Conoce la nueva línea de Kalley inspirada en los personajes de Disney. Refrigeradores, fuente de chocolate, crispetera, sanduchera, waflera y audífonos esperan por ti.

Este 2023 marca un hito en la historia de Kalley, la marca colombiana de productos para el hogar y electrodomésticos. Por primera vez, lanzan una línea inspirada en los personajes de Disney, con el objetivo de compartir momentos especiales en familia o con amigos.

Una amplia gama de productos para el hogar

La colección cuenta con una amplia gama de productos, desde refrigeradores medianos y pequeños hasta una fuente de chocolate, crispetera, sanduchera, waflera y audífonos. Todos ellos están diseñados para añadir un plus a la decoración de tu hogar y para hacer la vida más fácil y divertida.

Personajes queridos para todas las edades

Mickey y Minnie Mouse son los personajes elegidos para representar esta nueva línea de Kalley. Amados por grandes y chicos, estos personajes son reconocidos en todo el mundo y prometen aportar alegría y diversión a tu hogar.

Disponibilidad en línea y tiendas

La nueva línea de Kalley y Disney está disponible en línea en las plataformas de Kalley, así como en supermercados y almacenes de cadena como Alkosto y Almacenes Éxito. No esperes más y haz realidad tus sueños de tener la magia de Disney en tu hogar.

Debido al buen desempeño de estos productos, Kalley tiene previsto lanzar nuevos productos en los próximos meses para complementar esta línea de electrodomésticos. ¡La magia continúa!

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La nueva canción, inspirada en un poema de William Blake y «sobre aquellos que mueren jóvenes y dejan atrás su arte», comenta Nabihah, llega junto con un video musical dirigido por Luh’ra, filmado en Sudáfrica a principios de este año.

Hablando sobre la creación del video, la directora Luh’ra comentó: “El álbum es muy visual y me vinieron a la mente muchas imágenes mientras lo escuchaba. Hubo un par de referencias a los girasoles en el álbum, así que aterrizamos en la pista, Sunflower. Había oído rumores de un hermoso campo de girasoles que parecía un lugar ideal. La idea era simple, algo para dinamizar el verano de Ciudad del Cabo. Siempre seré un poco aficionado al bricolaje y Nabihah también me dio esa sensación, por lo que fue divertido divertirme haciendo el video, nada demasiado elegante”.

Cinco años después de Weighing Of The Heart, el debut de la artista, curadora, locutora y conferencista nacida en Londres, DREAMER es el trabajo más crudo y reflexivo de Nabihah hasta la fecha y tardó dos años en completarse.

El álbum llega en un momento crucial para Nabihah, quien ha hecho que su ritmo de trabajo prolífico parezca fácil con un currículum tan variado como su música, ya que recientemente colaboró ​​con el artista Zhang Ding, recibió el encargo de componer música para el Premio Turner, colaboró ​​con Wolfgang Tillmans como parte de su exposición en el museo Tate Modern y recientemente participó en una actuación grupal en el museo Barbican como parte de su importante retrospectiva de Basquiat. También contribuyó al reciente libro de Serpentine ‘140 Artists’ ideas for Planet Earth’ y ha dado conferencias como invitada en el Royal College of Art. En 2022, Nabihah fue anunciada como directora invitada para el festival multiartes más grande de Inglaterra, Brighton Festival, en 2023, su «puesto de curaduría más grande, desafiante y emocionante» hasta la fecha.

DREAMER ve a Nabihah reflexionar sobre sus experiencias durante los primeros meses de 2020 cuando robaron su estudio. Todo su trabajo se perdió, incluyendo su esperado álbum. Además de haber tenido una mano rota y un caso severo de agotamiento, se sentía impotente. Mientras la policía forense buscaba huellas dactilares en su estudio, recibió una llamada. Era su abuela; su abuelo había sufrido una hemorragia cerebral. Nabihah se subió a un avión a Karachi, Pakistán, al día siguiente.

A medida que empeoraba la pandemia del COVID-19, Nabihah pasó el confinamiento encontrando resiliencia en medio de la agitación. “Ir a Pakistán se convirtió en una bendición disfrazada”, dice. “Afectó mi perspectiva sobre la música. En ese momento, ser sacada a la fuerza de toda la situación del robo fue frustrante, pero fue lo mejor que pudo haber pasado”. Nabihah pasó esos meses recordando por qué hacía música en primer lugar. Volvió a lo básico y compró una guitarra acústica y un armonio.

“Por primera vez, he hecho música donde he sido más paciente con ella”, dice ella. “Normalmente, cuando eres un productor de música electrónica, vas al estudio, enciendes tu computadora y comienzas a trabajar en Ableton o Logic y luego construyes a partir de eso. Decidí no acercarme a todo eso durante mucho tiempo y también me vi obligada a este enfoque debido al robo del estudio y por estar en Pakistán, lejos de todo mi equipo. Tuve que dejar que las ideas se desarrollaran en mi cabeza”. Durante esos primeros meses en Pakistán, continuó con su práctica creativa a través de sus «sesiones de herbolario», donde aprendió sobre plantas y remedios herbales de sus abuelos, compartiendo sus aprendizajes con el mundo a través de Instagram.

Usando conceptos más amplios, DREAMER es «más introspectivo, porque se trata de cosas por las que he pasado en los últimos años», dice. El álbum es un viaje íntimo a través de recuerdos de la vida de Nabihah. Explorando la identidad personal y el dolor a través de un suave lente de melancolía, el álbum no tiene un sonido específico. Su estética lo-fi gira sola mientras se las arregla para patinar entre las pistas sin sonar inconexa. De vuelta en el Reino Unido, se embarcó en residencias en Escocia y Suffolk para terminar el disco donde se desconectó de internet, descubriendo “todas mis emociones y sentimientos. Estaba tan triste y mal antes de eso, pero casi nadie lo sabía”.

Es un proyecto desgarradoramente íntimo y dulcemente lúdico. Hay una melancolía pronunciada que sustenta el álbum, pero las grietas de la luz del sol se abren paso. DREAMER señala un cambio, elevando el trabajo de Nabihah a nuevas alturas a medida que agrega nuevos colores a su paleta.

Nabihah ha presentado programas de radio en NTS y cadenas de la BBC como Radio 1, 1Xtra, Asian Network, World Service y 6Music desde 2013. Desde que se lanzó su álbum debut en Ninja Tune en 2017, Nabihah ha realizado numerosas giras por todo el mundo como acto en vivo y como DJ. Sus conciertos destacados incluyen el Museo V&A, MoMA PS1 y SXSW, así como el Festival de Glastonbury, Warehouse Project, Printworks, Boiler Room, Worldwide Festival y Sonar.

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Hand Habits, el proyecto del artista de Los Ángeles Meg Duffy (elle), anuncia una nueva colección de canciones titulada Sugar The Bruise, que saldrá el 16 de junio a través de Fat Possum, y comparte el sencillo principal «Something Wrong».

“Para Sugar the Bruise, no tenía otro plan más que dejar mi mente en blanco e inclinarme hacia el lado lúdico de las cosas”, explica Duffy. “Para reírme un poco, para alegrarme, para desviar un poco el enfoque de mi propia experiencia”.

A fines del año pasado, Duffy lanzó «Greatest Weapon» y «Under The Water», como parte de una serie de sencillos de Psychic Hotline, el lanzamiento recibió elogios del New York Times, NPR’s All Songs Considered, The FADER, Stereogum, UPROXX, Paste, y FLOOD entre otros.

Inspirándose durante la clase de composición de canciones que impartió en el verano de 2021, redescubrió, con nueva claridad, la capacidad generativa de abrazar lo desconocido y cuán esenciales son la colaboración y la improvisación para acceder a lo indescriptible.

Trabajando con Luke Temple (Here We Go Magic, Art Feynman) y Philip Weinrobe (Adrienne Lenker, Cass McCombs), Duffy se rindió ante el presente, confiando en que cualquier sonido y palabra que emergiera estaba destinado a emerger. Con la producción, la ingeniería y los arreglos adicionales de Jeremy Harris, creó algo que, en sus palabras, «resultó en algo que nunca habría imaginado».

El resultado de este experimento colectivo, nacido a partes iguales de juego e intención, es un regalo radical para los oyentes: la prueba de que nuestros procesos más vitales, creación y destrucción, están exquisitamente entrelazados. El incontestable e insostenible sufrimiento de la experiencia es el hecho de la pérdida perpetua. Y, sin embargo, existe una magia preciosa y vívida creada por esta condición. En Sugar the Bruise, el dolor se repliega sobre sí mismo y se convierte en risa; el lenguaje se desvanece en extensiones sonoras de lo inexpresable; las melodías se funden en cacofonías; las canciones de amor se convierten en pérdida; la violencia histórica es suplantada por los discos de luz solar.

DECLARACIÓN DE MEG DUFFY SOBRE SUGAR THE BRUISE:

La música, para mí, siempre ha sido una cucharada de miel que alivia la amargura intermitente e ineludible de la experiencia humana. Ha sido una dulzura espesa en mis momentos más solitarios. En mis primeros recuerdos de tocar música, ya sea solx o en grupo, el sentimiento de estar conectadx a una fuerza más allá de la explicación es lo que brilla. He estado profundamente comprometidx con el camino de conjurar este sentimiento conmovedor que me elude a través la guitarra, haciendo canciones y compartiéndolas con otros. Antes de comenzar a escribir canciones con versos y coros, la improvisación era la forma principal en la que me encontraba en entornos musicales. Sigue siendo un faro en mi enfoque en cuanto a la composición de canciones. Sonny Rollins dijo que la improvisación se trata de olvidar, no recordar. Que cuando la mente de uno se queda en blanco, las ideas que vienen son de una fuente imposible de rastrear. Me he dado cuenta de que las canciones que siento más conectadas provienen de esta fuente, del espacio vacío, de lo desconocido. Hay algo de euforia para mí al entrar en este vacío con intención, con otras personas, en un entorno de estudio. El deseo de desaparecer dentro de una canción o una melodía o un ritmo o una disonancia inesperada es lo que me mantiene siempre escuchando, siempre buscando. Creo que este deseo es inseparable del riesgo de “fracaso” o de cometer “errores”.

En agosto de 2021, me pidieron que impartiera una clase de un mes sobre composición de canciones en School of Song. Fue a la vez inspirador y aterrador. Dudé en considerarme compositorx, a pesar de haber lanzado 3 discos, y mucho menos para enseñar a otros cómo hacerlo a mi manera. Al prepararme para este curso, examiné mi propio enfoque detenidamente (a veces, demasiado detenidamente). Me di cuenta de lo vitales que son para mí la improvisación y la colaboración; en la vida y en la composición. Me pidieron que diseñara pautas de escritura y, aunque esta no era la forma típica en que escribiría por mi cuenta, me pareció una manera maravillosa de hacer girar las ruedas de la inspiración. También valoré lo especial que fue ver a todos estos otros músicos, algunos nuevos, algunos contemporáneos, estar a la altura de las circunstancias y seguirse a sí mismos hacia lo desconocido.

Para Sugar the Bruise, no tenía otro plan que dejar mi mente en blanco e inclinarme hacia el lado lúdico de las cosas. Reírme un poco, relajarme, desviar un poco el enfoque de mi propia experiencia. ¿Y si hacer una canción no significara cavar el abismo? Por supuesto me siento atraídx por nutrir el desarrollo de la memoria en algo hermoso, algo arquetípico/universal, y compartirlo con el mundo. Y como todas las buenas musas, es fácil proyectar cualquier narrativa que estés llevando sobre ellas.

El disco fue coproducido por mi querido amigo Luke Temple (Here We Go Magic, Art Feynman). Habíamos trabajado juntxs en dos de mis canciones y me sentí inspiradx por el enfoque abierto de la producción que tiene Luke. Como planificador excesivx crónicx, esto me sacó de mi zona de confort de control simulado. Me encantó lo que hicimos y cómo me sentí durante esas sesiones, siendo la duda y el miedo personajes a la par de la euforia y el orgullo. Creo que la confianza fue el heraldo de la trascendencia. Tenía curiosidad por explorar esto más a fondo, hacer algo de la nada, con una idea aún menor de lo que podría nacer del vacío. Junto con el ingeniero/productor Jeremy Harris y concluido con producción adicional, arreglos y mezclas por parte de mi querido colaborador Phillip Weinrobe, este disco resultó en algo que nunca habría imaginado.

Así que espero que disfruten de esta colección de canciones. Me gusta pensar en ellos como una novela corta o un cortometraje. Mi deseo es que estas canciones brinden un espejo a aquellos que no pueden encontrar sus propias formas de explicar los retorcidos nudos de emociones con los que todos lidiamos.

Te ofrezco un poco de azúcar para el moretón de haber nacido. Un poco de azúcar para el moretón de la existencia.

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El equipo de Omni Soundlab se ha propuesto entregar una nueva dimensión integrando herramientas como Dolby Atmos para el desarrollo del Spatial Audio tanto en producciones de estudio como para eventos en vivo.

Su apuesta los tiene trabajando en intervenciones como la celebración de los 10 años del Observatorio ALMA (Atacama Large Millimeter/submillimeter Array), un proyecto astronómico internacional en el que participan Europa, Estados Unidos, Canadá, Japón, Taiwán, Corea del Sur y Chile.

La producción del sonido envolvente se desarrolló con las herramientas Dolby Atmos y Spacemap Go de Meyer Sound, implementando un formato híbrido para la espacialización del sonido a través de un sistema 12.2. Esto a diferencia del tradicional formato estereo donde el sonido proviene desde una sola dimensión, esta vez la audiencia estuvo inmersa y rodeada de parlantes que emitieron los sonidos en 360 grados. El diseño de la instalación se desarrolló en los laboratorios de sonido inmersivo de Omni Soundlab y StecherLab.

En palabras de Christopher Manhey, productor musical, artista sonoro y fundador de Omni Soundlab: “Chile es reconocido por ser la capital mundial de la astronomía y artistas como Los Jaivas han manifestado esto en su música. Para nosotros como estudio, ha sido de un valor invaluable colaborar con la obra de artistas como Los Jaivas, Violeta Parra y Los Prisioneros para llevarla a este nuevo medio que es el sonido espacial asi también para instancias en vivo, como la instalación que realizamos en el Observatorio Alma junto a Delight Lab en un concierto audiovisual desarrollado con diferentes recursos tecnológicos.

La tecnología aplica los conocimientos de la ciencia, la ciencia es la fuente de conocimiento y la tecnología es su manifestación. En la astronomía esta base es fundamental para la exploración de nuevas preguntas y respuestas, así mismo a través de las artes buscamos dar una interpretación que integre y expanda toda esta experiencia”.

En México realizaron una instalación en la Semana del Arte de Ciudad de Mexico junto a LedPulse, donde estuvieron a cargo de la curatoría musical y la producción sonora en formato envolvente donde visuales en formato de hologramas y el sonido espacial entregaron a la audiencia una experiencia inmersiva.

“Las diferentes tecnologías que aplicamos buscan utilizar el espacio como parte de la narrativa en la obra, de esta manera la audiencia es parte de una instalación donde diferentes fuentes sonoras (parlantes de frecuencias altas, medias y bajas) emiten sonidos de manera individual y discreta generando una experiencia de escucha en 360 grados a diferencia del estéreo donde el sonido se percibe de manera unidireccional. Nuestra intención es incluir a la audiencia en la obra, que no sea solamente un receptor pasivo, que esté dentro de esta y que pueda interactuar explorando a medida que recorre el espacio físico de la presentación y así encontrarse con distintos elementos sonoros y musicales. De esta manera cada asistente tendrá una experiencia colectiva pero al mismo tiempo única”, indica Manhey.

Christopher vivió durante 4 años en México y ha trabajado con la multipremiada artista Carla Morrison como ingeniero de su álbum Déjenme llorar, ganador del Grammy Latino.

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El próximo mes de mayo la capital de Colombia acogerá por segundo año consecutivo BIME, la cita imprescindible para profesionales de la industria musical, que tendrá lugar del 3 al 7 de mayo en Bogotá, ofreciendo una completa y diversa programación tanto a las personas que lleguen de todas partes del mundo para participar del encuentro, como a la ciudadanía que podrá disfrutar de una amplia programación musical en el barrio de San Felipe, una ubicación muy especial donde convergen la cultura, la creatividad y el emprendimiento.

Las actividades se concentrarán en tres grandes espacios: la programación BIME PRO -incluyendo conversatorios, talleres, speedmeetings, junto con las masterclasses BIME Campus y la Start Up Village- tendrán lugar en la Universidad EAN y cada día, al finalizar las jornadas profesionales, el encuentro continuará en el marco de BIME LIVE con conciertos en directo en tres escenarios ubicados en el Distrito Creativo de San Felipe; extendiéndose hasta la noche en el mítico espacio The Ghetto Project, un recinto que es una experiencia en sí misma, con showcases en las salas Kaputt y The Bonfire. Tanto la programación de BIME como la disposición de los espacios, invitarán a una inmersión de lleno en los ambientes culturales más auténticos de Bogotá.

MÁS DE 150 REFERENTES INTERNACIONALES ENCABEZAN EL PROGRAMA
BIME PRO

BIME PRO, el congreso dirigido al público profesional, desvela hoy los nuevos protagonistas de la industria musical internacional que se suman a un programa repleto de ponencias, masterclasses, talleres y networking. Profesionales de primer nivel llegarán de todas partes del mundo para debatir el presente y futuro de la industria musical: Aline Torres (BR) secretaria municipal de Cultura de São Paulo; Ana María Díaz (CO) gerente de entretenimiento en vivo en Páramo Presenta, promotora responsable del Estéreo Picnic, entre otros importantes festivales; Catalina Valencia (CO) secretaria de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá; Daniel Merino (CH) manager de entretenimiento en Bizarro y productor general del festival de Viña del Mar; Eduardo Méndez (VE) director ejecutivo en El Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela; Enrique Noel (PA) director de Derechos Culturales y Ciudadanía del Ministerio de Cultura de Panamá; Florencia Juri (AR) manager de Nathy Peluso y Zoe Gotusso; Javier Garcinuño (ES), director general de Bilbao Ekintza-Ayto. de Bilbao; Los Dioses del Ritmo (CO) artistas de la ciudad de Quibdó del Chocó, Luz Ángela Castro Almanya (CO) directora general de OCESA Colombia; Nelson Albareda (US) CEO de la promotora Loud and Live que produce las giras estadounidenses e internacionales para importantes artistas latinos como Juan Luis Guerra, Carlos Vives, Ricardo Arjona y Camilo; Roberto Cardona (CO) director de Los40 Colombia; Tyler Henry (US) socio gerente de Range Media y co-fundador/CEO de STURDY, estudio creativo reconocido mundialmente por las puestas en escena de Bad Bunny y Rosalía; el reconocido productor Toy Selectah (MX) fundador de Worldwide Records; Víctor Francos (ES) secretario general del Ministerio de Cultura y Deporte de España; Viviana Suárez (US) directora de booking de Cardenas Marketing Network y más referentes del sector que forman parte de la programación BIME PRO y que ya se puede consultar en la web bime.org

DONDE SE CONSTRUYEN LAS SOLUCIONES A LOS RETOS DEL PRESENTE Y
DEL FUTURO

El programa de BIME PRO se construye en colaboración con un sinfín de asociaciones, empresas, instituciones y profesionales del sector, que acercan tanto los desafíos a los que se enfrentan actualmente como las inquietudes sobre los retos del futuro, para reflexionar, debatir y generar soluciones conjuntas desde los diferentes conversatorios y entrevistas de los paneles, en mesas de trabajo específicas, conectando a las personas mediante actividades de networking, con el traspaso de conocimiento mediante talleres y master classes, etc. Así se gesta y desarrolla este congreso con profesionales que llegan de más de 40 países a inspirarse y formarse; a la vez que se impulsa el desarrollo de una industria que se caracteriza por promover el tejido creativo, emprendedor y cultural de la sociedad; con cada vez mayor impacto económico a nivel mundial.

Con este amplio enfoque sectorial, los contenidos se programan con un gran sentido de la responsabilidad respecto a las cuestiones que competen no sólo a la industria de la música sino también a la sociedad internacional, como son las cuestiones de igualdad, sostenibilidad, innovación, derechos y formación.

En el marco de BIME Music Equality Forum -que trabaja por una industria musical más equitativa, inclusiva, justa y diversa reuniendo a asociaciones de todas partes del mundo que comparten estos mismos objetivos- destacan el panel presentado por Billboard como previa a los Billboard Latin Women in Music con María Becerra (AR) la cantante y compositora argentina con más de 20 millones de oyentes mensuales en Spotify y cantautora colombo canadiense nominada al Grammy con sonadas colaboraciones con Sam Smith, Eminem, Calvin Harris, Jessie Reyez (CA/CO), debatirán junto a la célebre escritora, pianista y presentadora Leila Cobo (CO/US) “Qué es realmente el empoderamiento en la música hoy, la sexualización de la mujer“; una mesa de trabajo de la mano de Femnoise para conformar una red para la lucha contra la brecha de género en la industria de la música a nivel Iberoamericano, y la conversación de “De musas a mentoras” de la mano de Women In Music con la reconocida artista Kany García (PR) ganadora de seis Latin Grammys, Catalina García Barahona, también conocida Madame Periné (CO) y las managers Verónica Piana (UY) y Andrea Gonzales (CO).

En el punto de encuentro entre temas de igualdad y tendencias, también se debatirá en un panel sobre qué es lo “latino” dentro de la industria global de la música y sobre la falta de representación de artistas afro-latinos. La sostenibilidad se trabajará de forma transversal en diferentes paneles sobre festivales, giras y recintos. La internacionalización del sector musical será otra de las propuestas clave, con el apoyo del programa Conexiones i impulsado en colaboración con el Ministerio de Cultura y Deporte de España, en el marco del programa Next Generation EU. En el espacio CAMPUS, de la mano de la Fundación SGAE, se ofrecerá un valioso programa de formación, destinado a las personas que buscan aprender más sobre este negocio. También tendrán relevancia temas clave de esta industria como la importancia del asociacionismo; los derechos de la música, de autores y artistas; las sincronizaciones en el mundo publicitario, y se pondrá el foco en todo lo que está llegando y lo que vendrá: el futuro de los sonidos urbanos, la web3, la rentabilidad y trabajo social en los festivales e incluso habrá una mesa de trabajo sobre inteligencia artificial en colaboración con FUTURX.

Además, figuras destacadas de la industria internacional como AJ Ramos (SV/US) jefe de alianzas con artistas, música latina y cultura en YouTube Music / Google; el reconocido productor Camilo Lara (MX); Chris Den Uijl (US) co-fundador de los festivales Baja Beach y Sueños, reconocido como “Billboard’s Power Player 2022” por sus habilidades en la producción de eventos y su talento para pronosticar tendencias musicales; Lex Borrero (CO/US) co-fundador y director de Neon 16; la destacada cantante y compositora argentina María Becerra (AR) y Maykol Sánchez (VE/US) director de relaciones con discográficas y artistas LATAM/USLatin de Spotify; protagonizarán los paneles “A conversation with…” en los que mediante una entrevista en directo compartirán la experiencia adquirida a lo largo de sus carreras. En otro de los paneles principales, Tyler Henry de STURDY, junto con Adrián Martinez, jefe de creativos de la misma casa, pondrán sobre la mesa las claves de la creatividad en los shows y la nueva generación de directivos en ese ámbito. Estas son sólo algunas de las tantas actividades dentro del programa BIME PRO que tendrá lugar en la Universidad EAN del miércoles 3 al viernes 5 de mayo y se podrá seguir de manera online a través de bime.org

5 ESCENARIOS BIME LIVE PARA IMPULSAR TALENTOS EMERGENTES

BIME LIVE, la programación musical de tarde y noche, contará con 5 escenarios distribuidos en diferentes espacios de San Felipe. Hoy se desvelan los primeros 30 artistas que llegarán de 10 países: Arde Bogotá (ES), Atras Hay Truenos (AR); Bala Desejo (BR), Belako (ES), Briela Ojeda (CO), Bruses (MX), Bruno Campinan (CA), Buha 2030 (CO), Carolina Durante (ES), Irepelusa (VE), Jimena Amarillo (ES), Juliana Velasquez (CO), Kaleema (AR), Katanga Dub (ES), La Marimba (RD), La Sra. Tomasa (ES), Lee Eye (CO), Lia Kali (ES), Maiguai (CO), Margarita Siempre Viva (CO), Oreka TX (ES), Ruzto (CO), Sandra Monfort (ES), Sie7e (PR), Sergio Páramo (CO); Tanika Charles (CA), The Kitsch (CO), Toy Selectah (MX) y Yorka (CHI) son los primeros nombres que salen a la luz en una extensa programación que acerca las últimas tendencias musicales de todas partes del mundo. Además de música en directo, la programación de BIME LIVE ofrecerá actividades culturales abiertas a toda la ciudadanía, incluyendo un Mercado del Vinilo, a la que también se une una edición especial de Open San Felipe x BIME y que se extenderá hasta el domingo 7 de mayo.

BIME CONECTA Y ACERCA A QUIENES LIDERAN EL MUNDO LA MÚSICA

BIME, recientemente galardonado con el Premio a Mejor Evento Profesional por los prestigiosos “Iberian Festival Awards”, confirma una vez más su valor como el espacio de encuentro internacional de la industria musical, un puente de cooperación e internacionalización entre Europa y América.

El networking ya ha comenzado y está siempre disponible a través de la plataforma online en la web y la app, donde se puede acceder a una comunidad profesional que se mantiene conectada todo el año y permite participar del encuentro desde todas partes del mundo.

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Amazon presenta Amp, una plataforma de radio digital en vivo llena de innovación tecnológica para la creación de contenido que mezcla lo que a la gente le gusta del radio: locutores, buena y nueva música y personalidades internacionales, con nuevas formas de interacción. Grandes talentos como Nicki Minaj, Travis Barker, Halsey, Lindsey Stirling y más, han creado sus propios programas dentro de ella.

Amp ha decidido abrirse al mercado latino presentando el programa de radio digital El DJ Show. Es un programa controversial en donde todos los participantes tienen derecho a opinar sin preocuparse por el que dirán o por las críticas. Es un show que aborda temáticas actuales, polémicas, relaciones de pareja y situaciones de la cotidianidad

Desde los once años, en 1990, El DJ Show se vio tentado a entretener a las personas después de que conoció cómo se celebraban las fiestas en su país y, al no poder bailar, decidió volverse DJ y hacer que la gente bailara. DJ Show es un fanático del diseño, la edición de audio y video, y los retos de armar y desarmar computadores para poner a prueba su agilidad y habilidad.

«Trabajar para la comunidad latina en Estados Unidos es un orgullo y una pasión. Me gusta empoderarlos a partir de charlas y vivencias que he tenido durante mi carrera para que ellos tomen como ejemplo mi historia de vida y salgan adelante como yo lo he podido hacer a punta de humildad y perseverancia», cuenta DJ Show.

«Me encanta ayudar a los latinos porque siento que es una responsabilidad social que tengo conmigo mismo y con la sociedad», agrega el influencer.

‘DJ Show’ se transmite en vivo todos los lunes, miércoles y viernes a las 5:00 p.m. CST. Posteriormente el contenido se distribuye como podcast en todas las plataformas.

El programa el DJ Show es una plataforma de aprendizaje en donde el protagonista y su público comparten ideas y pensamientos similares que los llevan a mejorar sus hábitos en el diario vivir. Debatir sobre problemas y situaciones que los aquejan y que, finalmente, los identifican hacen parte del éxito de este show.

«Mi gran sueño en el mundo del entretenimiento es poder llegar a ser el Joe Rogan de habla hispana en Estados Unidos porque siento que a la fecha no hay alguien en esta industria del entretenimiento en español que sea mejor o igual a este destacado e importante locutor y comentarista controversial estadounidense», enfatiza DJ Show.

«Muchas personas me han comentado que les encanta mi programa porque es un espacio para expresarse libremente sobre lo que piensan y sienten sin censura y, además, les dedico el tiempo que necesiten para dar a conocer sus puntos de vista, no como en la radio tradicional en donde el tiempo es limitado. El tener semejanza entre mis historias de vida y sufrimiento con las de ellos ha servido para que mi público sienta que mi show es real, orgánico y muy natural», concluye DJ Show.
Amp es la plataforma de audio de Amazon que como Clubhouse busca que los usuarios puedan conectarse con otros a través de la emisión de contenidos en audio. La plataforma es muy divertida pues gracias a un acuerdo con Sony Music Entertainment permitirá incluir música de un catálogo de millones de canciones con licencia, que podrán ser presentadas como si se tratara de un programa de radio.

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¡La nueva comedia animada de Adult Swim, Royal Crackers, ha sido renovada para una segunda temporada antes de su estreno! Así de divertida es para los que gustan de las historias de ficción animadas. Sigue la lucha de la familia Hornsby por el control de su imperio de bocadillos salados.

Con el estreno de Royal Crackers a la vuelta de la esquina, Adult Swim ha anunciado que la nueva comedia animada ha sido renovada para una segunda temporada. La serie creada y protagonizada por Jason Ruiz, sigue a la familia Hornsby en su lucha por el control de su exitosa compañía de galletas saladas.

«La televisión ha explorado de manera magistral cómo las familias pelean por el destino de sus imperios petroleros, mediáticos o ganaderos, pero hasta ahora, nadie se ha atrevido a abordar la industria de los bocadillos salados», explicó Michael Ouweleen, Presidente de Adult Swim y Cartoon Network.

Jason Ruiz agregó: «Estamos muy agradecidos con Adult Swim por darnos la oportunidad de contar más historias sobre nuestros personajes. Si no puedes esperar a ver qué sucede en la segunda temporada, abróchate el cinturón para la primera».

La caída del rey de los bocadillos

Royal Crackers fue una vez el rey de los bocadillos, pero su imperio se ha desmoronado. Cuando el patriarca de la familia, Theodore Hornsby Sr., termina en un «súper coma», el resto de la familia Hornsby, sin talento ni perspicacia comercial, tratará de hacer de Royal Crackers el éxito que una vez fue.

Una cartelera inusual e inestable

Para celebrar el lanzamiento de la serie, Adult Swim construyó una cartelera hecha completamente de galletas saladas. La cartelera es tan inusual e inestable como la empresa de la familia Hornsby y está disponible para ver por tiempo limitado en el Beltline de Atlanta.

Un reparto estelar

Royal Crackers está protagonizada por Andrew Santino, Jessica St. Clair, David Gborie, Maile Flanagan, ganadora del Emmy®, y Fred Tatasciore. La serie es producida por Titmouse y cuenta con Jason Ruiz como productor ejecutivo junto con Seth Cohen.

Anticipándose al estreno

Los fanáticos de todo el mundo pueden echar un vistazo anticipado a Royal Crackers, ya que el episodio de estreno está disponible para ver en el canal de YouTube de Adult Swim.

Para que te antojes de lo que tiene esta primera temporada, te dejamos el primer episodio de Royal Crackers (en inglés).

Donde ver Royal Crackers

Los tres primeros episodios de Royal Crackers se estrenarán el 3 de abril en HBO Max. Los nuevos episodios se estrenarán semanalmente los domingos a las 23:00 horas ET/PT.

En definitiva, Royal Crackers promete ser una comedia animada llena de acción, humor y sorpresas. Con una renovación para una segunda temporada antes de su estreno, los fanáticos pueden esperar una historia emocionante y divertida que les mantendrá pegados a la pantalla. ¡No te pierdas la nueva comedia animada de Adult Swim!

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‘Toz’ es una canción con que aborda múltiples temáticas. Principalmente se trata de estar encerrado en la pandemia y extrañar a la humanidad, pero entre líneas está la historia de cómo personas como Moshiko se vieron totalmente excluidos de la sociedad por no estar de acuerdo con la narrativa impuesta, donde se les persiguió y ridiculizó por cuestionar cosas que ahora se están probando ciertas.

«Se trata de cómo la paranoia y el miedo fueron las manipulaciones que usaron los gobiernos para controlarnos y hacer negocios multimillonarios entre las elites. La coerción de las vacunas, el origen del virus, el totalitarismo, la desinformación y la manipulación de masas a través de las redes sociales por parte de los gobiernos del mundo. Y encima de todo eso, un humano solo siendo un humano y extrañando estar con alguien», enfatiza el artista ecuatoriano.

Paradójicamente, ‘Toz’ de Moshiko, al abordar un tema tan especial, polémico y pesado, tiene fuerte influencias sonoras del pop. El beat se hizo con sistemas modulares y con un software llamado Orca. La batería la tocó Miguel Aguilar, músico con el que el artista ha trabajado en proyectos como Conde Data.

«Este tipo de contradicciones me encantan, por ejemplo, cuando estoy triste hago una canción feliz y así sucesivamente», cuenta el artista.

El concepto el video cuenta la historia de una persona que está paranoica por toda la situación de la pandemia. Todo ocurre en su cuarto y en su ventana se refleja lo que está en su psique. El clip se grabó con una cámara de fotos y después pasó por Inteligencia Artificial. La filmación estuvo a cargo de Anahi Concari y algunos de los personajes que salen en el video fueron los músicos María Cuesta (LATINDRAMA) y Víctor Andrade (Niñosaurios).

Moshiko continuará en los próximos meses publicando sencillos que le den forma a su primera producción musical. El artista pronostica que cuando publique su quinto lanzamiento saldrá a los escenarios a mostrar su propuesta en vivo. Adicionalmente, el músico ecuatoriano lanzará en simultánea videos de Behind the Scene de todo su proceso creativo a través de su canal de youtube y sus redes sociales.

Sobre Moshiko

Moshiko era el amigo imaginario de Carlos Bohórquez en sus primeros años de vida. Siempre pensó que era real hasta que hace unos años se enteró que nadie en su familia recordaba este nombre. Al deducir que Moshiko fue su amigo imaginario y entrando en shock, el cantante, instrumentista, productor, compositor ecuatoriano decidió hacerle un homenaje a este personaje llevándolo en su nuevo proyecto musical como solista.

La intención de la propuesta de Moshiko se basa en la diversión y el ver la música y el proceso creativo como cuando Carlos convivía con su amigo imaginario. Es una invitación a no tener limitaciones y a tener presente que solo lo que tiene alma te hace bien.

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Cumbia Oui Oui estrena el sencillo “En La Playa”

El proyecto musical regresa con un nuevo sencillo ideal para bailar y corear a todo volumen.

Cumbia Oui Oui es un proyecto musical franco-mexicano influenciado por la cumbia, los ritmos latinos y la música contemporánea. Los pilares de este proyecto son Damien (célebre baterista internacional originario de Francia) y Jud (cantante y compositora mexicana), quienes se encontraban viviendo en un pueblo de Francia llamado Médréac, donde empezaron a compartir su propuesta musical con la gente mostrando esta peculiar combinación del folclor de ritmos.

Dentro de sus presentaciones es una fiesta que celebra la música y la fusión de culturas a través del mundo. Sus arreglos, letras y composiciones corren por cuenta de Damien y Jud, haciendo esta original y atípica mancuerna. Las canciones de Cumbia Oui Oui, hablan sobre la vida, sobre anhelos, sueños, amores y situaciones por las que alguna vez pasamos todos.

Su estreno “En la Playa”, es el segundo sencillo lanzado hasta ahora, después de “Erase and Rewind” su reversión del cover de la banda The Cardigans, siendo una canción de su autoría este nuevo tema tiene tiene todo lo que se necesita para ser un hit, pues los coros repetitivos no se dejan de tararear.

Es una canción inspirada en el ferviente deseo de escapar de la rutina y salir a vivir el sueño tropical, una sabrosa fresh cumbia que habla sobre disfrutar del amor, de las cosas simples y de lo más esencial de la vida para evadirse de la superficialidad y frivolidad de las grandes ciudades. En este track Cumbia Oui Oui rompe la barrera entre el electropop y la cumbia para crear un estilo fresco.

“Cuando escribimos En La Playa, pensábamos en cómo sería nuestra vida si nos fuéramos a vivir a una pequeña isla, en una pequeña casita autosustentable y disfrutar de lo más simple”.

Con este tema, Cumbia Oui Oui comienza a posicionarse poco a poco en la escena y en la nueva oleada de música indie. El videoclip que acompaña este single fue grabado en un bonito puerto de Yucatán llamado Sisal.

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En esta ocasión Delfina cantará por primera vez en vivo su álbum début “Directo al Cora”, el cuál cuenta con 11 canciones producidas en México y escritas por Delfi, cargadas de autosuperación, libertad, amor propio y resiliencia.

La cita para corear los éxitos y nuevos temas de la cantautora será en la Carrera 17 # 60 – 25 (Estudio de la piña) el 28 de abril a las 8:00PM.

«Directo al cora» estará disponible en todas las plataformas digitales el próximo 14 de abril, un álbum que mostrará la evolución de Delfina, a nivel de producción, letras y ritmos, pasando por el rap, R&B, trap y dancehall.

Durante el último año, Delfina se presentó en diferentes escenarios, entre los que destacan el Fesitval Estéreo Picnic 2022, Coca Cola Flow Fest en México, además de tocar en Argentina y España.

«Últimamente» es el sencillo más reciente de Delfina, la canción número #1 de «Directo al cora»; un tema que busca resignificar el dolor, colocando en retrospectiva el final de una relación, aceptando y dejando ir todo lo que ya no está. Es una oportunidad para seguir adelante, alejarse del dolor y volver a respirar.

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La banda colombiana de Punk / Rock / Ska María Juana No Se Ha Muerto, fundada en la ciudad de Pereira en 1998 y conformada actualmente por Alejandro Herrera en la voz y guitarra, Juan Manuel Parra en la batería, Juan Diego Usma en el saxofón, Mauricio García en el bajo, Cristian Restrepo en el teclado y David Bedoya en la percusión ha iniciado el 2023 en estudio grabando y componiendo varias canciones para sus seguidores en Colombia y Latinoamérica, entre ellas, su nuevo sencillo ‘Una mirada’.

‘Una mirada’ es una canción que nace de la necesidad de darle vida musical a vivencias y composiciones de los integrantes de la banda, es aquí donde nace la historia, con la intención de hacer visible y seguir conversando seriamente sobre los problemas de salud mental en el entorno social colombiano y latinoamericano como la depresión y la ansiedad.

«Abordamos la idea de no solo ver pasar frente a nosotros este flagelo sino actuar, así precisamos en nuestro nuevo sencillo cómo, por medio de la música y la compañía correcta, se puede mejorar dicha condición», comenta la banda.

Según la OMS una persona se suicida en el mundo cada 40 segundos, durante el año 2021 y 2022 se suicidaron en Colombia 1.714 personas menores de 29 años y 1 de cada 5 niños en el mundo es diagnosticado con un problema de trastorno mental son algunas de las estadísticas que motivaron a María Juana No Se Ha Muerto a crear ‘Una mirada’.

Los géneros ska y reggae, reconocidos desde sus inicios en los años 50’s por integrar en sus ritmos sonidos de percusión ancestral con raíz africana, han sido parte crucial en el desarrollo de la sonoridad en MJNSHM; por eso, la banda integra sonidos tradicionales de su región que representan su arraigo y ancestralidad con el poder y la contundencia del rock n roll con contenido social y positivo. Se fusionan los sonidos de percusión como el bongó, el timbal y la conga con el punk rock e instrumentos como la maraca tradicional y la gaita kuisi del caribe colombiano con el ska y el reggae para darle vida a nuevos ritmos y experiencias sonoras que expandan su música, mensaje y cultura.

«Con este lanzamiento enviamos un mensaje de reflexión y lucha a través de la música para que cualquier persona pueda encontrar un aliento y un abrazo con fuerza de parte de MJNSHM. Invitamos a dar un paso hacia adelante y superar los problemas que en nuestra mente nos aquejan en silencio», agrega el grupo.

En el video de ‘Una mirada’ los integrantes de María Juana No Se Ha Muerto interpretan la canción y su sentir como si la banda viviera esta situación en un escenario.

«Quisimos mostrarle al público cómo nos divertimos haciendo música y esa diversión, ese poder, junto a la contundencia de nuestro mensaje transmitirla hasta que llegue el día de vernos en vivo para compartir la vida al ritmo de MJNSHM», enfatiza la agrupación.

‘Una mirada’ fue capturada, mezclada y masterizada por César Vera (Goretrade). El video fue dirigido por Alejandro Herrera con la producción, cámara y edición de Juan David Ramos Valencia (Juanda Visualfilms). El clip se grabó en Density Sound Lab Estudios en Pereira.
María Juana No Se Ha Muerto seguirá lanzando canciones periódicamente que le den vida en 2024 a su nuevo EP. De igual manera, la banda seguirá circulando en conciertos y festivales a nivel nacional que anunciará a través de sus redes sociales.

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La nueva obra de la escritora, periodista e ilustradora colombiana Amalia Andrade, reconocida por sus libros sobre salud mental y su nueva obra «Todas Las Cosas Maravillosas» están en el Teatro Nacional en su sala Estudio de La Piña en Bogotá en sus últimas semanas. Así que aprovecha para conocer un poco más de cómo funciona nuestro cerebro cuando pensamos sobre nuestra vida.

La escritora, periodista e ilustradora colombiana Amalia Andrade, conocida por sus libros sobre salud mental y consciencia, debuta en los escenarios presentando «Todas Las Cosas Maravillosas». Se trata de la primera adaptación para Latinoamérica del aclamado monólogo «Every Brilliant Thing».

Una obra 360º con formato interactivo

En «Todas Las Cosas Maravillosas», Amalia se encuentra en el centro del teatro y el público rodeándola. La obra es un monólogo parcialmente interactivo, donde el público tiene la opción de involucrarse en momentos especiales de la narrativa. Esta característica hace de la experiencia algo único e inolvidable.

Una obra que deja un impacto profundo

A pesar de utilizar la comedia para abordar temas difíciles, «Todas Las Cosas Maravillosas» también trata con sensibilidad y el poder que otorga hablar desde la experiencia temas como la depresión y el suicidio. La obra deja al público reflexionando, pero a la vez genera una ligereza en el espíritu. Además, es una oportunidad para abordar temas poco mencionados en la sociedad, especialmente en Colombia.

La unión de dos sueños: Amalia Andrade y Esteban Godoy

Gracias a los temas que Amalia ha tratado en sus libros, se ha convertido en una vocera de la consciencia de la salud mental. Además, siempre ha soñado con ser actriz de teatro, por lo que toma la decisión de cumplir este sueño junto a Esteban Godoy, el director, para llevar a cabo una obra nunca antes vista en Colombia.

Sinopsis de «Todas las cosas maravillosas»

«Todas Las Cosas Maravillosas» explora con una franqueza mordaz y gran sentido del humor la dura realidad de la depresión y la impotencia que se siente cuando no puedes hacer feliz a alguien que amas. La obra sigue a un personaje que tiene siete años y un día su papá lo recoge en el colegio para llevarlo a una clínica donde está su mamá. La obra explora la búsqueda de razones para ser feliz y el equilibrio entre evocar la complejidad de la vida y celebrar todo lo que es hermoso de ella.

Importante a tener en cuenta

Es importante destacar que «Todas Las Cosas Maravillosas» trata temas sobre salud mental, depresión y suicidio. Si te sientes afectado por alguno de estos temas, te recomendamos comunicarte con la fundación «Porque Quiero Estar Bien»: porquequieroestarbien.com.

Para conocer más sobre fechas, horarios y valor de la boletería, visita teatronacional.co.

Más sobre Amalia Andrade

Amalia Andrade es una escritora, periodista e ilustradora colombiana reconocida por sus libros sobre salud mental y consciencia, tales como «Uno siempre cambia el amor de su vida«, «Cosas que piensas cuando te muerdes las uñas» y «Tarot magicomístico de estrellas». Ha colaborado con grandes marcas nacionales e internacionales y ha escrito para varias revistas en Colombia y Estados Unidos.

Gracias a sus libros y a la visibilización de temas como la ansiedad, la depresión y los problemas que se enfrentan en el mundo moderno, Amalia se ha convertido en una vocera de la consciencia de la salud mental. No te pierdas la oportunidad de ver su nueva obra «Todas Las Cosas Maravillosas».

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Clínica X es una producción médica en formato scripted reality que sigue al equipo formado por siete doctores y seis enfermeras/os. Este docudrama combina ficción, documental y realidad para contar historias inspiradas en casos reales.

¿Qué es Clínica X?

Clínica X es un docudrama médico en formato scripted reality que llegó a la pantalla de Sony Channel el 13 de marzo. Este programa sigue al equipo formado por siete doctores con especialidades diferentes, seis enfermeras/os, dos recepcionistas, un guardia y un paramédico. En cada episodio, los médicos recibirán tres casos insólitos y sorprendentes que pondrán a prueba su conocimiento y experiencia.

Formato Único

Esta es la primera vez que un programa de Sony Pictures International Production fusiona tres géneros diferentes: ficción, documental y realidad. Para lograrlo, tres directores expertos en estos géneros contribuyeron con sus visiones: Andrés López (Documental), Edgar Peña (Realidad) y Rolando Ocampo (Ficción).

Historias Inspiradas en Casos Reales

En Clínica X, las historias médicas más extraordinarias inspiradas en casos reales llegan para buscar el diagnóstico de las manos expertas. Los fanáticos de dramas médicos encontrarán lo mejor en este canal con series como «The Good Doctor» y «Grey’s Anatomy«.

Un Programa Cercano a los Televidentes

«Clínica X» es el primer docudrama médico realizado en español y está diseñado para que la audiencia pueda identificarse fácilmente con los personajes y los casos médicos. Según Selina Nederhand, Senior Vice President & Co-Networks Head of Content Strategy, «Clínica X» es una producción local mucho más cercana a nuestros televidentes».

No te pierdas Clínica X, la nueva producción médica de Sony Channel, todos los lunes y martes a las 7:00pm. ¡Prepárate para ver las historias médicas más sorprendentes y desafiantes!

Los médicos de Clínica X responden

Doctor Federico Von Son interpretando a Rubén Marín

¿Cómo fue la experiencia allá en otro formato de televisión?

Nosotros realmente no llevamos un guión, es live screen. Esto quiere decir que vamos reaccionando conforme a los casos, nosotros no tuvimos la oportunidad de conocer a los pacientes antes de los casos propiamente, entonces esto hacía que hubiera cierta mística en el set y también cómo se iba entregando todo y cómo lo íbamos desarrollando, era parte de esta mística.

Participamos con tres tipos de directores que se dedican a cosas completamente distintas, entre documentales, cine y reality show. Entonces, cada quien tiene una idea, cada quien tiene un enfoque. Claro que hay una base de que es lo que se va a hacer dentro de cada escena y el número de escenas que se van a hacer pero cada una es particular, tiene su propia vida ya que se fue creando una por una, se fue creando pieza por pieza de manera muy artesanal y creo que eso es lo que hace tan especial el proyecto.

Personalmente, ¿Cómo te preparaste para pasar de ser médico a actor entendiendo el enfoque que tu mencionas?

Nosotros realmente no nos preparamos porque realmente no actuamos, hicimos nuestro trabajo y lo pusieron en la pantalla de Sony Channel, que hace un gran esfuerzo y tienen un gran equipo. Ellos son los que nos ayudaron realmente, tanto sonido, maquillaje, los directores… Todas las personas que están involucradas nos iban diciendo más o menos como desenvolvernos en frente de una cámara pero no teníamos preparación previa como actores, pero fuimos a hacer nuestro trabajo y creo que eso es lo que quería Sony, que fuéramos a hacer lo que sabemos hacer, que es presentarnos a una consulta, reaccionar frente alguna situación o enfermedad como lo haríamos en el ámbito hospitalario, los que participamos en el equipo médico desde paramédicos, enfermeras, médicos… Todos somos personal de salud. Cada quién tiene esta reacción natural hacia lo que hacemos todos los días.

Entonces, creo que en ese sentido fue fácil, pero hacerlo en frente de una cámara fue un poquito más complicado porque los nervios ganan.

¿Cómo fue manejar una especialidad diferente a la tuya?

Bueno, eso sí fue complicado. Me encanta toda la parte de neuro, ustedes me verán como el doctor Ruben Marín, el neurocirujano de la clínica, pero es un área que no es mi expertiz, si fue complicado, en los primeros casos me estresé bastante, todos los casos te puedo decir que los preparaba, me quedaba aquí en la terraza en las noches preparando cada uno de los casos tratando de poder llevar lo mejor de mí en ese caso en particular pero sí, es complicado, al final de cuentas, el no esta dentro de tu especialidad o área de conocimiento te pone un reto doble pero lo logramos resolver bien, al final se logró plasmar lo que se necesitaba que era sobre todo esta espontaneidad en el tratamiento de los casos.

¿Qué hace diferente a Clínica X de las demás producciones médicas?

Lo que lo hace diferente es que somos médicos tratando situaciones inspiradas en casos reales sin guión de por medio… Somos personas que conocemos o hemos tenido experiencias similares con el caso, yo creo que eso es lo que lo hace tan diferente, el ver cómo un médico real y sin guión aborda un caso, eso es lo único, y bueno, esperemos que la gente se conecte y estén viendo cada semana los nuevos casos.

¿Por qué debemos conectarnos con Clínica X?

Porque no han visto un formato como este, es algo diferente ver al médico real en pantalla haciendo un personaje plasmando su conocimiento, yo creo que a la gente le va a gustar, es algo diferente, es algo innovador que fue en parte, lo que me llevó a participar, fue un formato diferente, te podrás dar cuenta que hay una súper post producción también y está muy diferente, a las personas les gustará porque no es el típico programa médico con historias de amor, si no que hay todo un drama detrás de lo que pasa en la vida del médico, aquí se busca realmente la conexión emocional entre el paciente y el público, eso será lo que lo hará tan atractivo.

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Star+ Live, un ciclo de entretenimiento en vivo, presenta el próximo 1 de abril a las 18.45 horas el concierto «Fito Paez: el amor 30 años después del amor«. Este evento exclusivo del reconocido cantante y compositor argentino Fito Paez, celebrará el 30º aniversario del lanzamiento de su emblemático disco «El amor después del amor».

La transmisión en vivo y en directo se llevará a cabo desde el estadio José Amalfitani del club Vélez Sarsfield en Buenos Aires y estará disponible para toda la audiencia de Latinoamérica a través del servicio de streaming de Star+.

Además, los fans tendrán acceso a los momentos previos al show, incluyendo una cobertura en vivo desde el estadio y una entrevista exclusiva con Fito Paez, a cargo de Bebe Contepomi y Anaís Castro.

Fito Paez, originario de Rosario, Argentina, se ha convertido en uno de los exponentes más importantes del rock latinoamericano de las últimas décadas. Autor de discos emblemáticos como «Del ’63», «Giros», «Ciudad de pobres corazones», «Tercer mundo» y «Circo beat», su álbum más exitoso «El amor después del amor» se lanzó en 1992 y se convirtió en cuádruple disco de platino. La gira del 30º aniversario del disco tuvo lugar en 2022 en ciudades de Argentina, Estados Unidos, España, Venezuela, Uruguay, Chile y más. Este año, Fito Paez se presentará en Mar del Plata, Mendoza, Asunción, Corrientes, Santa Fe, Porto Alegre, Medellín y Bogotá.

La producción y realización del concierto está a cargo de El Bajo Producciones, una productora audiovisual especializada en el entretenimiento y la industria de la música, dirigida por Bebe Contepomi.

Star+ Live ofrece a sus suscriptores la oportunidad de disfrutar de los espectáculos culturales más relevantes de la región, incluyendo conciertos, festivales, programas y múltiples shows como «Lali: Disciplina tour en Vélez», «Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar«, «Premios Gardel 2022» y «Tini Tour 2022: La despedida del año«. No te pierdas la oportunidad de ver en vivo a Fito Paez en su concierto «El amor 30 años después del amor» en Star+ Live.

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Prime Video ha anunciado el lanzamiento del tráiler oficial y el poster del muy esperado thriller psicológico Dead Ringers, que se estrena el 21 de abril exclusivamente en Prime Video. La serie está protagonizada por la actriz ganadora del Premio de la Academia Rachel Weisz en el papel principal doble de Elliot y Beverly Mantle, gemelas que lo comparten todo, incluidas las drogas, los amantes y un deseo incondicional de desafiar la ética médica para llevar la atención médica de la mujer a la vanguardia.

Creada por la escritora y dramaturga nominada al Emmy Alice Birch, la serie es una versión moderna de la película clásica de 1988 de David Cronenberg del mismo nombre. Birch también se desempeña como showrunner y productor ejecutivo de la serie, junto con Rachel Weisz para Astral Projection, Stacy O’Neil, Sue Naegle y Sean Durkin. Dead Ringers es una coproducción de Amazon Studios y Annapurna Television.

El elenco de la serie incluye a Britne Oldford, Poppy Liu, Michael Chernus, Jennifer Ehle y Emily Meade. El cineasta Sean Durkin dirigió los dos primeros episodios y codirigió el último episodio de la serie. El equipo de dirección también incluye a Karyn Kusama, Karena Evans y Lauren Wolkstein.

El tráiler oficial de Dead Ringers ofrece un vistazo al inquietante mundo de las gemelas Mantle mientras superan los límites de la ética médica en nombre de la atención médica de las mujeres. El tráiler muestra un viaje oscuro, intenso y lleno de suspenso que dejará a los espectadores al borde de sus asientos.

Con un elenco y un equipo talentosos, Dead Ringers promete ser una serie limitada apasionante y estimulante que explora temas complejos de identidad, obsesión y moralidad. El lanzamiento de Prime Video del tráiler oficial y el arte clave solo ha aumentado la expectativa por el estreno de la serie el 21 de abril.

Más sobre Dead Ringers

Dead Ringers es una serie limitada muy esperada que explora temas complejos de identidad, obsesión y moralidad. Protagonizada por la actriz ganadora del Premio de la Academia Rachel Weisz en el papel principal doble de Elliot y Beverly Mantle, la serie es una versión moderna de la película clásica de 1988 de David Cronenberg. Creada por Alice Birch, la serie limitada se estrena exclusivamente en Prime Video el 21 de abril.

El lanzamiento de Prime Video del tráiler oficial y el poster solo ha aumentado la atención sobre Dead Ringers. El tráiler muestra un viaje oscuro, intenso y lleno de suspenso que dejará a los espectadores al borde de sus asientos. Con un elenco y un equipo talentosos, incluidos Britne Oldford, Poppy Liu, Michael Chernus, Jennifer Ehle y Emily Meade, Dead Ringers promete ser una serie apasionante, digna de maratón.

El cineasta Sean Durkin, quien dirigió las películas aclamadas por la crítica Martha Marcy May Marlene y The Nest, dirigió los dos primeros episodios y codirigió el último episodio de la serie. El equipo de dirección también incluye a Karyn Kusama, conocida por su trabajo en Jennifer’s Body y Girlfight, Karena Evans de P-Valley y Snowfall, y Lauren Wolkstein, directora de A Friend of the Family e Y: The Last Man.

Dead Ringers es una coproducción entre Amazon Studios y Annapurna Television, con Alice Birch como productora ejecutiva y productora ejecutiva. Rachel Weisz, quien también protagoniza la serie, es productora ejecutiva de Astral Projection, junto con Stacy O’Neil, Sue Naegle y Sean Durkin. Ali Krug se desempeña como productor ejecutivo de Annapurna Television, mientras que Erica Kay, Anne Carey y Polly Stokes también son productoras ejecutivas.

La serie de seis episodios promete ser una exploración escalofriante y provocativa de la obsesión de las gemelas Mantle con la experimentación médica y sus propias identidades. El tráiler oficial de Dead Ringers muestra un mundo de intriga, engaño y ambigüedad moral que dejará al público en vilo hasta el final.

A medida que se acerca la fecha de estreno, los fanáticos de Rachel Weisz y Alice Birch pueden esperar una serie emocionante y estimulante que supera los límites de lo que es posible en la narración. Con un elenco y un equipo talentosos y una trama apasionante, Dead Ringers promete ser una de las series más comentadas del año. No te lo pierdas cuando se estrene el 21 de abril exclusivamente en Prime Video.

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Manchester City y Liverpool se enfrentarán este 1 de abril en un partido crucial en la carrera por el título de la Premier League. Este es sin duda el encuentro principal del fin de semana, dadas las condiciones en que llegan los dos equipos, el Manchester City busca asomarse más en la punta de la tabla y Liverpool entretanto quiere evitar su caida en la tabla.

El encuentro entre Liverpool (sexto lugar de la tabla de la Premier League con 42 puntos) – Manchester City (segundo lugar de la tabla con 61 unidades) se desarrollará el próximo sábado 1 de abril a las 6:30 a.m. (hora Colombia).

Otros partidos interesante son los juegos entre Everton vs Tottenham y Chelsea vs Liverpool. Este segundo encuentro de los dirigidos por Klopp se da para adelantar el calendario de los dos equipos.

La temporada de la Premier League ha sido emocionante hasta ahora, con varios equipos luchando por el título como es el caso de Arsenal, Manchester United y Tottenham. Manchester City y Liverpool son dos de los equipos más fuertes en la liga y este enfrentamiento del 1 de abril será crucial en la carrera por el campeonato.

Sin embargo, Liverpool tiene un impresionante récord contra Manchester City en la Premier League en sus más recientes encuentros, dejando a los de Klopp mejor ubicados ante los de Guardiola. Esto demuestra que Liverpool puede plantear una seria amenaza a Manchester City en este partido.

Uno de los jugadores clave a tener en cuenta en el partido será el delantero del Manchester City, Luis Diaz. El colombiano es uno de los mejores goleadores de la Premier League y con su regreso a la titularidad o su sola presencia en la banca, puede estar ayudando a su equipo a mejorar su juego en la liga esta temporada.

Por el lado de Liverpool, el delantero Mohamed Salah ha sido una fuerza constante en la delantera del equipo. A Salah varios medios le acusan de estar agotado y que su rendimiento no ha sido igual al del campeonato anterior, en el que anotó más de 17 goles.

En general, este partido promete ser emocionante y podría tener un gran impacto en la carrera por el título. Sin embargo, también hay otros partidos importantes en la liga que vale la pena mencionar.

El 3 de abril, Everton se enfrentará a Tottenham en un partido que también podría tener un gran impacto en la tabla de clasificación. Si Everton gana este partido, podrían subir varios lugares en la tabla de clasificación y salir de los puestos de retaguardia.

El 4 de abril, Chelsea se enfrentará a Liverpool en otro partido importante. Chelsea actualmente está en el puesto 10 de la tabla con 10 partidos ganados y podría acercarse a los puestos de competencias internacionales si gana este partido.

Sin embargo, Liverpool es un equipo fuerte y no será fácil para Chelsea obtener una victoria en este partido, sobre todo si ya se cuenta con la presencia de Diaz, Salah, Gakpo y Nuñez en la cancha.

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En resumen, la Premier League ha sido emocionante esta temporada con varios equipos luchando por el título. El enfrentamiento entre Manchester City y Liverpool del 1 de abril será crucial en la carrera por el campeonato, pero también hay otros partidos importantes en la liga que podrían tener un gran impacto en la tabla de clasificación. Como aficionados del fútbol, estamos emocionados de ver cómo se desarrolla la temporada y cuál será el equipo que finalmente levantará el trofeo de la Premier League.

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2. Ve a «Tu cuenta» y selecciona «Canales de Prime Video».
3. Encuentra el canal o suscripción que deseas cancelar y selecciona «Cancelar canal(es)».
4. Sigue las instrucciones en pantalla para completar el proceso de cancelación.

¡Es así de sencillo! Ten en cuenta que si cancelas tu suscripción durante el período de prueba gratuito, no se te cobrará nada. Sin embargo, si cancelas después de que se te haya cobrado la tarifa de suscripción mensual, no se te reembolsará esa tarifa.

En resumen, suscribirse a Amazon Prime Video es una excelente manera de disfrutar de una amplia selección de programas de televisión y películas en línea. Sigue los pasos simples que te mostramos en esta guía y estarás listo para comenzar a ver en poco tiempo. Además, recuerda que puedes cancelar tu suscripción en cualquier momento si ya no estás interesado. ¡Disfruta tu experiencia de streaming!

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Prime Video anunció que ha dado luz verde al nuevo largometraje Pimpinero, dirigido por Andi Baiz, el mismo director de las series Narcos y La Cara Oculta. Pimpinero se estrenará en el 2024 exclusivamente en Prime Video en más de 240 países y territorios alrededor del mundo.

Pimpinero cuenta la historia de los hermanos Estrada, quienes son “pimpineros”, o contrabandistas de gasolina, en la frontera entre Colombia y Venezuela, y su dramático viaje a través del desierto para comprar gasolina más barata en Venezuela y revenderla en Colombia. La historia está llena de acción y drama alrededor de este trabajo peligroso e ilegal, y las rivalidades y peleas que existen entre los clanes de la región.

El trailer de la cinta aun está en producción y se lo quedamos debiendo a nuestros lectores pero con seguridad, esta producción tendrá una alta calidad en actuación y dirección de fotografía.

La película cuenta con la producción ejecutiva de Andrés Calderón (Gemini Man, Triple Frontier) y Andi Baiz con Cyndi Rojas (Gemini Man, Narcos) como productora asociada. Pimpinero es una ventana a la realidad de aquellos que viven en la frontera y cómo es que sus vidas se ven afectadas por todo lo que sucede ahí.

Pimpinero es parte de una creciente lista de aclamadas películas y series locales como Noticia de un Secuestro, Cochina Envidia, A Grito Herido, Manes, El Niño de Medellín, Iosi, El Espía Arrepentido, Maradona: Sueño Bendito, El Presidente, El Juego de las Llaves, junto con otros títulos colombianos previamente anunciados como Perder es Ganar un Poco, La Vida Después de un Reality, Los Billis, Los Iniciados y LOL: Last One Laughing Colombia.

Disfruta de series y películas, exclusivas producciones originales, deportes en vivo y mucho más, todo en una sola plataforma. Suscríbete hoy y comienza a disfrutar de Prime Video en tu TV, computadora, tablet o celular

Los miembros de Prime Video podrán ver Pimpinero en cualquier lugar y en cualquier momento en la app de Prime Video para Smart TVs, dispositivos móviles, y también podrán verla en línea en dispositivos móviles, Fire TV, Fire TV stick, Fire tablets, Apple TV, y a través de Claro, Tigo o Movistar mobile, suscripción fija a internet y cuentas de recarga prepagadas BeMovil. En la app de Prime Video, los miembros Prime podrán descargar la película a sus dispositivos móviles y tabletas y verla en cualquier lugar sin conexión a internet y sin costo adicional. Prime Video está disponible en Colombia por solo $20.600 al mes, y los nuevos clientes pueden conocer más en primevideo.com.

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«Porcelana China» es la nueva canción del reconocido artista argentino Coti junto con la gran agrupación de rock pop Bandalos Chinos. Es el primer adelanto del próximo álbum de Coti, que será estrenado este año. Una canción pegadiza, con un sonido super popero y moderno, producida por Renzo Luca.

“Es una canción que compuse en Madrid, con mucha influencia del sonido muy actual, pero a la vez es muy Charly García, muy 80tas, muy electro de la época del Flaco Spinetta de ‘Privé’, con esa sonoridad y a la vez muy moderno. Porque hay como un back a eso, es un sonido que amo” cuenta Coti sobre «Porcelana China».

Tras dos años del lanzamiento de su último single, Coti regresa más recargado que nunca y con un nuevo hit bajo el brazo. “Porcelana China” es una canción que inevitablemente incentiva a bailar, sin perder esa cuota de rock.

“Me vuelca a mis primeros discos más electrónicos como Clics Modernos (Charly García). La música la hicimos con Renzo. Es una colaboración alucinante con la que, para mí, es la banda del momento que refleja el cancionero del rock argentino: Bandalos Chinos. Una super banda de hermosos músicos muy talentosos y prolijos, buenos compositores. Es un privilegio para mí sacar este tema con ellos”.

Sobre el próximo álbum que estrenará en este año, Coti adelanta: «El nuevo disco es el reflejo de dos años de canciones, composiciones, experimentación, de sonoridades diferentes y ritmos. También tuve la posibilidad de trabajar con nuevos productores, por primera vez incluí a dos productores con quienes nunca había trabajado: Renzo Luca y Nico Cotton. Es un disco muy variado, por momentos muy introvertido, muy sonoro, poético y por otro lado tiene canciones muy de mi estilo, que es el lugar donde yo me siento cómodo y quiero escucharme en ese registro siempre en cada uno de los discos» .

Coti y su gira 2023

El próximo 14 de abril Coti se presenta en el Complejo C Art Media, con un show completamente renovado, con invitados y presentará nuevas canciones de su nuevo disco. Las entradas ya están a la venta a través del sistema LivePass.

Próximamente anunciará su nueva gira por Argentina, España, Chile, Paraguay, Perú, Colombia, Ecuador, Alemania y más.

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TETE NOVOA cantante y músico español con más de 15 años de trayectoria profesional, la cual lo ha llevado, entre muchos otros reconocimientos, a ser cantante y frontmant de la icónica banda de heavy metal española SARATOGA desde 2007 y cantante principal de la legendaria agrupación MAGO DE OZ en la gira de verano de 2022, anuncia el lanzamiento de su segunda producción musical como solista titulada “HISTORIAS QUE CANTAR”.

En palabras de TETE “cada canción es una flecha, un dardo, un mensaje a los oídos de aquellos que tienen un ratito en su vida para dedicárselo a mi música. Aquí teneis HISTORIAS QUE CANTAR, concepto de como entiendo la música, donde os cuento aventuras, sentimientos y temáticas actuales con un sonido y una producción única y donde defenderé un show de directo como nunca se ha visto”

“HISTORIAS QUE CANTAR” estará disponible en abril de 2023 y está conformada por ­­­­10 canciones de las cuales se desprenden los sencillos ya lanzados “SOMOS” (enero de 2023), una energética canción que encierra en sus melodías y sus letras todo el espíritu del rock and roll, la cual ha logrado más de 200 mil visualizaciones en youtube, y “EVIL MACHINE” (marzo de 2023), una crítica a la sociedad actual que vive su vida a través de la pantalla de un móvil, esperando gratificación instantánea en forma de likes y seguidores. La producción de “HISTORIAS QUE CANTAR” estuvo a cargo de los colombianos Juan Guevara (Raphael, Dani Martin) y el ganador del Grammy, Felipe Guevara, quien aportó toda su experiencia y talento en la mezcla.

Paralelamente al lanzamiento del nuevo álbum, TETE está desarrollando en su canal de youtube una docuserie conceptual sobre su nuevo disco, donde el artista se muestra a corazón abierto y nos cuenta en capítulos toda su vida artística y personal. La docuserie es dirigida por Ramón Santos director y productor de programas de primer nivel en España (Supervivientes, Factor X, Pocholo Ibiza, La sexta).

TETE visitará Colombia a mediados de mayo para presentar al público y a los diferentes medios de comunicación su producción “HISTORIAS QUE CANTAR”.

SOBRE TETE NOVOA

TETE NOVOA nace en Madrid el 21 de junio de 1980. Diplomado en Fisioterapia, menor de cuatro hermanos, forma una banda en sus primeros años de contacto con la música y da el gran salto en 2007 hasta la actualidad siendo el cantante y frontman de la mítica banda de Heavy Metal Saratoga.

Ha realizado numerosas giras internacionales por Latinoamérica, en festivales y salas para miles de personas. Proclamado MEJOR VOCALISTA DE ROCK en España desde el año 2020 hasta el 2023 por la reconocida Revista LA HEAVY, siendo portada de la misma a nivel nacional en el ejemplar de Marzo de 2023. Durante el verano de 2022 ha colaborado como cantante principal con la famosa banda MAGO DE OZ

Amante del deporte y de los animales, TETE nos ha mostrado su lado más cercano y humano dirigendo campañas de concientización animal (CAMPAÑA ROCK AND DOGS), medioambiental con el reciclaje de latas (EL METAL NUNCA MUERE) e incluso participando en programas de audiencia en La Sexta (VIDAS ANÓNIMAS), TVE o La 7TV.

Actual cantante principal del bloque de Rock en el macro espectáculo WAH Show Ifema Madrid.

En la actualidad TETE acumula millones de reproducciones en plataformas digitales y canales de youtube y compagina su carrera artística solista con SARATOGA, WAH y colaboraciones con MAGO DE OZ

Además, nos ofrece una creativa y original forma de contar su nuevo trabajo a través de capítulos del Docureality “HISTORIAS QUE CANTAR” nombre también de su nuevo disco.

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