. El Nobel de Literatura cerró ayer la Bienal y adelantó que ha terminado “una novela bastante audaz” sobre el vals peruano como elemento unificador

GUADALAJARA.— La violencia en la literatura, la dificultad de ser escritor en el Perú de su infancia, sin editoriales ni librerías, su gusto por las letras francesas, las lecturas que lo inspiraron, la novela que hace “detestar al mundo real” y la obra sobre el vals criollo que acaba de terminar. De todo esto habló ayer el escritor peruano-español Mario Vargas Llosa (1936).

En su conferencia titulada Literatura para tiempos recios, el último día de actividades de la quinta edición de la Bienal que lleva su nombre, el Nobel de Literatura 2010 no abordó temas políticos, sino que hurgó en sus “tiempos recios” íntimos, como la relación con su padre, quien, dijo, lo hizo estudiar en el Colegio Militar Leoncio Prado “para que los militares me quitaran las aspiraciones literarias”.

A pesar de que durante el encuentro no quiso opinar sobre la tensa relación entre México y Perú, y no reflexionó sobre temas políticos durante su charla con la editora Marisol Schulz, el novelista, cuentista y ensayista terminó abordando de manera soterrada la realidad de América Latina a partir de la literatura que se escribe en la región.

La literatura ha venido siempre marcada por una violencia que nacía de la historia, de la realidad latinoamericana. De tal manera que muy pocos escritores se liberan de esa violencia; algunos escapan, pero la mayoría está inmersa en esa violencia y la expresan en su obra.

La literatura latinoamericana expresa esa realidad de una manera irónica, a través de juegos de palabras, de una fascinación, dejando que la imaginación opere; pero, siempre rascando, se descubre esa violencia de base”, afirmó el narrador de 87 años en el Paraninfo de la Universidad de Guadalajara.

Pero, al mismo tiempo, reivindicó las dos funciones de la novela. “Nos hace detestar el mundo real, en primer lugar, y soñar con un mundo distinto. Nos apartan de ese mundillo pequeñito, muchas veces sórdido, en el que vivimos. Y accedemos a un universo deslumbrante, maravilloso, que nos llena de ideas.

¿Por qué somos grandes soñadores, por qué queremos para nuestros países un mundo distinto? Porque leemos novelas. Las novelas son los grandes incentivos para que deseemos cosas distintas en la realidad que nos rodea”, dijo.

El autor de La ciudad y los perros destacó que, en América Latina, “en el mundo de la novela no hay cuartelazos, no hay militares; éstos respetan las costumbres estrictas, no se levantan contra la autoridad que elegimos. Entonces, no hay prejuicios raciales que fomentan la violencia en nuestros países. Frente a eso, nada mejor que leer buenas novelas”.

Vargas Llosa confesó su gran vocación como lector. “Lo primero que hago en el día es leer. La lectura es algo fundamental si uno no quiere vivir siempre en esos mundillos estrictos, espantosos, horribles, que generalmente nos muestran la vida tal como es en nuestros países”.

El también dramaturgo adelantó que acaba de terminar “una novela bastante audaz” sobre el vals peruano. “Hasta antes del vals, los peruanos estaban muy divididos, como en todo lo demás. Había música campesina, indígena, la de clase media y una música de la élite, que regularmente venía de España.

Con el vals criollo ocurre algo curioso: el fenómeno de la unificación. Todos los peruanos se ponen a componer y a bailar valses; incluso, las casas que eran más resistentes a confundirse con la masa abren de par en par las puertas y las ventanas para que el vals entre”, añadió.

Señaló que a los guitarristas los llamaban “artistas de la guardia vieja”. “Llenaban de valses el Perú y, por primera vez, invaden a todo el país y establecen una semejanza de costumbres respecto a la música en todos los estratos sociales. Es decir, el vals peruano tiene una significación no sólo artística, sino también social”, indicó sobre su nueva obra, de la que no mencionó título ni año de publicación. (Excélsior)

El Instituto Nacional de Antropología e Historia de la Secretaría de Cultura informó que declarará como Zona de Monumentos Históricos el Trazo del Ferrocarril Mexicano en su tramo Sumidero-Fortín de las Flores en los municipios Ixtaczoquitlán y Fortín en Veracruz, por lo que da inicio el procedimiento para su emisión.

Así lo señala en un acuerdo publicado en el Diario Oficial de la Federación, donde también establece que se convertirá en una zona de “utilidad pública” para la investigación, protección, conservación, restauración y recuperación de este trazo de ferrocarril.

Destacó que dentro de la riqueza cultural con la que cuenta el estado de Veracruz se encuentra la zona histórica del Trazo del Ferrocarril Mexicano en su tramo Sumidero-Fortín de las Flores, el cual tiene cinco inmuebles y dos conjuntos con valor histórico.

Aunado a estos inmuebles, detalla que con el inicio de este procedimiento quedarán comprendidos dentro de la zona los monumentos históricos construidos durante los siglos XVI al XIX, destinados a templos, para fines benéficos al servicio y ornato públicos, al uso de las autoridades civiles, así como las obras civiles relevantes de carácter privado. (La Jornada)

. El Nobel de Literatura, afirmó que la Bienal tiene lugar “en un mundo convulso, incierto, sacudido por guerras y amenazado por diversos autoritarismos”

En América Latina, la libertad no pasa por un buen momento y, frente a ello, una respuesta necesaria es la afirmación de la cultura”, afirmó anoche el Nobel de Literatura peruano-español Mario Vargas Llosa al inaugurar la quinta edición de la Bienal que lleva su nombre.

De ahí que encuentros como estos no tengan una connotación puramente literaria. Son esencialmente literarios; pero, en la medida que la literatura y la cultura en general son un espacio de libertad, nuestro evento también es una defensa de aquellos valores que en el actual contexto latinoamericano están tan venidos a menos”, comentó el autor de Conversación en La Catedral.

En el Conjunto Santander de Artes Escénicas, el novelista y ensayista de 87 años se alegró que “la Bienal sirva también para recordar la importancia de que la cultura de la libertad pueda reinar plenamente en México, país que ha soportado en años recientes amenazas y desafíos muy duros”.

Fundada en 2014, la Bienal Mario Vargas Llosa reunirá hasta el domingo a más de 30 escritores de Hispanoamérica que reflexionarán sobre Literatura para tiempos recios, título que evoca el nombre de la novela más reciente de Vargas Llosa, Tiempos recios.

El narrador destacó que la Bienal “tiene lugar este año en un mundo convulso, incierto, sacudido por guerras y amenazado por diversos autoritarismos; y en una América Latina donde el populismo, la demagogia, el estatismo, la intolerancia y el extremismo ideológico están causando mucho daño”.

Añadió que “algunos países, como el mío, han podido librarse, por fortuna, del zarpazo dictatorial de quien, como lo anticipamos tantas veces, en la campaña electoral de hace dos años, el presidente Castillo, hoy preso, pretendió destruir la democracia desde el poder”.

Pero, advirtió, que “hay muchas naciones que ya están en manos de líderes autoritarios, de los que costará tiempo y esfuerzo liberarse. En muchos casos, esto se da por culpa de votantes que no supieron medir las consecuencias de sus preferencias y, en otros, por actos de fuerza o circunstancias que torcieron la voluntad popular”.

El integrante del Boom latinoamericano señaló que, “más allá de América Latina, no sólo los autoritarismos y guerras imperialistas amenazan la libertad y la cultura, también la deformación académica que ha dado en llamarse Cultura de la Cancelación. Esa especie de dictadura del pensamiento único que impide hoy en la universidad, los medios de comunicación y las redes sociales el libre intercambio de ideas en nombre de la corrección política y el fanatismo identitario.

Una dictadura que no sólo ejerce la censura contra el pensamiento y la cultura contemporáneas, sino que pretende abolir el pasado alterando o prohibiendo libros, cuadros y otras expresiones culturales que forman parte del legado de nuestra civilización desde hace siglos”, explicó.

Frente a todo ello nos rebelamos también en esta Bienal, que es un ámbito donde debe reinar la plena libertad sin complejos”, agregó.

El también cuentista admitió que este año no todo es celebración y alegría. “Hace pocos meses nos dejó Raúl Padilla. Fue uno de los grandes promotores de nuestro tiempo, un visionario que convirtió a Guadalajara y a Jalisco en una capital literaria y cultural de nuestro idioma.

Gracias a su visión, su tenacidad y su capacidad para movilizar recursos, convocar personalidades y atraer a los mejores colaboradores, fue capaz de instalar a su ciudad en el centro de la cultura universal. El mejor homenaje que le podemos rendir es prolongar su obra, dándole a sus proyectos el respaldo, asegurando su continuidad y, si cabe, su expansión”, indicó.

A mediodía, Vargas Llosa asistió puntual, y escuchó sentado en primera fila, a la mesa de apertura A pesar de todo escribimos; al finalizar, convivió con sus lectores, regaló autógrafos y posó gustoso pra las fotos.

Y, tras la inauguración, siguió atento la mesa integrada por los seis finalistas del V Premio Bienal de Novela Mario Vargas Llosa, dotado con 100 mil dólares: los colombianos Héctor Abad Faciolince y Piedad Bonnett, el español Juan Tallón y los mexicanos David Toscana, Cristina Rivera Garza y Brenda Navarro, quienes reflexionaron sobre la novela con la que disputan el galardón, cuyo fallo será el próximo domingo.

 SEIS FINALISTAS

Salvo mi corazón, todo está bien, de Héctor Abad Faciolince.

Qué hacer con estos pedazos, de Piedad Bonnett.

Obra maestra, de Juan Tallón.

El peso de vivir en la tierra, de David Toscana.

El invencible verano de Liliana, de Cristina Rivera Garza.

Ceniza en la boca, de Brenda Navarro. (Excélsior)

]]> Sat, 27 May 2023 05:13:17 +0200 https://api.follow.it/track-rss-story-click/v3/aw_IuFTAimiAMWobwzYY_SuZukmJ4mr4 https://api.follow.it/track-rss-story-click/v3/aw_IuFTAimjKxUtfw_nKkhKeetMRuZbW

Ciudad de México.- La escritora y periodista Elena Poniatowska, quien celebra 70 años de escritura y 91 de vivir, que festejó el pasado viernes, dice en entrevista con La Jornada que los temas que aborda en sus libros, como el terremoto de 1985 o el movimiento estudiantil de 1968, “te los da la vida; es caminar en la calle”. Ahora, Grupo Planeta lanzó una edición conmemorativa que reunirá 17 de los textos de la ganadora del Premio Cervantes 2013.

Poniatowska dijo que “es muy halagador” que exista la Biblioteca Elena Poniatowska, inaugurada con la redición de La noche de Tlatelolco, Querido Diego, te abraza Quiela y Tlapalería.

La autora, reconocida en abril pasado con la Medalla Belisario Domínguez del Senado de la República, refirió que ha “cubierto tres generaciones: las abuelas, las madres, los papás y los hijos. Y voy por los nietos.

“Ese es el beneficio de tener tantísimos años, así como de vivir sorprendida y muy triste de pensar que se hayan muerto antes que yo Carlos Monsiváis y José Emilio Pacheco, que eran mis compañeros de trabajo en el suplemento que dirigía Fernando Benítez.”

Poniatowska (París, 1932) recordó que “era muy bonito recibir todo el material a mediados de la semana y ver qué iba a entrar y qué no. Monsiváis decía: ‘Esto se va a la basura’ y Pacheco contestaba: ‘Un momento, aquí hay un detallito’. Y era tan buena persona que se ponía a rescribir el artículo del incauto que se había atrevido a mandar un artículo al suplemento cultural”.

El catálogo más completo de su obra lo tiene el sello Seix Barral, el cual se ha ilustrado con imágenes de las artistas Graciela Iturbide, Maya Goded, Yolanda Andrade, Patricia Lagarde, Melba Arellano, Aglae Cortés, Carol Espíndola, Olivia Vivanco e Yvonne Venegas.

La curaduría de las fotografías estuvo a cargo de Oswaldo Ruiz. Cada título incluye imágenes icónicas de la autora en distintos momentos de su vida.

Sobre las portadas, la periodista sostuvo: “Soy un poco desamorada de mí misma, aunque mi apellido es ‘Amor’. Yo pensaba: ‘los libros siguen saliendo’. Con la editorial no las vi antes ni me las consultaron. El autor no tiene ni voz ni voto. Tampoco tuve que ver con las grandes portadas que hizo Vicente Rojo, aunque ahí sí había una gran relación de amistad”.

“La labor del entrevistador es repetir con reverencia”

La narradora mencionó que tampoco realizó una rescritura de los títulos de la biblioteca que lleva su nombre, aunque “rescribirse es una costumbre que tienen muchos escritores. Yo, como soy periodista, creo que soy menos pretenciosa. Digo: ‘Si salió bien, bueno’”.

Aseveró que, en vez de leer sus libros, lee los de otros, “así no me entero que hay erratas, tiene sus ventajas, no me repito o me denigro a mí misma diciendo: ‘Cómo fui a escribir eso, ¿para qué hice eso?’”

Poniatowska cree que la labor del entrevistador es repetir “con cierta reverencia y prudencia las respuestas del entrevistado. Esa ha sido siempre mi actitud desde que me inicié en 1953.

“Hacía preguntas impertinentes o atrevidas, pero más por ignorancia y por desconocimiento de lo que era mi país, finalmente erauna niña que venía de un convento de monjas en Estados Unidos. Todo me causaba ilusión y sorpresa, pero a partir de mi ignorancia. Todos estaban casi iguales que yo.”

En breves palabras contrastó el ámbito editorial desde que comenzó a trabajar en 1953 y el actual. “En mi época eran José Agustín, Gustavo Sainz y Parménides García Saldaña. De gente más joven, ya hay mujeres escritoras. En las editoriales sí se han tocado temas sociales”.

Recordó que conoció a “don Tomàs Espresate, el papá de Neus. Fue muy valiente porque cuando decidió publicar La noche de Tlatelolco le mandaron una amenaza de que iban a volar la imprenta. Él dijo: ‘Yo estuve en los bombardeos en la guerra civil de España. Estoy acostumbrado. Que hagan lo que quieran’”. (La Jornada)

. El escritor argentino entrega un libro de relatos que recrean sentimientos como el amor, los celos y el desamor

Uno se enamora, tenemos miedo de que el amor se acabe, el amor nos asusta, qué es la plenitud del amor, qué pasa cuando nos dejan de querer, qué podemos hacer. Éstos son algunos de los temas que nutren los relatos del libro Nueve cuentos (Pollo Blanco), del argentino Martín Kohan (1967).

Pueden ser los tópicos más tradicionales, pero en ellos vivimos la claridad de lo inapelable”, comenta en entrevista el narrador cuya obra retrata además la vida en el campo y en la ciudad, los conflictos existenciales contemporáneo, los celos, la violencia y el azar.

Juego con lo que se saben y con lo que no se saben los personajes. Algo que me interesa es cuando los personajes no saben algo, pero el lector sí. Me gusta esa posibilidad de dosificar, entre el narrador, los personajes y el lector”, agrega.

El también novelista admite que su escritura “es mucho más despojada al escribir cuentos que al crear novelas, menos barroca. Sin embargo, en ese despojamiento hay algo enigmático. En algunos casos se termina develando, y en otro se mantiene como enigma. Algunos de estos cuentos tienen su tensión narrativa y su resolución, en espera de ese desencadenamiento que no llega”.

Dice que le gusta pensar que está proponiendo una estructura moderna del género. “En el cuento, la cosa no siempre funciona como en el boxeo, porque hay algo con la convención y el final inesperado, que sería una clave para un formato más tradicional. Sólo que cuando el final inesperado se vuelve convencional ya deja de ser inesperado.

Eso ayuda a romper con las formas más cristalizadas del género, el formato más fosilizado. Estos cuentos, dentro de ciertas marcas de estilo, están ensamblados y al mismo tiempo cada cuento tiene su fórmula, no se repiten entre sí”.

Kahan dice que encuentra libertad tanto en la novela como en el cuento. “Pero hay distintas formas de gestionar esa libertad. Las libertades no son todas iguales. Uno tiene que hacerse responsable de esa libertad.

A veces las ideas vienen caminando por la calle, a veces la misma idea del cuento puede ser para una novela. Me parece que los cuentos están más ligados a una escena cargada de una determinada intensidad o connotación y que hay que establecer si esa escena tiende a la contracción o a la expansión. Cada elemento que agregas en el ejercicio de la libertad es a la vez

un límite”.

El autor de Ciencias morales, Bahía blanca y Museo de la Revolución, entre otras, se alegra que por primera vez una editorial mexicana publique su obra, que ya había llegado al país mediante otros sellos. (Excélsior)

Ciudad de México.- En el gran festejo por sus primeros 50 años, el Festival Internacional Cervantino (FIC) llega este 2022 de manera presencial con la infatigable frescura de la creatividad de sus artistas invitados, algunos de ellos de la mano de innovaciones escénicas que, como siempre, obsequiarán a los espectadores momentos para recordar toda la vida.

A partir de este miércoles y hasta el día 30, el FIC recibirá a 2 mil 941 artistas de 34 países, quienes forman parte de una espectacular programación que incluye 20 funciones de danza, 85 presentaciones musicales, tres recitales de ópera, 57 funciones teatrales, así como 45 exposiciones de artes visuales.

En 1972, cuando nació el encuentro en Cuévano, se presentaron 39 espectáculos musicales con 22 artistas, 40 funciones de teatro, 14 actividades de danza, tres recitales de poesía y cuatro exposiciones de artes visuales. Esa fue la semilla de la que es hoy una de las experiencias culturales más importantes de Iberoamérica y el mundo.

En el concierto inaugural, la coreana Hera Hyesang Park y María Katzarava cantarán una selección de arias para celebrar al FIC en la explanada de la Alhóndiga, acompañadas por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México bajo la batuta de Scott Yoo.

Después de dos años de pandemia, se agradece que en esta edición participe la compañía catalana La Fura dels Baus, con el estreno de su primer macroespectáculo interactivo al aire libre, hecho especialmente para celebrar el medio siglo del festival.

El público podrá apreciar un recuento de la historia de Guanajuato, desde el descubrimiento de las vetas de plata y oro que fueron el motor del crecimiento de la ciudad, hasta su transformación en un atractivo destino cultural. Sobre todo, la propuesta de los catalanes de la Fura hará que cada uno de los asistentes sea parte del espectáculo por medio de sus teléfonos celulares.

Se espera que la gran protagonista del Cervantino, que tiene como invitados a Corea y la Ciudad de México, sea la calle, esa que tanto se añoraba durante el encierro ocasionado por la crisis sanitaria. Entre la vasta programación que ha propuesto la Ciudad de México para la edición 50 del FIC destacan tres proyectos que ocuparán las plazas de Guanajuato y que el público podrá disfrutar de manera gratuita.

Se ofrecerán conciertos auspiciados por el Salón Los Ángeles con motivo de su 85 aniversario, además de una demostración de lucha libre y tres espectáculos organizados por el Instituto de la Juventud de la Ciudad de México, en el que participarán más de 350 jóvenes con la intención de dar a conocer el trabajo artístico que se lleva a cabo en los barrios de la capital.

Entre las propuestas más interesantes del FIC se encuentra la obra Kosa: Entre dos espejos, compuesta por Ushio Amagatsu, que será interpretada por el grupo de danza butoh Sankai Juku el 22 y 23 de octubre en el auditorio del estado.

La directora general del FIC, Mariana Aymerich Ordóñez, consideró que cuando pensamos en Guanajuato, “en la cabeza de todos está la Alhóndiga de Granaditas, un espacio de la memoria patria que hoy también es vista como el escenario más querido por los guanajuatenses y el que recibirá este 2022 a artistas de gran prestigio”, como Joan Manuel Serrat, la Orquesta del Jazz at Lincoln Center encabezada por el gran músico Winton Marsalis, Goran Bregovic y Café Tacvba en compañía de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato. Además, Lila Downs, Francisca Valenzuela, Sean Kuti, Rosario Flores, Paté de Fuá y, desde luego, como representantes de Corea del Sur, país invitado de honor, los grupos Coreyah y Kard.

“La programación de este año se construyó con la memoria nostálgica del 50 aniversario, pero también como una pausa para la reflexión sobre el futuro del FIC. La paz, la sostenibilidad, la inclusión, los derechos colectivos, el reconocimiento a la diversidad, la descentralización, así como la defensa del patrimonio cultural, son los temas y valores que nos animan”, concluyó la funcionaria. (La Jornada)

. El Consejo Rector del Premio Gabo, compuesto por destacados periodistas, escritores y académicos otorgó el premio a Villoro ‘por el brillante e inspirador conjunto de su obra y trayectoria’

Ciudad de México.- El escritor mexicano Juan Villoro, una de las voces más importantes de la crónica y la literatura, ganó el reconocimiento a la Excelencia del Premio Gabo 2022

Juan Villoro (1956) es “un excepcional intérprete y narrador de las realidades sociales, culturales y políticas de México, América Latina y el mundo”, informó este miércoles el Premio Gabo.

El Consejo Rector del Premio Gabo, compuesto por destacados periodistas, escritores y académicos otorgó el premio a Villoro “por el brillante e inspirador conjunto de su obra y trayectoria”.

Además, por la “mirada propia, profunda y crítica que proyecta en su ejercicio periodístico con rigurosidad, ética y talento ejemplares”, como ha quedado registrado en el acta que sustenta su resolución.

Este premio a Villoro es, según el Consejo Rector, una exaltación a un narrador “que cautiva a través de la palabra viva, que respeta, conoce y usa como pocos” y a un “gran hablador del idioma que enseña a afinar el lenguaje para contar con hermosura y eficacia” en diversidad de géneros que van desde columnas y cuentos infantiles, hasta obras de teatro y crónicas”.

 Las crónicas de Villoro son grandes referentes de este género híbrido entre la novela, el reportaje y el ensayo que el mismo autor mexicano denominó “el ornitorrinco de la prosa”.

Para las directivas del premio, el escritor mexicano “es un hombre que, al salir a la calle, es capaz de convertir cualquier tema en atractivo: en una crónica maravillosa, una crítica social aguda, una intervención necesaria en la conversación pública”.

Al celebrarse 40 años de la entrega del Premio Nobel de Literatura a Gabriel García Márquez, “este Reconocimiento a la Excelencia, que otorga la Fundación que el colombiano creó y hoy lleva su nombre, es para un autor “que representa parte de lo que era García Márquez: un periodista y escritor completo, espléndido y versátil”.

Y es, en palabras del Consejo Rector, “una forma de regresar al corazón de la Fundación Gabo para reafirmar el poder del periodismo narrativo que tanto impulsó nuestro fundador, y recordar su misión: promover que el oficio se desarrolle bajo los más altos parámetros de rigor y calidad”.

Juan Villoro se une así a un grupo de profesionales  que han recibido el Reconocimiento a la Excelencia del Premio Gabo desde su creación en 2013: Giannina Segnini (2013), Javier Darío Restrepo y Marcela Turati (2014), Dorrit Harazim (2015), el equipo de El Faro (2016), Jorge Ramos (2017), Ignacio Escolar (2018), Jesús Abad Colorado (2019), el equipo de Radio Cooperativa (2020) y Pedro X. Molina (2021).

Villoro recibirá el Reconocimiento a la Excelencia el sábado, 22 de octubre en Bogotá, Colombia, durante la ceremonia de entrega del Premio Gabo, en el marco del 10º Festival Gabo. Este será, además, el espacio para homenajear a los ganadores de las cinco categorías de concurso del Premio: Audio, Cobertura, Fotografía, Imagen y Texto. (Excélsior)

. El empresario Martin Mobarak quemó la pieza Fantasmones siniestros y creó 10 mil NFT para recaudar fondos

Luego de que el empresario mexicoestadunidense Martin Mobarak documentara en video la incineración de la pieza Fantasmones siniestros, de Frida Kahlo, para crear un NFT, integrantes de la comunidad cultural exigieron al gobierno mexicano y a instancias como el INBAL, que encabeza Lucina Jiménez, a revisar el caso y tomar las medidas legales, ya que la obra de la artista es monumento artístico de México y está protegida por la Ley Federal sobre Monumentos.

La pieza, que originalmente formó parte del diario de Frida, fue quemada el pasado 30 de julio por el empresario (aunque lo difundió en YouTube hasta el 24 de agosto), quien aseguró que la venta del NFT proveerá de fondos para distintas causas sociales.

De acuerdo con el sitio https://fridanft.org/, dirigido por Mobarak, Fantasmones siniestros fue valuada en más de 10 millones de dólares, y luego de incinerar la pieza, pondrá a la venta 10 mil NFT “como la única conexión auténtica con la obra”.

Además, determinó que cada pieza tendrá un costo de tres Ethereum (criptomoneda), y espera recaudar cerca de 30 mil Ethereum, es decir, cerca de 40 millones de dólares.

Según el sitio oficial, la empresa tiene sus oficinas en Nassau, Bahamas, e indica que parte de los fondos recaudados serán donados a fundaciones como The Autism Society, Children’s Craniofacial Association, así como al Palacio de Bellas Artes de México, la Casa Azul y la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la CDMX.

Excélsior consultó a Hilda Trujillo, experta en la obra de Frida Kahlo, sobre el tema, quien expresó que el caso debe ser investigado, aunque lo calificó de poco serio.

Es una vacilada. Primero, (la pieza) no cuesta lo que él dice (10 millones de dólares), porque se trata de una hoja que fue arrancada del diario (de Frida), así que se necesitaría un estudio de mercado”, dijo.

Segundo, es importante saber por qué quemó en México la pieza de una colección que está en Estados Unidos; y, tercero, yo propondría hacer un análisis químico (de las cenizas) para ver si es una obra original”, expresó. Para hacerlo, apuntó, “se pueden comparar las cenizas contra el papel del diario de Frida que está en la Casa Azul. Sería interesante”.

¿Cualquiera puede crear un NFT con la obra de Frida?, se le preguntó. “Los NFT aún son un territorio inexplorado, pero el único que puede registrarlos es el Fideicomiso relativo a los Museos Diego Rivera y Frida Kahlo, del Banco de México.

¿Alguna autoridad debería intervenir?

El INBAL está obligado a hacerlo, con base en la Ley de Monumentos y los convenios internacionales en materia de conservación de obra con Unesco. Además (la obra de Frida) es patrimonio de México”.

Finalmente, dejó en el aire una pregunta. “¿Por qué la Galería Mary-Anne Martin vende hojas del diario y por qué ha vendido cosas de dudoso origen?”

JUSTIFICA DECISIÓN

Martin Mobarak explica en una entrevista para su portal que él adquirió la pieza hace siete años, aunque no aclara si lo hizo a través de alguna galería o de algún particular.

“¿Cómo llega la pintura a mis manos? A través de un amigo mío que me dice que la pintura está en venta. Desarrollé un interés, obviamente, por saber qué pintura era, qué valor tenía. Todo esto me llevó a la cooperación e invertí en esta pintura en el año 2015”, expresó.

Además, justificó la decisión de quemar la pieza bajo el argumento de inmortalizar la obra de la artista con los NFT.

“¿Por qué quemar esta obra? Es una parte que yo sé que es fuerte, yo sé que la gente lo puede malinterpretar, pero es una manera de llevarla a ella a una inmortalización, porque esta obra, estando siempre en mis manos, dentro de una caja fuerte, no genera nada”.

En su opinión la incineración de la pieza y la creación de los NFT teje “un puente entre el arte tradicional y el nuevo arte, que es el arte digital”. Sin embargo, nunca aclaró si tramitó algún permiso en México.

Además, consideró que el arte de Frida está confinado a los museos y a las colecciones privadas. “Ella tuvo 140 obras privadas y las que no están en el museo están en manos de gente como yo, que están metidas en una caja fuerte y nadie las ve, nadie las puede disfrutar”, concluyó.

PASO A PASO

Para adquirir un NFT (token no fungible) de esta pieza de Frida Kahlo, lo primero que se debe hacer es comprar Ethereum en una plataforma especializada de criptomonedas. En la página fridanft.org se recomienda hacerlo en la app de Coinbase.

Cada NFT tendrá un costo de tres Ethereum, lo que equivale a: 79,451 PESOS, al tipo de cambio de ayer.

Dicha plataforma permite depósitos con tarjetas de débito o crédito (Visa o Mastercard).

Una vez que se cuenta con fondos suficientes en la plataforma Coinbase, es necesario transferirlos a la app Metamask, una cartera criptográfica especializada en Ethereum. Directamente en esa app se puede adquirir el NFT, ingresando la dirección del creador (fridanft.org) y eligiendo la cantidad que se quiere “mintear” (comprar).

La plataforma advierte que los ciudadanos de Estados Unidos o de otros países con regulaciones no claras o restrictivas respecto a las criptomonedas no pueden comprar los NFT, y también deslinda a los desarrolladores de cualquier responsabilidad al usar el sitio.

El sitio fridanft.org señala que circularán 10 mil NFT de la obra Fantasmones siniestros, de Frida, la cual, asegura, fue valuada en más de 10 millones de dólares. De acuerdo con el precio de cada NFT, con estas operaciones se podrían recaudar cerca de 30 mil Ethereum, esto es, cerca de 40 millones de dólares. (Excélsior)

. El antropólogo e historiador advierte que la retracción del Estado mexicano en diversas áreas ha rasgado el tejido social

La falta de interés de fondo en la cultura y la educación que muestra el actual gobierno mexicano es una continuidad de la política de los gobiernos anteriores. “Hay una deuda histórica, una deuda social, en ambos terrenos”, afirma el antropólogo Claudio Lomnitz (1957).

Ha habido rupturas y continuidades con los gobiernos anteriores, pero la falta de apoyo e inversión suficiente en cultura y educación es lamentablemente una continuidad”, agrega en entrevista para Excélsior quien acaba de publicar El tejido social rasgado (Era), en el que analiza las crisis que enfrenta el país.

El tema de la educación se ha reducido demasiado a los sindicatos, al control político de los maestros, al papel de éstos en los procesos electorales, más que en el problema de la educación en sí misma, de la calidad de la instrucción”, comenta.

El también historiador advierte que en el terreno cultural ha estado paupérrimo. “Eso no es sólo culpa del gobierno, porque la empresa privada ha tenido un papel lastimoso de falta de inversión en cultura y en educación. Aunque sí es una responsabilidad en primer lugar del Estado mexicano y eso no les importa mucho.

Han estado imaginando que las instituciones culturales sólo sirven para emplear a su gente, como si no tuvieran una función en el mundo real. Por eso han sacado a las personas que saben para meter a su gente, aunque no sepa; eso tiende a la destrucción de las instituciones”, añade.

El catedrático de la Universidad de Columbia reúne en este título seis conferencias, dictadas como miembro de El Colegio Nacional, en las que revisa la ruptura del tejido social en México y propone que esta rasgadura no se origina en una crisis ética, sino en la retracción del Estado, que ha perdido su capacidad como regulador en distintas áreas.

La imagen de la comunidad como un tejido social está diciéndonos, por un lado, que la fuerza de la sociedad recae en la forma como estamos interrelacionados. Y, por otro, nos dice que los elementos por los que está compuesta la sociedad son individualmente muy frágiles y se pueden romper fácilmente. Es esa mezcla de la fuerza de la interdependencia y la fragilidad de los individuos la que está en esa metáfora”, explica.

El ensayista hurga especialmente en temas como la violencia. “Desde que empezaron las primeras olas de inseguridad en México, a fines de los años 80 y, sobre todo, durante los 90 (del siglo XX), hemos reconocido que hay dos crisis en realidad: una crisis del Estado y otra de la comunidad; es decir, las formas de convivencia social se han ido afectando. El libro parte de un reconocimiento de eso, pero parte también de una crítica a la idea de que el origen de las violencias sea remediable a nivel de la moral”.

Destaca que “si queremos entender la violencia y la inseguridad, debemos comprender que estamos ante un nuevo tipo de Estado, que ha concentrado todo su esfuerzo en fortalecer a la Presidencia de la República y a la militarización; pero que ha renunciado a su capacidad de administrar una serie de mercados, incluidos los ilícitos. Y si una economía ilícita, informal, no está regulada por el Estado, empieza a estarlo por otros grupos, como el crimen organizado”.

Lomnitz advierte que “lo que ha pasado es que el tejido social se ha convertido en un objetivo táctico, en un objetivo militar; es decir, cuando empieza a haber violencias, ya sea entre grupos criminales y fuerzas del gobierno o entre los mismos grupos criminales, el ataque al tejido social se convierte en una estrategia militar”.

Señala que la antropología social tiene mucho que aportar al debate público.

Creían que podían gobernar sólo con economistas y politólogos, con base en estadística e indicadores, sin trabajo de campo.

Ha sido un error costosísimo. No sólo ha sido el neoliberalismo. Llevamos 40 años en un proceso de transformación tecnológica, de revolución en las comunicaciones. Estamos ante una transformación profunda de la sociedad, que aún no se entiende. De ahí la relevancia de una mirada antropológica cualitativa de nuestra realidad”, concluye. (EXCÉLSIOR)

Un año antes de la convocatoria formalizada con la exposición en el Polyforum, durante el desayuno con Carlos Payán en casa de Olga y Rufino Tamayo, ella reconvenía al maestro: cómo una Rufino… muchas, al referirse al número de obras que donaría el artista oaxaqueño para la causa.

Después Carlos Payán en la Rayuela de la contraportada del número 190 de La Jornada escribió: y ella “tenía los ojos llenos de lágrimas y a nosotros nos llenó de emoción y de agradecimiento”.

El 28 de marzo de 1984, en el taller del impresor Andrew Vlady, el maestro Rufino Tamayo firmó, uno a uno y a voz viva, los cien ejemplares de su litografía realizada ex profeso para La Jornada. Ese mismo día platicamos largo con el pintor. Aquí unos apuntes de la conversación.

Hombre en rojo, cien veces Tamayo caligráfico y, coreada en contrapunto, la firma más importante de nuestra plástica actual. Del uno al cien, de la piedra a la imagen, del lápiz a la volición raigal, del rojo en la litografía a la pasión compartida.

Yyyy uno yyy dos yyy tres.

—¿Y el título, maestro?

—Pues ¿Cómo le ponemos? ¿Hombre?

—Es rojo.

—Si, pues, Hombre en rojo.

Veinticinco, 26, quedó bonito, 27, sí, quedó bonito, 28 – sigue el conteo Tamayo en contrapunto con su plática. ¿Verdad? Yo le doy un valor muy especial a esta litografía por el hecho que es para La Jornada, 29. La Técnica de la litografía me agrada porque la puede comprar quien no la puede pagar un óleo.

Quedó bonito.

Hombre en rojo.

Treinta y dos. Tuve la suerte de ser amigo de Marc Chagal.

Vivimos juntos en Nueva York durante la guerra.

Es uno de los más grandes de la pintura contemporánea.

Sí 36, mi retrato de José María Morelos y Pavón ya está terminado, 37, mide dos metros de alto. 38.

Firma Tamayo, aprieta el lápiz. Pulgar-índice-medio.

Recita, contrapuntea su impreso, fluye la serie salida de la piedra que cancela el autor.

“Hay muchos falsos Tamayos, sobre todo en Estados Unidos y en Sudamérica. En Francia hice un libro y los impresores utilizaron la piedra, mi original, para reproducir muchas litografías. No es justo. Yo he pedido que intervengan las autoridades de México en varias ocasiones, pero en lugar de ayudarme terminan por entregar mis obras a quienes compran falsos. No es justo. 43”.

Lithos y graphos. Piedra y trazo, irrepetible. Agua y grasa. Tamayo hirió la piedra traída desde Bavaria y el Hombre en rojo se multiplicó cien veces bajo los rodillos y las prensas y sobre el papel.

Más punta al lápiz.

“Debería existir una legislación para proteger las obras, para evitar los falsos. Una vez un abogado me dijo que si yo tenía falsos en mi poder, me podían acusar de robo. Hágame el favor.”

Mientras estampa su firma, Tamayo pasa de tema en tema. La revolución. Se encienden sus ojos, levanta el rostro: “hay una diferencia entre la posición política del artista y lo que es su obra. El artista está comprometido antes que nada con su propio arte, esa es su razón fundamental. Los muralistas, en ese sentido, hicieron muchas concesiones, anteponían sus intereses políticos a sus obras y se decían pintores revolucionarios. En realidad no lo eran, puesto que su pintura nada tiene de revolucionaria. Yo sí soy revolucionario en mi pintura. Abrí campos. La prueba es que la pintura joven en México es libre, y antes no lo era, antes se hacía pintura para el Estado, se hablaba de la pintura del Estado”.

48 hombres rojos.

“Yo soy de izquierda, como persona, pero no meto la pintura en eso porque se trata de cosas muy distintas. Yo estoy con el pueblo, yo no soy demagogo, no digo discursos ni esas cosas. Yo hago, simplemente hago.”

49.

Refrenda: “alguna vez dije, si soy socialista, yo lo refrendo, 79, porque una de las cosas más importantes es que la distribución de la riqueza sea equitativa, 88, que todos tengan lo suficiente para vivir. La distribución equitativa de la riqueza es lo fundamental. Que todos tengan para vivir decentemente , 91. No hay derecho de que algunos tengan más que otros. ¿por qué? 92”.

Firma el artista oaxaqueño y hace ondear su paliacate azul, ajusta el carey de sus anteojos. Sonríe. “quedó bonito.” Firma 99 litografías, firma la número cien, las entrega a La Jornada.

Cien litografías de muchos dólares cada una. Cien hombres rojos desde las manos del artista solidario. Cien veces la caligrafía oaxaqueña. Muchas jornadas. (La Jornada)

Elio Henríquez/La Jornada/San Cristóbal de Las Casas, Chis.- El escritor Luis Antonio Rincón García (Tuxtla Gutiérrez, 1973) ganó el Primer Premio Estatal de Literatura Infantil Elva Macías 2022, con su cuento Ok’om, el de la historia eterna, convocado por el Consejo Estatal para las Culturas y las Artes de Chiapas (Coneculta).

Los integrantes del jurado, Balam Rodrigo, Laura Jiménez Abud y Elva Macías Grajales, destacaron que la calidad literaria y la unidad temática de la historia resultan indiscutibles, además de que está apegada al espíritu de la convocatoria.

Agregaron que el cuento está narrado “con una prosa ágil, fluida, imaginativa, cargada de múltiples referencias míticas y cosmogónicas, a través de las cuales el autor recorre las distintas etapas históricas de Chiapas”.

Entrevistado a propósito del premio que recibirá este viernes, Rincón García explicó que Ok’om (mañana, en tsotsil), el de la historia eterna, un cuento largo, “es la historia de un niño que emerge poco después de que se crea la tierra; se encuentra con dioses ancestrales y le dicen que él es el mañana, que nunca verá el hoy ni el ayer; que es hijo del tiempo y la ilusión. Entonces, él empieza a travesar la historia de Chiapas en sus diferentes momentos, visitando las distintas culturas”.

Por ejemplo, agregó, “una imagen que me gusta es cuando llega a un patio y ve a una mujer que se llama Chayito y un hombre que se llama Jaime escribiendo y resulta que son Rosario Castellanos y Jaime Sabines. Y él los escucha bromeando y reclamándose porque Jaime quiere escribir y Chayito quiere contarle lo que está escribiendo y hacerle preguntas”.

Señaló que la historia “llega a esas matanzas indígenas que hubo en 1712 y 1889; ve cuando se van los zapatistas a luchar. Él sufre esa angustia y los mismos dioses y su padre, el tiempo, le dicen espera porque tu mamá, la ilusión, también es parte de esta realidad y él se encuentra con cosas muy alegres”.

Por cierto, continuó Rincón García, “cuando nace, él escucha a los dioses creadores tocar el tambor y el pito y al final, ya de la mano de su mamá, la ilusión, escucha otra vez la música, el tambor y el pito, pero ya son los parachicos (de Chiapa de Corzo) y ve mucha gente, en lo que él asume como un proceso de creación eterno y se suma a esa fiesta de vida. Por ahí va el cuento enraizado a nuestra historia, a cuestiones míticas y cosmogónicas, no de una cultura en especial, sino tratando de abarcar el universo de las culturas que tenemos en Chiapas”.

—¿Es una especie de viaje por tiempo?

—Exactamente. Y la idea es que seguirá viajando. No es una estructura única.

Autor de una veintena de libros, Luis Rincón ganó en 2019 el Premio Bellas Artes de Obra de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes Perla Szuchmacher, con Tras la pista de azul; en 2020 obtuvo el Premio Nacional de Novela Juvenil, Fenal norma con El sueño del Cóndor y en 2021 ganó el Premio Amado Nervo de novela breve con La nana Concepción.

El premio que le será entregado este viernes en la capital chiapaneca, dotado de 30 mil pesos en efectivo y un diploma, es el primero que obtiene en su estado natal, lo que le emociona más.

“Recibirlo y festejarlo con la familia, con amigos, con mi gente, en mi tierra, tiene otro significado. He ganado otros concursos y me han tratado bien, pero no deja de ser con gente que apenas acaba uno de conocer y en la noche vuelve al cuarto de hotel en la soledad. En cambio, aquí, estará la alegría que puede provocar y contagiar la gente que amas y los lectores, muchos de los cuales no conozco y me han dicho que quieren acompañarme”.

Comentó que durante dos años estuvo “enfocado a escribir para adultos y de repente volví a lo que había estado haciendo los últimos diez años: trabajar para niños, lo cual es también muy importante para mí porque es darle el lugar que se merece la literatura infantil que cuando se hace debe de aspirar a que sea una obra de arte; que haga un hito en la historia de la literatura. No importa si no se logra”.

Expresó que “lo más probable es que nunca se logre, a pesar de todos los esfuerzos o que lo logre sólo uno de 20 escritores, que su obra quede engarzada a la historia universal de la literatura, pero no importa, uno debe de poner lo mejor de sí, de su inteligencia, de su oficio y saberes para tratar de regalarle a esa niña o niño lector la mejor obra posible; una que enamore a los niños y a los adultos. Hacia ahí va el objetivo de crear literatura de cualquier tipo, incluida por supuesto la infantil. Y en eso hemos trabajado muchos autores y por ello consideramos que reconocimientos como este le dan el lugar que se merece”.

Aclaró que Ok’om, el de la historia eterna, “no es un libro sólo para niños. Esa es la idea de la literatura infantil: que sea para todos, que atraviese generaciones y edades sin ninguna dificultad”.

Madrid – El escritor Leonardo Padura regresa con una nueva entrega de su serie protagonizada por el detective Mario Conde, Personas decentes (Tusquets), en la que su Cuba natal vuelve a ser protagonista, un país cuya realidad “alimenta” al Premio Princesa de Asturias y donde “todo es política”.

“La realidad cubana me alimenta y ese es uno de los motivos por los que me mantengo allí, porque me interesa. El caso es que en Cuba todo es tan político que, incluso si uno quiere hablar de béisbol, está hablando también de política”, ha explicado durante una entrevista con Europa Press el escritor cubano.

Padura ha reconocido que a veces preferiría no hablar solo de la actualidad cubana puesto que “hay unas realidades que se pierden” entre el vacío informativo y el exceso de noticias sobre Cuba. “Y esas realidades a veces son mis libros. No me niego a hablar de Cuba, porque creo que es importante, pero soy un escritor y para mí es importante también hablar de las cosas que soy yo”, ha lamentado.

No obstante, asume que es “muy difícil” no terminar mezclando las dos cosas, puesto que incluso sus novelas también abordan esa actualidad del pueblo cubano. Eso ocurre también en Personas decentes, donde el esplendoroso inicio del siglo XX en Cuba –con el establecimiento de la República tras la independencia española– se cruza con la investigación de Conde en el año 2016, cuando se juntaron en el país la visita del entonces presidente estadunidense Barack Obama con The Rolling Stones.

“Lo que ocurrió en ese 2016 en Cuba fue un paréntesis entre dos crisis y yo, como autor, he jugado con ventaja porque ahora es más fácil ser aguafiestas. Fue un momento rápido y furioso, donde pasaron personajes como Rihanna o las Kardashian y todo parecía que iba a encaminarse más favorable para el país”, ha apuntado Padura.

Pero al año siguiente llegó la administración Trump a Estados Unidos y la situación cambió para Cuba, un país en el que sus ciudadanos “sienten que lo que de verdad falta son esperanzas de futuro”. “Hay una crisis migratoria muy grande de la cual se habla muy poco, con jóvenes con una alta preparación que se marchan porque no encuentran respuestas a sus expectativas”, ha destacado.

Vuelta a Cuba con tres maletas llenas de comida

El propio Padura, quien consiguió la nacionalidad española desde hace más de diez años, reconoce estar “con un pie en un sitio y otro” entre ambos países. “Al principio yo era un escritor cubano que publicaba en España y ahora soy un escritor de Tusquets que además es cubano, pero ha sido un proceso de lucha”, ha admitido.

No obstante, reconoce que no dejará de residir en Cuba –ni renunciará a seguir escribiendo más entregas de Mario Conde, pese a la limitación en ese país– porque tiene a familiares allí. “Cada vez que regreso a Cuba lo hago con tres maletas llenas de comida y para mi madre y la de mi pareja es como si hubiesen llegado los Reyes Magos”, ha señalado el autor, quien admite que en este país “comprar cigarrillos es hoy en día una odisea”.

“Cada vez más ‘hijoputas'”

En Personas decentes Padura retrata la Cuba “más habanera”, gracias a ese retrato de la conocida por entonces como ‘Niza del Caribe’ que albergaba a personajes tan oscuros como Reinaldo Quevedo, aristócrata ligado a la prostitución y que ejerció una terrible represión cultural y que, no obstante, “terminó tranquilo sus días”.

“Es una novela en la que salen bastante ‘hijoputas’, pero es que los hijoputas son cada vez más y van ganando más espacio. La decencia de la que habla el título era algo muy importante antes, un reconocimiento incluso y una manera de dignificar a las personas.

Pero hoy, cuando la supervivencia te obliga a determinados comportamientos, prácticamente ya no se habla de ella”, ha concluido. (Europa Press)

. La periodista y activista yemení invita a las mujeres y a los jóvenes a ser parte del cambio social

Querétaro.- .- “Los jóvenes y las mujeres serán quienes impulsen la transformación de las sociedades, porque tienen la responsabilidad, la habilidad y la energía para hacerlo, para crear el cambio y ser parte de él”, afirmó ayer la periodista y activista yemení Tawakkol Karman (1979), Premio Nobel de la Paz 2011.

En rueda de prensa, tras su participación la noche del jueves en el Hay Festival Querétaro, la defensora de los derechos humanos respondió preguntas sobre el asesinato de los periodistas en México, la importancia de la libertad de expresión y la urgencia de que la sociedad defienda la democracia y luche por tener un buen gobierno.

Tenemos la libertad de expresión y deberíamos poder ejercerla sin temor a sufrir alguna violación a nuestros derechos humanos o un homicidio. Es un derecho fundamental y de ahí emanan los demás. Como periodistas, debemos defender el derecho a expresarnos y no tener miedo a las consecuencias.

Los asesinatos a periodistas son reprobables en cualquier país. El Estado tiene la obligación de proteger a los periodistas, pero también los ciudadanos tienen esa responsabilidad. Hay que seguir levantando la voz y defendiendo este derecho”, agregó.

Sobre el caso de los 43 estudiantes desaparecidos de Ayotzinapa, quien fundó en 2005 el grupo Mujeres sin Cadena señaló: “La sociedad no puede dejar de investigar este delito ni cualquier otro. La sociedad y también los medios tienen la gran responsabilidad de descubrir la verdad. No se den por vencidos; si no queda claro quién cometió este crimen, no deben esperar. Deben buscar maneras para que este caso y otros permanezcan vivos. No dejen que se olvide, no permitan que la verdad desaparezca. Esa es su obligación como sociedad”.

Karman, llamada por los yemeníes Mujer de Hierro y Madre de la Revolución, aclaró que la buena gobernanza significa que no debe haber corrupción en las políticas públicas. “Las nuevas generaciones tienen las herramientas y las habilidades para pronunciarse contra actos de corrupción; es un aprendizaje colectivo”.

Concluyó que “la cultura tiene un papel fundamental para lograr la paz y erradicar la violencia. Necesitamos una cultura de paz para ejercer la revolución. Si creemos que podemos hacer un cambio cultural bueno, debemos hacerlo, luchar por nuestros sueños, salir victoriosos y seguir creyendo en una causa”.

Y reprobó el atentado que recibió el escritor Salman Rushdie en Nueva York. “No hubo una causa justificada para este ataque que violentó sus derechos humanos”. (Excélsior)

París – La ministra de Cultura francesa, Rima Abdul Malak, anunció el lunes la creación de un programa de apoyo a los directores de cine provenientes de países donde se coarta la libertad de expresión.

El programa “Caméras libres” permitirá acoger a esos directores en Francia “durante al menos seis meses” según las declaraciones de la ministra a la emisora Europe 1.

El proyecto, que será ultimado a final de mes, permitirá que Francia “siga siendo esa tierra de acogida para los artistas que necesitan expresarse y crear libremente”, añadió.

El programa estará destinado “a los cineastas que desarrollan un proyecto de largometraje (documental, ficción o animación) con proyección internacional”, indicó el gabinete de la ministra.

Los creadores serán acogidos durante seis meses en territorio francés “con los gastos pagados para el viaje, la estancia y los gastos pedagógicos de la residencia”, añadió esa fuente.

El programa arranca con un presupuesto inicial de 200.000 euros “que permitirá acoger a una docena de residentes” durante el primer año, explicó.

El cine francés es “el más abierto al mundo” aseguró la ministra, que recordó que el Centro Nacional de Cine, que organizará este programa, tiene firmados “60 acuerdos de coproducción con otros países”. (AFP)

Ciudad de México – La tradición musical del grupo Los Salmerón, originario de Tierra Caliente de la depresión del río Balsas, en Tlapehuala, Guerrero, data de hace más de 200 años y ahora, en su sexta generación, las mujeres “toman la batuta” para transmitir su memoria sonora a través de la “música de rastra o arrastre (campesina), la cual abarca los gustos y sones”.

Ely Salmerón, integrante del grupo, afirmó: “La trayectoria de la familia ha sido ininterrumpida; cada generación ha dado músicos que han tomado la estafeta y relevado a la anterior; han sido dos siglos de preservar, transmitir, conservar y seguir componiendo nuestro repertorio”. La agrupación presentará el disco Puro Tierra Caliente, el viernes en la Fonoteca Nacional.

Es su primer álbum distribuido por Ediciones Pentagrama, el cual reúne piezas emblemáticas de la región calentana, así como un repertorio menos difundido, interpretado con dotaciones instrumentales que se usaron en esa zona. “Lo que se está a punto de escuchar es el susurro, la melodía y el ritmo de la vida misma que trasciende el mero presente en forma de tradición”.

Ely explicó: “Van a escuchar 13 piezas, como son gustos, sones, un bolero, un vals y foxtrot; la mayoría de los temas del repertorio es de la familia, referente obligado de la música en la región”. El gusto federal, Coyuca de Catalán, La tortolita, Jacobita, El gavilán, Claudia, El Huizache, Cuánto he sufrido y La nopalera son algunos que se incluyen en la producción, la cual comenzó a hacerse en 2017, pero tuvo que esperar debido a aspectos técnicos y luego se atravesó la emergencia sanitaria.

Camilo Raxá Camacho Jurado, otro de los integrantes, precisó: “Este disco es muy importante porque cierra un ciclo y abre otro, pues la familia Salmerón lleva más de seis generaciones en la tradición musical. En esta producción, la quinta generación pasó la estafeta a la siguiente, que será encabezada por las mujeres, sobre todo, en este tipo de música que se le conoce como de arrastre, término usado para referirse a la campesina, la cual abarca gustos y sones”.

Recuperación de la sonoridad de las orquestitas

En estas piezas, añadió, “el grupo se esforzó por recuperar la sonoridad de las orquestitas que existieron en Tierra Caliente a finales del siglo XIX y principios del XX, las cuales se hallaban en las fiestas y en el ámbito religioso. Incluso, a finales del siglo pasado, a nosotros nos tocó escucharlas en la velación de la Virgen de la Asunción de María, en Tlapehuala”.

Destacó: “En los arreglos para las piezas, justo se incluye la dotación de esta orquestita, que está integrada por un clarinete (Nadia), flauta transversa (Olivia), la guitarra séptima o mexicana (Ely), la tamborita (Rigo), otra guitarra (Juan) y yo con el violín. Además, tuvimos de invitados a otros músicos para mostrar la riqueza musical, no sólo en cuanto a géneros, sino a la ejecución de instrumentos”.

En realidad, sostuvo, “esto es lo novedoso respecto de grabaciones que se han hecho de otros grupos de la Tierra Caliente, pues generalmente lo único que se graba es música del ámbito, sobre todo, secular sones y gustos, pero no existe material de estos conjuntos de orquestitas que existían en la región”.

La zona calentana es reconocida por sus conjuntos de tamborita que interpretan sones y gustos, géneros tradicionales de esta región. El grupo de los Salmerón se ha consolidado como una marca de identidad de lo calentano en la porción del estado de Guerrero.

“La propuesta musical del grupo invita a degustar la música de la Tierra Caliente del estado de Guerrero. Sones, gustos, pasodobles, corridas, boleros entre otros géneros, forman parte de este menú musical que nos aproxima al sentir de otra latitud de nuestro país”, afirmaron los músicos.

Los Salmerón, herederos de la tradición musical que se remonta a principios del siglo XIX, está integrado por Rigoberto Salmerón García, director, violín y voz; Camilo Raxá Camacho Jurado, violín; Ely Salmerón García, guitarra y voz; Nadia Mercedes Salmerón García, tamborita y voz, y Juan Salmerón García, contrabajo y voz. Los bailarines son Livia Iliana Salmerón García, Marisela Guadalupe García Ríos y Francisco Javier Linerio.

La tradición musical calentana ha sido llevada a diversos escenarios de Guerrero, de otros estados de la República, como la Ciudad de México, y otros países.

El concierto y presentación del disco Puro Tierra Caliente, que ya se encuentra en plataformas digitales y en formato físico, será el viernes a las 19 horas en la Fonoteca Nacional, Francisco Sosa 383, Barrio de Santa Catarina, Coyoacán. Entrada libre y cupo limitado. (La Jornada)

• Fue la primera exposición en Francia consagrada exclusivamente al genio catalán

Un total de 550 mil personas visitaron la gran exposición sobre la obra del arquitecto español Antoni Gaudí en el Museo d’Orsay de París, entre el 12 de abril y el 17 de julio, anunciaron este miércoles los organizadores.

Es la cuarta exposición más visitada en la historia del museo, y la segunda en términos de afluencia diaria (casi 6.600 visitantes cada día), después de una exposición sobre Picasso en 2018, detalló el comunicado.

Fue la primera exposición en Francia consagrada exclusivamente al genio catalán (1852-1926), una de las principales atracciones arquitectónicas de Barcelona.

El éxito “confirma el retorno al museo D’Orsay de un público numeroso y entusiasta, francés e internacional”, destacó el comunicado.

La muestra contó con cerca de 200 muebles, objetos, dibujos, planos y fotografías relacionados con Gaudí y su recorrido artístico, cedidos principalmente por el Museo de Arte de Cataluña. (Excélsior)

Especialistas del Centro INAH Quintana Roo recuperaron una vasija maya tipo chocolatera que se encontraba al interior de una cueva ubicada en el área verde de un predio privado en la zona urbana de Playa del Carmen.

En el comunicado dado a conocer hoy, los arqueólogos José Antonio Reyes Solís y Enrique Terrones González, adscritos al Centro INAH Quintana Roo dijeron que fue a partir de un informe que presentó el biólogo Roberto Rojo García, encargado del proyecto Cenotes Urbanos en Playa del Carmen, que se acordó visitar la denominada Cueva de la Cruz, ubicada en el terreno propiedad de una asociación religiosa.

Los arqueólogos explican que la pieza fue hallada cerca de la pared oriente de la cueva, completa y con su boca orientada al norte, aunque se infiere que su posición no era original debido a posibles movimientos causados por cambios de nivel en el cuerpo de agua, o bien, a la acción de la fauna. Una vez hecho el registro fotográfico in situ y reunida la información planimétrica de la pieza, esta se retiró del lugar; sin embargo, el espacio que ocupaba se anegó con agua que se filtró del suelo, lo que impidió revisar a detalle el entorno para tratar de localizar algún elemento asociado a la vasija.

Posteriormente la pieza fue llevada a la bodega de colecciones del Museo Maya de Cancún, en donde los arqueólogos pudieron ahondar sus inspecciones y definir que mide 13 cm de altura por 16 cm de diámetro en su cuerpo y 17 cm de diámetro en su boca y aunque carece de un asa puente-vertedera, fue asociada con las vasijas de tipo chocolateras, producciones cerámicas que se asocian al periodo Preclásico Tardío (300 a.C.-250 d.C.), de allí que se vuelve relevante para el estudio de los grupos tempranos que poblaron esta región del actual Quintana Roo.

Estas recuperaciones, subraya el director del Centro INAH Quintana Roo, Margarito Molina Rendón, permiten obtener valiosa información científica, pues en lo que respecta a su contenido arqueológico, detallan rasgos de estilo, técnica, procedencia, intercambio comercial y temporalidad, por citar algunos.

Con base en el dictamen del instituto, será prioritario volver a la Cueva de la Cruz en época de estiaje y considerar una exploración sistemática, tanto en su parte seca como en sus cuerpos de agua, a fin de verificar la posible presencia de otros materiales arqueológicos.

En coordinación con el proyecto Cenotes Urbanos en Playa del Carmen y la asociación religiosa, se reforzarán las gestiones y la concientización del personal del predio, para evitar el acceso no autorizado a la formación geológica. (La Jornada)

• “Las placas de rayos X se procesaron en un cuarto oscuro anticuado, y cuando miré las imágenes, me di cuenta de que estaba mirando el rostro del mismísimo Van Gogh”, contó Stevenson

Un autorretrato desconocido de Vincent van Gogh fue hallado en la parte posterior de otra pintura de su autoría en la National Gallerie de Escocia, gracias al estudio con rayos X realizado por expertos, con motivo de una exposición, según publica el medio británico ‘The Guardian’.

El autorretrato estaba cubierto por capas de pegamento y cartón en el reverso de la obra ‘Cabeza de mujer campesina’, de 1885, según desveló la descubridora Lesley Stevenson, conservadora de pinturas en National Galleries de Escocia. “Fue absolutamente emocionante”, precisó.

“Las placas de rayos X se procesaron en un cuarto oscuro anticuado, y cuando miré las imágenes, me di cuenta de que estaba mirando el rostro del mismísimo Van Gogh”, contó Stevenson.

La conservadora relató que el cuadro fue donado en 1960 por un abogado de Edimburgo (Escocia) y que estaba siendo radiografiado como parte de un ejercicio de catalogación para una exposición de la Royal Scottish Academy dedicada al impresionismo francés que se celebrará del 30 de julio al 13 de noviembre.

Las investigaciones desarrolladas posteriormente sugieren que la pintura forma parte de una serie de autorretratos experimentales (hay cinco obras similares exhibidas en el Museo Van Gogh de Ámsterdam) pintados en la parte posterior de lienzos anteriores de su época de Nuenen, en el sur del país (1883-1885). Allí emprendió una serie de estudios campesinos preparatorios para Los comedores de patatas.

Los expertos comenzarán el proceso de revelar el autorretrato, que se encuentra en una condición incierta debajo de capas de adhesivo y cartón, conservando la pintura original. “Es como adentrarse en lo desconocido. El desafío será eliminar el adhesivo de las capas de pintura al óleo, aprovechando la diferencia de solubilidad del pegamento de origen animal y la pintura a base de aceite”, aseguró Stevenson. (EUROPA PRESS)

Manuel López Ahumada “es uno de los artistas más originales del México de finales del siglo XX. Hizo historieta, caricatura política, pintura al óleo y arte objeto. Fue un renovador del cómic mexicano, un caricaturista de combate, un pintor neomexicanista y un creador de escenarios. En todas sus facetas fue único”.

Así lo describió Rafael Barajas El Fisgón, amigo y colega de Ahumada, durante el acto oficial de donación de más de mil 500 cartones de Ahumada, que a partir de este lunes 11 de julio, “incrementan y enriquecen de manera sustancial el acervo del Museo del Estanquillo”.

En el acto, la periodista de La Jornada, Blanche Petrich, también reconoció el trabajo de “Manolazo”.

En el ámbito periodístico, “hay una extraña relación entre los reporteros y los moneros. Al apreciar los cartones políticos de Antonio Helguera o ver el trabajo de otros caricaturistas como El Fisgón, Hernández o Rocha, pensamos por dónde podría ir nuestra próxima nota, o en otros casos nos lamentamos de que los caricaturistas nos la hayan ganado, o también nos alegra que nuestra nota haya sido motivo de una caricatura política.

“En el caso de Manolazo era diferente. Él andaba por su propio camino y lenguaje, un lenguaje que, sin perder su crítica o sentido político y social, siempre nos llevaba a otro lugar. Nos llevaba a mirar, por ejemplo, la pobreza o las diferencias de clases sociales, no con un discurso sólo de denuncia, sino también con una especie de inconformidad vital, de retratar la realidad de una manera tan descarnada que en sí mismo era un discurso opositor.”

Ahora, con esa colección de cartones políticos, dibujados hace años, “se podrá tener la oportunidad de revivir esa sensación, además de reinterpretarlos fuera de los esquemas convencionales establecidos en el periodismo”.

Esa colección de Ahumada, celebró Blanche, “llega de manera natural a su casa, el Museo del Estanquillo, donde se revalorará con futuras exposiciones el impulso vital que le dio vida a sus obras”.

Por su parte, Rafael Barajas El Fisgón, de quien se leyó un texto escrito para la ocasión, recordó que Manuel Ahumada “fue un poeta gráfico cuya especialidad fue crear imágenes y mitos urbanos. Fue un dibujante costumbrista alucinado, producto del México profundo que vive en los barrios y las colonias del Distrito Federal.

“Donde todo el mundo veía un taquero, él encontraba un asesino serial. Donde nosotros veíamos un chofer de microbús, él veía a un chafirete interplanetario. Solía viajar en metro desde la estación Balderas a una estación espacial.

“Ahumada llevó a La Llorona a pasear por las calles de la colonia Narvarte, era capaz de organizar conciertos en los que Jim Morrison compartía el cartel con Sor Juana Inés de la Cruz. Inventó al Chimino, le dio cuerpo al Cara de Memorándum.”

De acuerdo con El Fisgón, “desde hace unos años, el fantasma de Manuel deambula por las calles de la Ciudad de México y, si nos acercamos a las paredes, podemos escuchar cómo platica con pachucos, musas, ángeles y teporochos.

“Sin lugar a dudas, su alma merece descansar en un changarro típico de nuestra ciudad, de su tan querida ciudad. Después de buscar reposo en una tortería, en una miscelánea o en una parada de camión, su querida esposa Jacqueline le consiguió un espacio que a él le hubiera encantado: el Museo del Estanquillo. Manuel Ahumada estará feliz en El Estanquillo.”

Jacqueline Valadez Pastor, esposa de Ahumada, dijo sentirse satisfecha y tranquila de que los cartones sean ahora parte del acervo de El Estanquillo, y reconoció las gestiones de El Fisgón.

“La obra de Ahumada ahora podrá ser conocida por las nuevas generaciones, cuyo trabajo era único, el cual podrá ser conservado y estudiado. Agradezco a El Estanquillo haber aceptado la colección, que por muchos años me tocó resguardar.”

La colección para el Museo del Estanquillo “es un botón de oro dentro de su acervo”, expresó Beatriz Sánchez Monsiváis, secretaria de la Asociación Cultural El Estanquillo. “Carlos Monsiváis fue un coleccionista que consideraba a los caricaturistas unos artistas y tuvo la visión de poner al cartón político en otro nivel. En nombre de la familia Monsiváis agradecemos a Jacqueline su donación”.

Por su parte, Henoc de Santiago, director del museo, reiteró que la “generosa donación refuerza la vocación de El Estanquillo e incrementa de manera sustancial su acervo de caricatura. Esperamos que para 2023 se realice una primera exposición”. (La Jornada)

• La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el INAH reprobaron de manera categórica la subasta de la galería estadunidense ‘Arte Primitivo de Howard S. Rose Gallery’

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) reprobaron de manera categórica la subasta que la galería estadounidense “Arte Primitivo de Howard S. Rose Gallery” realiza en línea.

Especialistas del INAH han identificado 1,384 como monumentos arqueológicos que forman parte del patrimonio cultural de la nación mexicana, definidos y protegidos por la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos.

Las piezas proceden de la costa del Golfo de México, de diversas zonas de Guerrero, del occidente, del sureste y del Altiplano Central, detalló la Secretaría de Cultura en un comunicado.

La Secretaría de Cultura federal y el INAH apelan a la ética y respeto por el patrimonio cultural de México y, a través de la campaña #MiPatrimonioNoSeVende, continuarán insistiendo para disuadir a los interesados en la compra y venta de estos bienes patrimoniales expoliados.

Además de generar conciencia de que no se trata de objetos o artículos de lujo, sino de testimonio de la identidad y la memoria de los pueblos originarios de México. (Excélsior)