Ya sabéis que nos chifla hablaros de diseño editorial, y por supuesto, de revistas independientes. En esta ocasión hemos apostado por diversificar, y así presentaros varias cabeceras que encarnan diferentes nichos temáticos. Variedad y calidad, así como una buena descarga de imágenes para pleno goce visual. No dejéis de contarnos cuáles son vuestras favoritas.

Sindroms. Estados de ánimo y colores

Sindroms es una revista independiente de periodicidad bianual, que se consagra a los estados mentales derivados por colores específicos. 

De hecho, cada número está dedicado a un color en especial. Sus contenidos pretenden envolver a lxs lectorxs en las sensaciones y estados de ánimo provocados por cada pigmento. De esta forma, Sindroms se revela como un auténtico festín gráfico que bebe de todo tipo de fuentes visuales. Su visión evocadora es más que evidente.

Su decidida apuesta por unos acabados de lujo quedan patentes en la elección del papel, la inclusión de una sobrecubierta adicional y encartes diversos.

Target: amantes de la fotografía, publicaciones objeto y daltónicos emocionales en especial.

Weapons of reason. El libro

Weapons of reason es un proyecto bianual multipremiado y diseñado por el estudio británico Hüman after all. Se trata de una publicación monográfica que podríamos encorsetar en la corriente de periodismo lento (slow journalism). Cada número realiza una autopsia informativa a un tema de interés global. ¿Lo mejor? Pues que se vale de de ilustraciones e infografías de alto voltaje para hacerlo.

Además, su leitmotiv se articula en torno a la acción, o lo que es lo mismo, el conocimiento como vehículo para dicha acción. La cabecera se une a la tendencia en revistas independientes de nacer con fecha de caducidad. De hecho, aquí os traemos el libro recopilatorio con una selección de artículos extraídos de todos sus números editados. Una auténtica maravilla.

En tiempos de desinformación y «fast food informativo», proyectos como Weapons of reason son, si cabe, más necesarios que nunca.

Target: Amantes del flat design y la infografía. Cualquiera que quiera estar informadx sobre los problemas globales que nos conciernen sin renunciar a un buen diseño.

The Modernist. Arquitectura modernista y plegados

The Modernist es una publicación que se mueve entre publicación sobre arquitectura y viaje nostálgico por pasajes emblemáticos del modernismo. 

En su 34ª entrega, bajo el nombre de «Juxtaposition» (yuxtaposición), The Modernist explora la superposición de entornos rurales y modernos a través de páginas repletas de edificios, paradas de autobús, carreteras locales y cemento, que escapan a la definición de lo que entendemos por paisajes campestres y naturales. 

En lo que al diseño y a los acabado se refiere, este canto «morriñero» al modernismo se caracteriza por un inconfundible formato alargado, repleto de plegados y de diseño que bebe del minimalismo a cargo de Birth Studio.

Target: Amantes del brutalismo, la arquitectura y los formatos sorprendentes.

Fukt. Arte contra la máquina

Fukt constituye un auténtico pelotazo ‘diseñil’, y eso que no va de deportes, sino de ilustración contemporánea. Su tagline lo deja muy claro: «Magazine for the contemporary drawing» (Revista de ilustración contemporánea). 

Pertrechada por el artista Bjorn Hegardt, se edita en Berlín y tiene carácter anual. No contiene publicidad, y se centra en su contenido monográfico que incluye ensayos y entrevistas de artistas e ilustradores de toda índole. Ariane Spanier —su directora de arte— le aporta una maquetación contemporánea, con márgenes dinámicos y estrechos, que deja hablar tanto a las obras como a sus artistas.

Asimismo, Ariane le dedica un especial mimo a las cubiertas. En su número 18 apuesta por un titular móvil e interactivo bajo el título «Fukt the system» (suena Rage against the machine de fondo). Esta «chiflantez» de cubiertas pone al lector a los mandos del «sistema», y nos crea la falsa sensación de claridad o lo lía todo (sobre todo eso). 

Por otro lado, en su número 19 los plegados requisan todo el protagonismo y se prestan a un divertido juego con la audiencia.

Target: Apasionadxs de la ilustración y rebeldes con causa.

Der Greif. Fotografía con fondo

Der Greif es una organización consagrada a la fotografía contemporánea, que publica una revista donde nos presentan imágenes yuxtapuestas, sacándolas de su contexto original, con objeto de sorprender y mover a lxs lectorsx. 

Cada número cuenta con curator invitadx, que además orquesta la temática central. De esta forma, la sorpresa está servida con cada lanzamiento. 

Su número 12, no desprovisto de cierta polémica, se basa en el relato de un exempleado de Facebook que cuenta su experiencia seleccionando fotos o vídeos de cara a su censura. 

El enfrentarse a violaciones, abusos infantiles y violencia explícita a diario, lo convierte en un ser diferente, y lo traumatiza hasta el punto de seguir afectado a día de hoy. Además, este número se puede leer en dos sentidos y observar en dos posiciones. 

En su número 13 el objetivo era llevar al límite el concepto de «excedentes» Surplus. De hecho, los pliegos que forman parte de la publicación no están encuadernados, y el papel procede exclusivamente de sobrantes de la imprenta. 

Cada uno de los 45 artistas y fotógrafxs  aparecen numerados, pero las páginas se superponen y mezclan dando lugar a nuevas piezas según el lector o lectora disponga. 

Target: amantes de la fotografía, las historias convulsas y los acabados juguetones.

Nork. Aires nuevos de inspiración noventera

Nork es, sin duda, una de mis revistas independientes favoritas. Ganadora del premio Stack Magazines al mejor uso de la ilustración en 2019, se autoedita desde Tromsø (norte de Noruega) dos veces al año. Diseñada por Bobo Agency, la cabecera explora el arte, la cultura, la creatividad y el estilo de vida de su lugar de origen, conectándolo con la comunidad global. 

Nork se aproxima a sus contenidos desde diferentes ángulos, mezclando ilustración, fotografía, artículos, poemas y, sobre todo, mucha experimentación tipográfica. Esta última tendencia en el diseño de revistas independientes, la explotan como pocas cabeceras saben hacerlo. 

Asimismo, la cabecera noruega condensa en sus páginas todos los ingredientes de una publicación gourmet: originalidad y personalidad, jugueteo con la composición sin llegar a afectar la legibilidad, variedad en la imaginería gráfica y en la ilustración,y una narrativa fuera de lo común.

Target: Devotxs de David Carson y Vince Frost. Amantes del artificio tipográfico.

Hasta aquí este recorrido por algunas de las estrellas más brillantes del rutilante microcosmos ‘revistil’ independiente. No tardaremos en proponeros nuevas cabeceras, que al igual que pasa con el propio espacio, la calidad y valor añadido de las cabeceras indies no deja de expandirse.

Todas las fotografías: Salva Cerdá

Vía: Rayitas azules

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La mayor duda que nos surge cuando comenzamos a dar los primeros pasos en el diseño web comercial es cuánto debo cobrar.

No existe un precio establecido para el diseño y desarrollo web porque su propia naturaleza es compleja y da lugar a muchas combinaciones. Además, no debemos caer en el coste por horas, porque este trabajo exige un alto grado de especialización.

Pese a las dificultades que podemos encontrar, vamos a tratar de establecer unas pautas que nos puedan servir de guía a la hora de establecer un presupuesto propio en nuestro trabajo como freelance.

Define tu producto

En primer lugar, debemos definir un producto concreto que esté adaptado a lo que podemos ofrecer y al cliente medio con el que nos vamos a encontrar en nuestro entorno. Si se trata de nuestra ciudad, posiblemente estaremos definiendo un entorno local donde serán las empresas pequeñas y medianas las que habitualmente nos puedan contactar.

Una vez que hemos detectado nuestro target, podremos establecer nuestro producto base: imaginemos que éste consiste en una web comercial para una empresa mediana que necesita visibilizar sus servicios en Internet. Por ejemplo: un restaurante, una academia, un estudio de arquitectura, una clínica dental, etc.

Estructurar el proceso por fases

No debemos olvidar que un presupuesto web no consiste en hacer una lista de acciones y servicios a ejecutar con los precios correspondientes al lado, sino que también es esencial explicar al cliente cómo trabajas, en qué consiste lo que haces y cómo se irá llevando a cabo.

Podemos separar el presupuesto en tres apartados:

1. Prototipado.
2. Instalación y configuración de WordPress.
3. Desarrollo del tema a medida.

Antes de empezar a elaborar el presupuesto, hay que abordar de forma clara algunas cuestiones con el cliente que nos ayudarán a evitar malentendidos posteriores:

• Proceso de pago. Lo ideal es establecer estos tres puntos como fases de pago, es decir, 25% al inicio, 25% con la aceptación del prototipo, y el 50% final con la entrega del WordPress. Aunque siempre se puede limitar al clásico de dos pagos: 50% al inicio y el 50% restante al finalizar el proyecto.
• El cliente nos tiene que facilitar un mapa de sitio. Puedes ayudarlo para que sintetice sus categorías principales y encajen en el modelo de WordPress. Esto te ayudará a calcular cuantas pantallas (templates) distintas necesitas para todo el desarrollo.
• El cliente ha de aportar las imágenes que utilizaremos en la web así como la identidad de su marca. En este aspecto hay que intentar educar al cliente: si no tiene buen material, motívalo para que lo mejore. Una forma eficaz puede ser ejemplificar con referencias de buena calidad para que vea la diferencia entre lo que tiene y lo que podría llegar a tener.

Una vez organizado el mapa de sitio y aclaradas las condiciones, si todo sigue adelante, puedes empezar a componer el presupuesto.

Primera fase: Prototipado

Lo más importante que tienes que definir en esta fase es cuántos templates tienes que hacer, es decir, cuántas pantallas tienes que prototipar además de la cabecera y el pie. La propia jerarquía de temas de WordPress te va a seguir de guía para encajar las distintas pantallas.

• Página de inicio (home.php).
• Lista de entradas, como los servicios, proyectos o productos que hay que listar (category.php).
• Artículo abierto tras hacer clic en “leer más” (single.php).
• Contenido estándar a todas las webs como el «nosotros» y la «política de privacidad» (page.php).
• Formulario de contacto (page-template.php).

Éste sería el conjunto básico de diseños a realizar, a los que tendríamos que sumar la cabecera (header.php) y el pie (footer.php). Por supuesto, cada uno debe llevar tres versiones para el responsive: móvil, tablet y escritorio.

Hasta aquí, este modelo base de prototipo de un sitio web podríamos establecerlo en 500 euros.

Podemos tener, además, un conjunto de extras habituales que motivarán la subida de este precio inicial. Algunas de estas necesidades extras pueden conllevar otras cuestiones integrales, como podría ser el rediseño de la marca. Sin ánimos de ser exhaustivos, os ponemos un pequeño listado de peticiones habituales en esta fase del prototipado:

• Añadir un template de categoría diferente al del predefinido.
• Adaptación responsive extra, como tamaños intermedios.
• Rediseño de la marca.
• Ilustraciones vectoriales para las secciones.
• Diseño de iconos y señalética digital.

Segunda fase: Instalación y configuración de WordPress

Hay que determinar, en primer lugar, dónde se va a instalar WP. Lo más recomendable es hacerlo en un alojamiento nuevo y de confianza. No te conviene adentrarte en terreno desconocido.

Siempre puedes optar por una plataforma de pruebas, como la que permite cdmon, para controlar el desarrollo hasta el final y, posteriormente, guiar al cliente para que finalice la contratación del alojamiento. Es importante hacerle entender que la propiedad del alojamiento debe estar registrada a su nombre.

El cliente debe comprender (e interiorizar) que la empresa responsable del alojamiento es también la que se ocupa de los problemas derivados de correos electrónicos o posibles errores en la conexión. Puedes orientarlo con las incidencias más habituales que suele haber en una web y con quién se debe poner en contacto para solucionarlo.

Si hacemos bien este proceso, podremos evitar muchos futuros quebraderos de cabeza. Otra cuestión sería que decidas encargarte de esas gestiones, pero cuando estás como freelance lo normal es que no sea rentable (y ni siquiera aconsejable).

Con respecto al dominio, es menos problemático: en realidad puedes apuntar a un dominio desde cualquier empresa registradora cambiando el número DNS.

Esta fase incluye:

• Instalación de la última versión del CMS WordPress.
• Configuración del servidor y ajustes iniciales de WP.
• Optimización de los elementos gráficos de la interfaz.
• Instalación y configuración del plugin Contact Form.

En esta fase puedes pedir 200 euros.

Los extras más comunes en este momento son los siguientes:

• Crear cuentas de correo en el servidor.
• Configurar plugins de SEO.
• Configurar plugins de rendimiento.
• Configurar plugins de idioma.
• Otros plugins específicos. Si son de pago, incluye el enlace y precio, además de lo que añadas por configurarlo.

Tercera fase: Desarrollo del tema a medida

Ésta es, sin duda, la que requiere mayores conocimientos y, por lo tanto, la más cara.

No olvides que aunque en el prototipado hayas podido hacer que luzcan y que sean visibles aspectos importantes del diseño, implementarlos de forma correcta en el código y corregir todo lo que no se ve es mucho trabajo: nunca pienses que algo es fácil porque tú hayas aprendido a hacerlo.

Aquí debes incluir:

• Desarrollo de la estructura de contenido en HTML5 siguiendo los estándares SEO.
• Maquetación del diseño en CSS.
• Programación de funcionalidades y comportamientos básicos con JavaScript.

En esta fase puedes pedir 800 euros.

Como en las anteriores fases, hay una serie de pedidos extras comunes:

• Animación con SVG, keyframes y transitions.
• Funcionalidades complejas con JS.

Componer el presupuesto en un documento

Debes crearte una plantilla modelo que puedas cambiar para cada presupuesto. Es importante que cuides el diseño de este documento: los detalles dicen mucho de nuestro trabajo.

Haciendo referencia a aspectos más «burocráticos»: es recomendable hacer una buena gestión de los documentos organizándolos por mes y año, para que podamos recuperar cualquiera de ellos rápidamente (ya sea porque nos hayan aceptado el presupuesto o porque lo vayamos a utilizar de base para un nuevo presupuesto); también es una buena costumbre separar, o marcar de alguna manera, aquellos que se conviertan en facturas.

Si utilizas para estas plantillas Google Drive, tendrás la ventaja de tenerlas online almacenadas en carpetas en la nube. Será muy cómodo descargar una copia en PDF para mandársela al cliente en cualquier momento.

Entrega del administrador y formación

Si todo va bien, cuando termines el trabajo, debes darle al cliente un documento con las claves de acceso. Es normal que debas incluir una sesión informativa para que pueda aprender a administrar el tema en concreto.

Esto no quiere decir que debas dar un curso de WordPress, sino una serie de recomendaciones a modo de guía de estilo del tema que has diseñado a medida. Una buena idea es preparar al cliente un videotutorial, para que lo pueda consultar siempre que lo necesite.

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Utilizar máscaras de recorte en diseño gráfico es una práctica habitual que dinamiza el uso de imágenes en la composición. Hasta hace muy poco, para hacerlo en diseño web, se necesitaba preparar la imagen en un programa como Photoshop previamente y exportarla como mapa de bits en PNG24.

Con la introducción del formato vectorial SVG se abrieron nuevas posibilidades, ya que éste permite trabajar con formas sencillas, polígonos o trazos complejos directamente generados en código. Es decir, por fin se podía dejar de usar el mapa de bits para iconos e ilustraciones.

Por ejemplo, en SVG un círculo se escribe con su propia etiqueta y una serie de atributos para darle posición, dimensión y relleno:

<circle cx="50%" cy="50%" r="100" fill="gold" />

En definitiva, el empleo de formas vectoriales en nuestros diseños webs gracias al SVG va a permitir reducir los tiempos de carga; además, estos archivos tienen siempre la máxima resolución y dan mucha flexibilidad para cualquier modificación, que se hace directamente en el código.

Junto a estas ventajas, tendremos una serie de técnicas asociadas a su uso que abren otras opciones de composición en web, como el recorte de imágenes con la propiedad CSS clip-path.

clip-path: máscaras de recorte en web

Poder enmascarar una imagen en nuestro HTML es posible gracias a la combinación de formas SVG y la propiedad CSS clip-path.

img {
 clip-path: circle(200px at 50% 50%);
}

En el ejemplo de arriba se ha usado <circle> a través de la propiedad CSS clip-path. Esta forma, gracias a la propiedad de border-radius, ya la teníamos entre nuestras opciones más habituales para usarlas con imágenes; pero si utilizamos una forma más compleja, como por ejemplo un hexágono, el proceso del clip-path sigue siendo igual de sencillo y nos permite conseguir unos resultados mucho más innovadores.

clip-path: polygon(25% 0%, 75% 0%, 100% 50%, 75% 100%, 25% 100%, 0% 50%);

Aunque estas formas vectoriales, con valores y cifras en código, podríamos obtenerlas utilizando cualquier programa vectorial que guarde en formato SVG, la herramienta online Clippy nos puede ayudar a ahorrar mucho tiempo en este proceso.

Los beneficios de usar imágenes recortadas con formas poligonales no está sólo en la variedad, sino también en el hecho de que al usar código podemos añadir animación, siendo una de las únicas formas de conseguir motion con vectores sin incrustar un vídeo hecho previamente.

Otra opción más compleja sería recortar una imagen con una forma más elaborada, es decir, una que no la podamos enmarcar en un polígono. Eso sí, hemos de tener en cuenta que esta opción tiene todavía algunas limitaciones en diversos navegadores, sobre todo en lo que respecta a cómo introducir dicha forma.

No obstante las dificultades indicadas, os ponemos un ejemplo: a continuación, vamos a recortar la imagen de Roald Amundsen, el explorador noruego que alcanzó por primera vez el Polo Sur, con una mapa trazado de forma sencilla de la Antártida.

<svg xmlns="http://www.w3.org/2000/svg" width="0" height="0">
    <clipPath id="trazado">
      <path d="M411,341.046l10.285-7.911,17.405,55.38,60.126,14.241,37.975,64.873,50.633-13.449L607.2,398.008l-24.525-5.538L619.07,290.414l95.728-4.747,148.734,55.38L877.772,407.5l-35.6,17.4L892.8,447.85,911,530.92,892.8,577.6l4.747,18.2-19.778,12.658L838.215,684.4,720.335,697.85l-29.272-28.481,8.7-78.323-71.2-52.215L607.2,612.407H546.285l-47.468-56.171V530.92h-20.57l4.747-106.013-56.171-26.9Z" transform="translate(-400 -260)" />
    </clipPath>
  </svg>
<img src="https://www.enfoquegaussiano.com/wp-content/themes/nuevoenfoque/img/amundsen-cuadrada.jpg" style="clip-path: url(#trazado);">

Para poder usar un trazado complejo, éste debe estar presente tanto en el HTML como en un SVG en línea, con todo su código y con una id, que será a la que llamemos a través de url.

Acercando el diseño tradicional

Desde sus orígenes, el diseño web ha tenido un auténtico lastre en las limitaciones técnicas del propio medio. En los últimos cinco años se han incorporado una gran cantidad de nuevas propiedades CSS que han acercado el diseño gráfico tradicional al de interfaces web.

Esto ha facilitado que los profesionales de este ámbito puedan plasmar sus conocimientos en la web sin renunciar al rendimiento de la página, y además, añadiendo toda una serie de posibilidades de animación e interacción del usuario.

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Cuando nos adentramos por primera vez en el diseño de páginas web, nos topamos con una gran cantidad de condicionamientos técnicos. Entre ellos, podemos encontrar el empleo de las fuentes tipográficas.

Para aquellos que vienen de otras disciplinas del diseño, este tema les puede resultar algo incómodo, pero es importante que lo entiendan cuento antes y sepan con qué opciones cuentan antes de hacer su prototipo web.

El principal problema es que no todas las fuentes las podemos usar en una web, y no se trata sólo de una cuestión de legibilidad -ese es otro tema-, sino de rendimiento, condiciones técnicas y legales. 

Vamos a separar en dos los aspectos que afectan a la utilización de fuentes en el diseño y desarrollo web:

Rendimiento

Todos los ingredientes que utilizamos para desarrollar una web suponen peso añadido. Pasa con todo, cuantas más imágenes, efectos gráficos y recursos utilicemos, la carga de la página se hace leeeeenta.

Una web con poco peso es más óptima, y no sólo a los usuarios le va a parecer que funciona mucho mejor, sino que a Google también le va a gustar más (y esto es esencial para cualquier site). Además, es más respetuosa con el medio ambiente al consumir menos.

Todo esto nos supone limitar la cantidad de familias y/o estilos que debemos aplicar desde la fase de prototipado. Es decir, que lo ideal sería usar un par de fuentes con un estilo cada una, contrastando con serifa y sin serifa. O también sería una buena opción utilizar una misma fuente con un par de estilos, contrastando grosores como light y bold.

Hay que estirar la variedad jugando con otros recursos que no implican carga adicional, como el uso de mayúsculas, de minúsculas o del tracking. Podemos encontrar algunas ideas de combinación de fuentes en fontpair. La extensión de Chrome What the Fonts también nos puede ser de gran ayuda, pues con esta herramienta podemos averiguar qué fuentes están usando otras páginas webs.

Variedad

No todas las fuentes que tenemos en nuestro ordenador podemos usarlas para una web. Esto se debe a que una página web se interpreta en el navegador del usuario, lo que en la práctica se traduce en que para que sea visible para el usuario tendremos o bien que utilizar aquellas fuentes que por lo general tienen instaladas todos los sistemas (y que, por tanto, van a cargar en el navegador de la mayoría de ordenadores) o bien tendremos nosotros que proporcionar las fuentes al proyecto, a esa página web, vía desarrollo.

Veamos entonces qué opciones tenemos:

Fuentes del sistema

Las fuentes del sistema, para agilizar la carga de la página, es la mejor opción. Cuando las aplicamos, el ordenador de cada usuario será el que proporcione la fuente. Como son del sistema deben verse prácticamente igual en más de un 90% de los casos; pero tampoco hay seguridad total: cuando se aplica la fuente desde CSS, se pone la elegida como primera opción; en caso de que no encontrase esa fuente en el sistema, se señala una segunda parecida si la hubiese, y para terminar, si el sistema siguiera sin encontrar ninguna de las opciones planteadas, se le indica que debe buscar una sustituta con serifa o sin ella.

Por ejemplo, si queremos emplear un aspecto de sin serifa utilizando Arial sería algo así:

font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;

En el caso de querer una tipo con serifa podríamos usar, por ejemplo, una Georgia:

font-family: Georgia, serif;

Incluso, contamos en el sistema con algunas fuentes monoespaciadas:

font-family: 'Courier New', Courier, monospace;

Pero usar sólo fuentes del sistema nos deja muy poca variedad, por lo que es normal combinarlo con alguna fuente más personalizada.

Google Fonts

Google es una de las empresas que más ha hecho por los diseñadores web, lanzó Google Fonts en 2010 con muy poquitas familias, y en la actualidad cuenta con más de mil… y sigue aumentando.

Su uso para un desarrollador es muy sencillo: eliges la fuente, sus estilos, y simplemente aplicas el código HTML y CSS que te proporciona la página. Además, para la fase de prototipado podemos descargarnos la familia completa y así probar todas sus combinaciones antes de decantarnos por una combinación en concreto.

Estas fuentes suelen cargar muy rápido, y no sólo por los servidores de Google, porque muchas de ellas ya se encuentran en el caché del navegador al ser muy utilizadas en Internet. Si nos preguntamos cuáles son las más utilizadas, encontraremos un ranking actualizado por el propio Analytics de Google.

De todas formas, como señalábamos anteriormente, si usamos muchas fuentes y estilos distintos la página irá más lenta. Una recomendación sería emplear una fuente personalizada para los títulos más visibles, e intentar que los párrafos y otros encabezados menos importantes vayan con fuentes del sistema.

Licencias

Aunque la opción más recomendada para usar fuentes personalizadas es Google Fonts, puede que ya tengamos una fuente pensada para nuestro proyecto que no se encuentre entre las opciones a elegir, o que el proyecto venga condicionado por un manual de marca que incluya una tipografía específica.

En ese caso tenemos que atender a la licencia de uso de la fuente. Estas licencias pueden variar: algunas son gratuitas si no son para uso comercial, otras pueden pedir que se acredite, y también nos podemos encontrar con otras condiciones de uso. Otras fuentes directamente son de pago.

Las licencias de fuentes de pago suelen estar relacionadas con el uso que se vaya a hacer de ellas: cuantas más aplicaciones hagan uso de la fuente, más aumenta el precio de la licencia. Se podría decir que alquilamos su utilización.

En el ejemplo de la imagen de abajo se pagaría por el uso en web de un solo estilo de Helvética. Además, aumentaría su precio según las visitas. Esta opción no tiene sentido para proyectos freelance o de poca envergadura.

Para este tipo de proyectos, de corto alcance o de presupuesto limitado, existen alternativas como Fontshare, donde encontraremos licencias gratuitas para web.

En ambos casos, de pago o gratis, se nos proporcionan el archivo .woff de la fuente, que tendremos que aplicar a nuestro proyecto usando la regla CSS @font-face.

@font-face {
  font-family: <un-nombre-de-fuente-remota>;
  src: <origen> [,<origen>]*;
  [font-weight: <peso>];
  [font-style: <estilo>];
}

Conclusiones

Lo más importante que debemos tener en cuenta a la hora de hacer la propuesta gráfica de nuestra web es asegurarnos que las fuentes que utilicemos se van a poder implementar en el desarrollo. Además, debemos minimizar la cantidad de estilos y familias para mejorar el rendimiento.

Mi recomendación personal es que, para la mayoría de proyectos, os fijéis principalmente en las opciones de Google Fonts, porque combinan comodidad con un excelente rendimiento, y además son de libre uso.

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InDesign se caracteriza por ser un programa muy versátil que optimiza razonablemente bien los recursos. No obstante, nadie es perfecto y en ocasiones va muy lento. ¿Los síntomas? Ralentización general en los procesos cotidianos tales como cambiar de página, saltos abruptos en el refresco de página con el zoom, etc.

Si reconocéis estos síntomas y queréis que vuestro InDesign vaya más rápido, nos os preocupéis porque a continuación os ofrecemos varios trucos para mejorar su rendimiento.

«Guardar como…» primera opción

Cuando InDesign va muy lento, o si un archivo ocupa mucho espacio en nuestro disco duro (como referencia, 30 Mb es excesivo) guardarlo con otro nombre o reemplazar el documento activo suele ser suficiente. Sencillo y rápido. Podéis pasar de un archivo de 50 Mb a uno con 4 Mb con exactamente la misma cantidad de información textual, imágenes, etc.

Si este primer método no da los frutos deseados, siempre podéis guardarlo con formato de retrocompatibilidad «.idml») desde «Guardar como».

Evitar información vectorial

Si sois de los que copiáis ilustraciones o gráficos vectoriales de Illustrator, y los pegáis directamente en InDesign, es hora de cambiar de estrategia. La información vectorial es el talón de Aquiles de InDesign y provocará que vaya más lento.

Gran cantidad de objetos vectoriales ralentizan notablemente los procesos. La forma profesional y operativa de introducir información vectorial en InDesign es importándola como un archivo de Illustrator, «.eps», «.pdf», etc.

Comprobación preliminar en artes finales

La paleta «Comprobación preliminar» siempre está activa en segundo plano, ya que analiza el documento en busca de «errores» que puedan dar problemas de cara a artefinalizar nuestro proyecto. Lo cierto es que podemos activarla cuando queramos, que haga su tarea, y luego volver a desactivarla para no saturar nuestra RAM. 

Para ello nos vamos a Ventana > Salida > Comprobación preliminar y desactivamos la casilla de verificación «Activado», que además es la opción por defecto.

Herramienta mano

La herramienta mano, imprescindible para diseñar con solvencia en cualquier programa, contiene algún «secretillo» de configuración que puede afectar a equipos más veteranos.

En la parte inferior de Preferencias > Interfaz deberemos acercar la barra deslizante superior a la mitad o incluso a la izquierda del todo, el «Dibujo en pantalla interactiva» lo configuramos en «Con retraso» y activamos la opción «Simular gráficos vectoriales al arrastrar», tal y como muestra la siguiente captura.

Rendimiento de visualización

Cuando importamos una imagen en InDesign, éste genera una miniatura para llevar a cabo la previsualización. Dicha miniatura puede tener menor o mayor calidad (y, en consecuencia, mayor tamaño).

Asimismo, activar el «Rendimiento de alta calidad» nos permite apreciar el diseño de página con mayor calidad, pero tener esta opción activada en segundo plano todo el tiempo, es sólo apto para equipos potentes. Una configuración adecuada de las preferencias en este sentido ahorra no pocos recursos.

Previsualización de fuentes

Esta opción, que nos permite previsualizar las fuentes tipográficas activas en el sistema desde la lista desplegable de fuentes, consume bastantes recursos. Si no requerís de esta característica, podéis desactivarla desde Preferencias > Texto.

Ampliar la memoria RAM

Puede ser que a estas alturas hayáis probado todos los trucos, pero sigáis igual de desesperadxs. En este momento, habría que valorar que vuestro equipo cuente con los requisitos mínimos para InDesign. 

Hoy en día, con todo los recursos que consumen sistema operativo, fuentes tipográficas, etc., os recomendamos trabajar con mínimo 8 GB de memoria RAM y con una tarjeta gráfica de 1 GB en adelante, además de tener al menos 25 GB libres de memoria física.

Restaurar preferencias: última opción para un InDesign más rápido

Si ya hemos agotado otras vías, e InDesign sigue yendo lento, restaurar las preferencias del programa se convierte en el último recurso. Si esto ya no os funciona, tendréis que realizar la temida reinstalación del software.

Para restaurar las preferencias hay que mantener pulsadas las teclas CMD+SHIFT+ALT+CTRL (Mac) o CTRL+ALT+SHIFT (Windows) mientras iniciamos el programa InDesign. Aparecerá un mensaje al respecto y simplemente tendremos que seguir las instrucciones.

Espero que esta lista de trucos insuflen aire fresco en el programa, y que vuestro InDesign deje de ir tan lento. No dejéis de probarlas antes de invertir en un nuevo equipo, o ponerle una vela negra a Adobe.

Vía Rayitas azules.

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Con el año recién estrenado, qué mejor que empezar con un análisis de todas las novedades de InDesign CC 2021. La nueva versión de la «navaja suiza» por excelencia de Adobe, implementa interesantes novedades, y ahonda en generar mejoras en el flujo de trabajo con nuestrxs clientxs, que ya iniciara en actualizaciones anteriores.

InDesign se pone las pilas ante Affinity Publisher, que viene pisando fuerte, y se revalida como la opción más versátil y solvente para desarrollar proyectos de diseño editorial.

Detección inteligente de sujetos 

InDesign CC 2021 incorpora la opción «Seleccionar sujeto» en la paleta Ceñir texto. A través de esta opción, el programa analiza mediante inteligencia artificial (bautizada como Adobe Sensei) el contenido de la imagen y nos proporciona el trazado de ceñido automáticamente.

Una vez hemos importado la imagen, seleccionamos el icono de «Ceñir alrededor de forma de objeto», y en la lista desplegable de las opciones de silueta, elegimos «Seleccionar sujeto».

Cuanto mayor sea el contraste entre el sujeto en cuestión y el fondo de la imagen, mejor será el resultado.

Compartir para revisión

«Compartir para revisión» permite a nuestrxs clientxs resaltar, insertar o tachar texto, así como añadir comentarios. La herramienta es muy intuitiva y, lo que es más importante, no se requiere más que un navegador web. Ni siquiera es obligatorio registrarse o crear un usuario. Desde luego, una de las novedades de InDesign CC 2021 más relevantes.

En la barra de estado contamos con el icono «Compartir» de cuya lista desplegable escogeremos «Compartir para revisión». InDesign generará una URL que podremos compartir con cualquiera.

La ventana del navegador ofrece distintas herramientas de corrección, muy similares a las que ofrece el propio Acrobat, con lo cual todo el proceso resulta tremendamente familiar.

Las anotaciones de lxs clientxs se revelan en el documento origen de InDesign CC 2021, a través de la nueva paleta Revisar, en Ventana > Comentarios. Dicha paleta nos permitirá resolver los cambios o editarlos si lo consideramos necesario.

Novedades relacionadas con la gestión del color

Entre las novedades de InDesign CC 2021, dos están relacionadas directamente con la gestión del color que ofrece el software.

Espacio de color HSB

A partir de esta nueva versión, podremos editar y crear muestras basadas en este espacio de color que, si bien no suele ser muy habitual en el flujo de trabajo editorial, siempre será mejor contar con el just in case.

Buscar/Cambiar muestras

El cuadro de diálogo «Buscar/Cambiar» se amplía con una pestaña que nos ofrece la posibilidad de localizar todas las instancias de un color en uno o más documentos, eliminar muestras no utilizadas o reemplazarlas por otras.

Reparación de documentos corruptos

Si bien es cierto que la mayoría de los problemas de archivos corruptos se solucionan gracias a los archivos temporales, en ocasiones nos encontramos en atolladeros sin solución, donde no hay manera de recuperar ciertos archivos de InDesign, especialmente si han pasado por diferentes discos duros, sistemas de almacenamiento antiguos o versiones muy antiguas del programa.

Esta nueva versión de InDesign detecta los documentos dañados, y nos brinda la posibilidad de repararlos a través de Adobe, algo de agradecer para los casos más extremos.

Conclusión

Aunque la mayoría de las novedades de InDesign CC 2021 son muy interesantes, nos quedamos con ganas de más. Lo que es más importante, lxs usarixs avanzadxs del programa hace tiempo que ansiamos un paso adelante en lo que a soluciones nativas para realizar publicaciones digitales se refiere.

Esperemos que para próximas actualizaciones, Adobe revolucione una de las pocas ventajas que le van quedando con respecto a su competidor Affinity Publisher.

Capturas y gráficas: Salva Cerdá.

Ilustraciones de pantalla de carga de InDesign: Birgit Palma & Daniel Triendl.

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Comienzas el curso y una de las primeras cosas en las que piensas es en hacerte tu librería tipográfica de calidad. Lo primero que debes saber es que una fuente digital, técnicamente hablando, es un software que está formado por un conjunto de dibujos vectoriales (letras, números, signos, símbolos,…) e instrucciones de espaciado o kerning, entre otros.

Como todo software, posee una licencia, que no es otra cosa que un contrato entre el diseñador de la fuente digital y el usuario final donde se especifican los permisos y usos de dicha fuente. En este artículo anterior os hablaba de tipografías con licencia de libre uso Sil Open Font License, que permite el acceso a tipografías profesionales dentro de un marco legal y de manera gratuita.

Para que vayas conformando tu librería tipográfica con fuentes digitales de calidad y cuyo acceso es legal y gratuito, te dejo una selección de fundiciones tipográficas de licencias de libre uso de lo más punteras: 

1. Etcetera Type Company

Con sede en Ithaca, Nueva York, Etcetera Type Company es la fundición de Tyler Finck, creada en 2018. Recientemente, todas sus tipografías han sido liberadas y a partir de ahora son de código abierto y gratuitas. Tipografías de calidad al alcance de cualquiera. Y «cualquiera» —Anybody— es de hecho el nombre de su última familia tipográfica, quizá un guiño a su vocación universalista. 

Etcetera Type Company es una de las fundiciones a seguir para cualquier amante de la tipografía.

2. Mickaël Emile

El francés Mickaël Emile es un diseñador gráfico cuyo leit motiv es la simplicidad, las ideas inteligentes y la tipografía. En su página web podréis ver, además de sus trabajos como diseñador, una pequeña pero atractiva librería tipográfica. Tipografías display experimentales que pueden ser perfectas para trabajos de cartelería, editorial o branding atrevido.

Nuestra favorita es Fleuron, una colaboración con el ilustrador y tatuador Yves-Gabriel So donde puedes encontrar tres estilos: el primero básicamente tipográfico, el segundo ilustrativo, una multitud de plantas imaginarias, y en el tercero, la combinación de los estilos anteriores. Sencilla, pero evocadora.

3. Open Foundry

En la plataforma gratuita Open Foundry encontrarás fantásticas tipografías de libre uso, especialmente seleccionadas por su belleza, originalidad y alto nivel de experimentación. En Open Foundry puedes probar cada tipografía y ver el espécimen tipográfico, además de la información de cada tipo de fuente.

Ya están preparando la versión 2.0, en la que planean potenciar la colaboración, el intercambio y el conocimiento, así que no habrá que perderlos de vista. Para financiar esta nueva versión puedes encontrar a la venta una sudadera y un póster para apoyar la causa y, ¿por qué no?, ir a la última, tipográficamente hablando.

4. Use & Modify

En el caso de Use & Modify, se trata de un repositorio de tipografías basado en la selección personal de Raphaël Bastide, programador y profesor de arte, diseño y cultura digital francés.

Bastide es un entusiasta del software libre y publica la mayor parte de su trabajo bajo licencias de código abierto. Esta selección es el resultado de una búsqueda de tipos de letra bellas, con clase, punk, profesionales, incompletas y raras cuyas licencias de código abierto las hacen libres de usar y modificar. Una selección escogida a mano por un amante de la tipografía y la cultura libre.

Y si aún así, quieres más, aquí puedes descubrir más fundiciones y plataformas dónde encontrar tipografías bajo este tipo de licencia.

5. Badass Libre Type by Womxn

En la colección Badass Libre Type by Womxn encontraréis un catálogo abrumador por la variedad de estilos que abarca y la enorme consistencia conceptual de cada uno de los trabajos tipográficos. Grandes diseñadoras como Sol Matas, Carolina Giovagnoli, Joana Correia, Veronika Burian, María Ramos o Sara Lavazza se encuentran, entre otras muchas, en este estupendo y necesario archivo tipográfico.

Loraine Furter, diseñadora belga especializada en diseño editorial, publicación híbrida y feminismo interseccional, fue su creadora.

En esta web todas las tipografías tienen licencia de libre uso y, lo más importante, han sido diseñadas por mujeres. Es fundamental dar visibilidad a la labor de la mujeres que trabajan con y por la tipografía; todas, y también todos, saldremos ganando. 

6. Velvetyne

En Velvetyne Type Foundry  diseñan y distribuyen tipografías libres y de código abierto desde 2010. Frank Adebiaye crea esta fundición como una continuación lógica de su blog sobre tipografía y diseño tipográfico. Comienza solo, pero rápidamente invita a otros amantes de la tipografía a formar parte de su aventura.

Y así nació el colectivo Velvetyne, que ha ido creciendo con los años hasta llegar al respetable número de once valientes diseñadores de tipografía. En Velvetyne puedes encontrar una original varieté de tipografías, en su mayoría, desenfadadas, divertidas y diferentes. 

7. Collletttivo

Sin duda, una de mis fundiciones favoritas de código abierto. Collletttivo diseña y distribuye tipografías gratuitas de código abierto. Creación de un grupo de estudiantes italianos de diseño, su catálogo no deja de crecer con tipografías de gran manufactura. Estilos caligráficos, decorativos, geométricos… Todo un completo muestrario de talento tipográfico.

No dejéis de suscribiros a su newsletter y leer el diario en la web para estar al día de todas las novedades. 

8. Free Font Library

Esta «tipoteca» ha sido creada por el Luuse, grupo de diseñadores con sede en Bruselas que se preocupan por métodos, procesos, herramientas y documentación para web.

La idea de este repositorio tipográfico es la de crear una herramienta para administrar y mostrar una colección de fuentes para web. Pero no por ello resultan inútiles para otros medios o tipos de proyectos; de hecho, lo fascinante de la tipografía es eso, descontextualizarla, nunca sabes dónde se va a producir la magia.

(9.) Bonus Extra: Google Fonts

Google Fonts se ha convertido en un recurso tipográfico esencial para diseñadores. Las tipografías que encontramos en su catálogo cada vez más fresco y variado, tienen la característica principal de que están optimizadas para ofrecer una gran legibilidad en dispositivos digitales lo que las hace perfectas para proyectos creativos actuales.

Además, en su blog, tenéis fantásticos artículos sobre tendencias, usos y creatividad tipográfica. Un gran recurso que siempre hay que tener en cuenta.

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La vieja máxima «enseñar deleitando» se apoya en la sólida base que sostiene que se aprende mejor y más profundamente cuanto más amena, incluso divertida, sea la forma de transmitir la materia. Una sonrisa relaja, elimina el estrés, y eso ya es ingrediente fundamental para abonar el campo del aprendizaje. Los niños aprenden jugando; el juego es su modo de relacionarse y entrar en contacto con el nuevo mundo al que acaban de llegar. ¿Y por qué no mantener esta idea a lo largo de toda la vida? No hay nada que impida a una persona adulta a seguir disfrutando de lo lúdico y aprovecharse de sus innumerables beneficios. 

Tipografía lúdica

La tipografía es una disciplina compleja, que requiere de una gran cantidad de conocimientos técnicos que abarcan campos muy diversos. Mucha gente se siente intimidada a la hora de acercarse al mundo tipográfico, al que suele considerarse poco menos que inaccesible, pero que sea difícil llegar a dominarlo, no quiere decir que no sea enormemente gratificante y que no pueda hallarse en sus procesos de aprendizaje un buen montón de puntos de encuentro con lo lúdico. Acercarse a la tipografía desde cierta perspectiva lúdica, desenfadada incluso, como niños que se dejan llevar por su natural curiosidad, puede convertirse en una experiencia verdaderamente gratificante y quién sabe si el inicio de una relación con las letras más duradera, profundo y fructífera. 

Os traigo varias propuestas, diversos y variados juegos alrededor de la tipografía, para que paséis bien entretenidos las mañanas o las tardes o las noches de los findes (o de cualquier otro día de la semana), ahora que casi es mejor no salir de casa. Entretenidos y aprendiendo, que no es poco. 

¿Jugamos?

1. Un Tinder para tipografías

Type Connection es uno de los juegos que te ayuda a aprender a combinar tipografías. El mecanismo, inspirado en webs de cita, es muy ingenioso. Una vez decidida la tipografía que queremos emparejar, podemos escoger el criterio para la elección: la familia, algo similar, algo diferente o explorar el pasado. Elegimos uno de estos cuatro caminos y se nos ofrecen varias opciones tipográficas para combinar con la nuestra. A partir de aquí, obtenemos comparativas muy interesantes; entre ellas, datos históricos de las mismas y opciones de volver atrás si queremos probar otras opciones. Una buenísima opción esta web que ofrece grandes posibilidades de aprendizaje mediante un inteligente y divertido método lúdico. ¡Viva el amor tipográfico!

2. Acierta y vencerás

El mecanismo de Typewar es de los que enganchan. Se trata de acertar el tipo de letra entre dos opciones dadas. De este modo, a través de las puntuaciones que obtenemos, vamos avanzando en el juego. La pega es que requiere registro.

3. Dominar el arte del kerning

Method of Action es una elegante web con juegos muy bien planteados y desarrollados para practicar algunos rudimentos del diseño gráfico y la tipografía.

Uno de los juegos estrella es KernType, un juego para practicar el espaciado entre pares de letras, afinar la vista y entender que la tipografía y el espaciado tiene mucho que ver con los ajustes ópticos. Además de aprender a espaciar correctamente, lo hacemos con diferentes tipografías con las que nos podemos ir familiarizando.

4. Vienen curvas… de Bézier

Dentro de Method of Action, también encontramos, The Bézier Game, un juego para iniciarse en el manejo de la famosa herramienta pluma, clave en el diseño vectorial ya sea tu finalidad ilustrar o crear una tipografía. El juego simula de manera simplificada el movimiento de la herramienta, los nodos, manejadores e incluso la «goma elástica» de Illustrator para previsualizar el trazado entre el primer punto de ancla y el puntero del ratón. Un juego de lo más útil.

5. Afina el ojo tipográfico

El tercer juego tipográfico de Method of Action es Shape Type, un imprescindible para afinar curvas y con ello perfeccionar las formas de las letras y sus contraformas, que son igual o más importantes. Como podrás comprobar, esta suite es lúdica, muy distraída y con mucho sentido práctico. 

6. Encuentra las diferencias, si puedes

Por último, os proponemos un juego con mucho de esa clase de sentido del humor puñetero y afilado, muy anglosajón. Se trata de Helvarialquiz, donde se plantea la siguiente pregunta: ¿Crees que puedes distinguir entre Arial y Helvetica? Y como podrás comprobar, no es tan fácil distinguirlas. 

7. Apunta y dispara

En I shot the serif tu cometido es disparar todas las fuentes con serifa de la pantalla en un cierto tiempo. Puedes elegir diferentes niveles y oye, engancha. No es tan fácil como parece y se agudiza la vista y el reconocimiento de tipografías serif. Recomiendo jugar desde el móvil, tiene una app disponible para iOS. Un juego para gente rápida.

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A pesar de considerarse una disciplina reciente, la infografía lleva cinco siglos sobre la Tierra (y fuera de ella). Repasamos este medio milenio de infografía en 6 gráficos históricos.

Los que aman una faceta determinada del arte, la comunicación o el diseño no pueden evitar defender siempre a sus clásicos. Los amantes de la infografía no se quedan atrás, a pesar de que esta vertiente de la información visual se considera reciente. Si ya hablamos de visualización de datos, parece que el tema surgió ya entrados en pleno siglo XXI. En realidad, los gráficos llevan entre nosotros cinco siglos. Repasamos este medio milenio de infografía en 6 gráficos históricos.

Siglo XVI: el diagrama revolucionario de Copérnico

En el mundo científico del siglo XVI existía un monotema: el origen y movimiento de los planetas. Hasta entonces, todos los estudios determinaban que era la Tierra el centro del universo y que tanto los planetas como el propio Sol giraban en torno a ella. Los defensores del Renacimiento querían echar por tierra esta idea heredada de la Edad Media, pero usaban para sus postulados razonamientos más filosóficos que científicos. El monje astrónomo Nicolás Copérnico era uno de tantos enfrascados en el debate. Defendía la teoría heliocentrista: el Sol era, en realidad, el centro del universo y los planetas (Tierra incluida) giraban en torno a él. Pero necesitaba reforzar su teoría con pruebas empíricas, usar menos palabras filosóficas y mostrar más visualmente sus razonamientos: usó la infografía. Creó un diagrama que ahora nos resulta simple, pero que, en su momento, revolucionó la ciencia mundial, fundó la astronomía moderna y se convirtió en pilar del Renacimiento científico.

Siglo XVII: la Rosa Ursina

El monotema planetario seguía, pero ya en este siglo la teoría heliocentrista de Copérnico predominaba. Hasta tal punto, que se consideraba que el Sol era una estrella perfecta, casi una representación de Dios en el universo. Y ya tuvo que venir otro monje astrónomo a meter el dedo en la llaga. Christoph Scheiner no es que fuera el primero en defender que el Sol no era perfecto y que tenía manchas en su superficie. Pero sí fue el primero en documentar esas manchas solares de una manera visual detallista, cómo no, gracias a la infografía. Su obra Rosa Ursina es un compendio de infografías que describen estas imperfecciones del astro y es considerada una de las obras científicas más importantes del siglo XVII.

Siglo XIX: el mapa del cólera de John Snow

Los amantes de la infografía ya conocían a un John Snow anterior al personaje de la saga de Juego de Tronos. El John Snow de los gráficos era en realidad médico, pero creó el que es considerado por muchos la infografía más famosa de la historia. Para que os hagáis una idea, hay hasta camisetas de este gráfico. Y es el protagonista de este medio milenio de infografía en 6 gráficos históricos. En 1854 se produjo un violento brote de cólera en Londres. Sobre todo afectaba al barrio del Soho, donde fallecieron 700 personas en una semana y donde Snow tenía su consulta. Hasta ese momento, se creía que la enfermedad se contagiaba por el aire, pero el doctor sospechaba que podría haber otros motivos que explicasen la virulencia en una zona concreta. Snow ya había usado los mapas para sus investigaciones, así que adquirió un plano del barrio y, ayudado por el párroco de la zona, geolocalizó visualmente los fallecidos por la enfermedad. La infografía resultante ponía el foco en una calle concreta del barrio donde se situaba un pozo público, además de resaltar otras claves de la investigación. El doctor, con esta infografía en la mano, convenció a las autoridades para clausurar los pozos públicos colindantes y así consiguió contener el brote.

Siglo XIX: el primer gráfico polar

Un año después, otra infografía originada en Londres hizo cambiar el rumbo de la historia. Florence Nightingale era pionera en varios ámbitos. Se la conoce sobre todo por ser considerada la primera enfermera moderna. En el día de su nacimiento, el 12 de mayo, se conmemora el Día Internacional de la Enfermería. Pero pocos saben que, además, es considerada la primera mujer infografista. Fue toda una adelantada a su tiempo en el terreno de la visualización de información. Tanto es así, que incluso inventó un nuevo tipo de gráfico estadístico: el gráfico polar. Lo usó para convencer al parlamento británico de la verdadera causa del descenso de la tropas inglesas en la Guerra de Crimea. Gracias a este primer gráfico polar, demostró que la mayoría de las bajas no se debían a heridas ocasionadas durante el conflicto, sino a enfermedades, debido a la deficiente sanidad del ejército.

Siglo XIX: el mapa de Minard

Otro de los gráficos más famosos de la historia es este mapa figurativo de Charles Joseph Minard. Este ingeniero francés fue un destacado infografista especializado en mapas y en visualización de datos geolocalizados. En el mapa que destacamos, publicado en 1869, Minard retrata de una manera visual brillante la pérdida de tropas de la armada francesa durante la campaña de Rusia 1812-1813. Un gráfico que es considerado una genialidad hoy en día por teóricos como Edward Tufte –del que ya hablamos en el blog–, quien lo denominó «el mejor gráfico estadístico jamás dibujado».

Siglo XX: una infografía en el espacio

Si hubiera que mandar un mensaje al espacio para decir «hola» a posible vida extraterrestre, ¿en qué idioma se escribiría? ¿Tendría sentido escribir el mensaje? ¿Existe algún modo de comunicación que sea 100% visual? Sí, la infografía. Seguramente estas cuestiones vinieron a la mente de los astrónomos y divulgadores científicos Carl Sagan y Frank Drake. En 1972, ambos colaboraban con la NASA en la misión de poner en órbita la sonda espacial Pioneer 10. Ésta tenía como objetivo explorar los planetas gigantes de Saturno y Jupiter, aunque también fue el primer aparato que viajó más allá del Sistema Solar. Ante la posibilidad de que la sonda fuera encontrada por alguna civilización inteligente extraterrestre, decidieron enviar un mensaje en ella.

La inscripción se realizó en una placa de aluminio bañada en oro con un tamaño menor que un DIN-A4. Además, usaba la infografía para explicar dónde se encontraba el Sol con respecto al universo, dónde se situaba la Tierra dentro del Sistema Solar y cómo eran los humanos. Los elementos visuales fueron dibujados por la mujer de Sagan Linda Salzman. Un «mensaje en una botella» espacial que ahora mismo vaga por el universo y que no hubiera sido posible sin el recurso no textual de la infografía.

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Damos por sentado que la gran mayoría de los diseñadoras y diseñadores gráficos poseen conocimientos, aunque sean básicos, sobre las reglas ortográficas, porque, a pesar de movernos en un mundo de imágenes, también debemos manejar en nuestro trabajo una considerable cantidad de material escrito. Pero quizá no resulte tan obvio que se conozcan, siquiera superficialmente, las normas y usos de ortotipografía, a pesar de ser una herramienta básica para escribir con corrección y claridad.

Comencemos por el principio: ¿qué es la ortotipografía? El Diccionario de la lengua española la define como el «conjunto de usos y convenciones particulares por las que se rige en cada lengua la escritura mediante signos tipográficos».

La tipografía es una de las principales materias primas del diseño gráfico, y la ortografía y la ortotipografía son sus manuales de instrucciones. ¿Cuándo una palabra va en cursiva y cuándo entre comillas? ¿Es correcto usar dos signos de interrogación seguidos (los de cierre y también, por supuesto, los de apertura) para enfatizar más? ¿Cuál es el modo correcto de escribir el título de un libro o una película? ¿Cómo se maqueta el índice de un manual o de un trabajo académico?

Es precisamente en la ortotipografía donde se encuentran las respuestas para esta clase de cuestiones, que naturalmente no serán nuevas para los especialistas en diseño editorial, pero que tal vez no sean tan frecuentes en el diseño gráfico en general. Sin embargo, todo diseñador gráfico que aspire a la excelencia debería estar familiarizado con esta disciplina esencial de la comunicación escrita. Al fin y al cabo, la escritura tipográfica está, hoy día, al alcance de cualquier persona a lo largo y ancho del mundo gracias a ordenadores, tabletas y teléfonos inteligentes. 

La ortotipografía, además de ser de importancia capital, es una disciplina apasionante, pues pone en nuestras manos un amplísimo arsenal de recursos comunicativos que, bien asimilados y correctamente usados, ennoblecerán y potenciarán sumamente cualquier trabajo de diseño gráfico. 

Veamos algunas razones generales para que diseñadoras y diseñadores gráficos se conviertan en expertos ortotipográficos:

1. Es nuestra responsabilidad como comunicadores

Un diseñador gráfico es un comunicador y como tal debe conocer las herramientas y las materias primas que conforman la comunicación. La ortotipografía nos enseña a usar correctamente la tipografía y, por ello mismo, nos pone a nuestro alcance una multitud de signos gráficos que tal vez nos sirvan de estímulo para ampliar nuestras fuentes de inspiración. 

2. Nos ayuda a potenciar nuestras posibilidades en el ámbito del diseño digital

Hace ya mucho que lo digital revolucionó el mundo y nuestras vidas, multiplicando por infinito las posibilidades de la comunicación tanto visual como escrita. Este es ahora nuestro mundo, en el que los diseñadores jugamos un papel destacado. Y con él, con este mundo digital, llegó la generalización de la escritura tipográfica realizada mediante los teclados de ordenadores, tabletas y teléfonos móviles. Y los teclados guardan secretos que es necesario descubrir. 

3. Mejora la comunicación de la información escrita impresa

El 99,99 % de la información escrita la recibimos en forma de letra impresa y para los profesionales de la comunicación, ya sea escrita o gráfica, resulta esencial saber organizar la información a través de los elementos gráficos que harán que nuestro discurso sea coherente y por lo tanto fácilmente comprensible por nuestra audiencia. 

4. La ortotipografía nos ayuda a conseguir rapidez en la comunicación

La velocidad domina el universo digital y la información que lancemos debe ser captada en cuestión de segundos, por lo que resulta vital dominar todas las herramientas a la perfección. Si queremos que se nos entienda a toda velocidad, debemos ser radicalmente claros y precisos, y la ortotipografía es una eficaz herramienta para ello. 

5. Facilita la comprensión de nuestro mensaje

Se trata, pues, de códigos que, usados correctamente, harán que otros comprendan nuestros mensajes; esto es la comunicación. Un mensaje mal escrito se presta a la confusión o directamente a la incomprensión, por lo que caerá en el vacío y resultará completamente inútil. 

6. Su conocimiento nos ayuda a encontrar las soluciones adecuadas a cada trabajo concreto

La ortotipografía no es una ciencia exacta, no son matemáticas, y un mismo problema puede tener diferentes soluciones. Un diseñador gráfico que controle la ortotipografía sabrá encontrar la solución adecuada para cada situación concreta que se plantee en su trabajo. 

Herramientas para conocer la ortotipografía

Al igual que sucede con la ortografía, la ortotipografía varía de un idioma a otro. Para dominar la ortotipografía del español actual tenemos algunas herramientas que nos ayudarán a profundizar en ella.

1. Ortotipografía para diseñadores, de Raquel Marín

Sirva como ejemplo de la importancia de la ortotipografía el libro de Raquel Marín Ortotipografía para diseñadores, editado por Gustavo Gili. Se trata, como queda bien patente en el título, de un manual práctico pensado específicamente para los profesionales del diseño.

2. Ortografía y ortotipografía del español actual, de José Martínez de Sousa

Para quienes quieran profundizar todavía más en estos asuntos, pueden hacerlo de la mano de José Martínez de Sousa, bibliólogo, tipógrafo, ortógrafo, ortotipógrafo y lexicógrafo, de cuya extensísima y erudita obra destacamos su imprescindible Ortografía y ortotipografía del español actual, editado por Trea. 

3. Fundación del Español Urgente

Inevitablemente, surgen toda clase de dudas al escribir, corregir, editar o maquetar textos. Por ello, en 2005, la agencia española de noticias EFE, a partir de su Departamento de Español Urgente, creó la Fundación del Español Urgente —Fundéu BBVA— , que nació con el «principal objetivo impulsar el buen uso del español en los medios de comunicación» y cuya página web es de ineludible consulta para todas aquellas personas que tengan la lengua española como herramienta de trabajo: periodistas, redactores creativos, gestores de redes sociales, diseñadores editoriales, etc. Si tienes que redactar o maquetar un texto sobre la pandemia del coronavirus, el black lives matter o cualquier otro tema de candente actualidad y quieres hacerlo correctamente, esta es tu web. 

4. Real Academia Española

Y, por supuesto, la Real Academia Española, el centro de gravedad de la lengua española, cuyo diccionario, tanto físico como virtual, es la herramienta clave en el uso del castellano. 

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Diseño editorial, infografías o visualizaciones de datos son los protagonistas de estos 5 libros sobre diseño de información para el verano.

Llega el ansiado parón estival y con él las horas pospuestas para bucear entre libros. El diseño de información es una disciplina todavía reciente y no mayoritaria. Por lo tanto, la bibliografía es escasa. Aún así, la calidad compensa a la cantidad con excepcionales ejemplares que resumen lo mejor de esta faceta de la comunicación visual. Aquí recopilamos 5 libros sobre diseño de información para el verano.

How Charts Lie, de Alberto Cairo

Ya hemos hablado alguna vez en el blog sobre este infografista español. Desde hace años afincado en EEUU, actualmente es profesor de Periodismo Visual en la Universidad de Miami. Es considerado uno de los autores más importantes sobre infografía, dataviz y diseño de información. Cualquiera de sus libros –The Functional Art, The Truthful Art, Infografía 2.0 o Nerd Journalism– son perfectos para profundizar en la teoría de la infografía. Sin embargo, recomendamos su último título How Charts Lie, donde de una manera muy amena y, al mismo tiempo, didáctica, Cairo explica cómo hacer buenos y malos gráficos. El formato físico es muy cómodo, ideal para devorar en la playa, pero también lo podemos encontrar en versión Kindle. Eso sí, en inglés.

Designing News, de Francesco Franchi

Y aquí tenemos a otro grande del periodismo visual del que también hemos hablado en enfoquegausiano. Designing News es lo más cercano a una biblia sobre el diseño de información que podemos encontrar en las librerías. Franchi elabora toda una tesis que analiza el diseño en los periódicos de papel, la transición de éstos a otros soportes, el diseño web, el responsive, el UX design desde el punto de vista editorial y, por supuesto, con la infografía como gran nexo de unión. Un libro fundamental para tener en la biblioteca particular de cualquier diseñador. Sólo se distribuye en formato físico de tapa dura y, aunque es un poco pesado, no tiene unas dimensiones demasiado incómodas para llevárselo de paseo a la playa, a la piscina o al campo. También en inglés.

The Visual Display of Quantitative Information, de Edward R. Tufte

Si decíamos que Alberto Cairo es uno de los autores teóricos más importantes del mundo de la infografía, Edward R. Tufte es su maestro. También profesor de universidad, en este caso de la de Yale (EEUU), es el mayor erudito sobre visualización de datos cuantitativos –que también conocemos como gráficos estadísticos–. Defensor acérrimo de la simpleza absoluta de los gráficos, su libro The Visual Display of Quantitative Information es el código oficial del diseño de gráficas y todo un clásico de la bibliografía sobre visualización de datos. Este libro, cuya primera edición data de principios de los años 80 del pasado siglo, todavía se puede adquirir en formato físico de tapa dura y en unas dimensiones aptas para su disfrute bajo la sombrilla.

Newspaper Design y Visual Journalism, de Javier Errea y Gestalten

Estos dos libros de grandes dimensiones no son los más indicados para llevárselos a la toalla. Pero sí que merecen la pena para consultarlos cómodamente en la terraza de casa con una cerveza fría. Ambos editados por Gestalten y coordinados por Javier Errea, son un recopilatorio de lo mejor del mundo en diseño editorial periodístico –Newspaper Design– y en infografía –Visual Journalism–. Además de mostrar visualmente y en grandes dimensiones los excelentes ejemplos que se recogen, cada título se complementa con artículos firmados por los mayores exponentes mundiales de cada disciplina. Dos grandes joyas para tener en la biblioteca y para dedicarles todas las horas que se merecen en estos días de vacaciones.

Infografía. Diseño y visualización de la información, de Shaoqiang Wang

El único en español de estos 5 libros sobre diseño de información para el verano. Es de la editorial Promopress y está coordinado por el profesor de la Academia de Bellas Artes de Guangzhou (China) Shaoqiang Wang. También es un recopilatorio visual de grandes trabajos de infografía a nivel mundial, complementado con artículos y entrevistas a sus autores. Con un formato grande, su encuadernación de tapa blanda no lo hace incompatible con la playa o la piscina. Al contrario que los anteriores, este título va más allá del diseño periodístico y profundiza también en el diseño de información para fines publicitarios, artísticos o experimentales. La infografía es la antesala, pero sorprende al final con sus excepcionales ejemplos dentro del mundo del data design y el dataviz.

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Todavía en el camino hacia la nueva normalidad post covid-19, echamos de menos la música en directo, los bares y las salas de conciertos. Pero, respecto a estas últimas, también echamos de menos por su parte una mayor atención al diseño gráfico y sus identidades visuales.

Si eres dueño de un local de ocio nocturno, puede que este no sea el mejor momento para invertir en diseño, ¿o quizá sí? Mientras en otros sectores no se concibe arrancar un negocio sin construir un sistema gráfico completo, todavía son muchos los clubes y salas de conciertos que piensan que con un logotipo es suficiente. Sus primos hermanos, los festivales de música, tienen esta lección bien aprendida y cada año presentan elaborados sistemas visuales que facilitan su comunicación y la interacción con su público a través de diferentes canales.

En 1973 se inaugura en Nueva York el emblemático CBGB, cuna del punk rock y la new wave norteamericana que sirvió como trampolín para bandas como Los Ramones, Talking Heads, Patti Smith, Blondie o Dead Boys. Esta pequeña sala, activa hasta 2006, es considerada una parte fundamental de la historia del rock a nivel mundial y su característico logotipo ha llegado a todos los rincones del mundo estampado en camisetas, bolsas de tela o chapas.

Pero ya no estamos en los setenta. Las necesidades gráficas de cualquier negocio se han multiplicado en los últimos años con la irrupción de Internet y las redes sociales. Las plataformas digitales se han convertido en los principales canales para comunicar la programación de estos centros culturales y ya no se trata de poner un letrero luminoso en la entrada del local y en la parte trasera del escenario, ni de estampar el logotipo de la sala en una esquina del cartel del concierto correspondiente.

Si realmente quieres destacar, has de cuidar tu imagen dentro y fuera del local

En mi búsqueda de ejemplos nacionales de clubes nocturnos, he encontrado un montón de buenos logotipos y estupendos carteles de programación mensual realizados por artistas destacados y también alguna web interesante. No obstante, solo he dado con tres establecimientos con sistemas gráficas potentes e impecables: Sala VOL (Barcelona), Dabadaba (San Sebastián) y Muelle (Bilbao).

El denominador común: se trata de espacios jóvenes que han sabido leer la importancia que juega el buen diseño en nuestros días. Mientras tanto, salas míticas de grandes y pequeñas ciudades españolas se han quedado un poco atrás a nivel gráfico. Si conocéis otros ejemplos dignos de ser reseñados, os invitamos a compartirlos con nosotros.

SALA VOL, por Clase

En palabras del estudio de diseño, creadores del naming y la identidad visual de la sala:

VOL es una sala de conciertos del barrio del Poblenou de Barcelona. Heredera de la mítica BeGood y lejos de querer considerarse una sala de ocio nocturno, la nueva dirección artística aboga por una propuesta heterogénea y fuera de los circuitos más comerciales. El eclecticismo de la programación y la necesidad de comunicarse de manera autónoma son la base sobre la que hemos creado su nueva identidad.

VOL es un nombre corto, memorable y fácil de pronunciar en cualquier idioma. Su polisemia aporta una libre interpretación de su significado: remite a una controladora de sonido o un amplificador (volumen), a la acción de querer algo en catalán (voler) o al hecho de volar, de experimentar la música en un nivel superior. El logotipo, sencillo y contundente, está diseñado para convertirse en un elemento icónico que funcione de manera independiente, como un adhesivo, en una capa por encima del lenguaje visual.

El sistema gráfico se basa en una retícula tipográfica y en el uso de un solo peso, lo que hace que la información se muestre de manera accesible y genere un código racional, por encima del cual se superponen imágenes. El virado de las fotografías añade una capa enigmática a una propuesta artística que resulta atractiva por la posibilidad de descubrir nueva música, más que para consolidar nombres ya conocidos.

La web corresponde una de las aplicaciones de marca más interesantes: un sistema cromático aleatorio genera un código contemporáneo que enfatiza el eclecticismo de la propuesta cultural. Al mismo tiempo, la información, ordenada de manera clara y racional en un sistema modular, facilita la usabilidad y remite al sistema gráfico de la comunicación.

Para las redes sociales se evoluciona el sistema gráfico original de manera que permite hacer reconocibles las publicaciones dentro del feed mediante barras de color y tipografía, pero que dentro de la retícula del perfil respetan la imagen del artista.

DABADABA, por Eenyakee

Dabadaba es un local de San Sebastián que acoge y organiza conciertos, noches de club, fiestas, exposiciones, dj sets, mercadillos, proyecciones y casi cualquier cosa que haga feliz a la gente desde abril de 2014. La reforma del local en 2018 trajo consigo una nueva identidad gráfica para representar el nuevo enfoque del Dabadaba 2.0: más orientado al club, con mejor sonido y en general más europeo.

Dos de las características arquitectónicas más llamativas del lugar son sus grandes ventanas en forma de arco y el callejón lleno de arte urbano por el que se accede al local, lo que ha sido perfectamente condensado visualmente en el nuevo isotipo. Aun así, mantienen su mítico letrero luminoso, que les acompaña desde sus inicios.

El rediseño de la identidad contempló la creación de dos retículas modulares diferentes, pero unificadoras: conciertos y sesiones DJ. Ambas comparten códigos visuales, pero se diferencian claramente entre sí, especialmente por el color. El sistema de cajas presenta una versatilidad y jerarquía que facilita la inclusión tanto de información textual como las imágenes de los artistas. Para los carteles de programación mensual hay una mayor libertad creativa y, dada la cantidad de eventos celebrados en Dabadaba, la idea es revisar anualmente las plantillas para mantener el sistema actualizado.

El sistema gráfico estático se llena de movimiento en las plataformas digitales con videos de los artistas, adaptándose perfectamente a la retícula modular en cajas.

Lástima que su web queda fuera del rediseño gráfico y se limita a incluir el logotipo en su cabecera. Eso sí, es bastante pragmática.

Muelle, por Rebeka Arce

Muelle es el espacio que une música, gastronomía, eventos culturales y de ocio en pleno centro de Bilbao. Los muelles son flexibles, son plataformas de impulso, dinamismo y diversión. Y así es Muelle: un lugar versátil y con identidad propia donde asistir a un concierto, tomar un cóctel después de trabajar, disfrutar de un vermú al sol un domingo a mediodía o adentrarte en la noche con las sesiones de una ecléctica selección de DJs.

El nombre del local tiene una doble significación: alude a su emplazamiento junto a la ría de Bilbao, y a su versatilidad y flexibilidad como espacio cultural.

La marca gráfica de MUELLE está separada en dos partes que funcionan de manera independiente, pero que representan lo mismo. Por un lado, tenemos el icono del muelle y, por otro, su representación textual, que además es flexible y sus letras pueden cambiar de anchura. Rara vez conviven en un mismo plano.

Respecto al sistema gráfico, encontramos diferentes plantillas de una misma familia que hacen diferenciar claramente eventos propios, conciertos y sesiones DJs. La programación mensual se presenta siempre en una impecable retícula de marcado enfoque editorial, de la que solo cambia el fondo según el mes. Esta se aplica fácilmente a las redes sociales.

La web es más corporativa y actual que la del DabaDaba, pero en este caso se echa de menos poder acceder a la programación.

Quién sabe…, quizá en unos años estas marcas lleguen tan lejos como lo hizo la del CBGB. La excelente parte gráfica ya la tienen, ahora solo les queda tener ojo a la hora de programar y ¡A HACER HISTORIA!

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Continuamos con la interesante y extensa entrevista que nos concedió Cristina Daura, una de las ilustradoras más influyentes de nuestro país. Puedes leer la primera parte aquí.

P. Hoy ya empiezas a aparecer en las listas de referentes de otros ilustradores/as o diseñadores/as, ¿cuáles son los de Cristina Daura? ¿Nos podrías hablar de otros/as colegas de profesión que admires?

Tengo referentes de muy diversas disciplinas: pintura, cine, fotografía, arquitectura…, pero sería una lista interminable. Las referencias más claras vienen del cómic, pues los he leído toda mi vida. Los primeros que me vienen a la cabeza serían Daniel Clowes, Chris Ware… (este último bastante obvio).

Si me voy a nombres más contemporáneos, hay un dúo que admiro muchísimo y que para mí fueron una revelación, sobre todo cuando estaba tocando fondo. Como comentaba más arriba, hubo un tiempo en el que cambié mi estilo para intentar encajar en el mundo laboral que en ese momento predominaba. Yo venía de hacer cosas más punkies, oscuras o alternativas, que eran difícil de encajar en lo que se estaba llevando a cabo, sobre todo en España. Este dúo, Icinori (a los que que conocí por Internet), fue un gran revulsivo para mí. Ellos demostraban que se pueden hacer cosas oscuras y originales, pero con una elegancia y calidad brutales. ¡Y vivir de ello! El día que los conocí en persona, se lo dije. Gracias a ellos me convencí de que tenía que volver a lo que hacía antes.

Otro gran referente sería Oliver Schrawen, un ilustrador belga cuyo trabajo admiro muchísimo.

Hubo un tiempo en el que cambié mi estilo para intentar encajar en el mundo laboral que en ese momento predominaba

También Instagram está lleno de gente que me encanta, pero que luego me olvido de sus nombres. Se me vienen a la cabeza Aaron Lowel (USA), Brigade Cynophile (Felicité Landrivon / FR), que hacen unos diseños que me flipan muy relacionados con la música; la chica que le hizo la portada al nuevo de Metronomy, Anne Zeum (FR). Además, a nivel de colegas de aquí, admiro muchísimo el trabajo de Marc Torices, con una sensibilidad muy heavy; el trabajo de María Medem me parece la hostia (es muy joven y una gran amiga). Y otros amigos que me encantaría recomendar, pero ahora mismo no sé decirte.

P. Al tener un estilo tan característico y que los clientes reclaman, ¿cómo haces para no estancarte y evolucionar? ¿Han cambiado mucho tus ilustraciones desde que empezaste a dedicarte a esto profesionalmente?

Cada dibujante tiene un período de evolución. Yo me aburro de las cosas en general. Cuando algo o alguien me gusta mucho, a la vez quiero que evolucionen. Pero no puedes exigir a esa persona que cambie en un periodo de tiempo corto. Un cambio radical de un año para otro haría que algo del mensaje se pierda por el camino. Yo me dedico profesionalmente a la ilustración estando cómoda con mi trabajo desde hace algo más de cinco años. Antes de eso, estuve dando palos de ciego para encontrar mi camino, buscando gustar a la gente y al mercado. Y esto me estaba alejando de lo mucho que disfrutaba dibujar. Llegó un punto en el que hasta lo odié, tristísimo. Afortunadamente, le puse solución.

A nivel estético, las cosas pueden cambiar, pero se necesita tiempo para evolucionar. Ahora veo lo que hice hace cinco años y pienso que hay cosas que habría hecho de otra manera, pero en el mensaje o lo que estaba expresando sí que me veo reflejada. Esto me pasa también con dibujos de hace 15 años. Las formas y la estética no son las mismas, pero me veo en el mensaje. Se trata de la personalidad de tu trabajo, que es lo más puro (aunque también evoluciona). La estética, la carcasa, es lo que visualmente cambia.

Ahora veo lo que hice hace cinco años y pienso que hay cosas que habría hecho de otra manera, pero en el mensaje o lo que estaba expresando sí que me veo reflejada

El proceso de cambio es lento y la forma es innovando y expresando, tratando de no quedarte siempre en los mismos códigos o fórmulas, que para mí es aburrido. Parece algo muy tonto, pero si cambias un poco la paleta de color, a lo mejor los clientes no se dan cuenta e impones ese cambio en el proyecto.

No obstante, hay clientes que en cuanto les ofreces algo diferente de lo que esperan de ti, lo rechazan. Esto me pasó hace poco con The New Yorker. Quizá un encargo para un gran cliente no es el mejor sitio para hacer campo de pruebas, por lo que trato de experimentar en paralelo para luego intentar venderlo al cliente. Yo veo mi trabajo evolucionar y eso me hace sentir feliz. En retrospectiva yo lo veo claramente, otra cosa es que lo vean los demás. Pero eso te la tiene que sudar un poco.

Parece algo muy tonto, pero si cambias un poco la paleta de color, a lo mejor los clientes no se dan cuenta e impones ese cambio en el proyecto.

P. Llama la atención la cantidad de trabajos que has realizado para el mundo de la música; artistas como Dan Deacon, Khruangbin, Black Islands o Joe Crepúsculo se cuentan entre tus colaboraciones. ¿Qué relación tienes con este mundo? ¿Para qué artista musical te gustaría ilustrar?

R. Siempre lo he dicho, vengo de una familia que le gusta mucho la música (a mi padre especialmente) y esta siempre ha formado parte de mi vida. No concibo mis recuerdos de infancia sin una banda sonora de fondo. La música para mí es uno de los pilares fundamentales de mi día a día y de mi estado anímico, que a su vez influye en mi trabajo.

En su momento intenté tocar algún instrumento, pero no funcionó. Así que pensé en otras formas de agradecer o devolver ese regalo a la gente que la produce. Trabajar en el mundo de la música siempre fue una ilusión y desde pequeña hacía carteles para conciertos underground. Los tomaba como un campo de pruebas y siempre me ha gustado involucrarme en este ámbito. Con el paso del tiempo y la profesionalización, pensaba en que me encantaría trabajar con esta artista o con este otro… y cuando por fin ocurre es genial. También pensaba: “Ojalá pueda trabajar con The New York Times algún día”, y lo conseguí.

Trabajar en el mundo de la música siempre fue una ilusión y desde pequeña hacía carteles para conciertos underground, aunque no me los encargaran.

Para trabajar con una banda es fundamental que la música o el proyecto me guste. He llegado a rechazar algunas propuestas porque no me encajaba nada la música. Ahora estoy trabajando con un cantante de pop chino que no me flipa especialmente, pero prevalece la intriga y curiosidad de ver mis ilustraciones en movimiento en un videoclip.

Hay tantos grupos con los que me gustaría currar…, independientemente de que sean grandes o pequeños; no sabría decirte. Sí que me a gustaría mucho hacer escenografía, que no lo he hecho nunca. Aunque requiere mucho tiempo y cariño, que no sé si ahora mismo le podría dedicar.

P. Has realizado el cartel del CanelaParty 2020, ¿cómo surge este encargo? En los créditos se indica que está realizado en colaboración con Jabier Rodríguez. Cuéntanos más sobre este diseñador y la manera en la que trabajáis juntos a pesar de la distancia.

R. El Canelaparty lo conozco desde hace años a través de peña de Málaga que siempre me hablaba de este evento, incluso desde los inicios, cuando era más pequeño. Un día subiste un stories de un cartel mío en Madrid -se refiere al entrevistador- y vi que eras uno de los organizadores del Canela. Entonces charlamos un rato y te dejé caer que me encantaría hacer el cartel un año. Y de ahí vino el encargo.

Jabi es un gran diseñador y tipógrafo con ideas muy guais. Lo conocí por su programa de radio Carántula, en el que se reúne con sus amigos para hablar de portadas de disco. En uno de ellos comentaron un disco diseñado por mí y me escribió para comentármelo, que le hacía ilusión que lo escuchara. Aunque algunos datos eran erróneos, me flipó la idea y empezamos a hablar y nos caímos genial. Un día que subí al País Vasco me acoplé a su programa y desde entonces hablamos a diario y empezamos a darnos feedback de nuestros trabajos.

Flipé con sus diseños de lettering y le propuse ayudarme con varios encargos de diseños de disco que tenía. La parte de lettering es la que más me cuesta y se me hace estresante, por lo que me parecía una idea genial poder trabajarla con alguien como él. Rápidamente vimos que encajábamos guay y siempre que hago cosas de gráfico intento involucrarlo porque la confianza es muy grande y me siento muy cómoda.

Me encantaría tenerlo más cerca para que el trabajo fuera más fluido, pero eso no va a pasar porque a él le encanta Donosti y no se va a mover. Es probable que pronto colaboremos en un libro en el que él se encargará de la maquetación. Aparte del cartel del Canela, otro proyecto que hicimos juntos, y que me encanta, es el póster de la gira sudamericana de Khruangbin.

P. Tus carteles para “VERANOS DE LA VILLA” inundaron Madrid el pasado verano. Las campañas institucionales llevadas a cabo la pasada legislatura del Ayuntamiento de Madrid, con Nacho Padilla como director creativo, han sido alabadas internacionalmente. ¿Cómo fue esta experiencia?

R. Fue muy interesante realizar este proyecto porque era la primera vez que hacía algo a tan gran escala y exposición. La experiencia fue brutal. Intentamos buscar un punto intermedio entre mis composiciones rebuscadas con viñetas y algo más sencillo, directo o menos recargado. Mis trabajos suelen estar más destinados al diseño editorial y utilizar los mismos códigos iba a hacer que algunos detalles se perdieran. Finalmente encontramos ese punto intermedio.

Tuve mucha suerte porque la gente detrás de este encargo (Nacho Padilla y Maral Kekejian) tienen una mentalidad abierta y fresca. Mención especial también a Nuria Úrculo, encargada de la parte editorial y tipográfica.

Hubo un momento en que discutimos porque me hicieron realizar cambios en carteles ya terminados, porque los veían demasiado violentos, pero al final les acabé dando la razón. Yo no era consciente de a qué escala se iba a ver ese proyecto y que una ciudad entera tenía que verse representada. Ellos eran los responsables de que la campaña funcionara y sus cambios estaban fundamentados. Aun así me dieron mucha libertad y todos acabamos muy contentos con el resultado.

P. Eres hermana de Xavi Daura, del dúo cómico Venga Monjas. ¿Cómo se lleva en la familia tener a dos hermanos artistas en dos disciplinas tan diferentes? ¿Crees que en vuestra trayectoria ha influido la educación que os dieron vuestros padres o se ha debido a otro tipo de motivos?

Para que te dediques a algo creativo, es importante el impulso favorable familiar. Mis padres tienen trabajos ajenos al mundo de la creatividad, pero mi padre hacía garabatos y dibujaba, y a mi madre le gustaba escribir. Ambos acabaron dedicándose a sectores más lucrativos, supongo que por el tipo de educación que les dieron, pero han sido muy felices con sus empleos. Sus intereses culturales nos han influenciado mucho para bien. En casa nunca hubo filtro del tipo “no puedes hacer esto o lo otro”. Nos han impulsado mucho en lo que se nos daba bien, lo que merece todos mis respetos porque mi hermano y yo hemos apostado por cosas complicadas (guionista/humorista e ilustración), y para alguien ajeno a esos mundos, es complicado confiar porque no sabes si tu hijo va a poder sobrevivir.

Mis padres nos han apoyado mucho y también han sido igualmente importantes el humor, los viajes, ver mucho mundo, las películas, la música… Mi padre es muy gracioso, le flipan los cómics y mi madre está como una campana. No hubo filtros y nunca nos tuvimos que callar. También han sido muy exigentes en la cultura del esfuerzo y esto nos ha trastornado un poco a mi hermano y a mí, pero eso ya no se puede remediar.

Xavi y yo nos hemos ido retroalimentando. Todo lo que hace mi hermano lo entiendo perfectamente, me parece muy lógica su trayectoria porque sé perfectamente de dónde viene todo. Mis padres nunca le han cuestionado porque también lo entienden, lo ven coherente. Yo soy muy feliz con el entorno en el que he crecido: me encanta cómo son mis padres y mi hermano a pesar de las grandes peleas que hemos llegado a tener, como cualquier relación fraternal.

P. He leído tanto en tu Instagram como en alguna entrevista algo sobre una novela gráfica que nunca llega. Tu relación con el mundo del cómic es estrechísima. ¿Sigue siendo uno de tus proyectos a medio plazo? ¿Qué otros retos trae el futuro?

R. Yo tenía una novela gráfica que hace tiempo que está ahí parada, en parte debido a la autoexigencia y a la búsqueda de la perfección, lo que ha hecho que no la termine. Hubo una época en mi vida que era mucho más exigente conmigo misma que ahora, justo cuando estaba dedicándole más tiempo a ese cómic. Se juntaron muchas cosas y yo quería que saliera de puta madre. También me autosugestionaba un montón porque me cuesta mucho pensar que mis historias valen la pena y además, estaba la presión de que me había comprometido con unos amigos que iban a pagar la publicación.

Cuando tenía tiempo, era excesivamente exigente y ahora que estoy más relajada, no tengo tiempo, por lo que ha quedado en el olvido. Espero solucionarlo algún día, pero no quiero rayarme con ello. Antes me frustraba un montón por haber aparcado el proyecto, pero ahora pienso diferente. Autoflagelarse no lleva a ningún sitio. Aun así estoy contenta con lo que hice, porque me sirvió como campo de pruebas y me llevó a lo que estoy haciendo ahora.

Antes me frustraba un montón por haber aparcado el proyecto, pero ahora pienso diferente. Autoflagelarse no lleva a ningún sitio.

P. Para terminar, qué consejo le darías a la Cristina estudiante que podamos trasladar a los alumnos/as de artes gráficas de hoy en día.

R. Les diría que PACIENCIA, que las cosas evolucionan. Los tiempos cambian y no es lo mismo lo que hicimos en los 90 que lo que se hará más adelante, por lo que no hay que seguir el mismo camino o imitar a tus referentes. Está bien tenerlos, pero no hay que seguir al rebaño y hay que buscar lo que realmente te haga feliz. No siempre lo que gusta a todo el mundo es lo correcto. Por último, hago hincapié en que hay que currar, que curren un montón, que no paren, que se involucren en todas las cosas que les apetezca hacer, que todo lo que hagan o intenten hacer sea porque les hace feliz y no por hacer felices a otras personas.

Nada más, muchas gracias por tu atención y esperamos que la entrevista te haya resultado interesante.

La entrada Cristina Daura: Color, humor, dolor (parte II) aparece primero en enfoquegaussiano.

Este es un blog de diseño gráfico y por lo tanto se centra en cuestiones relacionadas con esta materia. Se están escribiendo muchos artículos en relación al racismo y los privilegios blancos que resultan mucho más didácticos que el que se extiende a continuación, que tan solo reflexiona sobre la manera en la que los diseñadores blancos podríamos sumarnos al movimiento antirracista sin entorpecer, sobre la escasez de profesionales negros en el sector y sobre la necesidad de que pensemos en los motivos. Espero que sea de ayuda.

El asesinato de George Floyd a manos de un policía blanco (Dereck Chauvin) en Minneapolis el pasado 25 de mayo de 2020 ha vuelto a poner en relieve el racismo sistémico que aún sufre nuestra sociedad un problema centenario que junto con el abuso de autoridad (o brutalidad policial) sigue sumando muertes año tras año. El suceso ha provocado una oleada de protestas en todo el territorio estadounidense, que también ha cruzado fronteras continentales y se ha multiplicado en las redes sociales.

Ante este tipo de tragedias, es habitual que los diseñadores utilicen la creatividad para mostrar su apoyo a la causa (en este caso, el antirracismo). No obstante, ha surgido la polémica respecto al posible oportunismo de algunos creadores para hacer autopromoción y entorpecer, algo criticado especialmente en los creativos blancos. A la vez tomaba fuerza la consigna “Silence is violence”, que animaba a los sectores no oprimidos a posicionarse públicamente.

En esta encrucijada surge una iniciativa que inicialmente parece convencer a muchos: #blackouttuesday, consistente en postear un cuadrado negro para denunciar el racismo e invitar a la reflexión. Aparentemente parece una gran idea: un símbolo poderoso y no personalista en el que no aparece ninguna cara (no es el filtro bandera del “Je suis Charlie”), ningún eslogan ni ninguna ilustración o tipografía que haya podido ser diseñada por alguien.

Este diseño en negro ha tenido muy buena acogida en la comunidad blanca y en el mundo del diseño gráfico, teniendo en cuenta su sencillez y accesibilidad. Es muy probable que el sentimiento de pertenencia o la presión social (muchas veces autoimpuesta) hayan tenido mucho que ver, lo que daría para otro análisis. La cuestión es que las redes sociales se han llenado de cuadrados negros y no han tardado en aparecer detracciones.

El principal problema ha sido que muchos de estos cuadrados (al igual que otros diseños reivindicativos) se subían a la red incluyendo el hashtag #blacklivesmatter, enterrando las publicaciones de denuncia, represión e información relevantes, por lo que desde la comunidad negra se ha animado a su eliminación. Una vez denunciado este problema, también se ha cargado sobre lo anodino y frívolo del gesto (revolución desde el sofá). Otro frente ha sido la denuncia de que la idea provenía de la industria musical, que históricamente ha explotado y robado a artistas negros. Por último, el cuadrado negro se ha convertido en una parodia de sí mismo en el momento en que grandes empresas textiles con fábricas de dudosa moralidad desperdigadas por todo el mundo lo han usado para sumarse a la “ola de solidaridad”.

Como diseñador, el simbolismo de esa marea de cuadrados negros sin eslogan en el feed de Instagram, inicialmente me pareció de una potencia visual abrumadora y quise sumarme a ella – como otros muchos profesionales del diseño o cualquier persona de a pie. Me hizo pensar que si un mínimo porcentaje de todas esas publicaciones se convertían en un punto de partida para una acción real, ya merecía la pena. No obstante, a veces la buena intencionalidad no hace más que entorpecer y el poder visual de esa marea de diseños negros, ese potente ejercicio estético, sirvió más para silenciar que para ser altavoz. Muchos fueron los diseñadores, músicos y artistas que acabaron por eliminarlo. Me sorprendo a mí mismo analizando la cantidad de tiempo que dediqué a la duda de “cuadrado negro sí o cuadrado negro no” en lugar de centrarme en aprender del verdadero problema. Las redes sociales, ya sabéis…

El mensaje más importante destinado a la comunidad blanca es que reflexionemos y pensemos en nuestros privilegios. Pero, sobre todo, que los usemos para cambiar esta persistente situación de injusticia y desigualdad, ya sea protegiendo a la comunidad oprimida (en este caso la negra) o sirviéndole de altavoz.

Pero esto es un blog de diseño gráfico y el contenido que aquí se ofrece ha de tener relación con esta materia. Por lo tanto, ¿qué puedes hacer como diseñador/a? Las reflexiones del estudio brasileño Sometimes Always sobre los privilegios blancos y el sector del diseño son un buen punto de partida para darnos qué pensar. Preguntas del tipo “¿Cuántos estudiantes negros había en tu escuela?” o “¿Con cuántos diseñadores negros trabajas?” son a la vez una clara enunciación del problema.

Podríamos caer en el error de pensar que esas reflexiones no son aplicables a otros países con menor porcentaje de población de raza no blanca (como España), pero no nos engañemos: Nuestro sector es también un reflejo de nuestra sociedad, donde las comunidades menos favorecidas tienden a ocupar trabajos más duros, peor pagados y de menor especialización. Y esto es un problema sistémico.

En nuestra escuela, La Gauss, solo ha habido dos estudiantes negras en casi 20 años de enseñanza (aunque sí más de otras minorías étnicas) y yo no he trabajado nunca en el sector con un compañero negro o afroespañol. Si echamos un ojo a cualquiera de las listas de “los mejores diseñadores gráficos de la historia”, solo encontramos blancos. Echad un ojo al elenco de profesores de cualquier centro dedicado al diseño o plataforma de cursos online. O, más sencillo. pensad en diseñadores racializados… A mí ninguno se me viene a la cabeza y no creo que se trate de un problema de cuota. He hablado con otros compañeros del sector y el sentimiento es unánime: nos hemos educado sin negros. Y los que trabajamos como docentes seguimos esa tendencia.

Si me pongo a investigar ya empiezan a sonarme algunos nombres y proyectos: Emory Douglas (cartelista del Black Panther Paty – quizá este con un corte más artístico), Thomas Miller (diseñador jefe en Morton Goldsholl Associates en la segunda mitad del s. XX) o los contemporáneos Eddie Opara (socio de Pentagram) y Arem Duplessis (antes en New York Times y ahora en Apple), poco más. Exacto, ninguna mujer, lo que daría para otro post. Además, según investigo para este artículo, todos sufrieron episodios de racismo alguna vez en su vida.

Me resulta sorprendente la facilidad con la que identificamos el “diseño africano” y su influencia a nivel mundial, mientras que se nos antoja complicado pensar en nombres de diseñadores y diseñadoras de ese continente o residentes en otros y con ascendencia africana. Esto debería hacernos reflexionar sobre la visión predominantemente blanca existente en el diseño internacional, a la vez que plantearnos otras cuestiones como el apropiacionismo. Lo que se multiplica si pensamos en otras disciplinas artísticas.

Por lo tanto, ¿a qué nos animo humildemente desde este pequeño altavoz? Principalmente, a que escuchemos y aprendamos sobre todo lo que la comunidad negra tiene que decir respecto al racismo y cómo ser un buen aliado; a que participemos activamente en esas recomendaciones; a que reflexionemos sobre nuestros privilegios blancos, renunciemos a ellos y los usemos para proteger o dar altavoz a la comunidades oprimidas; a que investiguemos sobre diseñadores de otras razas; a que en lugar de sumarnos a la causa con nuestros diseños, compartamos trabajos de quienes verdaderamente sufren el problema… (ojo, no critico los diseños reivindicativos desde la comunidad blanca, pero habría que evitar protagonismos y replantear la manera en que lo creado sí tuvieran un impacto positivo real – ej. recaudar dinero).

Y, por supuesto, que dejemos de ser simplemente no racistas para convertirnos en antirracistas (y antifascistas –pongo enlace por si surge alguna duda respecto a su significado principal–). Lo que implica que identifiquemos y eliminemos conductas arraigadas en nosotros, en nuestros trabajos y en los que nos rodean. O lo que también se da a conocer como “microrracismos” o “racismo socialmente aceptable”.

Un cuadrado negro no deja ver y la visibilidad es crucial ahora mismo: Tenemos que observar, reflexionar, escuchar, aprender y actuar. Una de las lecciones más valiosas que encuentro en esta explosión de información es la de que debemos encaminar nuestra solidaridad a nuestros territorios y evitar que se quede en algo cibernético, instantáneo y puntual. De nada sirve visibilizar el problema de EEUU si aquí miramos hacia otro lado.

Un ejemplo interesante es la manera en la que el ilustrador blanco australiano Bjenny Montero ha enfocado el problema en su propio país, diseñando camisetas solidarias a beneficio de los aborígenes australianos, una comunidad oprimida y sin apenas voz (lo que podría justificar el hecho de que en este caso su aportación y arte son útiles y necesarios).

Os dejo con algunos artículos que os podrán servir como punto de partida para conocer el trabajo de diseñadores y diseñadoras negros:

Como era de esperar, apenas hay información en castellano. Os animo a investigar y compartir otros autores y autoras tanto históricos como coetáneos.

• Emory Douglas: el arte de los Black Panthers
• Diseñadores gráficos afroamericanos que deberías conocer I
• Diseñadores gráficos afroamericanos que deberías conocer II
• Tipografía como acto radical en una industria dominada por hombres blancos
• ¿Dónde están los diseñadores negros?
• Diseñadores negros: desaparecidos en combate

El racismo mata. La brutalidad policial mata. Que no se nos olvide. Este artículo habla desde la perspectiva del diseño y las redes sociales a modo de curiosidad y reflexión. Internet es una cosa y la vida real es otra. Existen muchísimas maneras reales de actuar, posicionarse, aliarse o mostrar solidaridad efectiva. La página que mejor se ha erigido como aglutinadora de opciones ha sido blacklivesmatter.carrd.co.

En España parece ser que no hay un movimiento tan sólido o aglutinador, por lo que (asesorado por alguien que conoce mejor el problema) comparto tres de los colectivos más vulnerables a los que se podría apoyar:

• Sindicato de Manteros de Madrid
• Sindicato Popular de Vendedores Ambulantes de Barcelona
• Afroféminas

El autor de este artículo ha donado la cantidad recibida por la redacción del mismo a una de las asociaciones arriba mencionadas.

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Periódicos y revistas de todo el mundo dedican gran parte de sus recursos a nutrir sus páginas con excepcionales ilustraciones. Aquí presentamos 5 ilustradores que se exponen en el kiosco de manera periódica y a cambio de unos pocos euros.

Cualquier kiosco es la galería de arte más heterogénea, accesible y barata que existe. A cambio de unos pocos euros, podemos hacernos con varios periódicos y revistas que usan todos los recursos del periodismo visual. Espectaculares fotografías de actualidad inmediata o de reportaje, diseño editorial, infografías y, por supuesto, ilustraciones. Aunque en algunas (pocas) redacciones todavía hay ilustradores contratados en la plantilla, la mayoría de ellos son freelances que colaboran con las publicaciones. Conseguir como cliente fijo y habitual un periódico o una revista es una suerte para estos diseñadores. Además del prestigio que supone publicar en grandes cabeceras como The New York Times, El Mundo o El País, se une la ventaja de tener un número constante de encargos mensuales, semanales o, incluso, diarios. A continuación, algunos ejemplos en estos 5 ilustradores que se exponen en el kiosco.

Ana Juan

Hablar de esta artista valenciana es empezar a lo grande. Es una de las ilustradoras españolas más reconocidas fuera de nuestras fronteras. Y también dentro, ya que fue galardonada en 2010 con el Premio Nacional de Ilustración. Su carrera comenzó en los años 80 publicando algunas tiras ilustradas en publicaciones españolas. Y, a mediados de los 90, se convirtió en una de las ilustradoras de cabecera de las portadas de la revista The New Yorker, un idilio que continúa todavía. También en EEUU, ha publicado sus ilustraciones en la revista Rolling Stone y en periódicos como Boston Globe. En España, es colaboradora habitual del periódico El País, donde destacan sus maravillosas portadas para el suplemento Babelia y para la revista El País Semanal.

Javier Jaén

Si tuviéramos que detallar todas las grandes cabeceras internacionales con las que colabora este ilustrador barcelonés, del que ya os hablamos anteriormente, nos quedaríamos sin espacio en esta entrada. The New York Times, The New Yorker, The Washington Post, Time, National Geographic, Die Zeit, The Wall Street Journal… Su estilo se basa en la fotografía y edición fotográfica de objetos combinados entre ellos o con dibujos. Pero la clave de su éxito está en su capacidad para comunicar con imágenes y contar historias de manera gráfica siempre con un toque irónico y con trasfondo. Características idóneas para el periodismo visual.

Ulises Culebro y Ricardo Martínez

Aunque con carreras y estilos independientes, se hace inevitable hablar de estos ilustradores como un tándem. Ambos llevan vinculados al periódico El Mundo desde hace años y, debido a esto, han convertido al diario español en un referente de la ilustración periodística. Ulises Culebro, además de ser un genial ilustrador, es el jefe de Ilustración de El Mundo y, por lo tanto, trabajador «de plantilla» del periódico. Y Ricardo Martínez es uno de los mejores ilustradores de España. Con una carrera profesional de 40 años, la mitad de ellos vinculados a El Mundo, destaca por su técnica de scratchboard, única en las publicaciones españolas.

Sr. García

«Una vez me dijeron que era como el cruce entre la decapitadora Reina de corazones y el doctor Frankenstein», se describe a sí mismo este ilustrador en sus redes. Y no puede haber mejor definición para este pequeño gran ilustrador que no para de trabajar y de cosechar éxito. Aunque hoy en día en su cartera de clientes habituales tenga a El País, Corriere della Sera, Le Monde, Esquire, Forbes, Líbero, Yorokobu, Tapas…, es justo decir que su carrera comenzó y despegó en la prensa regional. Concretamente, en el diario malagueño SUR, con el que colabora habitualmente. Fiel al estilo del collage para sus ilustraciones, el Sr. García consigue siempre ofrecer algo nuevo. Al mismo tiempo, tiene una habilidad innata para la comunicación gráfica de conceptos e historias que lo hacen también un aliado perfecto para el periodismo visual.

Diego Mir

Este valenciano es otro gran comunicador visual de ideas. Colaborador de grandes cabeceras como The New York Times, The Wall Street Journal, The Economist o El Mundo, destaca su trabajo con el periódico El País y sus suplementos y revistas, cuya dirección de Arte recae en Diego Areso, del que ya os hablamos en el blog. Con un estilo de ilustración basado en la combinación de objetos fotografiados y dibujos vectoriales, Diego Mir tiene un gran talento para contar mucho desde lo simple.

Estos son sólo 5 ilustradores que se exponen en el kiosco. Una mínima representación del inmenso volumen de firmas que cada día dejan su impronta artística y comunicadora en las páginas de revistas y periódicos de todo el planeta.

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Cristina Daura es, a día de hoy, una de las ilustradoras más influyentes de nuestro país. Hace no mucho entró en la treintena y desde su Barcelona natal trabaja para clientes como The New York Times, The New Yorker, The Wire, El País, Penguin, Blackie Books o Nike, entre otros.

Su reconocible estilo juega con paletas de color básicas y saturadas, composiciones arriesgadas, caos organizado, surrealismo, humor y dolor. En su obra no faltan elementos característicos que se repiten a modo de mantra o pequeños guiños a sus amigos y amigas. Su mayor logro: cada imagen es capaz de contar una historia.

Todas las características de su trabajo bien podrían aplicarse a su persona, excepto el surrealismo: Cristina es real, natural, divertida y directa. Y tras un par de mensajes por Instagram es capaz de decirte que está por tu ciudad, que si te bajas a tomar algo.

Hola, Cristina.

En primer lugar, muchas gracias por concedernos esta entrevista. Somos grandes seguidores de tu universo visual.

P. Empecemos por el principio. ¿Qué recuerdos tienes de tu infancia y adolescencia que crees que han podido influir en tu carrera artística? ¿Existía ya una predisposición anterior a tus años de estudios especializados?

R. Desde que tengo memoria he dibujado. Crecí viendo la tele, dibujos animados por un tubo. Solía dibujar manga mientras lo hacía. Aunque ninguno de mis padres se dedican a disciplinas artísticas, siempre tuvieron inquietudes culturales y nos llevaban a mi hermano y a mí al cine, al teatro y a museos, tanto en Barcelona como cuando viajábamos. Esas paredes repletas de cuadros me hacían pensar, de algún modo, que si había pinturas por los que la gente pagaba por ver, sería posible ganarse la vida pintando. Uno no es consciente de que sabe dibujar bien hasta que los demás te lo dicen. Cuando recibía ese tipo de comentarios, empezó a surgir la expectativa de que pudiera dedicarme a ello profesionalmente.

También estaba muy influenciada por los cómics. Mi padre colecciona discos y le gustaba mucho Tintín y la revista MAD. A mi hermano le encantaba Mortadelo y Filemón, y leíamos bastante a Ibáñez. Conforme crecíamos, mi hermano empezó a comprar revistas de El Víbora o cómics de La Cúpula (Clowes, Crumb… que me flipaban) y yo paralelamente leía mucho manga. Todo esto iba sumando, influyendo y construyendo.

Desde que tengo memoria he dibujado. Crecí viendo la tele, dibujos animados por un tubo. Solía dibujar manga mientras lo hacía.

He de remarcar también la importancia de haber sido “la rarita”, cosa que influye a la hora de construirte una actitud o personalidad. Cuanto más rara te vea la gente, mejor, porque de alguna forma estás rompiendo con lo establecido y desarrollando inquietudes propias. El término “frikismo” me parece una gilipollez y no se trata de forzar las rarezas, sino de ser feliz con tus inquietudes, que puede que no sean las más comunes, pero te hacen especial y construyen un carácter concreto y particular. Para mí esto constituye un plus, aunque en ciertos momentos de la vida puede ser una mierda porque te hartas de que te hagan bullying. Yo pasé por eso. Toda mi adolescencia e infancia padecí marginación, pero al final encuentras tu lugar, te haces fuerte y te rodeas de gente que merece la pena. Son aspectos que trato de hacer visibles en mi trabajo.

P. Muchos de los lectores de este blog están aún estudiando, ¿nos puedes contar un poco sobre tu formación académica? ¿Dónde, qué y cuándo estudiaste?

R. Existe un episodio importante previo a mi formación académica reglada. Durante mi niñez, me obligaban a hacer actividades extraescolares, normalmente deportivas y sin posibilidad de elección. Con unos nueve años, gané un premio de dibujo libre de una asociación del barrio y lo utilicé para convencer a mis padres para apuntarme a la escuela de dibujo que había junto a mi colegio. La cosa es que era una escuela para adultos, pero le caí bien a la señora y me aceptó como única niña. Allí estuve casi diez años aprendiendo a dibujar: proporciones, bodegones, gran formato, pintura… hice de todo y de una manera muy estricta, por lo que me curtí un montón. Era mi rincón de felicidad. Desde entonces tuve claro que dibujar era lo que quería seguir haciendo.

A los 18 años empecé Bellas Artes porque creía que era lo que tenía que hacer: estudiar una licenciatura. Esto fue una gran cagada porque desde el primer año me di cuenta de que no era mi sitio. Yo vengo de una familia muy exigente a nivel académico (quizá demasiado), donde tienes que dar lo máximo de ti mismo. Los errores cometidos dolían mucho y por lo tanto nos lo tomábamos como fallos que hacían mella. La carrera de Bellas Artes no me motivaba e incluso me llevó a un estado depresivo. Definitivamente había fallado.

A los 18 años empecé Bellas Artes porque creía que era lo que tenía que hacer: estudiar una licenciatura. Esto fue una gran cagada porque desde el primer año me di cuenta de que no era mi sitio.

Afortunadamente, me llevaba bien con una chica algo mayor que yo y que estudiaba ilustración en La Massana. Me comentó que encajaría mejor estudiando ilustración que Bellas Artes por mi estilo y por mi interés por los fanzines y los cómics. Esto me alentó a informarme y me di cuenta de que la gran mayoría de dibujantes de cómics que yo veneraba trabajaban de ilustradores en algunos medios, por lo que me animé a hacer la prueba de acceso (que tenía una nota bastante alta) y entré. En esos años lo pasé genial y aprendí muchísimo. Por las mañanas era la primera en llegar y siempre daba lo máximo de mí misma. En parte, por esa herencia de la autoexigencia familiar y, en parte, porque me encantaba.

Aparte de los tres años de estudios en La Massana (dos presenciales y uno de proyecto final), quise hacer un semestre en el extranjero y acabé en Baltimore, donde las pasé canutas, también hice prácticas en Nobrow Press en Londres, que por entonces no eran tan conocidos como ahora.

P. Y de las aulas de La Massana a trabajar desde Barcelona para clientes de todas partes del mundo. ¿Cuáles fueron tus primeros pasos tras graduarte y cómo surgió esa escalada?

R. Al graduarme, nos encontrábamos ya en plena crisis de finales de la primera década de los 2000, por lo que no había trabajo por ningún sitio. Además, un problema importante de La Massana y otras muchas escuelas de arte es que no te enseñan a enfrentarte al mundo laboral, a cómo funciona o cómo conseguir o presentarte a un cliente. En definitiva, cómo poner en práctica todo lo aprendido. Al menos teníamos Internet y podíamos colgar nuestro trabajo en blogs o plataformas como Flickr.

Un problema importante de muchas escuelas de arte es que no te enseñan a enfrentarte al mundo laboral.

Como no tenía encargos, seguía dibujando por dibujar, que es una cosa que mucha gente pierde. No tener proyectos no quiere decir que tengas que dejar de trabajar. Puedes hacerte tus propios curros, inventarte tus propias historias a modo de práctica. En mi caso, me encantaba la música en directo y diseñaba carteles ficticios de bandas que me gustaban o de conciertos a los que iba a ir, incluso por gusto, sin que me los encargaran. Por entonces estaba metida en colectivos que hacían fanzines y más tarde creé el mío propio con unas amigas. Involucrarte en este tipo de proyectos te obliga a aprender de imprenta de distribución, lidiar con clientes y entregas, cómo hacer facturas… Así que fui picando piedra mientras no tenía trabajos remunerados.

En estos primeros pasos al abandonar La Massana, llegué a venderme o forzar mi estilo para “gustar”, atendiendo a lo que se estaba pidiendo en ese momento. Dibujaba cosas que no me gustaban nada, muy felices, infantiles y naíf… Pensaba que eso me daría curro. Iba dando palos de ciego, pero considero que no fueron en vano porque me fueron curtiendo. Como dejaba caer antes, algunos errores te acaban llevando por el camino correcto, como fue mi intento fallido en la Facultad de Bellas Artes.

En estos primeros pasos al abandonar La Massana, llegué a venderme o forzar mi estilo para “gustar”, atendiendo a lo que se estaba pidiendo en ese momento.

Paralelamente a esa traición a mi estilo, seguía ilustrando proyectos personales, que sí que me gustaban y que iba perfeccionando sin responsabilidad hacia terceros, es decir, hacía lo que me daba la gana. Eso sí, me frustré un montón, fue una época muy mala a nivel de estrés y ansiedad. Dudaba de si sería capaz de dedicarme a esto a tiempo completo, tenía otros empleos… Pasaba muchas horas en el estudio y no tenían apenas tiempo libre, me forzaba a seguir dibujando… Volvía a florecer la autoexigencia familiar.

Entonces tuve un golpe de suerte, aunque considero que hay que trabajar para que estos ocurran y no parar de crear y cultivar círculos y amistades (siempre por pasión y no por interés). Tengo una gran amistad con David Peña (Puño) y en ese momento él estaba al cargo de “La ciudad en viñetas”, una iniciativa del Ayuntamiento de Madrid que consistía en hacer un cómic gigante que estaría expuesto en el hall del alto durante dos meses. A David lo conozco de la época del Fotolog y desde entonces hemos seguido en contacto, incluso le ayudé con su fanzine de “Ultraradio”. Entonces me ofreció participar y me dijo que tenía total libertad para hacer el cómic, además de estar muy bien pagado. Lo tomé como una oportunidad de oro, como mi puerta que me llevará a otros sitios.

Y funcionó. Desde que me gradué hasta ese momento habían pasado cinco años y fue cuando empecé a establecerme como ilustradora y estar cómoda con mi trabajo, con un flujo constante de proyectos que me permitía vivir tranquilamente.

P. ¿Requieren algunos de esos encargos del extranjero que te desplaces hasta allí? ¿Te ha brindado tu trabajo la oportunidad de visitar otros países?

R. Normalmente no requieren movilidad y las reuniones son por videollamada. Es un dinero que el cliente se ahorra. Sí que obviamente ha habido desplazamientos para alguna expo, feria o charla. No obstante, he aprovechado viajes personales a ciudades como Nueva York para conocer personalmente a clientes con los que ya trabajaba o entrevistarme con otros posibles colaboradores.

P. ¿Notas diferencias reseñables entre unos clientes y otros dependiendo de su nacionalidad? ¿Te atreverías a decir quién ha sido tu mejor cliente? ¿Y el proyecto del que estás más orgullosa?

R. Trabajo especialmente con Estados Unidos y con centroeuropea (Alemania), pero también con Japón o China y alguna cosa en España. Y cambia mucho. Mientras fuera de España todo se soluciona vía mail, aquí te mandan un correo para preguntarte si te pueden llamar para si te interesa una oferta, pero sin aclarar nada. No van al grano ni explican el tema ni te mandan un briefing con el que te puedas hacer una idea para dar una respuesta rápida. Supongo que prefieren el teléfono porque es más difícil decir que no por esta vía que por email en el caso de que el trabajo no te interese.

Mientras fuera de España todo se soluciona vía mail, aquí te mandan un correo para preguntarte si te pueden llamar para si te interesa una oferta, pero sin aclarar nada.

Los americanos (con quien más trabajo) van al grano. Normalmente ni te piden presupuesto porque ya lo tienen cerrado y te dicen “esto es lo que hay” y si decides no hacer el trabajo lo respetan bastante, no son pesados. En España, sí lo son. Me han ofrecido proyectos que no me interesaba hacer y seguían insistiendo. Se ve que al orgullo español le cuesta la negativa.

Alemania a nivel creatividad son muy cerrados, no te dejan volar demasiado, lo tienen todo muy masticado. Depende de qué cliente norteamericano, también. Algunos ya sabes por lo que te vienen y te piden siempre lo mismo, por lo que se cierra un poco la magia de hacer cosas diferentes. Japón por lo general es muy divertido y entrañable, pero agobiante porque se dan a entender muy mal por escrito. A nivel nacional hay libertad y no: 50/50. Por suerte las pocas veces que he trabajado con cliente español, casi siempre con El País, he estado muy cómoda.

Respecto a los proyectos con los que me siento más orgullosa, le tengo especial cariño al de “VERANOS DE LA VILLA” del Ayuntamiento de Madrid en 2019 (hablaremos de él más adelante). Aunque también me encanta hacer portadas de disco y me siento orgullosa de todas ellas.

P. ¿Trabajas desde casa o tienes un estudio/taller? ¿Cómo es tu día a día y tu proceso de trabajo?

R. Desde hace casi dos años trabajo en mi casa. Pero desde los 19 me he buscado la vida (en casa de mis padres no podía currar) y subalquilaba mini estudios en casas de gente pagando algo simbólico. Al terminar La Massana alquilé un taller junto con unas amigas y lo convertimos en un coworking. Éramos 13 y estuvimos tres años compartiendo. Aunque el espacio era grande, resultaba un poco agobiante. Era como compartir piso, con las peculiaridades de cada una de tus 12 compañeras. Por lo tanto, ocho decidimos movernos a otro taller que me encantaba y en el que estuve trabajando cinco años.

Ahora que trabajo en casa, generalmente lo que hago es levantarme temprano, desayunar bien, a veces me ducho antes de ponerme a currar y otras no (depende de si tengo una entrega urgente). Siempre saco algún momento para hacer deporte (voy al gimnasio a dar clases) y por la tarde intento darme todos los días una vuelta. Voy buscando momentos de parón y no desatender la vida social. Claro, antes la tenía directamente en el taller y ahora no. Miro la tele, limpio, hago ejercicio, voy a buscar algo de comer, a tirar la basura… Eso sí, antes trabajaba más temprano que ahora, me he relajado con esa autoexigencia.

Respecto a los procesos de trabajo: mucho boceto, mucha idea, busco referencias a saco y empiezo a dibujar en papel. Exploro cómo se puede diseccionar la información, cómo se puede distribuir y cómo la quiero expresar. Si esto lo aprueba el cliente, tiro adelante y dibujo el arte final, lo paso a la Cintiq, allí lo entinto y, si veo que algo que tenía en mente no funciona, lo cambio en ese momento. La última parte es colorear.

P. Siempre te autodefines como ilustradora o dibujante, ¿cómo te sientes con la etiqueta de artista? Tus ilustraciones han sido ya expuestas en varios países y galerías de prestigio.

R. No sabría decirte, yo me siento ilustradora porque me da la sensación de que es más un oficio propiamente dicho. Artista me resulta algo muy amplio. A nivel de sensibilidad, considero que hay un punto artístico en mi trabajo, en tanto en que lo artístico es más sensible o trata de expresar algo más personal, sea una crítica o un sentimiento, pero nunca diría que soy una artista, la verdad. Tampoco me siento una ilustradora al 100% porque el oficio es más mecánico a veces y yo no creo que mi trabajo lo sea tanto. Supongo que estoy en un punto intermedio. Sí es cierto que mi trabajo se ha expuesto en muchos sitios.

Yo suelo decir que soy ilustradora o dibujante de cómics, quizá porque la palabra artista la identifico con algo muy pretencioso, pero esto es una percepción personal.

P. Tu trabajo da color a “HERSTORY: UNA HISTORIA ILUSTRADA DE LAS MUJERES”, colaboras con la “Asociación de Autoras de Cómics” y llegaste a rechazar un encargo de Google por, cito textualmente, “abajo con cualquier mierda que de comer al ego de un montón de tíos dándole a una pelota”. ¿Cómo definirías tu compromiso con el feminismo o con otras causas de lucha necesaria? ¿Notas una evolución positiva en esta materia desde que empezaste hasta el día de hoy?

R. Creo que hay un punto en el que muchas mujeres hacen el “clic” y pasan a analizar su situación desde otro punto de vista. Incluso las que consideramos que hemos crecido en un ambiente bastante igualitario (con sus grises, por supuesto), hay un momento en el que analizas a la sociedad y dices… “Espera un momento, no hay tantas mujeres artistas, ¿dónde están?, ¿las hubo en algún momento?” Y entonces empiezas a investigar. A mí me ocurrió con 18 ó 19 años, en primero de carrera de Bellas Artes y me puse bastante en plan “muerte al machito”. Afortunadamente esta concienciación sobre el feminismo es hoy en día mucho más evidente porque existe una mayor consideración hacia el tema. Además hay cosas y actitudes de hace diez años que no envejecen bien y hoy en día se ven mal.

Hay un momento en el que analizas a la sociedad y dices… «Espera un momento, no hay tantas mujeres artistas, ¿dónde están?, ¿las hubo en algún momento?»

Lo más interesante es que existe un impulso mutuo entre mujeres artistas, lo que hace que estas empiecen a considerar vivir de algo creativo como una realidad viable. Cuando estudiaba ilustración me fijaba que muchos ilustradores que triunfaban y a los que yo admiraba eran hombres. En cambio, mi clase de ilustración estaba llena de mujeres, los tíos eran minoría. Entonces pensaba que no podía ser algo casual, que sería todos los cursos igual, pero quien acababa pudiendo ser ilustrador era preferiblemente un tío. Y me ponía a darle vueltas y es que histórica y socialmente hay un punto en el que conciliar ser mujer (especialmente la maternidad) y trabajar en algo creativo (o en cualquier otro campo) está lleno de dificultades.

Ahora hay más conciencia de ello y mayor visibilidad de la mujer, no solo por la cuota. Cada vez hay más mujeres trabajando en el campo creativo y cogiendo más y más fuerza, lo que ayuda mucho a que las que vengan detrás o están estudiando y quieran trabajar en un campo creativo, las tomen como ejemplo.

Continúa en Parte II

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Hace unos años me invitaron a hablar de mi trabajo en un Pechakucha. Para el que esta palabra le suene a chino (o a japonés), se puede traducir como cháchara, conversación o cuchicheo en el idioma nipón. Esta iniciativa consiste, básicamente, en hacer una presentación de un proyecto o una idea de manera sencilla e informal con solo 20 imágenes y 20 segundos para cada una.

Como me pasa siempre que me piden hablar de lo que hago, le doy más vueltas de la cuenta. “¿Por qué iba la gente a querer escucharme hablar sobre mi propio trabajo? Que entren en mi web o mi Instagram y acabamos antes…”. En realidad, ese pensamiento solo esconde una inseguridad o cierta vergüenza que me empuja a buscar otro tema sobre el que construir la exposición y que pueda resultar más interesante, divertido o didáctico. Tanto para la audiencia como para mí mismo.

Por aquel entones ya llevaba un tiempo trabajando por mi cuenta, así que decidí resumir lo que había aprendido en esos años y compartirlo de una manera gráfica y amena. Surgió entonces la idea de la «Autonomatomía de un diseñador freelance”, con la que explicaba a modo de infografía las partes del cuerpo más importantes para un diseñador autónomo.

Muchos de los lectores de este blog son diseñadores freelance o lo serán una vez acaben sus estudios, decidan abandonar las empresas para las que trabajan o simplemente se vean obligados a ello por despido. Independientemente de si es por elección propia o no, trabajar por tu cuenta tiene sus pros y sus contras. Yo tengo que decir que hoy estoy más cómodo en esta situación que cuando presenté la idea aquella calurosa tarde del 9 de junio de 2017 en el Auditorio Eduardo Ocón de Málaga. Y es que en otros tres años se pueden aprender muchas cosas u optimizar tu productividad. Espero que os guste y que os pueda servir de ayuda.

AUTONOMATOMÍA DE UN DISEÑADOR FREELANCE

01. Cerebro

Que nadie piense que el diseñador gráfico hace dibujitos. Un diseñador gráfico (al menos, uno bueno) pasa la mayor parte del tiempo pensando, analizando, investigando, conceptualizando, organizando y desgranando las necesidades del cliente para llegar a la mejor solución. Es decir, solventando problemas de comunicación. Trabajamos además con numerosos materiales dentro de nuestra disciplina: composición, color, tipografía, iconicidad, legibilidad, jerarquía de información… Y con otros tantos programas que tenemos que aprender a utilizar.

02. Ojos / Vista

El trabajo del diseñador gráfico es esencialmente visual, por lo que la importancia de la vista es fundamental. Aparte, el diseñador ha de tener muy bien entrenado el ojo, saber captar y almacenar referencias visuales que puedan servirle de inspiración en el futuro. Estamos rodeados de ellas: en la ciudad, en la naturaleza, en los gestos de las personas, en el cine, en la literatura, el arte… Todo eso es muy bonito, pero hay que saber aprovechar las nuevas tecnologías y unos buenos tableros de Pinterest te facilitan muchísimo el trabajo en el orden y almacenaje de estas referencias.

03. Boca

Un buen diseñador es capaz de comunicar únicamente con su trabajo, pero para un diseñador freelance resulta importantísimo el buen uso del lenguaje tanto escrito como verbal. Eres tu propio jefe, el que se reúne con los clientes y el redactor de los mails que les llegan, así como los textos de las presentaciones o las propias exposiciones orales de los mismos. La dialéctica nos ayuda a convencer y entusiasmar, del mismo modo que nos puede abrir otras puertas como la docencia o el mundo de las ponencias. No olvidemos que el lenguaje es una herramienta fundamental para el diseñador y hay que usarlo correctamente. Las faltas de ortografía no pueden tener cabida en nuestro día a día. Si tu boca habla más de un idioma, las ventajas se multiplican.

04. Orejas / Oído

Un diseñador tiene que saber escuchar. Escuchar al cliente, escuchar al entorno, escuchar las críticas (constructivas). La autocrítica es importantísima para mejorar y dejar a un lado egos absurdos que tan solo nos limitan como profesionales. Escuchar es aprender.

05. Nariz / Olfato

Tanto para saber cuál es el camino correcto en la solución de un problema de comunicación, como para oler qué cliente o proyecto huele a chamusquina y por lo tanto va a ser un suplicio. Ya sea por desorganización, falta de profesionalidad u otros aspectos negativos de un cliente tóxico, en esos casos hay que presupuestar muy detalladamente y teniendo en cuenta estos factores, pues las horas de trabajo se multiplicarán.

06. Cara

Un diseñador freelance (o un autónomo en general) tiene que echarle un poco de cara a la vida. Cualquier entorno es susceptible de generar un proyecto en el que trabajar, por lo que siempre hay que ir con una tarjeta en el bolsillo. Nuestra vida ha de ser en parte un reflejo de nuestra profesión, porque al final esa parte de nosotros es nuestra propia marca. Todo suma para el autónomo. Mención especial para aquellos diseñadores e ilustradores que han buscado nuevas y originales formas de monetizar su trabajo. Es el caso de Mr. Bingo, que se gana la vida insultando a la gente por correo postal, entre otras cosas.

07. Codos

Que nadie se piense que una vez que conseguimos pagar el autónomo y vivir de nuestro propio trabajo, la etapa de estudiante se olvida para siempre. No. Un diseñador tiene que estar en constante reciclaje, aprendiendo nuevas cosas y evolucionando a la par que evoluciona nuestra sociedad y sus necesidades.

08. Manos

Con ellas trabajamos, dibujamos, bocetamos, esquematizamos… Por lo que su papel es innegable. Por otro lado, vivimos en un mundo altamente digitalizado en el que cualquier elemento tangible u orgánico se convierte de inmediato en un valor añadido. Volvamos a lo manual, a humanizar nuestros diseños. O, al menos, no nos limitemos a los papeles, materiales y acabados estándar; incrementemos el valor de nuestros proyectos trabajando también la parte táctil. Porque diseñar no es solo el resultado gráfico, sino que puede ser una experiencia mucho más completa si cuidamos también el tacto investigando sobre tipos de papel, impresión o acabados.

09. Dedos

Necesitamos nuestros dedos porque hay que saber contar ingresos y gastos, calcular presupuestos y fechas, organizar calendarios… Pero también hay veces que esos dedos nos pueden servir para mandar a paseo a alguien que pretende aprovecharse de nuestro trabajo. En definitiva, también hay que saber decir que NO, ya sea moviendo de un lado a otro el dedo índice o extendiendo gentilmente y de manera completa el dedo corazón.

10. Uñas

Doble lectura. Tenemos que desterrar la expresión “Aquí no hay de dónde rascar”. Un buen diseñador freelance tiene que saber “rascar” de cualquier proyecto, por muy insulso que pueda parecer al principio. Conseguir un buen resultado de un trabajo aparentemente aburrido puede ser más satisfactorio que observar el éxito de una campaña divertida. La segunda lectura es que esas uñas nos pueden servir también para rascar la espalda de compañeros y que estos rasquen la nuestra. Hay que saber cuándo uno no puede enfrentarse a un trabajo solo y debe colaborar con otros profesionales para que el resultado sea el óptimo.

11. Pecho

Hay que sacar pecho. Diriges tu propia marca y, por tanto, tienes que promocionarla. Se acabó el síndrome del impostor, el valorar el trabajo de los demás más que el tuyo propio. Terminó la vergüenza disfrazada de humildad que hace que “nos dé cosa” mostrar nuestro trabajo por resultar pesados. Se acabó el conflicto de ego vs autopromoción. No publicas esos trabajos en las RR. SS. porque necesites likes para sentirte mejor. Los publicas porque estás mostrando tu curro, del que te sientes orgulloso.

12. Estómago

Esta es una de las partes del cuerpo que se lleva el peor trabajo, pero es igual de importante que las demás. El diseñador freelance tiene que tener estómago. Hay que facturar y lamentablemente no todos los proyectos son tan interesantes o creativos como nos gustaría. Así, nos tocará realizar proyectos horribles donde no nos den margen de maniobra o mejora y negaríamos siempre haber sido los autores de los mismos.

13. Huevos

Hay que echarle huevos a esto (ovarios en el caso femenino). No tener un sueldo fijo es aterrador, es tirarse al vacío. No todo el mundo es capaz de hacerlo. Además, hay que trasladar esa valentía a la dinámica de afrontar proyectos, no tener miedo a los retos y buscar los colaboradores necesarios.

14. Rodillas

A veces tocará rezar (incluso los no creyentes) para que llegue ese pago a tiempo o hasta rogarle al propio pagador. Aparte, las rodillas peladas son sinónimo de sacrificio, trabajo y sufrimiento, que muchas veces tocará.

15. Pies

El diseñador freelance tiene que moverse. No solo vale con mover tu trabajo por las RR. SS. Hay que ir a visitar clientes, a visitar proveedores, a buscar soluciones fuera de la casa o de la oficina. También hay que ir a conferencias, eventos, dejarse ver, estar en donde hay que estar, viajar y aprender. Nos tienen que doler los pies de movernos. Estar en los sitios adecuados puede abrirnos muchas puertas. A veces, el movimiento será mayor y nos obligará a mudarnos de ciudad o incluso de país para conseguir esos proyectos o esa comodidad que tanto ansiábamos.

16. Culo

Somos autónomos y ya sabemos qué pasa con nosotros en este país. Que tenemos que pagar una cuota abusiva y no proporcional, que no tenemos vacaciones ni paro y que somos el último mono del sistema laboral español. Es decir, que nos dan por ahí mismo y por lo tanto tenemos que tener uno.

17. Corazón

He dejado esta última parte del cuerpo para el final con el fin de hacer cierto hincapié. Ponemos el corazón en lo que nos gusta. Si nos mola nuestro trabajo, lo pondremos en él. No obstante, desde este blog reivindico la importancia del tiempo libre dedicado a los amigos, la familia, el ocio y las aficiones. El trabajo es una cosa, pero la vida es otra. Y es ahí donde hay que poner verdaderamente el corazón.

¡Gracias!

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