primera versión de La zapatera prodigiosa y estrenó Mariana Pineda.

En 1928 estrenó también su primera versión del Romancero gitano y durante los dos siguientes años viajó a Nueva York y a Cuba; en España sufrió la censura de su obra Don Perimplín. En 1931 escribió Así que pasen cinco años. Entre 1933 y 1934 estrenó Bodas de sangre, que le supuso su gran salto a la fama y popularidad.

En Montevideo en 1934

El 19 de enero de1934 viajó a nuestro Río de la Plata, residiendo alternadamente entre Montevideo y Buenos Aires. En nuestro país, hospedado en el Hotel Carrasco, comenzó a escribir Yerma. En la capital porteña finalizó Poeta en Nueva York y regresó a España, donde al poco tiempo estrenó Yerma y terminó El diván del Tamarit. Un año después realizó nuevas puestas en escena de Bodas de sangre, Yerma y La zapatera prodigiosa; publicó Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, fallecido el año anterior. En 1936, año fatídico, publicó Primeras canciones y concluyó La casa de Bernarda Alba.

Poeta y dramaturgo

Para muchos Federico García Lorca es un poeta, y lo es, pero además es un destacado escritor de teatro, un deslumbrante dramaturgo.

Existe un amplio consenso entre los críticos y analistas que Lorca junto a Valle-Inclán es el más importante escritor de teatro en castellano durante el pasado siglo XX. Se trata de un teatro de una gama muy variada con símbolos o personajes fantásticos como la muerte y la Luna, lírico, en ocasiones, con un sentido profundo de las fuerzas de la naturaleza y de la vida.

Entre sus farsas, escritas de 1921 a 1928, destacan Tragicomedia de don Cristóbal y Retablillo de don Cristóbal, piezas de guiñol, y sobre todo La zapatera prodigiosa, una obra que enfrenta realidad e imaginación.

También pertenece a la categoría de farsa Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín. De 1930 y 1931 son los dramas calificados como irrepresentables, El público y Así que pasen cinco años, obras complejas con influencia del psicoanálisis, que ponen en escena el mismo hecho teatral, la revolución y la homosexualidad, a partir de un complejo sistema de correspondencias.

Dos tragedias rurales son Bodas de sangre, de 1933, y Yerma, esta última -como anotamos más arriba- escrita durante su estadía en Montevideo, donde se aúnan mitología, mundos poéticos y realidad.

En Doña Rosita la soltera, de 1935, aborda el problema de la solterona española, algo que también aparece en La casa de Bernarda Alba, concluida en junio de 1936, y que la crítica especializada suele considerar la obra fundamental de Lorca. Al comienzo de su carrera también había escrito dos dramas modernistas, El maleficio de la mariposa (se estrenó y fracasó el 22 de mayo de 1920) y Mariana Pineda (se estrenó en Barcelona y luego en Madrid en 1927).

“Que todos sepan que no he muerto”

El 18 de agosto de 1936 fue detenido y asesinado por las fuerzas represoras del estado español. “¿Quién iba a decirte a ti que la misma Guardia Civil de tus romances te asesinaría, un amanecer, en los desiertos arrabales de tu propia Granada?”, le dice su compatriota Rafael Alberti en una carta dedicada al poeta.

Pero la voz inacabable de Lorca sigue viva, crecientemente viva, como ya ella misma había pronosticado: “Pero que todos sepan que no he muerto; que hay un establo de oro en mis labios; que soy el pequeño amigo del viento Oeste”.

Víctima de conjuras políticas y prejuicios, su asesinato en la carretera de Granada a Víznar, truncó su exuberante obra que es objeto de ininterrumpidos estudios, comentarios y polémicas.

El gobierno español bajo la dictadura de Franco y el ejército de ese país siempre negaron su responsabilidad en el asesinato atribuyéndolo a una riña callejera. Sin embargo archivos hechos públicos en 2015 demuestran fehacientemente que el crimen fue cometido por el Ejército Español. Ese año la cadena informativa SER difundió un informe policial mecanografiado el 9 de julio de 1965, en Granada, donde los uniformados certifican la responsabilidad del ejército de Franco en la detención y asesinato del poeta.

Responsabilidad del Ejército

“En el cuartel de Falange, instalado en la calle San Jerónimo, se hallaban el jefe de bandera don Miguel Rosales Camacho cuando en él se presentaron el diputado obrerista por la CEDA, (Confederación Española de Derechas Autónomas) don Ramón Ruiz Alonso, don Juan Trescastro, don Federico Martín Lagos y algún otro que no ha podido precisarse, con una orden de detención dimanante del Gobierno Civil contra Federico García Lorca, para cuyo cumplimiento requirieron al señor Rosales Camacho al objeto de que éste les franqueara su domicilio, al que se dirigieron en compañía de este, quien advirtió al llegar al mismo que había sido rodeado con gran aparato por milicias y guardias de asalto que tomaron todas las bocacalles y tejados próximos”, dice textualmente el documento que en 2015 fue hecho público.

En el documento se agrega que “se le condujo a los calabozos del Gobierno Civil (de donde) fue sacado por fuerzas dependientes del mismo y conducido en un coche al término de Víznar y en las inmediaciones del lugar conocido como Fuente Grande, en unión de otro detenido cuyas circunstancias personales se desconocen, fue pasado por las armas después de haber confesado, siendo enterrado muy a flor de tierra, en un barranco situado a unos kilómetros a la derecha de dicha Fuente Grande”.

Lorca inmortal

Respecto al lugar de la sepultura se especula en torno a  dos parajes cercanos en la provincia de Granada, donde fue fusilado por la sublevación de derecha  a poco de iniciarse la Guerra Civil. A 86 años de su asesinato todavía el lugar donde se encuentra su cuerpo es una incógnita. De acuerdo a las más recientes investigaciones se establece que fue fusilado en la madrugada del 5 de agosto junto a otros patriotas: Joaquin Arcollas, Dióscoro Galindo y  Francisco Galadí.

Los restos de estas tres personas continúan aún desaparecidos entre las más de dos mil fosas clandestinas que en España la dictadura de derecha, del régimen falangista encabezado por el general Francisco Franco mantuvo ocultas y que  aún restan por ser abiertas para establecer la identidad de los allí sepultados.

Lorca inmortal: a 86 años de su asesinato Federico García Lorca vive en sus obras y en la memoria de los pueblos, mientras que a sus cobardes asesinos nadie los recuerda.

Foto: FADU/Instagram.

Con la presencia rector de la Universidad de la República, Rodrigo Arim, la FADU inauguró la Plataforma Universitaria Centro Parque Rodó, la cual busca consolidar la presencia de los edificios universitarios insertados en la trama urbana. “Su excelente ubicación y la disponibilidad de predio vacante para crecimiento, constituyen una verdadera oportunidad en ese sentido”.

Implantada en los padrones con frente a la calle Mario Cassinoni (con acceso directo desde esta calle y desde Br. Artigas), la Plataforma se ubica en un área “central y consolidada, con buena conectividad urbana y cercana a varios servicios universitarios, constituye una referencia a nivel urbano y barrial, con una fuerte identidad universitaria”, destacó la Facultad de Arquitectura.

El nuevo edificio propone establecer una “fuerte relación entre los dos grandes espacios abiertos estructuradores del edificio de la sede central de FADU, el patio del estanque y la nueva plaza”.

La ampliación se presenta como un “balcón” a nivel del patio desde donde se puede participar y conectar activamente estos dos espacios.

Desde la FADU se indicó que la concreción de la obra “también brinda la oportunidad de recuperar el espacio en el que se implanta, que no presentaba condiciones aceptables para su uso y disfrute, proponiendo un nuevo patio que propicie el encuentro entre los estudiantes, docentes y funcionarios”.

“La plaza propuesta dialoga fuertemente con el patio, pero presenta características espaciales diferentes y alternativas: un sector seco, equipado y vinculado francamente al espacio interior, donde se mantienen las especies vegetales existentes, y un sector verde, de vegetación tupida, conformando un paisaje natural-artificial agreste”, se detalló en un comunicado.

Por otro lado, se explicó que el volumen de las aulas “se eleva sobre el nivel de planta baja del edificio histórico, extendiéndose a modo de balcón, y se alinea a su geometría, respetando el patio Carré y el patio central, que funcionan como vínculos físicos y visuales”.

La resolución formal propone la utilización de “un lenguaje claramente contemporáneo, que no compite con el edificio original, pero que respeta sus lógicas y acompasa ritmos y alturas existentes”.

Se trata de más de mil metros cuadrados con salones, terraza al aire libre, y bicicletario.

A través de este mecanismo, el Instituto Nacional de Artes Visuales dispone de 700.000 pesos estableciendo un monto máximo de 100 .000 pesos por proyecto seleccionado a desarrollarse durante el segundo semestre de 2022.

Podrán postular a esta convocatoria proyectos que se enmarquen en estas áreas: Fortalecimiento de capacidades. Participación en programas o instancias de formación y capacitación profesional (cursos, talleres, residencias artísticas, congresos, seminarios) para artistas, curadores, galeristas y gestores culturales, en Uruguay o en el exterior.

Internacionalización. Participación en: exhibiciones (individuales o colectivas, temporales, itinerantes o bienales) con jurado o por invitación; o eventos comerciales (ferias y mercados) de relevancia internacional.

Plazo para presentación estará abierto hasta el 11 de julio a las 17 horas.

Foto: Intendencia de Montevideo. Archivo.

El edificio fue mandado a construir por Henry Brown Lutcher en homenaje al Uruguay en los años 1947-1950.

Fue proyectado por el arquitecto estadounidense Aaron Alexander para instalar la sucursal del “National City Bank of New York” y una torre de oficinas de renta.

Art Decó

El edificio evoca a los rascacielos Art Decó neoyorquinos y adhiere a todas las características que representan a dicha expresión, advertidas a nivel de fachada y en la especialidad interior donde concentra la mayoría de detalles y elementos de diseño.

El ingeniero García Capurro fue quien participó como contrapartida local. En su construcción se introdujeron diversas tecnologías modernas propias del estilo internacional que fueron importadas desde Estados Unidos.

El lenguaje utilizado en la planta baja magnifica la zona de acceso, le confiere un cierto carácter monumental, y la decisión de dotar de equipamiento de calidad al retiro de fachada es un verdadero aporte al entorno.

García Capurro redibujó los planos originales convirtiendo pulgadas a metros, realizó las modificaciones producto de las contingencias que surgieron durante el proceso de obra, y fue el responsable ante la Intendencia Municipal de Montevideo.

Esta modalidad de asociación de un estudio corporativo internacional con un estudio local que tomó la parte ejecutiva de la obra, aunque hoy en día es algo muy frecuente, en aquel tiempo, fue muy innovadora, informó el Ministerio de Educación y Cultura.

En la ocasión estarán acompañados por Jorge Nocetti en guitarras, Andrés Pigatto en contrabajo, Gustavo Dilandro en piano y acordeón y Mario Ipuche en percusión. Participarán, asimismo, varios invitados especiales.

Lo que se ofrecerá será una recorrida por una serie de composiciones que el dúo ha transitado durante su extensa, fructífera e intensa ruta artística.

Cristina Fernández estudió guitarra con Daniel Viglietti y canto con Nelly Pacheco y Mabel Moreno. En su trabajo como solista se destaca la interpretación de canciones y poesía gallega, lo cual ha quedado registrado en varias placas discográficas. Ellas son Falade Galego (1983), Unha terra, un pobo e unha fala (1985), Mel e Cerna (1992), Raigames (1998), Lembranza (2003) y Cristina Fernández canta a Rosalía de Castro (2012).

Por su parte, Carrasco, cantautor de la generación de los 60, estudió guitarra con Demetrio Asuma y Daniel Viglietti y canto con Nelly Pacheco y Mabel Moreno. En 1967 viajó a Chile compartiendo experiencias y escenarios con el Nuevo Movimiento de la Canción Chilena (Víctor Jara, Patricio Mans, Isabel y Ángel Parra, entre otros). Un año después grabó una cantata titulada La Batalla de las Piedras, posteriormente editó un nuevo fonograma llamado Como el viento. En 1970 vendría Noche de cenizas, en 1973 dos discos: A mitad de camino y  Del candil. Posteriormente en 1974 Tutay – Tutay y en 1975 Desde la madera.

46 años

El dúo comenzó en 1976 con el recordado espectáculo «Inti Canto».  Luego vendrían una serie de espectáculos como, por ejemplo «Y yo quiero contártelo» junto a la actriz Leonor  Álvarez; «Vida, amor y muerte» junto a la actriz Estela Castro, «Los pueblos del sol», «Ecos del camino» y «Desde el origen», entre otros.  La discografía del dúo se compone por De puerta en puerta (1980), Habrá un mañana (1983), Uniendo pedazos de palabras (1984) Vida amor y muerte (con Estela Castro, 1984), Antología (1987), Sorocabana… al sur de la nostalgia (1987), Antología II (1987), Mel es cerna (1988), Washington y Cristina en Japón (1989), Nuestras canciones (1990), Por sobre el ala de un pájaro (1996), Nos queda la palabra (2002), El poema y la canción (con la Banda Sinfónica Municipal. 2004) Sus canciones integran además varios trabajos colectivos junto a otros artistas.

Una obra imprescindible

El dúo, que posee una calificadísima discografía, se ha ocupado del rescate y musicalización de las obras de diversos poetas. Tanto así que, en ese sentido, su tarea puede parangonarse, por ejemplo, con la que realizan Paco Ibáñez y Joan Manuel Serrat en España, por citar tan solo dos casos evidentes. Cuarenta y seis años volcando generosamente canciones, textos y músicas que forman parte de lo mejor del acervo cancionístico nacional. Canciones que han acompañado y acompañan el devenir cotidiano e histórico del pueblo uruguayo. Canciones de amor, canciones de rebeldía, de lucha y esperanza que forman parte del paisaje de esta parte del mundo y que, a través de los años, el dúo ha seguido ofreciendo con el mismo entusiasmo que en sus comienzos.

Se trata de dos artistas  que nunca han bajado los brazos y que poseen una obra fundada con muy buena música y mejores textos. Una obra imprescindible a la hora de formular un registro representativo de la música popular. Tal como lo hemos aseverado en otra oportunidad, este espectáculo que se ofrecerá posibilitará instalar ante los asistentes un clima de profunda intimidad -casi ceremonial- (en el sentido de comunión), en donde las voces de los poetas que serán interpretados adquirirán una dimensión y profundidad muy pocas veces vistas.

Washington y Cristina son un ejemplo de esos artistas que atravesaron los tiempos con sus alegrías y sus sinsabores, con el ascenso de la lucha popular, con el dolor y la lucha contra la dictadura, con la alegría y la restauración democrática y siempre, siempre con la mira y la esperanza en la construcción de una sociedad libre e igualitaria en donde el hombre no sea más el lobo del hombre y en donde la justicia social no sea una simple frase sino un hecho concreto.

Será un auténtico regocijo, un verdadero placer, ver a estos artistas imprescindibles nuevamente sobre el escenario del Teatro Solís. Allí habrá que estar.

“Inmortal” es una canción que fue realizada pensando en el 20 de mayo, en la Marcha del Silencio, en Madres y Familiares y en toda la gente que de una u otra manera acompaña este sentir.

“La canción apareció mágicamente. La melodía me fue llevando y fui visualizando el caminar lento de las personas, los carteles alzados, el silencio, los rostros de nuestros desaparecidos. Así nació ‘Inmortal´ como un granito más de arena para apoyar esta causa que nos interpela a todos y todas, año a año, mes a mes y día a día”, dice Kuropa.

En vivo

Por otro lado, Kuropa se presentará en vivo el 10 de junio en el teatro El Galpón para difundir su nuevo disco: “El lugar”.

La música de Kuropa fusiona el folk y el rock, con elementos del folclorismo regional junto a una  lírica cuidada alrededor de temáticas políticas, sociales, cotidianas y utópicas que hacen de su trabajo un nuevo eslabón del canto popular uruguayo.

“El lugar” es el cuarto trabajo discográfico de Diego Kuropa y refleja un cambio de sonido a la vez que compositivo.

El disco fue producido por Diego Janssen quien supo leer el significado de las canciones y vistió a las mismas de arreglos sutiles y sugerentes.

En este trabajo se propuso trabajar al detalle tanto la guitarra como en su voz, con el soporte de una banda que juega y navega en función de los temas. Es un volver a la raíz, a la imagen del cancionista.  La temática del disco es variada: canciones utópicas, de contenido social, filosóficas, de amor, de naturaleza.

Fernando Abellá junto a Guillermo López.

“Veníamos trabajando en la parte digital, en marzo con el comienzo de clases liberamos el acceso de los textos en formato Epub para todos los estudiantes. Ahora, para poder llegar a otros rincones nos parece importante apostar a otras plataformas, en este caso papel”, informó el director del IMPO, Fernando Abellá.

Descentralización

El objetivo de Abellá es apostar a la descentralización de la información oficial y poder llegar a todo el país a través de las distintas plataformas.

Por su parte, el presidente del Congreso de Intendentes, Guillermo López, agradeció la invitación del director del IMPO y la donación de los libros para los jóvenes estudiantes del interior.

“Agradecemos el acercamiento que vienen desarrollando hacia los jóvenes y el apoyo que están brindando a las bibliotecas”, expresó y adelantó que otra de las intenciones del IMPO es colaborar con materiales asociados a discapacidad, sobre todo braille.

“Quedamos muy contentos y muy conformes con la reunión. Destacamos la posibilidad de generar la sinergia entre el IMPO y el Congreso de Intendentes, sobre todo con las intendencias y los departamentos que están más alejados de la capital, para que las oportunidades lleguen a todos”, afirmó López.

Gloria Levy. Foto: MEC.

Nació el 16 de marzo de 1937, egresada de la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático (EMAD), Gloria Levy fue parte del colectivo independiente de artistas que en el año 1954, fundaron el Teatro Circular de Montevideo.

Además de actriz, fue directora de teatro, se desempeñó en radio (CX8 Sarandí) y televisión (Saeta) y fue presidenta de la Asociación de Críticos Teatrales del Uruguay y de la Comisión Administradora del Fondo Nacional de Teatro.

En marzo del año 2015, la Intendencia de Montevideo le otorgó el reconocimiento de Ciudadana Ilustre de la capital.

Levy recibió el galardón de parte de la entonces intendenta de Montevideo, Ana Olivera, quien en aquel momento dijo que se trataba de “un homenaje a una trayectoria profesional y artística, al rol en la fundación del Teatro Circular, a una trayectoria en la televisión, pero además, a una trayectoria de coherencia con la vida”.

El Ministerio de Educación y Cultura, a través de la Dirección Nacional de Cultura y su Instituto Nacional de Artes Escénicas, hizo llegar un apretado abrazo a sus familiares, amigos y colegas.

Foto: Vangelis/Instagram.

El compositor griego, conocido popularmente como Vangelis, nació el 29 de marzo de 1943 en Volos y falleció el pasado 17 de mayo en París.

Fue un destacado músico considerado como uno de los padres de la música de base electrónica.

Creador de decenas de álbumes y bandas sonoras de películas desde 1970 hasta 2021.

En su amplia discografía, se destacan las bandas sonoras originales de las películas:​ “Carros de fuego” (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981, dirigida por Hugh Hudson,​ “Blade Runner” (1982)​ y “1492: La conquista del paraíso (1992)”, ambas del director Ridley Scott; y “Alejandro Magno (2004)”,​ dirigida por Oliver Stone.

Asimismo, fue el compositor de la inolvidable música de la exitosa serie televisiva de divulgación científica “Cosmos: Un viaje personal”, creada por astrofísico, Carl Sagan.

También compuso el himno del mundial de fútbol de 2002.

Además de su memorable carrera solista, colaboró con artistas de renombre mundial como con la cantante y actriz Irene Papas y el dueto que formó con el ex líder de la banda inglesa de rock progresivo, Jon Anderson.

El dúo “Jon and Vangelis”, compuso entre otras melodías: “I Hear You Now”, “State of Independence”, o “I’ll Find My Way Home”.

Era primo del cantante Demis Roussos con quien también conformó un dúo musical.

Además, desarrolló una carrera paralela en las artes visuales, como pintor.

La Unión Astronómica Internacional le dio su nombre a un asteroide: el (6354) Vangelis.

Con la partida de Vangelis se apaga la banda sonora personal de varias generaciones que amaron y aman su obra, pero se enciende para siempre, la música del Universo.

El Día del Patrimonio se realizará durante el fin de semana del 1º y 2 de octubre. Este año será  bajo la consigna “Cultura de dos orillas” en homenaje a “China” Zorrilla y al centenario de su nacimiento.

Dicho marco será una ocasión propicia para abrir las puertas a distintos actores, instituciones y organismos que presentarán lugares, sitios, memorias, documentos y edificios disponibles para la visita del público.

El director general de la Comisión del Patrimonio Cultural de la Nación, William Rey Ashfield, dijo que China Zorrilla ha sido una figura que obliga a integrar distintas disciplinas, no solo el teatro, sino también el cine, por lo cual es muy interesante todas las posibilidades que abre su figura.

Aseguró que es de interés del Estado poder adquirir el archivo personal de China Zorrilla, porque puede enriquecer de manera notoria al Archivo General de la Nación y poder saber muchísimo más de ella.

Por su parte, el ministro de Educación y Cultura, Pablo da Silveira, manifestó que la elección de su nombre fue por ser una “gran actriz, miembro de una familia que por generaciones le dio artistas y grandes figuras de la cultura al país, y porque consiguió convertirse en una figura popular en el sentido más profundo del término”.

China Zorrilla fue un símbolo para el espectáculo y la cultura por mérito y talento propio, como también por formar parte de una familia ligada a la mejor historia del Uruguay.

Fue actriz, comediante y directora. Nació el 14 de marzo de 1922, en Montevideo y falleció el 17 de septiembre de 2014 en la misma ciudad.