Los grafitis les dan un toque especial a los paisajes urbanos. Lo que tiempo atrás se consideraba como mero vandalismo, hoy en día se valora cada vez más. De hecho, para muchas personas, los grafitis son considerados como auténticas obras de arte callejeras.

En el artículo de hoy vamos a darte consejos útiles para salir a la calle y fotografiar grafitis. Además, veremos trucos para conseguir fotografías espectaculares y también te informaremos sobre el tema de legalidad al compartir fotos de obras de arte ajenas.

'Street Art' o Arte Callejero: los Grafitis

¿Quién no ha visto fotos del metro de Nueva York repletos de pintadas? ¿O los famosos murales de las calles de Berlín? ¿Y los grafitis artísticos de Londres o París? Algunos de ellos forman parte del encanto y de la personalidad de una ciudad y son parada obligatoria para turistas y curiosos.

En España, barrios como Malasaña en Madrid, Poblenou en Barcelona o el barrio del Carmen en Valencia, son auténticas galerías de arte del grafiti. De hecho, cada vez es más frecuente encontrar rutas turísticas y quedadas fotográficas que se organizan solo con la intención de admirar la esencia artística de un barrio a través de sus grafitis.

Aún sigue considerándose vandalismo cuando se hace sin permiso, pero cada vez es más habitual que un ayuntamiento, una comunidad de vecinos o un propietario permita a un artista callejero grafitear sus fachadas, paredes o persianas. En algunos casos, incluso se trata de un trabajo bien remunerado.

10 Consejos para Hacer Fotos a Grafitis

Si te gusta practicar la fotografía callejera o street photography, no hay duda de que los grafitis van a ser los protagonistas de tus capturas en más de una ocasión. No te pierdas estos consejos para fotografiarlos y, aún más importante, para saber cómo hacerlo de forma legal.

#1. Localiza un Barrio con Buenos Grafitis

Ya sea porque vas a salir a buscar grafitis en tu misma ciudad o porque vas a viajar aposta para hacer una sesión de street art, tendrás que informarte antes. Localiza en Internet las rutas turísticas de arte callejero más conocidas para poder organizar tu salida fotográfica y aprovecharla al máximo.

De hecho, también puedes buscar fotos de grafitis de una ciudad concreta en páginas como Flickr o 500px para ver el trabajo de otros fotógrafos que ya han estado allí. Así sabrás qué tipo de grafitis te vas a encontrar, qué lente puedes llevarte, cómo será la luz e incluso el autor de las obras, si lo han mencionado en el pie de foto.

#2. Aprovecha Bien la Luz Natural

Piensa bien a qué hora vas a ir a realizar tus fotografías. La luz natural, como sabes, va cambiando a lo largo del día según la posición del sol. Siempre te recomendamos que aproveches las primeras y últimas horas del día porque la luz es más homogénea y las sombras más suaves.

Por otro lado, fíjate en el tiempo. Si vas a salir a fotografiar grafitis durante todo el día, intenta elegir un día nublado, donde las propias nubes actúen como difusor. Aunque si tu intención es añadir dramatismo y que se marque una textura, puede que te interese una luz de medio día que genere sombras duras sobre tu grafiti. Así, podrás ganar mayor volumen y contraste.

#3. Capta Lo Efímero

Lo que está claro es que un grafiti está en la calle y eso lo convierte en una obra de arte vulnerable. Cuando decimos que es efímero nos referimos a que es muy posible que no sea exactamente igual que cuando se pintó o que cuando tú lo fotografiaste. Ni será el mismo dentro de un año o dos, incluso puede que desaparezca a los pocos días de haber sido pintado.

Al estar al aire libre, las inclemencias del tiempo o las modificaciones de otros grafiteros o 'bromistas' pueden alterarlo notablemente. Por eso, un grafiti tiene ese punto de encanto efímero y es habitual ver que en el pie de foto está la fecha en la que se tomó, porque no sabemos qué será de él o cómo evolucionará.

#4. Ten en Cuenta el Tamaño del Grafiti

Hay grafitis de todas las formas y tamaños. Algunos ocupan la persiana de un local mientras que otros cubren la fachada completa de un edificio. Por eso, deberás elegir cómo componer teniendo en cuenta el tamaño de la obra. Pero no te limites solo a fotografiar la obra en sí.

Si, por ejemplo, se trata de un grafiti muy pequeño integrado en el mobiliario urbano, igual es mejor que en lugar de hacer un plano detalle, lo integres dentro de un contexto. Deja que forme parte del paisaje urbano componiéndolo dentro de uno de los puntos fuertes de la imagen. Usa también un gran angular y verás el efecto tan creativo que consigues.

Si lo que te interesa más es el detalle del trabajo realizado o la textura de la superficie donde está pintado el grafiti, entonces acércate todo lo posible al dibujo para fotografiarlo. No hace falta que hagas las fotos de frente, si controlas la profundidad de campo puedes incluso hacer tus capturas con mucha perspectiva, para ganar mayor sensación de profundidad.

#5. Añade Personas o Elementos en tu Composición

A veces, en lugar de hacer la fotografía del grafiti en sí mismo, podemos incluir elementos interesantes dentro de la composición. Así le estaremos dando más contexto a la imagen y haremos que haya un mayor contraste o que incluso se cuente una historia interesante que atraiga más al espectador.

De hecho, aunque el grafiti sea el elemento protagonista de la captura, no descartes la idea de incluir personas dentro de la composición. Les darán más realismo y personalidad a tus fotografías callejeras. Además de ayudar al espectador a hacerse una idea del tamaño real de la obra, pueden enfatizar el mensaje original.

#6. Busca el Significado Oculto del Grafiti

Lo más habitual es que los grafitis no hayan sido creados porque sí, ni tampoco hayan sido pintados en un lugar concreto por casualidad. En la mayoría de las ocasiones llevan implícito un mensaje secreto o una idea, es decir, tienen un significado para su autor. Muchas veces, los artistas plasman sus obras para expresar artísticamente una protesta social o política.

Cuando estás haciendo una fotografía de un grafiti y compartiéndola, también estás compartiendo esa protesta con el mundo. Es una forma de descifrar y transmitir esa idea e incluso de enfatizarla gracias a las técnicas fotográficas que conoces. Aprovecha esas ideas tan originales y dales forma dentro de tu composición.

#7. No dejes de lado la Seguridad

Habitualmente los grafitis están pintados en callejones, lugares abandonados, zonas deshabitadas o barrios conflictivos. Aunque no siempre es así, de hecho, cada vez hay más grafitis en zonas céntricas y turísticas de las capitales más importantes del mundo.

Sin embargo, si vas a entrar en una zona crítica es recomendable que en lugar todo tu equipo fotográfico, lleves solo tu cámara con un objetivo zoom y una mochila corriente que no sea fotográfica y pase desapercibida. Del mismo modo, asegúrate de no entrar en una zona privada o un área restringida sin permiso y de no estar situado en una carretera o en las vías de un tren.

#8. Dispara tus Fotos en RAW

Si algo destaca de un grafiti son sus colores, sus contrastes y la textura de la superficie donde está pintado. Si queremos sacar el máximo partido de la fotografía de un grafiti, necesitamos disparar siempre en nuestras fotos en formato RAW.

Como sabes, el RAW es un formato que a la hora de procesar tu imagen te permitirá mayor versatilidad. Cuando dispares en RAW tendrás un mayor rango dinámico, por lo que podrás corregir y nivelar la diferencia entre zonas claras y oscuras (sobreexpuestas y subexpuestas) de una manera mucho más eficaz que si disparas en JPEG.

#9. Combina Varias Técnicas Fotográficas

Esa será tu tarea principal como fotógrafo. Si encuentras un grafiti que de verdad te gusta, no te limites solo a hacer unas cuantas composiciones desde diferentes ángulos o con distintas ópticas. Prueba también a utilizar diversas técnicas. Lo importante es que seas creativo y explotes al máximo tu imaginación para conseguir fotografías que sumen tu toque artístico al trabajo del otro artista callejero.

Usa la larga exposición para capturar el paso fantasmagórico de peatones o captar estelas de luz, prueba a cazar yuxtaposiciones, usa un objetivo macro y crea fotografías abstractas con detalles de la pintura, haz fotografías callejeras nocturnas o lightpainting, aprovecha los reflejos de un charco e incluso ¿por qué no? atrévete también a realizar retratos urbanos con los grafitis de fondo.

#10. Prueba a Utilizar la técnica HDR

Como ya te explicábamos en el artículo de fotografía HDR, lo que se consigue con esta técnica es abarcar el máximo rango de niveles de exposición en todas las zonas de la imagen. Para ello deben realizarse tres o más fotografías del mismo lugar con diferentes exposiciones y luego unirlas en un programa de edición.

Hay cámaras que disponen del modo bracketing y que disparan automáticamente tres fotos con diferentes exposiciones configurando solo los parámetros de una de ellas. Sin embargo, si no dispones de esa opción, puedes hacerlo manualmente. Con el HDR conseguirás enfatizar aspectos como los detalles de las texturas, los trazos y las sombras.

Los Grafitis Tienen Derechos de Autor

Que un grafiti esté pintado en la calle no lo convierte en una obra de dominio público. El mundo de la propiedad intelectual y de los derechos de autor es una cuestión legal que debemos tener muy presente cuando salimos a hacer nuestras fotografías, sobre todo si viajamos, porque en cada país esto funciona de una u otra manera...

En España al menos, de igual modo que no podemos distribuir la imagen de personas que hemos fotografiado en la calle sin su permiso, no podemos hacer la foto de un grafiti y compartirla sin atribución al autor y mucho menos venderla. En ese último caso, estaríamos violando la propiedad intelectual y podríamos ser incluso denunciados por el autor (solo si este último es capaz de demostrar que la obra es suya).

Pero tranquilidad, podemos hacer varias cosas para que sea legal fotografiar un grafiti. Por norma general, si un grafiti ocupa más de la mitad de nuestra foto estamos copiando. Pero si solo ocupa una parte de la composición no deberíamos tener ningún problema en compartirlo (ya sabes, hecha la ley...)

Del mismo modo, si parte el grafiti aparece desenfocado o completamente fuera de foco tampoco se suele considerar una copia. Esto es bueno saberlo si lo que quieres es hacer retratos urbanos en los que el protagonista sea un sujeto y el grafiti solo sea un elemento decorativo del fondo.

Aun así, lo más recomendable es que siempre le pidas permiso al autor. Normalmente los grafitis suelen llevar la firma del artista, así que puedes googlearlo para encontrar su web o su contacto y directamente pedirle consentimiento para compartir tu foto.

Seguramente, el autor se sentirá halagado y te dirá que sí, pidiéndote (o no) que enlaces su web en el pie de foto. Piensa que incluso es posible que te pida la imagen para poder compartirla en sus redes sociales nombrándote, lo que también te dará visibilidad.

No olvides que tanto el grafitero/a como tú sois artistas visuales y que tenéis el mismo fin: crear obras espectaculares. De igual modo que a los fotógrafos no nos gusta que utilicen nuestras fotos sin permiso, no podemos dejar de lado el reconocimiento al trabajo del artista del grafiti y la atribución del mérito a su autor.

Seguro que has visto multitud de fotografías en las que un fondo completamente negro contrasta mucho la imagen y resalta el objeto fotografiado. ¿Lo has intentado conseguir y no has logrado el resultado que esperabas?

No te preocupes, es más fácil de lo que parece. Para poder lograr buenas fotos con fondo negro solo necesitas leer este artículo, porque vamos a mostrarte cuáles son los problemas habituales que vas a encontrarte y cómo solucionarlos. ¡Vamos allá!

El Magnetismo del Fondo Negro

Las imágenes con fondos negros tienen un gran poder de atracción porque las relacionamos con misterio y distinción. Si se trata de un objeto nos inspira lujo y elegancia, mientras que si se trata de un retrato, esa persona nos parece enigmática, profesional e interesante, incluso puede llegar a intimidarnos si nos mira directamente.

Eso pasa porque asociamos los colores a emociones de forma inconsciente, es lo que conocemos como Psicología del Color. Además, como es evidente, el contraste que se crea entre figura y fondo hace que el objeto principal sea el centro de interés para el espectador.

El punto fuerte de las capturas con fondo negro es que eliminan la información innecesaria del segundo plano del encuadre. En ellas tenemos el control total sobre la composición, la cual podemos manejar a nuestro antojo, consiguiendo un aspecto más profesional.

¿Cuándo Usar un Fondo Negro?

Realmente, puedes utilizar un fondo negro siempre que quieras porque en fotografía (como en cualquier otro arte) no hay reglas inquebrantables. Pero sí que es verdad que existen disciplinas fotográficas donde es más fácil que se utilicen este tipo de fondos.

En fotografía de producto es un color indispensable, ya que (junto con el fondo blanco) aíslan el producto del fondo focalizando la atención en el primero y esto, para realizar una venta, es lo que más interesa. Por el mismo motivo, suelen emplearse en fotografía de moda o en fotografía gastronómica.

También los utilizaremos para fotografía macro de insectos, flores, plantas o joyas, por ejemplo, e incluso para composiciones más artísticas de naturaleza muerta. Y, por supuesto, como ya hemos comentado, son habituales para fotografía de retrato en color o blanco y negro. De hecho, seguro que has oído hablar de los famosos retratos en clave baja, ¿verdad?

El Error Habitual del Primer Intento

Cuando uno se plantea obtener una de estas fotografías, lo primero que seguramente piensa es: 'Si dispongo de un fondo de color negro, me será mucho más fácil'. Y sí, es verdad, un fondo negro nos ayuda a conseguir lo que buscamos, pero no lo es todo.

Es posible que si colocas una tela, una cartulina o lo que sea que encuentres de color negro y lo sitúas justo tras el objeto o sujeto a fotografiar, obtengas algo parecido a lo siguiente.

Desde luego, como punto de partida no está mal. Pero, como ves, el fondo no es uniforme. De hecho no es del todo negro si no gris y presenta diferencias de iluminación debido a los pliegues y arrugas que hay en el propio material.

Con una foto como esta, no te queda más remedio que irte a Photoshop y tratar de pintar de forma homogénea el fondo para que se perciba como algo completamente uniforme. El problema es que, si no eres un auténtico crack de la edición, es posible que el resultado no sea del todo bueno.

De hecho, aunque consigas arreglar ese fondo en edición, seguramente habrás invertido un tiempo que te podrías haber evitado disparando la toma bien desde el principio... Por eso, vamos a ver qué ha podido fallar.

¿Por qué no hemos Conseguido un Fondo del todo Negro?

Aunque no lo creas, que el fondo sea negro no es lo más importante para lograr un fondo de este color. Nos ayuda, pero como has visto en la imagen anterior no es suficiente. Cuando fotografiamos un objeto debemos considerar la existencia de dos iluminaciones:

• La iluminación del primer plano: que se controla con el diafragma. Cuanto más cerrado esté, más oscuro se verá el primer plano, o bien, más intensidad requerirá la luz de la que dispongas para iluminar correctamente.

¿A qué se debe esto? Pues al número f que elijas. Como sabes, este número hace referencia a la abertura física del diafragma, es decir, al diámetro del orificio que dejan las palas. Como ves en las fotos de ejemplo, cuanto menor es el número f, mayor es el orificio, es decir, mayor es la apertura del diafragma y, en consecuencia, más luz entra en nuestra cámara. Y viceversa, cuanto mayor es el número f, menor es el orificio que dejan las palas y, por tanto, menor es la apertura de diafragma, lo que se traduce en menos luz entrando hacia nuestra cámara.

• La iluminación del fondo: que se controla con el tiempo de exposición. Un menor tiempo de exposición permite contar con un fondo más oscuro.

De este modo, la iluminación del fondo (si este está debidamente alejado del primer plano) dependerá exclusivamente de la luz ambiente y no de la luz del flash, por lo que podremos reducir esa iluminación del fondo utilizando una velocidad de obturación alta.

Tienes un ejemplo de esto último en las dos imágenes superiores. Ambas fueron tomadas con f/3.5, pero en la de la izquierda el tiempo de exposición fue de 1/10 seg., mientras que en la de la derecha el tiempo de exposición fue de 1/200 seg.

Regla de la Inversa del Cuadrado

Otro punto esencial es la distancia a la que colocamos el fondo con respecto al elemento fotografiado, donde entra es escena una ley física esencial: la Inversa del Cuadrado. Esta hace que a medida que nos alejemos de la fuente de luz, la intensidad con la que actúa esta luz disminuye cuadráticamente, ¿no lo recuerdas? Te refrescamos la memoria.

Se trata de una ley que se aplica a diversos fenómenos físicos y que consiste en que la intensidad de estos fenómenos disminuye a razón del cuadrado de la distancia al centro donde se originan. En particular, se refiere a fenómenos ondulatorios como son la luz y el sonido, siempre y cuando el foco de emisión sea puntual.

En otras palabras, que la intensidad de luz recibida por un objeto al ser iluminado por una fuente de luz que, por ejemplo, se encuentra a 1m, disminuye 4 veces (dos al cuadrado) cuando situamos ese objeto al doble de distancia (2m). Y, por ende, esta intensidad disminuye 9 veces (el triple al cuadrado) cuando situamos ese objeto al triple de distancia.

Lo bueno es que esta regla se aplica a cualquier tipo de iluminación ya sea natural, continua, del flash integrado, del flash externo, etc. Por lo tanto, si has cometido el error habitual de colocar el fondo justo detrás del objeto u sujeto fotografiado, bien pegadito, pues difícilmente habrás conseguido el fondo negro que esperabas.

Aspectos a Tener en Cuenta para Fotografiar un Fondo Negro

Además de la distancia entre el objeto fotografiado y el fondo, hay que tener en cuenta otros aspectos relevantes como el material que utilices para el fondo y la dirección en que la luz incide sobre nuestra composición.

Fragmento Fototip Fotos con Fondo Negro: Problemas y Soluciones

El Tipo de Fondo

Cuando contamos con un gran espacio donde hacer nuestras fotos, podemos separar mucho el sujeto u objeto del fondo y no preocuparnos tanto de los detalles. Pero si disponemos de un espacio reducido, vamos a tener que escoger muy bien el fondo.

Si nuestro objetivo es conseguir un fondo liso, uniforme y homogéneo en el resultado final de la toma, deberíamos utilizar un fondo así, ¿no crees? En primer lugar, debemos pensar en el tamaño del fondo porque no será lo mismo fotografiar una flor que una persona de cuerpo entero, por ejemplo.

Debes conseguir un fondo donde el sujeto u objeto quede completamente delimitado dentro de él. Este puede ser una tela, un cartón, un papel, un vinilo, una pared, etc. lo importante es que sea lo más oscuro y opaco posible (es decir, que no pase la luz a través de él).

Tampoco nos interesa que el material de la superficie de ese fondo refleje la luz, como el plástico o el cristal, mejor si es mate. Por último, tampoco elegiremos uno que tenga demasiadas arrugas o textura, para evitar sombras e imperfecciones indeseadas.

La Direccionalidad de la Luz

El otro aspecto a tener en cuenta es la dirección con la que la luz incide sobre nuestro elemento fotografiado. Ya sea la luz natural que entre por una ventana, la luz de un flash externo o una luz continua (una bombilla, una lámpara, etc.) es mejor que no incida de forma frontal sobre lo que queremos fotografiar.

¿Por qué? Pues muy sencillo, porque si la luz incide frontalmente alcanzará tanto al elemento fotografiado como al fondo, contaminándolo de luz. Esto solo hará que tu fondo aparezca de color gris en lugar de negro, se proyecten sombras e incluso se refleje la luz o se vean arrugas (si has usado un fondo irregular).

Sabiendo que la luz se propaga en línea recta, tendrás que jugar con ella colocándola a 90º o 60º del elemento fotografiado o usando bloqueadores de luz como tarjetas negras o reflectores. Todo depende del espacio que tengas, cuanto menos espacio, más trampas vas a tener que usar.

A qué distancia situar la luz con respecto al elemento fotografiado es también importante. Lo más adecuado es que coloques la luz bastante cerca del elemento fotografiado y si dispones de modificadores de luz que hagan la iluminación todavía más direccional como snoots o grids (incluso caseros) todavía te resultará más fácil lograr un buen resultado.

¿Qué Ajustes Debo Emplear para Conseguir un Fondo Negro?

Ahora solo es cuestión de pensar un poco cuáles son los ajustes más oportunos para lo que pretendemos lograr, que no es otra cosa que apagar el fondo. Sin embargo, los ajustes que te vamos a proponer no son universales para todas las cámaras, simplemente porque cada cámara y su rango dinámico son diferentes.

No vamos a entrar a fondo a tratar este tema, pero es algo que debes tener en cuenta. Grosso modo, la razón por la que podemos lograr un fondo negro en nuestras tomas es porque nuestras cámaras tienen un rango dinámico más limitado que nuestra visión. Con nuestros ojos somos capaces de ver más variaciones tonales o de intensidad de luz en comparación con una cámara.

Por lo tanto, con una cámara más antigua y con un sensor más pequeño probablemente tengas un rango dinámico más acotado y te resulte más fácil lograr un fondo negro. Mientras que, si cuentas con una cámara último modelo de gama profesional, capaz de captar mucha más información tonal, te resultará más difícil.

En general, los ajustes ideales serían los siguientes:

• Seleccionar una apertura de diafragma pequeña entre f/5 y f/8 para que el sujeto aparezca perfectamente nítido.
• Reducir el tiempo de exposición todo lo posible para apagar el fondo. En función de la luz ambiente, necesitarás reducirlo más o menos, pero prueba con 1/200 - 1/250s (o más si no usas flash o tienes un flash de alta sincronización).
• Elegir una sensibilidad ISO lo más baja posible.
• Utilizar el modo de medición puntual para que se mida la luz justo donde se encuentra el elemento fotografiado y oscurecer más el segundo plano de la toma.
• Tratar de que la fuente de luz principal, ya sea natural de flash o continua, no incida de forma frontal para evitar que contamine el fondo. Acércala más al elemento fotografiado, si es necesario.
• Disparar en formato RAW para que te resulte más fácil modificar las luces y las sombras, recuperando detalles en zonas concretas que nos puedan interesar.
• Separar todo lo posible el fondo del primer plano, evitando que la luz llegue hasta él.
• Y, por supuesto, si tienes un fondo negro y se dan las condiciones de poder preparar la toma y emplearlo, usarlo. Simplificará y mejorará el resultado del trabajo. Pero recuerda que te interesa un material opaco y mate que no haga reflejos.

Siguiendo todos estos ajustes y con una distribución como la que te hemos relatado en este punto, tomamos esta fotografía.

Canon 7D · 50mm · f/6.3 · 1/125s · ISO 400

Toque Final: El Procesado de la Imagen

Si has seguido todos los pasos que te hemos indicado, probablemente ya obtendrás un fondo bastante oscuro. Pero puede ser que quieras que sea un negro aún más profundo.

Para eso ya tendrás que usar programas de revelado o edición como son Lightroom, Capture One o Photoshop. Sea en el programa que sea, nos interesará sobre todo ajustar las Sombras y los Negros, para obtener un color negro perfecto si no tenemos zonas iluminadas en el fondo.

Podemos usar también la herramienta Contraste para aumentarlo, aunque trabajarás de forma más precisa creando una capa de ajuste de Curvas. Así podrás trabajar en una capa de ajuste las diferentes zonas de luces y sombras de forma independiente y corregir mejor los valores tonales de tu captura manualmente.

Aunque una forma rápida y eficaz de ajustar el rango tonal de su imagen es esta. En el panel de propiedades de Curvas verás en el lado izquierdo tres cuentagotas. Haz clic en el de arriba, ese es el que controla los negros. Ahora haz clic en su fondo. De esta manera, le estás diciendo a Photoshop que el fondo es el negro más negro de la imagen.

Esto hará que tu fondo sea negro, aunque modificará toda la gama tonal oscureciendo toda la imagen. Si te gusta, no hay problema. Si, en cambio, deseas mantener su sujeto como estaba originalmente, debes darle visibilidad al sujeto en capa inferior.

Resultado Final Revelada con Capture One y Editada en Photoshop

Para ello, vuelve al panel de capas. Notarás que la capa de curvas que agregaste tiene una miniatura blanca, es una Máscara de Capa. Entonces, escoge la herramienta Pincel con el color negro y pinta sobre el elemento fotografiado. Puedes usar una opacidad baja para que se pinte gradualmente; de esta manera, no se generarán transiciones bruscas.

Y ya lo tienes, oscureciste tu fondo negro en edición. Puedes hacer el mismo proceso usando la herramienta Niveles o ajustando el Brillo y el Contraste en lugar de usar Curvas, por lo que hay varios métodos para lograrlo.

Por último, si existen puntos brillantes, arrugas iluminadas o imperfecciones, podemos usar las herramientas de reparación y clonación de las que dispongamos para eliminarlas de la imagen.

'Negro que te quiero Negro'

¿Qué te parece el resultado? No hace falta disponer de un gran espacio para poder conseguir este tipo de fotos si sabemos cómo utilizar los recursos que tenemos a nuestro alcance y dominamos los ajustes de nuestra cámara.

Es más, podemos conseguir fondos completamente negros sin necesidad de tener un fondo oscuro e incluso disparando tomas en el exterior a pleno sol... Pero, eso ya te lo contaremos en otro artículo, de momento, practica con estos sencillos consejos. ¿Qué dices? ¿Te animas a probarlo y nos cuentas tus impresiones?

El histograma es una representación gráfica que refleja la cantidad de pixels en una imagen que tienen una determinada luminosidad. Se trata de una herramienta sencilla y muy útil para conseguir un nivel de exposición adecuado en tus fotografías. En este artículo te contaremos con mayor detalle qué es exactamente el histograma, cómo interpretarlo correctamente, distintos tipos de distribuciones y de qué manera usarlo para conseguir mejores fotos.

El Histograma. ¿Qué Significan Todas Esas Barras?

El histograma es, como puedes ver en la imagen, un diagrama de barras que representa la distribución de pixels de una imagen en base a su luminosidad.

El histograma representa, en el eje horizontal, la distribución de sombras, tonos medios y luces (de izquierda a derecha), y, en el eje vertical, el número de pixels de la imagen que tienen tal luminosidad.

De este modo, la superficie de cada una de las barras que forman el histograma refleja la mayor o menor frecuencia de pixels de la imagen que tienen cada valor de luminosidad.

Así pues, podríamos decir que el histograma es el elemento que le "chiva" al fotógrafo las características de exposición de la foto. Y como verás a continuación, no se trata de un chivato cualquiera, sino que es el chivato más fiel con el que contamos, en lo que a exposición se refiere, claro.

¿Para Qué Sirve el Histograma?

Cuando uno empieza en esto de la fotografía digital, piensa que para saber si ha hecho bien una foto le basta con disparar y echar un vistazo a la foto en la pantalla LCD de su cámara.

Fragmento Fototip Funciones Menospreciadas de la Cámara

Si el acabado es más o menos correcto, vamos a por otra escena que retratar. Si no, tratamos de corregir un poco la exposición con la apertura, la velocidad y/o la sensibilidad ISO, disparamos y volvemos a comprobar si la imagen nos parece buena.

Sin embargo, la representación que hace nuestra cámara de la foto puede no coincidir fielmente con la que veremos en nuestro ordenador, ya que no está calibrada y suele brillar más de lo normal. Además, en días muy luminosos, tienes que hacer auténticos malabarismos para poder ver correctamente el LCD de tu cámara: pones la mano, el cuerpo, te pones detrás de una pared...

Y, por si fuera poco, el tamaño de las pantallas de las cámaras no es que sea excesivamente grande como para apreciar correctamente una fotografía.

Y ¿cómo solucionamos esto? Pues muy sencillo, ¡utiliza el histograma!

El histograma nunca miente, si te muestra una distribución es que es esa distribución la que siguen los pixels de la imagen tomada. Además la representación del histograma se puede ver de forma adecuada en la pantalla de nuestra cámara y nos proporcionará información mucho más fiable sobre nuestra foto que la que podamos interpretar al ver la fotografía recién tomada en la pantalla LCD de nuestra cámara.

Comprueba si Tu Cámara Te Permite Usar el Histograma Y ¡Úsalo!

Estoy casi seguro de que tu cámara te permitirá observar el histograma de una fotografía una vez tomada. Hoy en día casi todas las cámaras ofrecen esta opción.

Así que "desempolva" el librillo de instrucciones (si lo has tirado, busca en Internet, seguro que puedes hacerte con las instrucciones) y mira a ver cómo se visualiza el histograma de las fotos que has tomado con tu cámara.

Una pista, si tienes un botón que ponga "Display", probablemente la forma de ver el histograma sea pulsando varias veces este botón para que muestre las distintas modalidades de visualización de tus fotos. En otras cámaras puede ser dándole al botón "Play", o pulsando el cursor hacia arriba, como en mi Nikon D7000. Pero hay muchísimos modelos de cámaras y formas de ver el histograma, así que si no vale nada de lo que te he dicho para tu cámara, te toca mirarte las instrucciones. Lo siento.

A partir de ahora le vas a dar mucho uso a esta función, de manera que recuerda bien la manera de ver el histograma en tu cámara.

Descifrando el Histograma. Comprobando la Exposición

En el momento que uno adquiere cierta soltura en el uso y visualización del histograma, es capaz de identificar los "problemas" o características que tiene una fotografía, en lo que respecta a exposición, con sólo apreciar durante unos segundos su histograma. Sin necesidad de ver siquiera la fotografía.

Fragmento Fototip La Exposición

A continuación te presento una serie de histogramas tipo junto con fotografías de ejemplo para que vayas familiarizándote con nuestro "amigo" el histograma.

1. Fotografía Subexpuesta. La subexposición puede detectarse en el histograma si se aprecia que la distribución de barras se sitúa a la izquierda de la gráfica, habiendo una total ausencia de luces en la imagen. En estas fotografías se produce una pérdida palpable de información entre las sombras, pues en aquellas zonas en las que se alcanza el mínimo valor de luminosidad es imposible establecer matices entre unos pixels y otros.
2. Fotografía Sobreexpuesta. En esta ocasión, el histograma está "volcado" hacia la derecha, siendo mínima la existencia de sombras en la imagen, de manera que la parte izquierda del histograma queda totalmente despoblada. En este tipo de fotografías con excesivas luces, se denomina zonas quemadas a aquellas zonas que han alcanzado el máximo rango de luminosidad. En estas zonas es imposible observar matices, pues todos los pixels han tomado el máximo valor posible dentro de la escala. Esto supone una clara pérdida de información en la fotografía.
3. Fotografía Expuesta Correctamente. Cuando el histograma cuenta con una distribución más homogénea, en la que se ha aprovechado todo el rango de luces y sombras que es capaz de captar una cámara y no hay preponderancia de luces o sombras, podemos decir que la fotografía está correctamente expuesta.

Mi Foto No Tiene Un Histograma Equilibrado, ¿Está Correctamente Expuesta?

Según el apartado anterior, parece que si no obtienes una gráfica perfectamente equilibrada y con suficiente frecuencia en todas las zonas, estás haciendo algo mal y la foto no está bien expuesta. La verdad es que eso es cierto en muchos casos, pero falso en otros tantos.

La exposición, como tantas otras cosas, depende de las características de la escena y, para ilustrar esto te voy a presentar un ejemplo en el que podrás ver que, a pesar de estar correctamente expuesta, el histograma no es que esté muy equilibrado que digamos.

Con esto, lo único que pretendo es mostrarte que no hay que hacer uso del histograma de forma mecánica, pensando que si no está equilibrado la foto no es correcta.

Al contrario, hay que saber interpretarlo y reconocer cuándo nos está avisando de un problema en nuestra fotografía y cuándo está reflejando, simplemente, la mayor preponderancia en una fotografía de tonos claros u oscuros, como en este caso. Algo que, por otro lado, refleja fielmente la realidad de la escena.

Ya Estoy En Casa. ¿Cómo "Arreglo" El Histograma?

Cuando hablo de "arreglar" el histograma me estoy refiriendo, por supuesto, a arreglar la fotografía. Al fin y al cabo, lo que a ti te interesa no es que el histograma quede bonito, sino la fotografía, ¿no?

Hay veces que no prestamos la suficiente atención al histograma tras disparar y volvemos a casa con un montón de fotos mal expuestas, precisamente, por no haber hecho caso a nuestro "amigo" el histograma tras haber tomado las fotos.

En esa situación, tienes la opción de volver al día siguiente a hacer la misma foto. Salvo que estés a cientos de kilómetros, o no tengas posibilidad de capturar la misma escena, o simplemente no te apetezca.

Descartada, por tanto, la opción de volver a fotografiar, la mayor parte de aplicaciones de retoque fotográfico te permiten "enmendar" este error, aunque, no esperes milagros. No vas a conseguir un acabado mejor que el que habrías obtenido si hubieses expuesto correctamente. Recuerda que arreglar la exposición siempre agregará ruido a tu fotografía, y eso le restará calidad a tu imagen.

Si usas Photoshop, o Lightroom, o Gimp, o cualquier otra aplicación con cierta capacidad, entonces cuentas con un gran aliado en el trabajo de "modificación" del histograma, estoy hablando, claro, de la herramienta Niveles.

Con esta herramienta podrás, como ya vimos en el artículo Cómo Mejorar tus Fotos a Través del Histograma, aclarar u oscurecer tu fotografía, dar más contraste a la misma, realzar los tonos intermedios y prácticamente todo lo que te propongas.

En Resumen...

Con la entrega de hoy hemos "desmitificado" un elemento aparentemente complejo, pero que, como has visto, es sencillo y muy útil para todo aquel que quiere mejorar en el arte de la fotografía.

De ahora en adelante, me gustaría que recordases que podrás hacer mejores fotos si, tras hacer una foto con tu cámara, en lugar de comprobar el resultado viendo ésta en la pantalla LCD de tu cámara, prestas atención a la distribución de luces y sombras del histograma.

La información proporcionada por el histograma será mucho más útil y te permitirá conocer rápidamente y sin miedo a equivocarte si la imagen presenta zonas mal expuestas. Si es así, podrás modificar los parámetros necesarios y hacer una nueva toma.

Y si no te has percatado del error hasta que has vuelto a casa, no todo está perdido, siempre te queda usar la herramienta Niveles, que no es milagrosa, pero seguro que te ofrece buenos resultados.

Te hemos hablado muchas veces sobre filtros fotográficos para tu cámara, para conseguir efectos diferentes. Hoy vengo a hablarte de un filtro muy especial y curioso, que puede darle a tus capturas un toque increíble: ¡el filtro de estrella!

Con este filtro vas a poder convertir cualquier punto de luz brillante en una bonita estrella de 4, 6 u 8 puntas. ¿Quieres saber cómo usarlo?

¿Qué Es un Filtro de Estrella?

Como muchos otros filtros fotográficos, el filtro de estrella es un filtro redondo que se enrosca directamente sobre el objetivo. Tiene una malla que forma una rejilla sobre el cristal, y esta hace que las luces se fragmenten en distintos destellos. Con esto se consigue que las luces puntuales más brillantes arrojen unos rayos de luz creando ese efecto estrella y, cuanto más intensas sean, más intenso será también este efecto estrella.

Filtros de Estrella: ¿Para Qué Sirven?

Dependiendo de la cantidad de cruces que formen estas rejillas, la estrella tendrá 4, 6 u 8 puntas. Normalmente estos son los 3 tipos de filtro de estrella que vas a encontrar, y muchas veces incluso se venden en pack de 3, como el que hemos comprado nosotros para probarlos.

Como cualquier otro filtro redondo, deberás tener muy en cuenta el diámetro de tu objetivo para comprar uno del mismo tamaño que le acople bien. Si vas a usar el filtro con diferentes objetivos, no es necesario que compres diferentes tamaños. Simplemente compra el que encaje con el objetivo que tenga el diámetro más grande, y después usa anillos adaptadores para acoplarlo en objetivos de menor diámetro. Así ahorrarás dinero.

También será importante que compres filtros de buena calidad para no perder demasiada nitidez. Piensa que cualquier cristal que coloques delante de tu objetivo va a restarle calidad, así que cuanto mejor sea el filtro, menos nitidez le quitará a tus fotografías. Ya te hablamos de este tema en profundidad en nuestro artículo: "Filtros de Resina vs Filtros de Cristal Óptico: Ventajas e Inconvenientes".

¿Y Por Qué No Cerrar el Diafragma y Ya Está?

Puede que ahora mismo te estés planteando que este efecto también podemos conseguirlo cerrando mucho el diafragma, como ya te hemos explicado alguna vez. ¿Para qué comprar un filtro entonces si podemos conseguirlo directamente con nuestra cámara? Por diversas razones.

1. No siempre nos va a venir bien cerrar mucho el diafragma y perder tanta luz. Sobre todo en ambientes oscuros, perder tanta luz puede significar tener que subir la ISO hasta límites exagerados y obtener demasiado ruido.
2. En otras ocasiones, quizás no queramos cerrar el diafragma porque buscamos obtener una profundidad de campo escasa y desenfocar el fondo, para conseguir un bonito bokeh. Algo que no será posible si cerramos nuestro diafragma, por ejempo, a f/16, ya que como bien sabes, cerrar el diafragma incrementa mucho la profundidad de campo.
   
3. Cerrar mucho el diafragma puede provocar difracción en nuestras fotografías y hacernos perder nitidez, además de luz.
4. Cerrar el diafragma solo nos ayudará a estrellar puntos de luz MUY brillantes. Para conseguirlo en brillos más pequeños necesitaremos sí o sí un filtro de estrella.
5. El efecto que conseguimos con los filtros de estrella es diferente al que se consigue cerrando el diafragma. Y gracias a los diferentes tipos de filtro, podremos elegir cuántos rayos queremos que tenga ese destello. Dependiendo de la fotografía, puede que te guste más cerrar el diafragma o usar un filtro u otro.

Por todas estas razones los filtros estrella pueden ser una mejor alternativa que cerrar el diafragma. Así que si todavía te sigue interesando saber de qué son capaces estos curiosos filtros, ¡sigue leyendo!

¿Qué Puedo Conseguir con un Filtro de Estrella?

Ahora viene la pregunta más importante: ¿Qué fotografías me puede ayudar a conseguir un filtro de estrella? Pues te puede ayudar en multitud de tipos de fotografía, a darle ese toque diferente y original a la toma, para hacerla destacar más todavía.

• Por ejemplo, puede ayudarte a darle ese efecto estrella al sol o a la luna sin necesidad de cerrar mucho el diafragma. Además le dará un toque mucho más acentuado que el que conseguimos cerrando el diafragma.
• También lo mismo para las farolas de la ciudad o las luces de los coches. De noche no ayuda perder tanta luz cerrando el diafragma, así que con el filtro de estrella conseguirás ese efecto sin la necesidad de cerrarlo tantísimo.

• Puedes incluso conseguir un bonito bokeh de fondo y estrellar las luces enfocadas, e incluso conseguirás este efecto estrella también en las luces desenfocadas que no hayan quedado demasiado gruesas. Esto sería imposible de conseguir sin el filtro, ya que al cerrar tanto el diafragma perderíamos ese bokeh tan atractivo.

• También puede ayudarte a conseguir un toque “shiny” en tus fotos de joyas, o incluso en ropa con brillos y lentejuelas, para conseguir una captura mucho más glamurosa y atractiva. ¡Cualquier elemento brillante será susceptible de crear este bonito efecto estrella!

• Finalmente, en la noche también conseguirás que las estrellas más brillantes muestren este toque tan bonito y no luzcan simplemente como puntos de luz gruesos. Eso sí, deberán ser tomas del cielo algo cercanas, ya que en una captura demasiado angular las estrellas no brillarán lo suficiente como para que el filtro pueda conseguir darles este efecto.

¡Necesito Uno (o Dos, o Tres...)!

Puede que te haya ocurrido como me pasó a mi, que en cuanto vi lo geniales que eran estos filtros me dije: ¡necesito uno de estos, ya! Pero como has podido ver en las fotos de ejemplo, no me conformé con uno :P me compré un pack de 3 filtros de 4, 6 y 8 puntas, ya que para cada caso nos puede venir mejor uno u otro. A continuación te dejo una lista con los más recomendados:

• Pack de 3 filtros de estrella JJC (diámetros a elegir entre 40,5 mm y 77 mm)
• Pack de 3 filtros de estrella Neewer (diámetros a elegir entre 58 mm y 82 mm)
• Pack de 3 filtros de estrella Gobe (diámetros a elegir entre 37 mm y 82 mm)

Como te comentaba antes, un pack de anillos adaptadores te irá genial para poder usar los filtros en varios de tus objetivos. Aquí te dejo algunos enlaces también de los packs de anillos más recomendados:

• Pack de 18 anillos adaptadores (37 mm - 82 mm) K&F Concept
• Pack de 18 anillos adaptadores (37 mm - 82 mm) XCSource
• Pack de 20 anillos adaptadores (26 mm - 82 mm) Neewer

¡Hazte con tu Filtro de Estrella!

¿Has visto qué gran cantidad de posibilidades nos brinda este curioso filtro? ¡Consigue ese toque especial en tus fotografías y déjalos a todos alucinados! ¿A qué esperas para hacerte con uno? O… ¿con tres?

Hay personas que tienen arte a la hora de posar, y otras a las que les cuesta más. Aunque ese arte sea algo innato, existen una serie de consejos que pueden ayudarnos a mejorar nuestras poses ante la cámara.

En el artículo de hoy ahondaremos en ello para ayudarte, en este caso, a que tus modelos femeninas salgan mejor en las fotos y que éstas luzcan con un toque más profesional. ¡Vamos a verlo!

El Arte de Saber Posar en Fotografía

Una buena pose no solo beneficia a nuestra modelo, sino que puede cambiar mucho el resultado final de una fotografía. Y no solo se trata de la forma de colocar nuestro cuerpo, sino que también es cuestión de la actitud que damos a entender que tiene nuestra modelo ante la cámara.

Como no todas las personas con las que trabajes serán modelos, y por tanto no todas sabrán cómo actuar ante la cámara, hoy te daremos las claves que necesitas para ayudarles a que se sientan cómodas y salgan con la mejor de las poses.

En Qué Detalles Deberemos Fijarnos Especialmente

Cuando vamos a hacer una fotografía, ya sea un retrato o cualquier otra temática, no solo tenemos que hacer click con nuestra cámara. Los detalles cuentan, por eso es importante que estés alerta y observes todo lo que envuelve y conforma esa fotografía.

En el caso de los retratos femeninos, los que te presentamos a continuación son los detalles a los que deberás prestar especial atención.

• La espalda. La espalda tiene que estar recta, nada de encorvarse o la postura no será nada favorecedora para nuestra modelo. Sobre todo en planos que sean ladeados, guía a tu modelo para que coloque la espada recta. Un truco que puedes emplear es indicarle a la modelo que saque pecho y culete, ya que de esta forma aunque pueda parecer a una postura forzada, estaremos realzando la curva natural de la columna y consiguiendo su figura luzca más atractiva.
• Las manos. Cuando le pidas a tu modelo que pose para ti una de las cosas que ocurre más a menudo es que no sabe cómo colocar sus manos. De repente parece que esa parte de su cuerpo no pertenece a ella. Para tratar de ayudarla, trata de indicarle cómo quieres que coloque sus manos cuando se coloque frente a la cámara. Un truco que puedes utilizar es pedirle que realice algún movimiento para que éstas queden más naturales en la captura, como por ejemplo pedirle que se acaricie o se recoja el pelo.
• El pelo. Nuestro pelo es una parte más de nosotros, y cuando se trata de una melena larga también hay que saber cómo colocarla para que luzca más bonita. Muchas veces dejamos que el pelo caiga sobre los hombros, y esta es la opción menos favorecedora de todas. Puedes indicarle a tu modelo que opte por echarse todo el pelo por delante o todo el pelo por detrás, aunque lo más recomendable es colocar uno de los lados por delante y el otro por detrás, ya que de esa manera quedará más natural. 
• Las piernas. Respecto a las piernas, la recomendación general es que cruce las piernas, y descanse el peso sobre la que esté situada por delante, sobre todo en tipos de plano como el americano. De este modo romperemos la simetría del cuerpo consiguiendo una postura más interesante.
• La barbilla y mentón. Son muchas las ocasiones en las que le pediremos a nuestra modelo que levante un poco la barbilla para mejorar su postura, y muchas las veces que lo que conseguiremos es que se sitúe mirando hacia arriba. Para tratar de ser más conciso con lo que queremos conseguir, es mejor que le indiques que tire sus orejas hacia adelante. Utilizando esta técnica, tu modelo echará el mentón hacia adelante, y aunque pueda parecer algo incómodo, conseguiremos que la barbilla aparezca mucho más fina. Por otro lado, la línea que se marca en nuestra cara al inclinar la barbilla hacia abajo resulta muy atractiva, así que te recomiendo que explotes este recurso. Y si las manos aparecen cerca del rostro, procura que éstas no tapen la barbilla o la mandíbula. 
• Los brazos. Una manera de estilizar la figura de nuestra modelo es separando los brazos del tronco, ya que de este modo mostramos su tamaño real y percibimos mejor la forma de su cintura. Es por ello que es muy habitual ver a las modelos posar con los brazos en jarra o sobre el cabello.
• Los hombros. Cuando nuestra modelo se coloca de frente a la cámara sus hombros parecen más grandes que si se gira ligeramente. Esto para cierto tipo de retratos, como por ejemplo el de un futbolista, puede venir bien, pero en un retrato femenino no suele ser la mejor opción. Por tanto, en este caso, indícale que no se coloque totalmente frontal a la cámara sino que se gire ligeramente.
• La mirada. Procura que la mirada de tu modelo no aparezca como perdida, sino que sea expresiva y natural. Para conseguirlo le indicaremos a la modelo no que mire, sino que "seduzca" a la cámara. Un truco que suele funcionar muy bien es decirle que cierre los ojos y tras contar hasta 3 los abra para conseguir una mayor frescura y naturalidad. Otro aspecto sobre la mirada es que también intentaremos que la nariz de la modelo siga su dirección, ya que de lo contrario sus ojos aparecerán en blanco y no es algo que suela quedar demasiado natural en las fotos. 
• La boca. ¿Cuántas veces hemos visto que al salir ante la cámara la gente fuerza una sonrisa totalmente artificial? Lo ideal es conseguir una expresión que no parezca forzada, así que ya sea seria o sonriendo fíjate en que la expresión de tu modelo sea lo más natural posible. Algunos trucos que pueden funcionar son abrir ligeramente la boca y dejarla relajada para conseguir una sonrisa natural, e incluso apoyar la lengua tras los dientes incisivos tal y como hacen muchas modelos profesionales.

Las Mejores Poses Según el Ángulo de la Modelo

Tras ver las anteriores recomendaciones, podemos decir que una de las clasificaciones de poses que podemos hacer es según el ángulo de la cara de la modelo respecto a la cámara, es decir, cómo está de girada la modelo en relación a la lente. A este respecto, los 4 ángulos que más favorecerán a tu modelo son:

• Frontal. Con este ángulo veremos la cara completa de la modelo, y su nariz apuntará directamente al objetivo.
• 3/4. La cara de la modelo gira ligeramente, hasta el punto en el que no podemos verle ya la oreja del lado al que gira.
• 2/3. Nuestra modelo gira un poco más hasta que la línea de la nariz casi toca el contorno de la mejilla en el lado opuesto, aunque ten cuidado de no romper esa línea.
• Perfil. Cuando el sujeto gira 90 grados, quedando totalmente de perfil a la cámara. Con este ángulo solo veremos un lado de su cara.

Analizando 3 Ejemplos Prácticos de Posado Femenino

Hay infinidad de poses para que le indiques a tu modelo, tantas que es imposible poder abarcarlas todas en un solo artículo. Es por ello que a continuación hemos seleccionado 3 poses muy favorecedoras para tu modelo que vamos a analizar al detalle. Primero, veremos cómo posa nuestra modelo sin darle ningún tipo de indicación, y a continuación analizaremos su postura para mejorarla.

Ejemplo de Pose 1

Para la primera pose le indicamos a nuestra modelo que iba a a salir de cuerpo entero, y que queríamos que su cuerpo estuviera orientado hacia la cámara. Analicemos cuál fue su posado.

• Lo que hizo. La modelo se situó de forma frontal a la cámara y siendo consciente de que salía su cuerpo entero en la imagen. Si nos fijamos, percibimos que estaba demasiado tensa, y que la postura de sus hombros y la rectitud de su cuerpo no favorecen su figura. Además, tenía el pelo sobre los hombros y los brazos pegados al torso.
• Lo que corregimos. Lo primero que le indicamos que corrigiera fue la posición de sus piernas. Le pedimos que las cruzara y que apoyara el peso en la que colocara por delante. A continuación, le indicamos que girara e inclinara ligeramente uno de sus hombros, y que pusiera su espalda recta, nada de curvarse. Otro detalle es el pelo, fíjate en que se le quedó antes todo encima de los hombros y como hemos visto no era lo más indicado, así que probamos a echarle el mechón de un lateral por delante y el otro por detrás. Por último, le pedimos que separara sus brazos del torso colocando la mano sobre la cintura para estilizar su figura.

¿Te das cuenta de cómo ahora su cuerpo parece que forma una s? Cuando posamos, la simetría de nuestro cuerpo no suele funcionar muy bien en fotografía, así que trata de romperla y busca realzar las curvas. El cuerpo de la modelo lucirá mucho más estilizado.

Ejemplo de Pose 2

Para la pose 2 le indicamos a la modelo que se trataría de un plano corto y que queríamos que se vieran sus manos.

• Lo que hizo. Si nos fijamos y analizamos la postura de nuestra modelo, observamos que con las manos se tapó parte del rostro, y que más que acariciarlo parecía que se lo estaba agarrando, lo cual no queda tan natural. Además sus hombros y su espalda estaban echados hacia adelante, lo cual tampoco la favorece. Fíjate también en su boca, aunque la expresión era seria ya hemos comentado antes que era aconsejable abrirla ligeramente para conseguir un mejor resultado.
• Lo que corregimos. ¿Qué le pedimos? Que se relajara, o al menos que transmitiera eso en la fotografía. Primero le guiamos para que colocara su espalda recta e inclinara ligeramente uno de sus hombros para romper la simetría. A continuación le pedimos que se acariciara el rostro con las manos o hiciera algún movimiento con ellas para pillar las manos de una forma natural, y siempre, intentando que no se tapara la línea que marca la mandíbula. También le indicamos que echara hacia adelante el mentón para estilizar su cuello y que se colocara el pelo hacia atrás. ¿Mejor no?

Ejemplo de Pose 3

Para la última postura le pedimos a la modelo que se sentara y posara. Veamos el resultado.

• Lo que hizo. Cómo comprobamos, le resultó bastante complicado colocar sus piernas y sus brazos de forma cómoda en esta postura. No es fácil que quede natural y además su figura salga estilizada. Si nos fijamos, su espalda no estaba recta, y sus hombros estaban echados hacia adelante, lo cual no favorecía la postura.
• Lo que corregimos. ¿Qué podemos hacer para mejorarla? Primero le dijimos que había sido un acierto que se girara ligeramente para no salir totalmente frontal o de perfil en la foto, sin embargo, le indicamos que levantara la pierna más lejana a la lente y apoyara el brazo en ella para mejorar la postura. A continuación, le pedimos que inclinara ligeramente su cabeza y que sonriera, y por último que se colocara el pelo hacia adelante. Observa las diferencias.

¡Consigue la Pose Perfecta!

¿Cambian los resultados fotográficos de una pose a otra verdad? En la mayoría de situaciones lograremos mejorar esas poses fijándonos y corrigiendo pequeños detalles. Recuerda que es de vital importancia que los consejos e instrucciones que le vayas dando a tu modelo se los des poco a poco y de forma clara, ya que de lo contrario más que guiarla le estarás liando con tanta información.

¿Qué me dices? ¿Te animas a aplicar estos consejos en tu próxima sesión?

El mal de las fotos borrosas es una "enfermedad" que todo fotógrafo, profesional o amateur, sufre a menudo y contra la que conviene tomar las debidas precauciones.

Una imagen borrosa puede ser en un momento determinado algo buscado intencionadamente, como en el caso de los barridos o de las tomas en las que buscamos una trepidación creativa. Pero por norma general, una foto borrosa es sinónimo de una mala fotografía, por lo que en la mayoría de situaciones trataremos de corregir esta situación y lograr imágenes nítidas.

Siguiendo el símil de la enfermedad, en el artículo de hoy vamos a ver qué errores hacen que nuestras imágenes se contagien de este mal y algunas "vacunas" o consejos para evitarlo. ¿Te quedas conmigo para descubrirlos?

1. Tener Suciedad en la Lente

Una de las razones más simples que pueden afectar a la nitidez de tu toma es tener la lente sucia. ¿Algo tonto verdad? Pero si tu objetivo está sucio, tu imagen saldrá borrosa.

Es por ello que debes acostumbrarte a limpiar con regularidad tus lentes, y hacerlo de la manera adecuada. No todo vale. No puedes (o más bien no deberías), usar tu camiseta para limpiar el cristal de tus objetivos. Hay una forma adecuada de hacerlo para que no los rayemos y alarguemos mucho más su vida, y de ello te hablábamos en La Guía Completa para Limpiar Objetivos y Filtros Fotográficos.

2. Usar Filtros de Mala Calidad o que Estén Sucios

Segundo, hablemos de los filtros, algo muy relacionado con el anterior punto. Evidentemente, estos también deberemos mantenerlos limpios, de lo contrario, por muy buena que sea la lente que empleemos si tiene nuestras huellas dactilares por haberlo cogido con las manos, seguro que la nitidez se ve mermada. Así que ya lo sabes, siempre intenta que estos estén lo más limpios posible.

Pero no solo de eso quiero hablarte sobre los filtros. La calidad y el material con el que están construidos importa y mucho. Te hablábamos en una ocasión de la diferencia que hay entre los filtros de resina y los de cristal óptico, y en ese artículo ya quedaba claro que es importante apostar siempre por un mínimo de calidad para que nuestras fotografías tengan todo el potencial que merecen. De nada sirve comprarse un objetivo de 1000 euros y luego meterle delante un filtro de resina 5 euros con el que solo lograremos enturbiar mucho la imagen.

3. Mover la Cámara en el Momento del Disparo

Casi nunca verás a un verdadero fotógrafo disparar sus fotos sujetando la cámara con una sola mano, y esto tiene una clara explicación. El modo en el que sujetamos la cámara resulta de vital importancia para lograr imágenes nítidas.

Fragmento Fototip Cómo Evitar las Fotos Borrosas

Cuando lo hacemos, recuerda que la cámara tiene que estar sujeta de manera firme para evitar las vibraciones del cuerpo. Busca una posición equilibrada con tus pies, pega tus codos al cuerpo, controla tu respiración y sujeta la cámara con ambas manos. Con la izquierda sujeta la lente por debajo y con la derecha dispara la toma. Este proceso que parece contener muchas directrices en realidad es muy sencillo de seguir y te evitará un sinfín de imágenes borrosas. 

Aunque eso sí, por muy bien que lo hagas, hay otros factores que también deberás tener en cuenta a la hora de disparar tus fotografías para que estas salgan nítidas, como es por ejemplo el siguiente punto.

4. Emplear Tiempos de Exposición Demasiado Lentos

Fotografías realizadas a pulso con la misma cámara y objetivo, un 50mm.

Si disparas a pulso, normalmente se recomienda hacer caso de la regla de la focal inversa, que nos indica que es recomendable disparar con una velocidad de obturación igual o más rápida que la inversa de la focal que estemos usando.

Así pues, si disparamos con una focal de 50mm, la velocidad mínima con la que trabajaremos será de 1/50s para evitar la trepidación, ya que si esta es inferior la foto probablemente saldrá trepidada. Por supuesto, si tu lente o cámara cuenta con sistema de estabilización no te olvides de activarlo, ya que ganarás algunos puntos. 

Y si se da el caso de que necesitas disparar a la fuerza con un tiempo de exposición más prolongado, entonces el trípode y un disparador remoto serán tus mejores aliados. Con ellos la trepidación desaparecerá, y podrás hacer fotografías de larga exposición para conseguir efectos determinados como el efecto seda, o para lograr más luz en tus tomas, como en el caso de la fotografía nocturna.

5. Trabajar con el Enfoque de Manera Incorrecta

Si hay algo que está claro es que si no enfocamos nuestra imagen esta va a salir obviamente borrosa. Así que controlar el enfoque, es de vital importancia.

En ese sentido, el enfoque automático de nuestras cámaras cada vez funciona mejor y nos hace más fácil nuestro trabajo, no obstante, para que funcione bien hay que conocer los diferentes modos para elegir aquel que más nos convenga según la situación.

Normalmente, casi todas las cámaras presentan unos 4 tipos de enfoque. 

• El autoenfoque único, para imágenes en las que el sujeto no está en movimiento.
• El autoenfoque continuo, para imágenes en las que el sujeto está en movimiento.
• El autoenfoque flexible o híbrido, para imágenes en las que el sujeto no está en movimiento pero podría estarlo.
• El enfoque manual, para situaciones en las que el autoenfoque no funciona adecuadamente. 

Y no solo tenemos los modos de enfoque, sino también las áreas de enfoque. Por ejemplo, en cuanto a las áreas, gracias a los puntos de enfoque podemos indicarle a la cámara la zona de la escena en la que debe tratar de buscar el elemento a enfocar. Así pues, podemos distinguir entre:

• Área de enfoque de punto único, en la que hay un único punto que nos permite tener mayor control y precisión.
• Área de enfoque dinámica, utiliza un punto de enfoque que seleccionemos y los de alrededor, para captar sujetos en movimiento.
• Área de enfoque automático, la cámara decide qué puntos de enfoque utilizar dependiendo de la escena, aunque puede dar resultados erróneos. 
• Autoenfoque en el rostro o el ojo, incorporado en las cámaras sin espejo. 

Así pues, dependiendo de aquello que vayamos a fotografiar, deberemos escoger entre todas estas opciones aquellas que sean más acertadas para ser precisos en nuestro foco. 

Y para terminar recuerda también saber el tipo de prioridad de la toma con el que tienes configurada tu cámara, pudiendo ser al enfoque o a la pulsación, ya que si tienes el incorrecto para una sesión concreta, podrías estar perdiéndote muchas capturas. 

• Prioridad al enfoque, solo podrás disparar si previamente has enfocado.
• Mientras que con la prioridad al disparo, podrás disparar siempre que quieras, independientemente de que el enfoque sea preciso. 

6. No Respetar la Distancia Mínima de Enfoque

Si relacionamos las lentes y los modos y áreas de enfoque, descubrimos otro de los motivos que nos impiden lograr fotos nítidas, la distancia mínima de enfoque. 

Cada objetivo tiene una distancia mínima de enfoque, que marca el límite mínimo a partir del que podremos enfocar. Si trabajamos un objetivo macro esa distancia será muy reducida, ya que ese es su principal cometido. Pero en cuanto al resto de lentes, dependiendo de la focal, irás viendo como esa distancia mínima es mayor o menor.

Podrás descubrir cuál es la distancia mínima de enfoque de tu objetivo en el manual, o incluso en la propia lente, ya que muchas de ellas la incorporan. Por ejemplo, siguiendo con la lente 50mm la distancia mínima es de 45cm. Así pues, a partir de 45cm en adelante, podremos enfocar sin problemas. Si reducimos esa distancia, no nos será posible hacerlo.

Comprobamos que con una lente macro de 90mm la distancia mínima de enfoque es mucho más reducida que la de una focal fija de 50mm.

7. Que No Haya Suficiente Contraste en el Sujeto Enfocado

El funcionamiento del sistema de enfoque de la mayoría de cámaras se basa en el contraste existente entre las diferentes superficies que forman parte del plano enfocado. Así pues, si aquello que vamos a fotografiar no tiene el contraste necesario, como por ejemplo puede ser una hoja de papel o un cielo azul, nuestro sistema de enfoque se volverá loco y le resultará sumamente complicado enfocar.

Ante esta situación, tenemos dos posibles soluciones.

• La primera de ellas es buscar otro punto de la escena que se encuentre en el mismo plano y que disponga de mayor contraste para tratar de enfocar sobre él.
• La segunda opción es que hagamos uso del enfoque manual, con el que aunque también nos costará un poco, utilizando el live view y la ampliación del plano, o incluso asistentes de enfoque como el focus peaking que incorporan las cámaras evil, podremos lograrlo.
• Y si tienes tiempo, aún existe una tercera opción, que es la de utilizar un puntero u otro elemento que podamos situar en la escena para enfocar, y antes de disparar la toma, retirarlo de esta. 

8. Utilizar una Profundidad de Campo Muy Escasa

Hay que ver lo mucho que nos gusta a los fotógrafos utilizar profundidades de campo escasas para destacar a nuestro sujeto u objeto protagonista en nuestras tomas. Aunque eso sí, al utilizar profundidades de campo escasas puede que algunos elementos de la escena que nos interesan también aparezcan fuera de foco, o que incluso al ser tan y tan reducido el plano de enfoque, ni siquiera estos salgan nítidos.

Así que antes de empezar a disparar todas tus fotos con una apertura de f/1.8 o inferior, considera si realmente es lo que buscas, y juega con las otras variables que afectan a la profundidad de campo, como la focal y la distancia entre el sujeto y la cámara, para conseguir la profundidad adecuada. 

Además recuerda que todas las lentes cuentan con lo que se conoce como punto dulce. El punto dulce es el valor f de tu objetivo capaz de lograr una mayor nitidez en tus imágenes, y que no se ve afectado por defectos de lente como la difracción o las aberraciones cromáticas.

9. Aumentar Demasiado la Sensibilidad ISO

Cuando no tenemos la suficiente iluminación en la escena, los problemas para enfocar y conseguir imágenes nítidas nos pueden llevar a un pequeño quebradero de cabeza. Ya sabemos que podemos bajar la velocidad de obturación y la apertura de diafragma hasta cierto punto, pero contamos con el tercer componente del triángulo de la exposición que puede ayudarnos en esta tarea: la sensibilidad ISO. 

Subiendo la ISO conseguiremos aumentar la exposición de nuestra toma, aunque a cambio deberemos pagar un precio por ello. A mayor ISO, más ruido obtendremos en nuestra fotografía, y esto puede hacer que se pierdan en nuestras tomas los detalles más finos, mermando por lo tanto la nitidez de la imagen.

Así que no te olvides de que antes de disparar tus fotografías, deberás lograr el equilibrio adecuado en la exposición de tu toma no solo para obtener una adecuada exposición de esta, sino para lograr la máxima nitidez posible.

10. No Revisar Tus Disparos

Y para finalizar, una de las cosas que puedes hacer es revisar siempre tus fotografías. Una de las ventajas que nos trajo la fotografía digital es que podemos ver inmediatamente la toma que hemos hecho a través de la pantalla. Así que si no tienes del todo claro si tu captura ha salido nítida, revisa tu imagen y amplíala para asegurarte. Si está nítida, solo habrás perdido unos segundos, y sino tendrás la oportunidad de repetirla y llevártela bien.

Además en edición siempre podremos mejorar ligeramente la nitidez de la toma, siempre que esta esté bien de serie, ya que por el momento, los programas de edición todavía no son capaces de convertir una foto borrosa en una nítida.

¡Despídete de las Fotos Borrosas!

Hasta aquí llegamos con las recomendaciones. Ahora ya sabes cuáles son los mejores remedios para evitar que tus fotos salgan borrosas, así que solo te queda poner en práctica los consejos que te hemos dado, y empezar a obtener la máxima nitidez en tus fotografías. 

¿Y tu? ¿Tienes algún truco más para evitar las fotos borrosas? ¡Cuéntanoslo en los comentarios!

Seguro que más de una vez has visto fotografías con unos cielos estrellados de ensueño y lo primero que has pensado ha sido: "Sí, vale, ¿pero con qué equipo están hechas? ¡Yo con mi equipo básico no saco eso ni de milagro!".

¡Pues te equivocas! No te negaré que en fotografía nocturna el equipo es importante, pero puedes conseguir mucho más de lo que te imaginas si sigues algunos consejos mucho más importantes que tener un equipo a la última.

Y para muestra un botón, la fotografía de portada de este artículo está disparada con una Nikon D60 y el objetivo kit 18-55 mm. ¿No te lo crees? Pues te lo voy a mostrar paso a paso a continuación. A veces sentimos la necesidad de comprar una cámara nueva cuando lo único que necesitamos es aprender a sacarle un mayor partido a la que ya tenemos. ¿Te animas a intentarlo?

Lo Más Importante No es el Equipo

No te obsesiones con el equipo, porque ni de lejos es lo más importante para conseguir fotografiar las estrellas de forma satisfactoria. Sin duda, lo esencial para conseguir una buena toma de las estrellas es alejarte de la contaminación lumínica. Si consigues esto, ya tienes el 80% de la fotografía hecha.

Buscar cielos limpios de contaminación lumínica es tan importante que aunque cuentes con el mejor equipo del mundo, si disparas pegado a un foco de contaminación lumínica (como por ejemplo una gran ciudad) no vas a conseguir sacar prácticamente nada decente. Así pues, será importante seguir dos consejos fundamentales:

1. Aléjate lo máximo posible de los los núcleos urbanos

Los focos de población y núcleos urbanos emiten una gran cantidad de contaminación lumínica hacia el cielo, y eso eclipsa muchísimo las estrellas. Cuanto más grande sea la ciudad, más nos tendremos que alejar de ella para que su contaminación lumínica no nos afecte. Especialmente en las grandes ciudades, nos tendremos que alejar muchos kilómetros, más de 50 e incluso 100 para ciudades tan grandes como Barcelona o Madrid.

Así que lo principal será alejarnos de todas estas zonas tan iluminadas y buscar un sitio más oscuro. Y no solo el lugar donde estemos fotografiando debe estar alejado de las zonas urbanas. También será importante que no haya ningún foco de población importante en la dirección hacia la que disparamos, sino su resplandor amarillento nos aparecerá en el horizonte.

Para encontrar el lugar idóneo, una página muy útil es Light Pollution Map, donde podremos ver sobre el mapa qué zonas son las más limpias (de contaminación lumínica). Esta web también dispone también de app móvil, tanto para Android como para iOS.

2. Evita la luna

Más incluso que las ciudades, el mayor foco de contaminación lumínica que encontramos en el cielo nocturno es la luna. Sobre todo cuando está llena, eclipsa las estrellas más que cualquier gran ciudad, así que deberemos evitarla a toda costa si queremos fotografiar las estrellas. Aun así, disparar fotografías nocturnas con luna nos puede servir para iluminar de forma muy natural todo el paisaje, que también queda muy bonito, pero a costa de perder muchísimas estrellas. Pero éste ya es un tipo de fotografía diferente a lo que buscamos ahora, que es fotografiar la vía láctea.

Así que para este cometido lo mejor será salir en noches de luna nueva (o muy menguada), o en noches en las que la luna salga ya bastante tarde o, por el contrario, se esconda pronto. Así podremos conseguir un cielo oscuro y libre de contaminación lumínica.

Paisaje iluminado por la luna llena

El Ruido: ¿Un Enemigo Imbatible?

Ahora estarás pensando: sí, vale, pero mi problema no es alejarme de la contaminación lumínica sino que mi cámara saca muchísimo ruido en ISOs altas, y la fotografía nocturna requiere usar ISOs muy altas. Es cierto, para conseguir fotografiar las estrellas vamos a necesitar subir bastante la ISO, a 1600 o 3200 como mínimo. ¿Eso significa que ya no puedes conseguir una buena fotografía con tu equipo? ¡Para nada! Contamos con una infinidad de opciones para luchar contra el ruido.

Sensibilidad ISO: Cómo Funciona y Cuándo Subirla

1. Opciones de Reducción de Ruido de Nuestra Cámara

La gran mayoría de las cámaras tienen dos opciones de reducción de ruido que debemos conocer:

1. Reducción de ruido en ISOs altas: Esta opción reduce el ruido de la fotografía pero nos hace perder nitidez, y solo actúa sobre el archivo en JPG, no sobre el RAW, así que no es recomendable activarla. Podemos hacer esto mucho mejor más tarde, desde cualquier programa de edición, y de una manera mucho más precisa y controlada.
2. Reducción de ruido en exposiciones prolongadas/largas exposiciones: Esta, en cambio, sí es una opción muy interesante. Con esta opción activada, la cámara dispara (al terminar la fotografía) otra toma de la misma duración en negro, de la cual extrae un patrón de ruido y lo aplica a la toma anterior para reducir su ruido sin pérdida de nitidez. Como desventaja, es cierto que esta opción duplica la duración de las fotografías y que es inviable, por ejemplo, para hacer un star trails, un time lapse o para disparar a intervalos para capturar estrellas fugaces o rayos. Pero si no requieres disparar tomas tan seguidas, sin duda es una opción que siempre deberías tener activada, sobre todo si tu cámara no tiene una buena gestión del ruido en ISOs altas y exposiciones largas.

2. Reducción de Ruido en el Procesado

Sin duda la reducción de ruido en el procesado nos va a ayudar mucho a conseguir fotografías mucho más limpias, incluso aunque disparemos con equipos antiguos o básicos.

Todos los programas de edición de imagen y de revelado RAW cuentan con un panel de reducción de ruido más o menos sofisticado, que nos ayudará a suavizar el ruido de nuestras tomas, tanto el ruido de luminancia como el ruido cromático. Eso sí, reducir el ruido (sobre todo el de luminancia) va a mermar mucho la nitidez de nuestras tomas, así que deberemos buscar un término medio entre ruido y nitidez para encontrar el equilibrio perfecto.

En nuestra "Guía Definitiva para Reducir el Ruido de tus Fotografías" ya vimos cómo usar paso a paso estas herramientas en Lightroom y Photoshop.

3. Apilado para Reducir el Ruido

Este método es todavía más efectivo que la reducción de ruido habitual en el procesado que acabamos de ver, porque no resta nitidez. Sigue el mismo principio que la opción de reducción de ruido en exposiciones prologadas de nuestra cámara: analiza el patrón de ruido de diferentes tomas y lo elimina. En este caso la técnica consiste en disparar diversas fotografías iguales seguidas y después alinearlas y apilarlas usando los objetos inteligentes de Photoshop. Eso sí, las tomas deberán ser cuanto más seguidas mejor, por lo que si vas a utilizar el apilado para reducir el ruido, te recomiendo que apagues la Reducción de ruido en exposiciones prolongadas.

Aunque tu cámara pueda ser algo antigua o muy básica y saque más ruido que otras, no debes limitarte y pensar que no puedes conseguir fotografías nocturnas decentes. Como ves hay muchos métodos para reducir ese ruido, y este último es especialmente efectivo. Aunque ya vimos cómo realizar esta técnica en nuestro artículo: "La Guía Definitiva para Reducir el Ruido de tus Fotografías", la vamos a ver paso a paso en el ejemplo práctico que te mostraré al final de este artículo, para que veas lo que podemos llegar a conseguir con una cámara con más de 10 años y un objetivo kit.

Cambia de Objetivo, no de Cuerpo

Si pese a seguir todos estos consejos consideras que tu equipo se te queda corto, no te culpo. Está claro que con un equipo superior te será más sencillo conseguir buenas tomas del cielo nocturno. Pero antes de ponerte a mirar nuevas cámaras, ¿te has planteado buscar un objetivo mejor?

Piensa que un cuerpo nuevo lo único que te va a ofrecer es un menor ruido en ISOs altas. Sí, por supuesto que esto es importante, pero ya has visto la cantidad de métodos que tenemos para tratar de reducirlo al máximo. Quizás te interese más olvidarte de tu objetivo kit y buscar un objetivo más acorde para fotografiar el cielo nocturno. Sí, estoy hablando de un objetivo gran angular bastante luminoso. La inversión será mucho menor que comprar un cuerpo nuevo y puedo asegurarte que notarás la diferencia, incluso más que comprando una cámara nueva.

Y es que para fotografiar las estrellas, tan importante es subir la ISO como poder disparar más segundos o abrir más el diafragma (y además esto no nos incrementa el ruido). Y esto nos lo va a proporcionar un objetivo con las características que te comentaba. El Tokina 11-16 mm. f/2.8 o el Samyang 14 mm. f/2.8 son dos claros ejemplos del objetivo al que me refiero: un objetivo gran angular, con una apertura de diafragma máxima bastante decente. ¡Y a un precio más que asequible!

1. Tiempos de Exposición Más Largos

¿Sabías que un objetivo gran angular te va a permitir disparar tiempos de exposición más largos que tu objetivo kit? ¿Por qué?

A causa del movimiento rotatorio de la Tierra, cuando disparamos fotografías de larga exposición para captar las estrellas, estas empiezan a dejar una traza pasados unos segundos. En vez de verse como puntitos en el cielo, empiezan a verse como líneas.

A cuanta más distancia focal disparemos, estas líneas serán evidentes más rápidamente, por lo que si queremos conseguir que las estrellas luzcan como puntos en nuestra fotografía, deberemos controlar bien el tiempo de exposición que estamos usando. Cuanta más distancia focal tenga nuestro objetivo, menos segundos podremos disparar antes de que las estrellas empiecen a dejar traza.

Aprende a Fotografiar la Vía Láctea

Es por eso que un objetivo gran angular te va a ayudar a conseguir mejores fotografías de las estrellas y de la vía láctea. No solo porque te va a permitir abarcar más cielo y paisaje, sino también porque podrás disparar más tiempo. Y disparar tiempos de exposición más largos significa que podrás extraer más información de la luz de las estrellas y, por tanto, se marcarán más las estrellas y las formas de la vía láctea en tu fotografía.

Existen muchas app's con calculadoras que nos ayudarán a saber cuál es el tiempo máximo que podemos disparar, aunque si no contamos con una siempre podemos directamente hacer pruebas con diferentes tiempos y hacer zoom en nuestra cámara para ver si las estrellas han salido movidas o no.

Cuando disparamos demasiados segundos las estrellas empiezan a dibujar trazas

2. Una Mayor Apertura de Diafragma

Para captar la máxima luz posible de las estrellas necesitaremos abrir el diafragma al máximo, por lo tanto un objetivo más luminoso nos permitirá utilizar diafragmas más abiertos. Además, esta luminosidad extra nos ayudará no solo a conseguir más información de las estrellas sino también a exponer correctamente las fotografías sin necesidad de subir excesivamente la ISO e incrementar demasiado el ruido.

Así pues, optar por un objetivo gran angular bastante luminoso nos ayudará mucho a mejorar nuestras fotografías del cielo nocturno.

Un Ejemplo Práctico

Y para prueba, un botón. He desempolvado mi vieja Nikon D60 con su objetivo kit 18-55 mm. para demostrarte que un equipo básico con más de 10 años de antigüedad también puede conseguir buenas fotografías de la vía láctea.

Primero procuré cumplir con lo principal, en la medida de lo posible: me fui a una zona bastante alejada de la contaminación lumínica y salí en una noche de luna nueva.

Consulté la app Photopills para situar la vía láctea en el cielo y después monté mi cámara sobre un trípode para encuadrar hacia allí. Hice pruebas con varias ISOs y tiempos de exposición diferentes, y finalmente me quedé con los siguientes parámetros:

• 18 mm.: Esta es la distancia focal más amplia que permite mi objetivo kit. Como te comentaba antes, usar la distancia focal más corta posible nos permitirá no solo abarcar más paisaje sino también poder disparar más segundos de exposición.
• 20 seg.: Este era el tiempo de exposición máximo para que las estrellas se vieran más o menos como puntos. A partir de aquí ya se empezaba a notar demasiado que las estrellas dejaban traza. Quizás podrían haber quedado más redondas con un poco menos de tiempo de exposición, pero quise forzar el tiempo todo lo posible para conseguir un poco más de exposición en la toma.
• f/3.5: Esta es la apertura de diafragma máxima de mi objetivo. Para fotografiar las estrellas, siempre deberemos abrir todo lo que podamos el diafragma para captar así más luz y, por tanto, más información de las estrellas para marcar lo máximo posible la vía láctea.
• ISO 3200 (Hi 1): Es la ISO que suele recomendarse para captar el cielo nocturno, disparar a una ISO menor significará obtener menos información de las estrellas. Así que aunque fuera la ISO máxima de esta cámara (no alcanza más), decidí probar con ella. También disparé a ISO 1600 por si acaso a 3200 me sacaba demasiado ruido y aberraciones, pero después de ver los resultados, creo que a las de ISO 3200 les he podido sacar un mejor partido.

Con estos parámetros y el formato configurado en RAW, disparé 10 fotografías seguidas para después poder reducir el ruido de las tomas apilándolas.

Como ves, hemos conseguido sacar información de la vía láctea, aunque no la suficiente como para marcarla de forma bastante visible. Y además, hemos obtenido mucho ruido. Claro, hay que tener en cuenta que estamos usando una cámara entry-level con más de 10 años de antigüedad, y forzándola al máximo de sus posibilidades. Pero vas a ver como procesando estas tomas para reducir su ruido, vamos a conseguir una vía láctea muy decente para estar hecha con un equipo tan básico y antiguo.

Una vez disparadas las fotografías, le toca el turno al procesado. Siempre es importante procesar tus fotografías, pero en este caso mucho más porque gracias a ello conseguiremos compensar mucho el ruido extra que genera este equipo más básico o antiguo. Por supuesto, podrías simplemente revelar uno de los RAWs y aplicarle una reducción de ruido normal y corriente pero, como te comentaba antes, quiero mostrarte cómo realizar la técnica del apilado. Gracias a ella conseguiremos reducir mucho el ruido sin perder nitidez, y esto nos permitirá forzar un poco más el procesado de la toma, para marcar aun más las formas de la vía sin generar demasiado ruido.

1. Revelado de los RAWs

Vamos a importar todos los RAWs a Lightroom para revelarlos a la vez. Es importante para el apilado que el aspecto de todas las fotografías sea lo más similar posible, así que la sincronización de Lightroom nos viene genial para ello.

Desde el módulo Revelar seleccionaremos, en las miniaturas de abajo, todas las fotografías del apilado (haciendo click sobre la primera y Shift + click sobre la última) para que al revelar una se apliquen esos mismos ajustes a todas las demás. Conviene no forzar demasiado la vía láctea ahora, porque no queremos generar más ruido. El procesado agresivo lo realizaremos después del apilado, con la fotografía más "limpia" (de ruido).

Primero he cambiado el perfil a uno más plano, para ganar matices sobre todo en las zonas más oscuras de la fotografía. Después he aumentado un poco la exposición, las iluminaciones y los blancos para tratar de destacar algo más las zonas claras de la vía, y he aumentado los deslizadores de contraste, textura, claridad y borrar neblina para marcar más las formas oscuras de la vía. Finalmente le he dado un toque de intensidad para hacer los colores algo más vibrantes.

Para terminar, he exportado todas las tomas en formato TIFF de 16 bits, para no comprimir en exceso las tomas y contar con más información para el procesado posterior. Aunque desde Lightroom podemos mandar todas las fotografías directamente a Photoshop y abrirlas como capas, he preferido exportarlas y hacerlo manualmente por si acaso vosotros preferís utilizar otro programa para revelar los RAWs, como por ejemplo Capture One, Darktable o RawTherapee.

2. Importar las Tomas en Photoshop

Una vez exportadas todas las tomas, abriremos Photoshop e iremos al menú Archivo/Secuencias de comandos/Cargar archivos en pila. En esta ventana deberás pulsar el botón Explorar para seleccionar todas las fotografías que conformarán el apilado.

Debajo hay dos casillas para alinear las fotografías y para convertirlas en objeto inteligente automáticamente, que son los siguientes pasos que deberemos seguir. Sin embargo, las voy a dejar desmarcadas porque quiero enseñaros cómo realizar manualmente estos dos pasos.

3. Alinear las Capas

Ahora que ya tenemos todas las fotos como capas dentro de un mismo archivo, las seleccionaremos todas e iremos al menú Edición/Alinear capas automáticamente.

Como la Tierra va rotando, aunque no hayamos movido el trípode las estrellas sí se irán moviendo de una foto a la otra, así que con esta opción se van a alinear todas las tomas para que la vía láctea esté situada siempre en el mismo lugar en todas las tomas. Esto destrozará tu suelo, porque este no se habrá movido, pero eso lo arreglaremos después.

* Error Común: Photoshop no Alinea Correctamente las Tomas

Es posible que Photoshop no alinee correctamente tus capas de forma automática. Ve apagando y encendiendo los iconos en forma de ojo que hay delante de las capas y comprueba que la vía láctea siempre está en el mismo sitio. Si sí se te han alineado bien, entonces puedes saltar al siguiente paso. Pero si notas que después de alinear las tomas la vía láctea no coincide en el mismo sitio en todas las capas, entonces es que algo ha fallado.

Sobre todo si las tomas tienen mucho ruido o si no has conseguido marcar mucho las zonas de la vía láctea, puede que el alineado automático de Photoshop falle. También suele fallar si hay una gran parte de paisaje además del cielo estrellado, porque el paisaje no se mueve y el cielo sí y eso a veces hace que el programa se líe.

Si tu fotografía contiene paisaje prueba primero a recortar el lienzo usando la herramienta Recortar y dejando solo el cielo, para volver a alinear las tomas de nuevo. No te preocupes por perder el suelo porque igualmente al alinear las tomas vamos a estropearlo y lo tendremos que sustituir (después veremos cómo). Si el suelo era el problema del fallo en el alineado, así deberías haberlo solucionado.

Si aun así sigue fallando, entonces es que Photoshop se hace un lío al alinear las tomas porque se confunde a causa del ruido. Desafortunadamente, si esto ocurre deberás alinearlas a mano. Es tedioso, pero no complicado; tendrás que ir moviendo y rotando cada capa para que todas coincidan lo mejor posible, sobre todo en la zona de la vía.

Lo primero que deberás hacer es ocultar todas las capas menos la primera, y tomarla como referencia para marcar en ella algunas líneas guía usando las Reglas de Photoshop. Para sacar estas líneas guía deberás tener unas reglas con medidas arriba y a la izquierda del espacio de trabajo. Si no las tienes, actívalas desde el menú Vista/Reglas. Ahora sí, haz click sobre esas reglas y arrastra hacia la fotografía para sacar líneas de guía que te servirán para marcar la posición en la que deberán ir algunas de las estrellas más vistosas, para alinearlas todas lo mejor posible.

Ahora deberás ir capa por capa usando la herramienta Transformación Libre (que encontrarás en el menú Edición), para rotar y mover cada una de las tomas para alinearlas con la primera. Ve ayudándote con las líneas guía y bajando la opacidad de la capa si es necesario, para colocar todas las capas en la misma posición.

Puede ser un proceso un poco pesado, pero no tardarás más de 10 o 15 minutos, no te preocupes. Y el resultado merecerá la pena, te lo aseguro.

4. Convertir en Objeto Inteligente

Una vez alineadas las tomas, deberemos seleccionarlas todas de nuevo en la Ventana de capas, hacer click derecho sobre cualquiera de ellas y seleccionar la opción Convertir en objeto inteligente. Se nos juntarán todas las capas en un solo objeto inteligente.

Ahora nos iremos al menú Capa/Objetos inteligentes/Modo de apilamiento/Mediana. Lo que conseguimos con esta opción es que Photoshop analice todas las tomas y elimine lo que encuentre diferente en ellas. En este caso, será el ruido.

Como puedes ver en la siguiente comparativa, no solo hemos reducido el ruido de una manera asombrosa, sino que también se han eliminado esas líneas verticales que afeaban tanto la toma, y que eran resultado también de la falta de información que tenía la fotografía.

Sin embargo, al sumar diversas tomas y combinarlas, hemos recuperado toda esa información que faltaba y que se traducía en forma de ruido, falta de rango dinámico y otras aberraciones.

5. Ajustes Finales

Ahora que ya tenemos un cielo mucho más limpio que antes, vamos a poder procesarlo de una forma más agresiva sin miedo a generar demasiado ruido. Así podremos potenciar las formas de la vía láctea y marcarla mucho más en el cielo. Puedes usar cualquiera de las técnicas que vimos en el artículo "Consigue una Vía Láctea Increíble con estas 5 Técnicas de Edición en Lightroom y Photoshop".

Yo, en este caso, simplemente he usado el Filtro de Camera Raw para contrastar más la vía usando los deslizadores de Claridad y Borrar neblina, y la herramienta Curva de Tonos. También he creado un filtro degradado para aclarar un poco más la zona de arriba de la vía e igualar la exposición de la toma.

Y para terminar, he recortado los bordes que han quedado feos a causa del apilado, usando la herramienta Recortar .

6. Arreglar el Suelo

Si tu fotografía también contenía paisaje, habrá quedado arruinado por el proceso de apilado. Tanto si has tenido que recortarlo porque Photoshop se liaba al alinear las tomas como si no, el proceso de alineado habrá hecho que el suelo se quede movido.

Por ejemplo, esta fotografía está tomada en el mismo lugar, pero cuando la vía láctea estaba algo más baja, así que en este caso sí pude incluir en el encuadre un poquito de paisaje. Se han usado los mismos parámetros que antes e igualmente ha sido disparada con la Nikon D60 y el objetivo kit 18-55.

También disparé 10 fotografías iguales y seguidas, que apilé siguiendo el mismo método que acabamos de ver. Como ves, al apilar el cielo hemos reducido muchísimo el ruido de la toma y hemos conseguido marcar la vía láctea mucho más, pero a cambio el suelo se nos ha quedado totalmente movido e inservible.

Por eso ahora que ya tenemos nuestro cielo listo, debemos arreglar el suelo. Para ello podemos hacer dos cosas: o usar una de las tomas que hemos realizado para coger su suelo, o realizar otro proceso de apilado ahora con el suelo para limpiarlo de ruido también. Otros prefieren disparar una fotografía extra para exponer correctamente el suelo, con un mayor tiempo de exposición y menos ISO, para así conseguir un suelo más limpio.

En esta fotografía de ejemplo, yo he apilado en un archivo aparte de nuevo todas las fotografías pero no las he alineado, para así tener alineado solamente el suelo (que no se ha movido al disparar todas las fotografías seguidas y con el trípode). Después he seguido el mismo proceso que antes, las he convertido en objeto inteligente y les he cambiado el modo de apilamiento a Mediana. Así he conseguido tener un suelo mucho más limpio de ruido. Como ves ahora lo que nos sale movido es el cielo, pero no importa porque nos vamos a quedar con el cielo que hemos limpiado antes.

He acoplado el archivo para convertir el objeto inteligente en una capa normal y corriente, desde el menú Capa/Acoplar imagen. Después he seleccionado toda la imagen, la he copiado (Control + C) y la he pegado (Control + V) como una capa nueva en el archivo en el que hemos apilado el cielo.

Aquí, he seleccionado el suelo limpio de esta nueva capa con la herramienta Selección rápida.

A continuación, con la selección activa, he agregado una máscara de capa desde el botón Añadir máscara que se encuentra debajo de la ventana de capas. Así nos quedamos solamente con el suelo de esta capa, y el cielo sigue siendo el que hemos limpiado con el apilado.

Ahora que ya tenemos cielo y suelo limpios y bien ajustados, faltará recortar un poco la fotografía para perder esos bordes feos que se han quedado al apilar las fotografías del cielo. Simplemente reduciremos un poco el tamaño del lienzo con la herramienta Recortar .

Finalmente, convertiremos estas composición en una capa única usando el atajo de teclado Control (o Comando en Mac) + Shift + Alt + E y podemos darle algunos ajustes finales con el Filtro de Camera Raw o alguna capa de ajuste.

¿Y con un Gran Angular Luminoso?

Como te comentaba antes, optar por comprar un mejor objetivo puede ser incluso una mejor opción que cambiar de cámara. Así que para terminar con este ejemplo práctico, también probé cuánto podía mejorar la toma si usaba mi Tokina 11-16 f/2.8 en vez del objetivo kit.

Este gran angular luminoso no solo me ayudó a abarcar bastante más paisaje, sino que además me permitió modificar ligeramente los parámetros de mis fotografías, haciendo que pudiera ganar más información de las estrellas:

• 11 mm.: Es la distancia focal más corta que me permite este objetivo.
• 25 seg.: Gracias a esta distancia focal más corta, pude disparar más segundos de exposición sin que las estrellas dejaran traza.
• f/2.8: Es la apertura de diafragma máxima de este objetivo, 2/3 de paso más amplia que la del objetivo kit.
• ISO 3200: Aunque había ganado más luz con los otros parámetros, decidí seguir disparando a la misma ISO porque esto me permitía conseguir una mayor información de las estrellas, lo que marcaría más la vía láctea.

Gracias a este ligero cambio en los parámetros conseguimos una fotografía mejor expuesta que antes, y esto significa que vamos a conseguir marcar más la vía sin generar tanto ruido y tantas aberraciones como con el objetivo kit.

Después de apilar las tomas y procesar la fotografía tal y como hemos visto hace un momento, conseguimos una fotografía más limpia e interesante gracias a este objetivo.

Aquí puedes ver la comparativa de los resultados obtenidos con el objetivo kit y con el objetivo gran angular. Las tomas del gran angular fueron disparadas inmediatamente después de las tomas con el objetivo kit y sin mover el trípode de sitio, para que os podáis hacer una idea de cuánto más podéis abarcar y conseguir con un gran angular en vez de con el objetivo kit.

¿Una gran diferencia, verdad? Y lo único que hemos hecho ha sido invertir en un objetivo mejor, recuerda que la cámara sigue siendo la misma, la Nikon D60.

¿Te Animas a Intentarlo?

Espero que después de leer este artículo te hayas convencido por fin de que el equipo no lo es todo en fotografía nocturna, y que puedes conseguir tomas de la vía láctea mucho mejores de lo que nunca imaginaste sin tener que gastar ni un euro en equipo. ¿Te animas a intentarlo?

Si es así, te recomiendo que te pases por nuestra "Guía Definitiva para Fotografiar Estrellas", para que aprendas paso a paso cómo conseguir las mejores fotografías del cielo nocturno. ¡Así conseguirás exprimir tu equipo al máximo!

En otros artículos hemos visto el papel de la apertura del diafragma como elemento compositivo, hoy es el turno de hablar del tiempo de exposición (o velocidad de obturación) como elemento compositivo, al margen de su influencia en la mayor o menor exposición de una fotografía.

Así es, la velocidad del obturador determina no sólo un mayor o menor tiempo de incidencia de la luz sobre el sensor, sino que además, como consecuencia de esto, nos permite dar a nuestras fotografías una sensación de movimiento o calma, fluidez o congelación, según nuestras necesidades.

Pero para poder dotar a nuestras composiciones de estos "acabados" necesitamos valorar y conocer ciertos aspectos que trataremos a lo largo de esta entrega. ¿Quieres conocerlos?

Recordando... La Función del Obturador

El objeto del obturador no es otro que el de controlar el tiempo que se permite que la luz incida sobre el sensor de nuestra cámara. En la metáfora del vaso de agua, el tiempo de exposición era el tiempo que se mantenía el grifo abierto, ¿recuerdas?

De este modo, cuanto mayor sea el tiempo de exposición, mayor será la luz que incida sobre el sensor y viceversa. Algo que deberemos tener en cuenta a la hora de realizar nuestras tomas.

Velocidad de Obturación y Tiempo de Exposición. ¿Són lo Mismo?

Quizás hayas notado que en lo poco que va de artículo ya he hablado repetidas veces de dos términos: velocidad de obturación y tiempo de exposición. De hecho los he usado para referirme al mismo concepto, pero ¿significan lo mismo?

Pues lo cierto es que, efectivamente, aluden al mismo concepto, si bien, en realidad, cada término es inverso del otro. Es decir, una velocidad elevada del obturador supone un tiempo de exposición reducido y viceversa.

Por eso, aunque lo más habitual es hablar de tiempo de exposición, si escuchas velocidad de obturación no debes preocuparte, eso sí, deberás tener en cuenta la citada relación entre ambos para no interpretarlo erróneamente.

Escala de Tiempos de Exposición

Los valores de tiempos de exposición que ofrece cada cámara dependen, por supuesto, de cada modelo. Pero si echas un vistazo a los de la tuya, verás valores como los siguientes:

... 2", 1", 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000 ...

Al igual que sucedía con la escala de aperturas del diafragma, la escala de tiempos de exposición funciona mediante pasos, de manera que cada paso supone la incidencia del doble de cantidad de luz que el paso posterior.

Por ejemplo, un tiempo de exposición de 1/125s permite que el sensor reciba el doble de luz que el tiempo de exposición inmediatamente posterior 1/250s.

También Existen "Medios" y "Tercios"

Al igual que sucedía cuando hablábamos de aperturas del diafragma, muchas cámaras ofrecen pasos intermedios que permiten al fotógrafo ser más preciso a la hora de elegir el tiempo de exposición.

Por ejemplo, mi Nikon D60, de la que ya te he hablado en más de una ocasión, dispone de tercios, de manera, que para pasar de un tiempo de exposición de 1/125s a otro de 1/250s tengo dos posiciones intermedias. Concretamente son tiempos de exposición de 1/160s y 1/180s.

Bulb. Tiempo de Exposición A La Carta

Como dato curioso, muchas cámaras ofrecen un tiempo de exposición que se denomina bulb y que permite al fotógrafo alargar el tiempo de exposición tanto como desee, pues es éste el que determina el momento en que se abre el obturador y el momento en que se cierra, sin necesidad de fijarlo antes de disparar.

Podríamos definirlo como un tiempo de exposición indefinido. Y, aunque pueda parecerte que es "inútil" un ajuste de este tipo, seguro que a más de uno ya se os han ocurrido posibles aplicaciones, ¿verdad?

Relación Entre la Escala de Aperturas y la de Tiempos de Exposición

Qué curioso que ambas escalas funcionen con pasos que permiten duplicar la exposición, ¿verdad? Y más curioso aún que estos pasos tomen valores como, por ejemplo, 1/30s en el caso de los tiempos de exposición, o como f/5.6 en el caso de las aperturas, ¿no crees?

Efectivamente, como bien imaginas, no es una coincidencia o algo simplemente curioso. Las escalas de apertura y velocidad de obturación están construidas de modo que sea sencillo lograr exposiciones equivalentes manejando de forma adecuada los pasos de apertura y de exposición.

Por ejemplo, suponte que quieres tomar una foto de un partido de fútbol y has comprobado que para que la exposición sea correcta los valores de apertura y tiempo de exposición más apropiados son f/5.6 y 1/500s, respectivamente. Sin embargo, observas que la foto sale movida, porque la velocidad de obturación no es suficiente.

Poniendo en práctica la relación de doble y mitad que hemos visto, una configuración con doble apertura (doble de luz), f/4, y la mitad de tiempo de exposición (mitad de luz), 1/1000s, ofrecerá una exposición similar a la anterior, y, probablemnte, evitemos que la foto salga movida.

Por supuesto, esta relación se hace extensible a medios y tercios, con lo que, a nivel de exposición, subir un paso completo (o un medio, o un tercio) en la escala de tiempos de exposición se "compensa" con bajarlo en la escala de la apertura del diafragma y viceversa.

¿Entiendes ahora por qué es tan importante conocer las escalas de aperturas y tiempos de exposición?, y lo que es más importante, conocer la relación que existe entre ellas.

Este juego de subir y bajar pasos entre las escalas de apertura y tiempo de exposición será una tónica en tus trabajos fotográficos.

Cuando necesites diafragmas cerrados para obtener una amplia profundidad de campo, lo compensarás con altos tiempos de exposición, por ejemplo, en paisajes. Y al contrario, cuando necesites bajos tiempos de exposición, lo compensarás con diafragmas muy abiertos, por ejemplo, en fotografía deportiva.

¿Qué Tiempos de Exposición Utilizar?

Bueno, pero centrándonos en los tiempos de exposición, ¿cómo sé qué tiempo de exposición debo usar para que una determinada fotografía aparezca lo suficientemente nítida?

Me temo que ahí no hay una regla, ni exacta, ni sencilla. Es cierto, que existen tablas complejas que te ayudan a calcularlo, pero entiendo que no tiene sentido ni aprendérselas de memoria, ni llevarlas impresas en el estuche de tu cámara.

Lo que, en mi opinión, deberás hacer es irte familiarizando con tiempos de exposición habituales para el movimiento de niños, la fotografía deportiva, la fotografía de paisajes, etc. Y eso sólo se consigue con práctica, paciencia y un poco de atención a la hora de manejar los controles de tu cámara.

Fragmento Fototip Velocidad

Con el fin de que veas el distinto acabado que se produce en una fotografía al utilizar diferentes tiempos de exposición, te recomiendo que le eches un vistazo a este artículo. Creo que puede ser muy clarificador y ayudarte a la hora de empezar a trabajar con la velocidad de obturación.

No Hay Reglas Mágicas, ¿Entonces Cómo Sé Que Tiempo de Exposición Utilizar? Parámetros que Influyen

Más que una regla, lo que debes conocer son los parámetros o factores que influyen a la hora de seleccionar un tiempo de exposición mayor o menor. Serán esos factores los que analizarás y considerarás para emplear un tiempo de exposición u otro.

Algunos de estos parámetros son:

• La velocidad del elemento fotografiado. A mayor velocidad, menor tiempo de exposición.
• La distancia focal del objetivo. A mayor distancia focal, menor tiempo de exposición.
• La distancia entre la cámara y el sujeto. A menor distancia, mayor tiempo de exposición.
• La dirección en que se produce el movimiento respecto a la cámara. Cuanto más perpendicular sea el movimiento con respecto al eje óptico, menor deberá ser el tiempo de exposición.

La Trepidación. No Olvides que Tus Manos También Se Mueven

Además de los factores anteriores debes considerar otro muy importante y ése es tu propio pulso. Así, cuando haces una fotografía, por muy bien que sujetes tu cámara y por muy tranquilo que estés, estás transmitiendo vibraciones a ésta. Y del momento de "apretar el gatillo" ya ni hablamos.

Este movimiento incontrolable puede, en función de cómo tengamos sujeta la cámara, del tiempo de exposición que estemos utilizando y también de la focal que usemos, verse recogido en la foto. En ese caso hablaríamos de una foto trepidada o movida.

Por supuesto, este defecto se puede evitar o reducir con la ayuda de trípodes para una mejor sujección de la cámara, disparadores remotos para evitar que al "apretar el gatillo" la cámara se mueva o, incluso, sistemas estabilizadores que neutralizan los movimientos producidos.

Existe una regla sencilla, aunque no infalible, para tratar de evitar la trepidación. Consiste en emplear siempre un tiempo de exposición que coincida o sea inferior a la inversa de la focal con la que disparamos. Así, si tomamos una foto con un 50mm, deberemos disparar "a pulso" con un tiempo de exposición siempre inferior o igual a 1/50s.

Si te interesa profundizar en este aspecto y conocer más consejos y aspectos relacionados con la trepidación, tenemos un artículo completísimo sobre el tema.

¿Y Qué Hay de Esas Fotos en las Que Quiero Movimiento? El Caso Típico: El Agua

Llevamos hablando todo el rato de cómo saber el tiempo de exposición adecuado para obtener una foto "estática", sin movimiento, en la que el tiempo se detiene. Algo que por otro lado parece lógico, estamos hablando de fotografía y no de vídeo, ¿no?

Sin embargo, hay ocasiones en las que pretendemos exactamente lo contrario. Queremos que la foto muestre una estela, movimiento, fluidez...

En este sentido, si hay un elemento en el que pensamos, por encima de cualquier otro, es el agua. Pues ofrece las dos posibilidades, tanto una representación de dinamismo y fluidez, como la visión estática y "congelada".

Podemos pretender capturar "una gota aislada en el Universo", para lo que necesitaremos tiempos de exposición suficientemente bajos, condiciones de iluminación adecuadas y una amplia apertura del diafragma.

¿Te ha gustado esa fotografía? Puedes aprender cómo conseguirlo en La Guía Definitiva para fotografiar Gotas de Agua.

Por el contrario, podemos buscar que todas las gotas se fundan en un flujo continuo y "sedoso", en cuyo caso deberemos emplear tiempos de exposición altos.

Además deberemos contar con condiciones de poca luz, diafragmas lo suficientemente cerrados y de forma imprescindible con un trípode.

¿También ésta te ha gustado? Consigue una toma parecida siguiendo los consejos de 9 Elementos Clave para Fotografiar Agua en Movimiento.

En Resumen...

Tras el artículo de hoy ya hemos incorporado otro de los elementos que nos permitirán hacer mejores fotos, el tiempo de exposición.

Conocemos la importancia que tiene la elección de un tiempo de exposición u otro no sólo a la hora de la iluminación de nuestras fotografías, sino también para obtener una fotografía nítida y precisa, a la hora de congelar o difuminar nuestras fotografías o, por supuesto, a la hora de eliminar las fotos movidas o trepidadas.

Además, hemos visto la relación de "compensación" existente entre la velocidad de obturación y la apertura del diafragma. Relación que será básica cada vez que vayas a tomar una fotografía.

Ahora es momento de asimilar todos estos conceptos, sacar nuestra cámara a la calle y comenzar a ponerlos en práctica.

Como te hemos contado en otros artículos de dzoom, la fotografía callejera o street photography es un tipo de fotografía que trata de documentar momentos clave de la condición humana en entornos públicos.

No se trata de fotografía documental o social, ni de fotoperiodismo. La fotografía callejera es distinta porque no tiene un fin como tal, solo busca captar la esencia y la personalidad de lo cotidiano. Y lo hace a través de la captura de paisajes urbanos, personas u objetos.

En este artículo nos vamos a centrar en analizar un subgénero muy concreto, el retrato urbano o callejero, también conocido como street portrait. Para ello, vamos a conocer técnicas para hacer diferentes retratos urbanos y algunos consejos útiles a la hora de salir a la calle y atrevernos a practicar este tipo de fotografía.

¿Qué es el Retrato Urbano o 'Street Portrait'?

El retrato urbano o callejero consiste básicamente en fotografiar personas totalmente extrañas y desconocidas cuando vamos por la calle. Lo que siempre debemos tener claro es que tenemos que pedir su consentimiento, ya sea antes o después de realizar la fotografía.

De igual modo que en la fotografía callejera tratamos de captar la esencia de un entorno urbano, en el street portrait, buscamos captar el alma del sujeto y conseguir empatizar con él o ella. Algunos fotógrafos lo describen como 'mirar dentro del alma de un sujeto' y lograr sentirnos por un momento identificados con él a nivel humano.

Técnicas para Fotografiar Personas

A la hora de retratar personas deberás tener en cuenta que hay diferentes métodos de fotografiarlas. A veces es complicado diferenciar uno de otro, pero normalmente la diferencia radicará en el grado de implicación del sujeto dentro de la fotografía. Viendo los ejemplos nos resultará más fácil identificar cada tipo.

#1. Sujetos Integrados en el Paisaje Urbano

foto por David Sanchini (licencia CC)

Esta técnica consiste en retratar aquellas personas que son solo un elemento más del encuadre, donde no son ellos los protagonistas, sino el entorno urbano. Al no ser el sujeto el elemento principal, muchos podrían no considerarlo como un retrato en sí mismo. Sin embargo, si hemos añadido intencionadamente a ese sujeto dentro del paisaje urbano ha sido porque sí que tiene un significado en nuestra composición.

#2. Sujetos No Conscientes de Ser Fotografiados

foto por Elaine Dickson (licencia CC)

Cuando usamos este sistema, estamos fotografiando a aquellas personas que ‘van a lo suyo’ y son totalmente ajenas al objetivo de nuestra cámara. Estos sujetos, sin saberlo, son los protagonistas de nuestra composición, pero desconocen que un fotógrafo les está fotografiando en ese momento.

#3. Sujetos Sorprendidos al Descubrir la Cámara

foto por feriansyah (licencia CC)

Otro método para fotografiar personas es el que busca capturar la sorpresa. Consiste en captar justo el momento en que el sujeto se da cuenta de que está siendo fotografiado. El reto sería captar ese segundo en el que la persona descubre frente a ella el objetivo de la cámara del fotógrafo y reacciona desconcertado, enfadado, o incluso asustado.

#4. Sujetos que Posan Espontáneamente

foto por Eric Kim (licencia CC)

También te encontrarás con sujetos que reaccionarán de forma espontánea. Se trata aquellas personas que se dan cuenta de la cámara y posan para la ocasión sin ni siquiera habérselo pedido. Lo normal es que la gente huya al ver un fotógrafo, pero siempre hay individuos a los que les gusta llamar la atención y ponerse delante de un objetivo, así que aprovecha.

#5. Sujetos que Cooperan con el Fotógrafo

Por último, otra técnica habitual es la de fotografiar personas que cooperan dentro de un paisaje ambiental. Se trata de aquellos sujetos que nos llaman la atención y a los que les proponemos directamente que posen para nosotros. Serían aquellas ocasiones en las que les pedimos que realicen una acción, repitan un gesto o que formen parte del paisaje urbano que les rodea.

12 Consejos para Realizar Retratos Urbanos o Callejeros

foto por Björn Bechstein (licencia CC)

Si vas a realizar retratos urbanos, puedes elegir una sola técnica para fotografiar personas o combinar varias. Por ejemplo, podemos fotografiar a un sujeto sin que lo sepa, seguidamente puede descubrir por sorpresa nuestra cámara y posar espontáneamente y, a partir de ese momento, puede querer cooperar y seguir con una sesión. En ese caso, aplicaríamos varios métodos seguidos.

Estos 12 consejos que hemos recopilado a la hora de realizar street portrait están pensados para fotografiar a personas del grupo de 'Sujetos que Cooperan'. Tendríamos que aplicar la técnica en la que nos dirigimos a alguien porque nos llama la atención y le pedimos que colabore con nosotros dentro del paisaje urbano.

#1. Deja a un Lado la Vergüenza

Lo primero que debes hacer es dejarte la vergüenza en casa y vencer el miedo a hablar con extraños. Tendrás que estar preparado para el rechazo, ya que la gente no siempre dejará que la fotografíes o que publiques su imagen. Eso sí, si lo pides de forma amable, lo normal es que la negativa sea también cordial.

De hecho, lo más probable es que te digan que 'No' con una sonrisa. El hecho de haberle llamado la atención a un fotógrafo suele ruborizar a la gente y se lo suele tomar como un halago. Si además le explicas a esa persona el motivo por el que quieres fotografiarla (su estilo, su ropa o sus ojos) seguramente digan que sí. El 'No' ya lo tienes, así que ¡atrévete!

#2. Escoge a tus Sujetos por Intuición

A menudo el hecho de elegir al sujeto perfecto es lo que frena al fotógrafo, pero es más sencillo de lo que parece. No salgas a la calle y empieces a fotografiar personas sin ton ni son. Fíate de tu intuición y selecciona muy bien a cada individuo.

Mientras camines por la calle observa a la gente y, tarde o temprano, encontrarás a alguien que atraiga tu mirada y te llame la atención. Siéntate cerca de una concurrida calle y en seguida te sorprenderás viendo un extravagante sombrero, un extraño bigote, un original corte de pelo, un pintoresco estilo de vestir o un exagerado estado de ánimo.

#3. Busca el Contacto Visual

foto por Ryan Seyeau (licencia CC)

Los ojos son el espejo del alma... ¿Cuántas veces hemos oído eso? De hecho, si nos ponemos a pensar, la gran mayoría de pinturas famosas de nuestra historia incluyen un sujeto que nos mira directamente. Sin duda, el contacto visual es algo muy íntimo e incluirlo en nuestras capturas normalmente puede transmitir aquello que buscamos.

Sin embargo, hay veces que nuestra imagen transmite más y es mucho más natural si el sujeto no mira hacia la cámara. Así que, cuando hagas un retrato callejero, intenta obtener varias imágenes del mismo sujeto con y sin contacto visual. Así podrás comparar la sensación que evoca cada instantánea por separado.

#4. Evita la Sonrisa Forzada y Busca la Naturalidad

A no ser que sea la risa de una persona lo que atraiga tu atención, sugiere a tu sujeto que no sonría. Cuando retratas a alguien, normalmente, pone su 'típica sonrisa de foto’. Si buscas huir de la artificialidad, pídele que no adopte esa expresión tan clásica. Sí aun así, ves que el sujeto sigue estando incómodo y rígido, trata de distraerlo o provocar una respuesta en él.

Para relajar el ambiente trata de darle conversación, pregúntale algo que sepas que le interese, cuéntale un chiste (si te sabes alguno que sea bueno...) y cuando baje la guardia y se olvide de la cámara, aprovecha para soltar varias ráfagas de fotos. El momento de descuido será tu mejor aliado para captar emociones con la mayor naturalidad.

#5. No te Centres solo en el Rostro

foto por Andria Lavine (licencia CC)

Otro recurso muy práctico en el retrato callejero es el de captar gestos, preferiblemente cerca del rostro. Los gestos de las manos suelen dar dinamismo, energía y vida a un retrato. Algunos movimientos como quitarse unas gafas de sol, inhalar el humo de un cigarrillo o el apoyo pensativo de una mano en la barbilla, pueden ser muy llamativos para tu composición.

Un buen gesto es la mejor excusa para acercarte a un sujeto y pedirle que repita el mismo movimiento.  Por otro lado, no siempre es necesario que fotografíes la cara de las personas. Muchas veces un pequeño detalle, dice mucho más que un rostro: las manos, los pies, un accesorio. Además, será mucho más difícil que los sujetos rechacen ser retratados, ya que al no salir su rostro se sentirán más seguros.

#6. No Olvides la Importancia del Fondo

El fondo que salga detrás de la persona que fotografíes es un elemento muy importante que no debes pasar por alto. Asegúrate de que es apropiado para tu captura y de que no distrae demasiado la atención de tu composición (a no ser que esa sea tu intención)

Un fondo no nos interesa cuando hay demasiados elementos detrás del sujeto o colores muy estridentes que resaltan más que la propia persona. En esos casos, es mejor que le pidas al sujeto retratado que se mueva o que se coloque delante de otro fondo que te guste más y que vaya en consonancia con la atmósfera que deseas captar.

#7. Prueba con Diversos Ángulos y Perspectivas

foto por Mario Mancuso (licencia CC)

Si puedes quedarte más tiempo con el sujeto que hayas 'cazado', intenta buscar encuadres que se salgan de lo común. Además de fijarte en el fondo, como hemos visto, puedes buscar puntos de vista originales, diferentes ángulos, perspectivas y distancias. De hecho, si ves que el sujeto no tiene prisa y se encuentra cómodo contigo, cambia incluso de lente o de cámara.

Dirígele como si de un/a modelo se tratase, pídele que mire hacia arriba o hacia los lados, que se ponga de perfil y que se convierta en profesional por un día. No te limites solo a hacer fotos en vertical buscando el retrato clásico y prueba también en horizontal. Experimenta, acércate mucho a tu sujeto, aléjate, hazle fotografías en picado, en contrapicado... Después, cuando hagas el visionado posterior de la sesión ya decidirás qué fotografía capta más el alma de tu sujeto.

#8. Escoge una Buena Iluminación

Intenta seguir los consejos para iluminar retratos en exteriores que siempre te damos. Trata de darle la espalda al sol, que si es de día será tu fuente de luz principal. Si puedes salir a fotografiar a primeras horas o a últimas horas del día tus fotos tendrán una luz más bonita, ya que podrás aprovechar los colores azules y rojos del amanecer y el atardecer.

Juega con las sombras y los contrastes para añadir dramatismo a tus capturas, o incluso atrévete a incluir tu sombra dentro del encuadre. Puedes probar a fotografiar a tu sujeto con el sol detrás de él, si su silueta es lo que más atrae tu atención. No dejes de probar y dejar volar tu imaginación, recuerda que no buscamos el típico retrato sino algo urbano y original.

#9. Usa el Trípode o el Flash si hay poca Luz

foto por amira_a (licencia CC)

Si sales por a practicar por la noche, un día nublado o estás en una zona poco iluminada, prueba a hacer fotos con y sin flash. Puedes hacerlo con el que viene integrado con tu cámara o con un flash externo. Lo normal es que lo utilicemos para rellenar las sombras que puede tener en su rostro o para dar volumen al sujeto y separarlo del fondo. Si ves que tienes tiempo, prueba con ambas opciones a ver qué resultado te convence más.

No seas demasiado perfeccionista, a veces una sombra dura y marcada puede ser más impactante o emotiva si la dejas. Si ya es muy de noche, recuerda también que usar un trípode siempre te dará mayor estabilidad en situaciones de luz escasa. Si te interesa saber más acerca del retrato urbano nocturno, échale un vistazo a este artículo.

#10. Enséñale Algunas Fotos al Sujeto para que se Motive

A medida que vayas haciendo fotos de tu sujeto, es bueno que le dejes echar un vistazo de vez en cuando a tu pantalla LCD. Escoge aquellas en las que veas que salga bien para que al verlas se sienta motivado. A todos nos gusta superarnos y mejorar. Si el sujeto ve que sale favorecido, lo más probable es que le 'pique el gusanillo' y quiera seguir posando, incluso con más entusiasmo.

Cuanta más confianza haya y mayor sea el feedback entre vosotros, más relajado será el ambiente y mayor será la naturalidad. Además, es posible que sea una forma de conseguir que la sesión se alargue más y consigas tener tiempo de cambiar de escenario hasta que encuentres la captura perfecta que buscas.

#11. Haz Secuencias de Fotos y Usa el Modo Ráfaga

Elijas el método que elijas, no te limites a hacer una sola foto, dar las gracias e irte. Si un sujeto te ha dado su aprobación para fotografiarlo, aprovecha y trabaja la escena. Lo más recomendable es que hagas secuencias de fotos, para poder elegir el instante que mejor capture la emoción que buscas retratar. Para ello usa el modo ráfaga de tu cámara de fotos.

¡Tampoco tengas miedo de acercarte al sujeto! La clave es que se pueda saber cuál es el color de los ojos del sujeto, o al menos eso es lo que decía Robert Capa: ‘Si tu foto no es lo bastante buena es porque no estás lo bastante cerca’. No lo olvides, a mayor proximidad física mayor proximidad emocional.

#12. Pídele su Contacto y la Cesión de su Imagen

Si quieres utilizar la imagen de una persona es imprescindible (por Ley) que el sujeto te de su consentimiento. ¡Y mejor si es por escrito! Si no tienes bolígrafo y papel a mano puedes pedirle su email para enviarle un documento de cesión de derechos de imagen (hay plantillas en Internet) Si tienes su correo también podrás facilitarle una copia digital del retrato en cuestión que vayas a publicar para que te dé su visto bueno.

Si llevas una tarjeta de contacto mejor que mejor, porque la sensación será aún más profesional. Por otro lado, no está de más recopilar datos relevantes de tu sujeto, como su nombre, edad, nacionalidad o incluso algún suceso curioso de su vida. Piensa que también puede ser interesante para incluirlo como pie de foto en tu retrato y así conseguir que el espectador empatice aún más con el sujeto.

¡Empatiza y Vencerás!

Así podría resumirse la práctica del street protrait. Con esta técnica no se busca ni el morbo ni una imagen comprometedora, sino la identificación y empatía con el sujeto retratado. Si eres amable y abierto conseguirás que las personas también te correspondan y te muestren la parte más profunda de su alma, su belleza oculta o su punto débil.

Estos son solo algunos consejos ¿se te ocurre alguno más que añadir a la lista? ¡Cuéntanoslo! Y si aún no te has atrevido a practicar el retrato urbano o callejero, recuerda no tener miedo al rechazo. Cuantas más veces te digan que no, más indiferente te parecerán las personas que te ignoran y más agradecerás la predisposición de las personas que sí acepten tu trabajo y tu tiempo.

Una de las mayores preocupaciones de un fotógrafo de paisajes en la parte más técnica de la ejecución de sus fotos es conseguir la máxima nitidez en sus fotografías.

Existen una serie de prácticas que puedes llevar a cabo para lograr alcanzar ese grado de nitidez y detalle máximo en tus fotos de paisaje, y aunque algunas de ellas puedan parecer obvias o ya las conozcas, también es probable que descubras algún nuevo truco que no conocías o no tenías en cuenta hasta el momento.

Si quieres conseguir unas fotos de paisajes más nítidas, no te pierdas el siguiente artículo.

1. Usa un Trípode

¿Te acuerdas cuando te hablábamos de cuáles eran los accesorios imprescindibles para el fotógrafo de paisaje? Pues bien, el trípode es uno de los complementos más importantes para este género fotográfico.

Salvo que vayas a realizar capturas con un tiempo de exposición muy corto, es decir, aquellas que directamente puedas disparar a pulso, necesitarás usar un trípode. Piensa por ejemplo en capturas en las que el agua de un río o una cascada salen con un precioso efecto seda en la foto. O en tomas al atardecer cuando la luz ya empieza a escasear. Este tipo de imágenes se considera fotografía de larga exposición porque necesitamos exponer la imagen durante un segundo o más para lograr el efecto y la exposición que deseamos. Pero para poder llevarlas a cabo es necesario que la cámara esté montada sobre un trípode que nos garantice que el equipo no se moverá durante el momento del disparo, evitando así las temidas trepidaciones.

Sabemos que es un accesorio algo voluminoso y pesado, sobre todo si nos lo tenemos que llevar en largas caminatas hasta llegar a nuestro destino. Pero lo cierto es que su uso es imprescindible para evitar que nuestras capturas con una exposición algo más larga no salgan borrosas.

Si no tienes uno aún y estás mínimamente interesado por la fotografía de paisaje, deberías ir pensando en hacerte con uno bueno. En nuestra Guía Definitiva para Elegir el Trípode que Necesitas encontrarás toda la información acerca de en qué aspectos debes fijarte a la hora de escoger el trípode que necesitas. Una vez lo tengas claro, podrás ver nuestra recomendación de +30 Trípodes Fotográficos Recomendados en 2022 y elegir el que más te guste.

Y por último, no te olvides de echar un vistazo a los consejos a la hora de utilizarlos que te ofrecíamos en Los 16 Mejores Consejos para usar tu Trípode de Forma Eficiente. Porque hay una serie de trucos para emplearlo de forma eficaz y mejorar el resultado de nuestras tomas, como por ejemplo:

• Comprobar que el trípode soporta el peso de nuestro equipo.
• Asegurarnos de bloquear bien las diferentes secciones.
• Desplegar del todo las patas.
• Alcanzar la altura que deseamos siguiendo un orden determinado (primero extendiendo las patas más robustas, y por último, si es necesario, las más finas).
• O añadir peso extra al trípode mediante el gancho para que sea más firme.

Algo que tampoco debemos pasar por alto, aunque suene como una obviedad, es que no toquemos la cámara ni nos apoyemos en el trípode en el momento del disparo si no queremos que la nitidez de nuestra toma se vea afectada. Esto también se relaciona con el siguiente punto.

2. Usa el Temporizador de la Cámara o un Disparador Remoto

El segundo consejo también pasa por el empleo de un accesorio, el disparador remoto. Este es el compañero inseparable del trípode, y es que cuando vayas a emplearlo, es mejor que no dispares directamente con la cámara o muy probablemente transmitirás vibraciones al pulsar el disparador que afectarán a la nitidez de tus fotos.

El disparador remoto es una solución ideal para accionar el obturador en el instante que desees sin trasladar vibraciones a la cámara. Es un accesorio muy económico al que sin duda le sacarás mucho partido cada vez que uses tu trípode.

¿No tienes un disparador remoto? No pasa nada. Aunque como te decía es un accesorio muy recomendable, siempre tienes una segunda opción, que es trabajar con el temporizador de la cámara. Este básicamente nos da la opción de seleccionar el tiempo que la cámara espera antes de hacer la foto. Así pues, si escogemos valores como 2 o 5 segundos, pulsaremos el botón de disparo, pero hasta que no pase ese tiempo no se disparará la toma, y de esa manera podremos evitar las posibles vibraciones que causemos, y por tanto, lograr una mayor nitidez en nuestras tomas.

3. Desactiva el Estabilizador

Si tu cámara o tu objetivo disponen de estabilizador y estás usando el trípode, desactívalo. El estabilizador es uno de esos controles que, cuando lo usamos, lo dejamos puesto y nos olvidamos completamente de su existencia. Pero si quieres ganar nitidez en tus fotos de paisaje, es mejor que lo desactives cuando uses un trípode.

El sistema de estabilización está pensado para compensar el movimiento y aunque no te lo creas, el hecho de que la cámara esté completamente estática por el uso del trípode puede interferir con el estabilizador y hacer que este transmita vibraciones a la cámara.

Otra cosa es que las condiciones del clima sean adversas, y por ejemplo haga mucho viento. Entonces, incluso aunque emplees un trípode, puedes dejarlo activado, porque las fuertes rachas de viento podrían causar vibraciones en este, afectando a la nitidez de la imagen.

4. Bloquea el Espejo (Cámara Réflex)

Cuando miras a través del visor de tu cámara réflex, lo que estás viendo es una imagen reflejada. En el momento de disparar, lo que hace la cámara es levantar el espejo que refleja la imagen provocando vibraciones que pueden generar cierta trepidación.

Es por ello que si tu cámara dispone de sistema de bloqueo del espejo, es aconsejable que lo utilices. Este está pensado para que en este tipo de situaciones el movimiento del espejo no traslade ninguna vibración con el golpeo de la apertura y cierre del espejo. Algo que también ocurre cuando activamos la vista en vivo o modo Live View.

Algunas cámaras no disponen de este mecanismo, pero disponen de un retardo en el sistema de disparo tras el movimiento del espejo que mitiga la vibración. No es tan eficiente como el bloqueo del espejo, pero sin duda es mejor que no disponer de nada.

Por otro lado, si tu cámara es una sin espejo o evil, no tendrás que preocuparte por esta opción, ya que precisamente una de sus principales características es que no incluyen espejos.

5. Utiliza el Punto Dulce de tu Objetivo

La teoría dice que cuanto más cerrado tienes el diafragma de tu objetivo, mayor es la profundidad de campo o la zona que se aprecia nítida en la cámara.

Ciertamente, la profundidad de campo depende de la mayor o menor apertura del diafragma. Pero no es menos cierto que los objetivos, por regla general, no se suelen comportar igual de bien en términos de calidad de imagen cuando utilizamos sus aperturas máximas y mínimas. Cuando trabajamos con aperturas muy amplias, pueden aperecer las temidas aberraciones cromáticas, y cuando cerramos mucho el diafragma, entonces nos topamos con la famosa difracción.

Para conseguir la máxima nítidez en nuestras fotografías un buen punto de partida es conocer el punto dulce de nuestro objetivo, que es el que se corresponde con aquella apertura en la que el rendimiento de nuestra lente en términos de nitidez es mejor (dependiendo del objetivo este suele ir desde f/5,6 a f/8 o f/11). A partir de ahí y según nuestras necesidades, evitaremos los extremos y optaremos por aperturas intermedias para lograr mejores resultados.

A este respecto también, te recomiendo que trates de entender el concepto de distancia hiperfocal para que sepas qué apertura necesitas y puede funcionar mejor con tu objetivo.

Por otro lado, dependiendo de la focal que utilices, es probable que puedas conseguir una profundidad de campo amplísima sin necesidad de cerrar tanto el diafragma. Esto ocurre, por ejemplo, con los grandes angulares.

6. No Enfoques al Infinito, Trabaja con la Hiperfocal

Como ya te anticipaba en el punto anterior, jugando con la hiperfocal puedes conseguir que tu foto salga perfectamente nítida sin necesidad de enfocar al infinito. De hecho, si enfocas al infinito, la foto no saldrá tan nítida como si enfocas a un punto intermedio.

¿Extraño? En un principio sí, pero si lo piensas detenidamente verás que no lo es tanto, aunque la lógica no te hubiera invitado a pensarlo.

Cuando enfocas, la zona nítida que consigues suele variar en un rango de distancias por delante y por detrás del punto enfocado. Al enfocar a la lejanía, la parte más cercana a tí puede salir borrosa.

En cambio, si enfocas a una zona más cercana y cuentas con una focal y una apertura suficientes, la zona nítida abarcará desde el punto en el que hayas enfocado hasta el infinito visible (el fondo de tu foto) y recogerá más zona nítida por delante. ¿Lo entiendes?

Por ejemplo, a la hora de hacer paisajes con mi Sigma 10-20 suelo trabajar con enfoque manual fijado a 1 metro y una apertura f/11, en lugar de enfocar al infinito y cerrar a f/22 como podrías haber pensado inicialmente. Te invita a que para terminar de comprobarlo, hagas la prueba tú mismo.

7. Mantén Limpio el Objetivo

Este punto que puede parecer algo tonto es muy importante. Si tenemos el objetivo sucio, por ejemplo con huellas o salpicaduras de agua, esto puede afectar a la calidad y la nitidez de nuestras fotos.

Si estamos tomando todas las precauciones para conseguir la mayor profundidad de campo posible y no transmitir vibraciones a nuestra cámara, y luego resulta que tenemos el objetivo sucio, no nos habrá servido de mucho cumplir todos los puntos anteriores.

Así que te recomiendo que siempre que vayas a salir a fotografiar, te cerciores de que tu equipo está limpio, y sino que uses los consejos que te dabamos en nuestra La Guía Completa para Limpiar Objetivos y Filtros Fotográficos de para manterlos siempre limpios.

8. No Uses Filtros Protectores

Los más puristas dicen que cualquier filtro entorpece en la calidad de la foto final. Ciertamente, lo extraño sería que la mejorara (hablo de filtros protectores, filtros que no aportan teóricamente nada a la foto en sí). Pero si el filtro es bueno tampoco tiene por qué generar males mayores, salvo que esté sucio, como ya te comentaba con el propio objetivo.

De hecho, es probable que utilices otro tipo de filtros como el de densidad neutra o el polarizador en según que fotografías de paisajes y no por ello vas a renunciar a utilizarlos, ¿no?

Simplemente, tenlo en cuenta, y si tu propósito es maximizar la nitidez de tus tomas evita usar filtros ultravioleta, y en caso de emplearlos o utilizar otro tipo de filtros, asegurate de que sean de buena calidad.

9. Utiliza la Técnica del Bracketing de Enfoque

Por último, existe una técnica que nos ayudará a perfeccionar la nitidez en nuestras fotografías de paisajes, y esa es el bracketing de enfoque. 

Esta consiste en realizar una serie de fotografías con idéntico encuadre (es decir, sobre trípode), en las que en cada una de ellas iremos variando el punto de enfoque, para luego en edicioón combinarlas todas en un proceso al que se le conoce como apilamiento de enfoque.

Es un proceso que requiere paciencia y trabajo, y que seguro que has oído que se emplea en fotografía macro, pero no solo se practica en esta temática claro.

Si quieres profundizar más en ella, te sugeremos que le eches un vistazo al artículo Bracketing de Enfoque en Paisajes: tu Fotografía Mucho Más Nítida.

Y a Ti, ¿Se Te Ocurre Algún Consejo Más?

Puede que haya alguna cosa más que tengas en cuenta a la hora de conseguir hacer unas buenas fotos nítidas de paisajes. Si crees que puedes ayudarnos a aumentar la lista, estaremos encantados de recibir tu ayuda a través de los comentarios.

Una de las disciplinas que todo fotógrafo está deseando probar en el momento en que empieza a adquirir cierta pericia en el manejo de su cámara es la fotografía macro. Esa fotografía en la que el buscamos que el tamaño de lo fotografiado en la fotografía sea al menos igual, o superior que el tamaño real.

Para poder lograr esto, lamentablemente, no vale cualquier objetivo, pues los objetivos tienen una distancia mínima de enfoque que hace que no nos podamos acercar suficiente y, por tanto, que no podamos lograr esa magnificación buscada.

Sin embargo, hay alternativas económicas que te ofrecerán resultados fantásticos. Estas son los tubos de extensión, las lentes de aproximación y, como veremos hoy, los anillos de inversión. ¿Quieres aprender a usarlos? ¡Pues no te pierdas este artículo!

¿En Qué Consisten los Anillos de Inversión?

Por el nombre ya puedes imaginarte de qué se trata, ¿verdad?. Los anillos de inversión permiten invertir lentes, es decir, darle la vuelta a objetivos no macro. De modo que puedan lograr esa una magnificación similar a la que nos ofrece una lente macro.

¿Cómo lo consiguen? Muy sencillo, observa el esquema explicativo de abajo. Al invertir el objetivo, logramos que sea posible acercarnos más al objeto a fotografiar reduciendo la distancia mínima de enfoque y, de este modo, que el tamaño en el sensor, también sea mayor.

Realmente podemos hacer esto sin necesidad de acoplar ningún anillo a nuestra cámara, pero este accesorio nos permite invertir un objetivo normal sin necesidad de tener que estar sujetándolo, con el peligro que ello conlleva y las vibraciones indeseadas que pueden aparecer.

Además de ser un accesorio tremendamente económico, tiene la ventaja de no pesar nada y ocupar poco espacio. Puedes guardarlo incluso en tu funda de filtros habitual, como uno más. Así que, podrás llevarlo encima siempre y poder practicar fotografía macro si la ocasión se presenta.

A la izquierda lo máximo que la distancia mínima de enfoque nos permite acercarnos con una lente 50mm y a la derecha esa misma lente acoplada de forma invertida.

En cuanto a los objetivos con los que mejor funciona esta técnica de la inversión, te podemos decir que las focales más habituales suelen estar entre los 28mm y 50mm. Es aconsejable emplear focales fijas, como el 35 o el 50mm, por ejemplo, u objetivos de kit, como los 18-55mm, con este propósito.

Debes tener en cuenta que, cuanto más corta sea la focal que uses mayor será el acercamiento. Por eso, con una focal fija 85mm o 100mm invertidas también podrás trabajar, pero además de reducir la magnificación también reducirás la cantidad de luz que entra.

Tipos de Anillos de Inversión

Ya hemos explicado en qué consiste la inversión y lo que conseguimos con ella. Veamos ahora qué aspecto tiene un anillo de inversión y qué tipos encontraremos en el mercado.

Anillo de Inversión Simple

Un anillo de inversión convencional tiene un aspecto similar al de cualquier filtro que puedas haber comprado para tu cámara, con la diferencia de que es necesario que tenga dos partes.

Por un lado, se acopla a la montura de tu cámara y, por otro lado, ofrece una rosca como la que emplean los filtros para que se adapte el objetivo invertido. Son la opción más económica, la que encontrarás más fácilmente y además, su funcionamiento es muy sencillo.

Antes de comprarlo, cerciórate bien de que adquieres un anillo con la montura correcta (Canon, Nikon, Sony, Micro 4/3) y, por supuesto, del diámetro del objetivo (Ø) que piensas utilizar como objetivo invertido (52mm, 55mm, 58mm, etc).

La mayor desventaja de estos anillos es que no nos permiten utilizar los automatismos de la cámara. No podrás utilizar el enfoque automático de la cámara o el control de la apertura del diafragma, a menos que elijas como objetivo invertido uno de los que cuentan con anillo de diafragma en el cuerpo de la propia lente.

Anillo de Inversión Automático

Existen anillos de inversión que sí que nos dejan mantener la conexión con la cámara y usar sus automatismos pero su precio se disparará. Aunque seguirán siendo más baratos que una lente macro, quizás dejarían de ser la alternativa macro más económica pero nos permitirán mayor precisión a la hora de trabajar.

Realmente, su principal ventaja con respecto a los simples es que nos permiten dominar el control de la apertura del diafragma cuando trabajamos con lentes modernas y automáticas que no cuentan con un anillo específico para elegir el número f.

Como desventaja, podríamos decir que la instalación es un poco más aparatosa. En primer lugar, debemos colocar un anillo compatible con la montura de la cámara, después un anillo adaptador independiente, seguidamente el objetivo invertido y, por último, una segunda pieza unida al primer anillo a través de un cable. Además, es imprescindible que todas las piezas estén bien acopladas para que no falle la comunicación.

Anillo de Inversión de Doble Rosca

Otro tipo de anillos que encontraremos en el mercado son los anillos de inversión de doble rosca, aunque son menos comunes. Estos nos permiten acoplar una lente a otra lente, en lugar de a la propia cámara de forma directa.

Más adelante veremos cómo funcionan, pero básicamente la mayor ventaja que tenemos con estas lentes es la de poder acercarnos todavía más a los elementos fotografiados ampliando más aún la magnificación obtenida en el plano focal.

Para utilizarlos solo tendremos que colocar uno de los objetivos de forma tradicional, acoplar el anillo inversor doble y enroscar la otra lente de forma invertida, la cual funcionará ahora como una especie de lente de aproximación.

A la hora de comprar uno de estos anillos, por un lado, fíjate bien que ambos lados sean macho. Y, por otro lado, si los dos objetivos que pretendes comparten el diámetro estupendo, pero si no es así, asegúrate de que encajan ambos diámetros en él (58mm-58mm, 55mm-58mm, 52mm-58mm, etc)

#1. Modo de Empleo: Un Objetivo

Fragmento Fototip Macro Lowcost: Los Anillos de Inversión

La primera forma de emplear estos anillos de inversión es, como venimos indicando, acoplar el inversor a la montura y, a continuación, enroscar el objetivo invertido al anillo inversor.

Sin duda, se trata del modo más sencillo de empleo. Basta con aplicarlo y acercarse suficiente al objeto a fotografiar para lograr la magnificación buscada. De este modo conseguimos convertir una lente tradicional en una lente macro porque la imagen se forma con un tamaño mucho mayor en el plano focal.

El principal inconveniente de este modo de empleo es que, si el objetivo que estás empleando no dispone de anillo de diafragmas, te verás obligado a disparar siempre con la misma apertura.

Esta limitación se debe a que el objetivo, al no estar conectado por el lado correcto a la montura, no recibe las órdenes adecuadas en cuanto a la apertura de su diafragma, de manera que lo mantiene completamente abierto o completamente cerrado, según la lente.

Nosotros vamos a realizar la prueba con dos lentes. Primero con este Nikkor 50mm f/1.8. Como el diafragma permanece cerrado y la cantidad de luz que entra está muy limitada y se genera difracción, pero esta es la magnificación que obtenemos.

Las imágenes de la derecha corresponden a una segunda prueba pero realizada con un 50mm Nikkor analógico con anillo de diafragma. Obtenemos la misma magnificación que con el anterior, pero al poder elegir una apertura menos reducida conseguimos más luz y menos difracción en la toma.

#2. Modo de Empleo: Dos Objetivos

Si ya habías oído hablar de la inversión del objetivo, es posible que te suene haber escuchado la posibilidad de usar un objetivo tradicional y un objetivo invertido, ambos a la vez, para realizar fotografía macro.

Efectivamente, esa posibilidad existe y, de hecho, también es utilizada por muchos fotógrafos que buscan una alternativa a tener que gastar mucho dinero en un objetivo macro.

Este modo de empleo consiste, por tanto, en acoplar un objetivo a nuestra montura, a continuación el anillo inversor y, por último, el objetivo invertido. En este caso, como te hemos dicho antes, el objetivo invertido actúa como si fuese una lente de aproximación acoplada al objetivo.

Para que te hagas una idea, un focal fija de 50mm usado de este modo equivale a una lente de 20 dioptrías. Objetivos con menor focal proporcionarían todavía un mayor número de dioptrías.

La principal ventaja de este modo de empleo es que es posible compensar la falta de control de apertura del objetivo invertido, si es que no tiene anillo de diafragmas, reduciendo al máximo la apertura del objetivo que actúa como objetivo principal, o bien ampliándola para que entre mayor cantidad de luz.

La magnificación lograda dependerá, además de la focal del objetivo que no pongamos invertido. Por lo que es importante tener en cuenta que, a mayor focal de este objetivo, se logrará un mayor tamaño en el sensor. Vamos a comprobarlo.

Fíjate como hemos logrado una magnificación tremenda al utilizar un teleobjetivo 55-200mm como lente sin invertir y un 50mm como lente invertida, ambos a la vez.

#3. Modo de Empleo: Objetivo + Tubos de Extensión

Si quieres obtener una mayor magnificación y que tu inversión monetaria siga siendo mínima, puedes probar a trabajar con varias alternativas macro económicas a la vez. Los tubos de extensión nos ayudarán a separar el cuerpo de la cámara de la lente, aumentando el acercamiento y reduciendo todavía más la distancia mínima de enfoque.

Para poder utilizarlos, colocaremos los tubos de extensión, el anillo de inversión (que es compatible con la montura de los tubos) y el objetivo invertido. Ahora la cantidad de luz disponible ha disminuido todavía más, por lo que la necesidad de contar con luz artificial será imprescindible.

Vamos a probarlo colocando unos tubos de extensión con montura Nikon de 12mm, 20mm y 36 mm (68mm + 50 invertido técnicamente) y veamos qué resultado obtenemos.

En alguno casos, podremos incluso añadir las lentes de aproximación y conseguir un acercamiento todavía mayor. Aunque con este accesorios, al interponer vidrios, podemos perder algo nitidez y desaprovechar la calidad óptica de la lente fija que estemos utilizando como objetivo invertido y quizás no nos interese.

Cómo Proteger un Objetivo Invertido

Un anillo de inversión es una alternativa barata, como has visto, pero si tiene un verdadero problema es la exposición de la lente interna del objetivo que se invierte. Se trata de una lente que está pensada para estar protegida en su acoplamiento con la montura, por lo que no tiene revestimientos especiales protectores ni nada por el estilo.

Por ese motivo, es muy importante protegerla. Algunos recomiendan construirse un protector mientras que otros deciden emplear uno de los tubos de extensión y acoplarlo al objetivo. De hecho, acoplando un tubo de extensión de 12mm ya estarías logrando proteger la lente interna de tu objetivo y evitar que esté expuesta a cualquier tipo de golpe o arañazo.

Sin embargo, también existen protectores especiales que puedes encontrar en algunos packs de anillos inversores. Estos protectores cuentan por una lado con la montura de la cámara y por otro con una rosca hembra para que acoples un filtro UV y que protejas todavía más la lente.

De este modo, no solo la protegerás de golpes sino que también evitarás que entren partículas de polvo, suciedad, salpicaduras u otro tipo de agentes externos indeseados. Aunque el efecto de poner un filtro UV sería el mismo que hemos comentado antes con las lentes de aproximación, que podría reducir algo de nitidez y es algo que también debes valorar.

Sea como sea, es aconsejable que limpies la parte interna de tu objetivo cuando termines de utilizar un anillo inversor con él. Es posible que al exponerlo a la intemperie se haya podido mancha o que lo hayamos podido tocar sin querer y así no aseguremos de que se guarda y se mantiene en buen estado.

Consejos Útiles a la Hora de Usar un Anillo de Inversión

A continuación, te daremos algunos consejos que son aplicables a fotografía macro en general y, en concreto, al empleo de objetivos invertidos. Toma nota porque si tienes estos aspectos en cuenta será más sencillo lograr buenas tomas con este accesorio y no frustrarte al primer intento de uso.

#1. Enfoca por Acercamiento

Como sabes, cuando practicamos fotografía macro reducimos tanto la distancia mínima de enfoque (distancia desde el sensor hasta el objeto) como la distancia de trabajo (distancia desde el vértice de la lente hasta el objeto) por lo que estaremos muy cerca de aquello que vayamos a fotografiar.

El caso es que, como las funciones del enfoque automático estarán deshabilitadas y el anillo de enfoque de nuestra lente invertida tampoco lo podremos utilizar, solo nos queda una manera de enfocar, acercándonos o alejándonos del elemento fotografiado.

Podríamos decir que esta forma de enfocar es la más manual que existe porque el acercamiento físico será lo que nos permitirá obtener imágenes nítidas y esos movimientos deberán ser casi milimétricos. De hecho, cualquier mínima vibración es posible que pueda arruinar nuestra toma.

#2. Ten en cuenta la Apertura

Al tener que acercarnos mucho al objeto a fotografiar, la profundidad de campo se reduce. Por ese motivo, nos interesa trabajar con aperturas reducidas (números f altos), pero nos encontraremos con diferentes problemas según la lente que hayamos invertido.

Si se trata de una lente Canon, trabajarás con la máxima apertura de tu objetivo, porque una lente Canon fuera de la cámara siempre tiene el diafragma abierto por completo. Esto significa que tendremos que trabajar, sí o sí, con una profundidad de campo muy reducida, especialmente si utilizamos un focal fija, que puede llegar a aperturas de f/1.8, /1.4 o incluso superiores.

Sin embargo, si trabajamos con una lente Nikon, que mantiene su apertura cerrada al estar fuera de la cámara, la profundidad de campo será mucho más amplia. Sí que es cierto que entrará mucha menos luz pero podremos compensar esto añadiendo una fuente de luz externa, como un flash externo o una luz continua.

Por último, como ya te hemos comentado antes, si cuentas con una lente analógica más antigua que disponga de un anillo de diafragma no tendrás problema para trabajar con la apertura que desees. Este tipo de objetivos con apertura manual son ideales para realizar tomas macro con objetivos invertidos porque dispondrás del control total sobre la profundidad de campo.

#3. Cuenta con Iluminación Extra

Contar una buena cantidad de luz en fotografía macro es muy importante y probablemente la luz natural nunca será suficiente. Por eso, es aconsejable contar luz artificial a mano. Puedes optar por utilizar flashes externos que puedas disparar desde posiciones laterales, en lugar de hacerlo desde la misma posición en la que se encuentra la cámara.

Si vas a usar flash, trata de difuminar su luz para que las sombras no resulten demasiado duras y artificiales. Recuerda que existen multitud de difusores entre los que elegir, incluso caseros.

También puedes utilizar un flash anular grande o específico para macro si tienes la posibilidad de acoplar un adaptador o un panel de luz continua led. En ambos casos, puedes regular la intensidad de la luz o usar también algún difusor que suavice las sombras.

#4. Busca Más Estabilidad

Mucha gente invierte el objetivo sin acoplar ningún anillo inversor, simplemente sujetándolo con la mano. Como prueba o medida de emergencia, lo puedes hacer, pero como práctica habitual nosotros lo desaconsejamos. No solo corres el riesgo de exponer tu sensor y tu lente a más peligros sino que además perderás estabilidad.

Por muy quieto que estés es probablemente tu movimiento corporal afectará al resultado final y en fotografía macro cuanto mayor sea la estabilidad, siempre será mejor. Por tanto, evita movimientos tanto de la cámara, como del objeto a fotografiar.

Lo mejor será utilizar trípode, disparador remoto y, si es posible, toma las fotografías en interior donde puedas evitar que la más mínima brisa arruine tu toma y utilizando objetos estáticos como flores u objetos.

Algunos Modelos Recomendados

Como te hemos indicado al principio del artículo, es esencial que antes de adquirir un anillo de inversión tengas claro cuál es el diámetro del objetivo que vas a invertir porque no te servirá cualquier anillo.

Sabiendo esto, échale un vistazo a estos anillos de inversión cuyo precio ronda los 10-15€ y que te darán muy buenos resultados.

Anillos de inversión para Nikon por 7,90€

• 52mm
• 55mm
• 67mm
• 58mm
• 49mm
• 72mm

Anillos de inversión para Canon por 7,90€

• 58mm
• 52mm
• 67mm
• 55mm
• 62mm
• 72mm

Anillos de inversión para Fuji X (12-13€)

• 39mm
• 49mm
• 52mm
• 55mm
• 58mm
• 62mm
• 67mm

Otros Anillos de inversión por menos de 15€

• 55mm Sony A por 11€
• 77mm Sony A por 9,90€
• 49mm Sony E por 10,99€
• 52mm Sony E por 10,99€
• 55mm Sony E por 10,99€
• 58mm Sony E por 10,99€
• 52mm Micro 4/3 por 13,99€
• 55mm Micro 4/3 por 13,90€
• 49mm Pentax K por 7,90€
• 52mm Pentax K por 7,90€

¿Lo Has Probado? Cuéntanos Tu Experiencia

¿No has probado el uso de los anillos inversores? ¿A qué esperas? Esta es quizás la alternativa más económica que encontrarás para lanzarte a experimentar con fotografía macro y con la que puedes conseguir magníficos resultados.

Si, por el contrario, sí que has hecho tus pinitos con anillos inversores, no dudes en contarnos tu experiencia. Comparte con nosotros qué problemas te has encontrado al utilizarlo o algún truco infalible que hayas descubierto al ponerlos en práctica ¿Los recomiendas?

Si hay algo que pueda marcar la diferencia entre un buen y un mal retrato es el uso de la luz. Independientemente del tipo de luz, su dureza, intensidad o color, la dirección desde donde incida en nuestro sujeto va a condicionar enormemente el resultado final de nuestro retrato.

Tras muchos años de experimentación con la luz, los expertos fueron creando diferentes esquemas de iluminación que pueden servirnos para transmitir unas sensaciones u otras en nuestros retratos. En este artículo hemos querido recopilar los más utilizados, para que los puedas tener presentes a la hora de crear tus propias fotografías de retrato.

Las Propiedades de la Luz

Antes de empezar a ver los diferentes esquemas de iluminación es importante conocer cuáles son las propiedades más importantes de la luz. Cualquiera de estos esquemas que vamos a ver puede cambiar radicalmente dependiendo de las propiedades de la luz que decidamos usar en ellos.

Propiedades de la Luz: La Dirección

1. Dureza: La dureza de la luz puede ser determinante para darle a nuestro retrato el aspecto que queremos. Una luz más dura nos proporcionará retratos más agresivos, dramáticos o potentes. En cambio, una luz más difusa generalmente nos ofrecerá retratos más suaves, tiernos y bellos. Para difuminar tu fuente de luz deberás utilizar un difusor o rebotarla contra una superficie clara. Si, en cambio, pretendes hacerla más dura que simplemente usándola sin difusor, puedes optar por utilizar grids o panales de abeja para concentrar más el haz de luz.
2. Intensidad: La intensidad de la luz también va a cambiar nuestro retrato por completo e incluso transmitir sensaciones muy diferentes. Una luz intensa puede transmitir potencia o belleza, ya que realzará mucho la presencia de nuestro sujeto. En cambio, una luz más tenue puede transmitirnos soledad, tristeza, dramatismo, pero también intimidad o sensualidad. Puedes jugar con la potencia de tus fuentes de luz e incluso alejarlas o acercarlas a tu sujeto si no son regulables. Incluso puedes atreverte con una clave alta o una clave baja.
3. Temperatura de color: La temperatura de color de la luz también va a cambiar el aspecto de nuestro retrato, ya que influirá en su balance de blancos. Un balance frío puede transmitir seriedad o elegancia, e incluso también calma; y un balance cálido puede proyectar ternura, tranquilidad, pero también pasión en ocasiones. Un balance neutro , por su parte, transmitirá pureza o limpieza. Aunque, como siempre, todo dependerá del resto de nuestra fotografía y de la ambientación que le demos.
4. Dirección: Dependiendo de la dirección y angulación en la que la luz incida sobre nuestro sujeto, su cara puede cambiar de manera radical. En eso se basan los esquemas de iluminación. A continuación vamos a ver los esquemas más comunes y analizaremos qué efectos produce cada uno de ellos sobre el rostro de nuestro sujeto.

Por ejemplo, un retrato con luz suave será muy diferente de un retrato con luz dura, de la misma manera que un retrato en clave baja será muy diferente de un retrato en clave alta realizado con ese mismo esquema de iluminación.

Los 25 Esquemas de Iluminación Más Comunes en Fotografía de Retrato

Vamos a ver diferentes esquemas de iluminación ordenados por necesidad de fuentes de luz. Primero veremos algunos que tan solo requieren de una fuente de luz, a continuación veremos esquemas con 2 fuentes de luz, después con 3 fuentes de luz y finalmente veremos alguno con 4 fuentes.

No será necesario contar con flashes de estudio. También puedes optar por utilizar flashes de mano o luz continua, e incluso algunas de estas fuentes de iluminación pueden sustituirse por un reflector 5 en 1, siempre y cuando tengan una fuente de luz principal que puedan reflejar. Es posible que puedan interesarte alguno de estos artículos si no sabes con qué equipo puedes trabajar:

• Strobist: Una Interesante (y Económica) Alternativa a la Iluminación de Estudio
• Cómo Conseguí mi Equipo Strobist Básico por Menos de 80 Euros
• Cómo Montar tu Propio Estudio Fotográfico Casero Lowcost

Por supuesto, también podrás emplear luz natural para tus retratos e ir cambiando la posición de tu sujeto en lugar de la posición de tus luces, e incluso combinar luz natural con luz artificial. Eso sí, deberás tener en cuenta que si usas luz natural no te será tan fácil controlarla y dependerás de la hora para poder tenerla situada en la posición que desees.

Esquemas de Iluminación con 1 Fuente de Luz

1. Rembrandt (Luz a 45º)

Fragmento Fototip Esquema de Iluminación Rembrandt

El esquema de iluminación Rembrandt consiste en situar una fuente de luz a 45º respecto a la nariz de nuestro sujeto, de tal manera que la sombra que proyecte su nariz cree un triángulo de luz en la mejilla en sombra. Se llama así precisamente porque imita la iluminación que el famoso pintor solía usar en sus cuadros.

Al incidir de manera diagonal sobre el rostro, este tipo de iluminación favorece mucho, ya que las sombras van apareciendo de manera gradual marcando los volúmenes pero sin exagerarlos, obteniendo así un retrato muy compensado.

2. Luz Lateral (Luz a 90º)

La luz lateral se sitúa a 90º respecto a la nariz de nuestro sujeto, es decir, de manera completamente lateral a él. Este tipo de iluminación realza mucho las texturas y crea sombras muy marcadas, dando lugar a retratos con mucha fuerza y dramatismo. Esto se acrecenta todavía más si además utilizamos una luz dura.

Este esquema es muy útil si el principal motivo de tu fotografía es marcar y realzar una textura, como por ejemplo las arrugas de un anciano o los músculos de un cuerpo bien definido. Además, si usamos una intensidad baja y nuestro modelo colabora con su pose, podemos conseguir retratos que transmitan potencia o agresividad, e incluso que generen temor.

3. Contraluz

Para crear un contraluz situaremos la fuente de luz justo detrás de nuestro sujeto. Con esto conseguiremos realzar su contorno, su silueta. También puedes situar el contraluz de manera diagonal por detrás para realzar tan solo una de las partes de la silueta de tu sujeto.

En este esquema nos encontraremos con dos opciones:

1. Una será exponer correctamente a nuestro sujeto, haciendo que el contraluz le otorgue un aura onírica.
2. Y la otra será subexponer a nuestro sujeto para conseguir que se muestre tan solo su silueta negra, contorneada por el contraluz.

Este tipo de iluminación es muy útil para remarcar una bonita silueta, un cuerpo musculado o incluso una tripita de embarazada.

4. Butterfly

El esquema de iluminación Butterfly es uno de los más usados para moda y retratos tipo beauty. Situaremos la fuente de luz de manera frontal, pero elevada por encima de la cabeza de nuestro sujeto.

Este tipo de iluminación, sobre todo si se usa luz difusa, favorece mucho al rostro, porque aplana las facciones de nuestro modelo, haciéndolas más delicadas y suaves. Se le llama "Butterfly" por la sombra en forma de mariposa que se genera justo debajo de la nariz.

Cabe destacar que ésta es una iluminación pensada para retratos en primer plano o incluso para planos más cerrados.

5. Rembrandt Elevado

Este esquema sería una mezcla entre los esquemas Rembrandt y Butterfly. Consiste en situar el flash a 45º, como en el esquema Rembrandt, pero elevado por encima de la cabeza de nuestro sujeto, como en el esquema Butterfly.

Con esta iluminación conseguiremos suavizar las facciones de nuestro sujeto pero no aplanarlas del todo como con el esquema Butterfly.

Esquemas de Iluminación con 2 Fuentes de Luz

6. 1 Fuente + Iluminar el Fondo

Cualquiera de los esquemas que hemos visto con una sola fuente de luz puede ser complementado con un segundo flash que ilumine el fondo.

Este flash encarado hacia el fondo te ayudará a quemar el fondo para conseguir que sea blanco puro. También puedes añadirle un gel de color para teñir el fondo del color que quieras.

7. Luces a 45º y a -45º

Podemos rellenar las sombras que produce el esquema Rembrandt con un flash situado justo al contrario que el flash principal; es decir, a -45º respecto a la nariz de nuestro sujeto. Será importante que la luz de relleno tenga menor intensidad que la principal, para suavizar las sombras pero no matarlas del todo. También podemos sustituir esta luz de relleno por un reflector 5 en 1 si no contamos con una fuente de luz extra.

Con este esquema de iluminación conseguiremos que las sombras generadas por el esquema Rembrandt no estén tan marcadas, generando así un retrato menos duro, más compensado.

8. Rembrandt + Luz Frontal

Si queremos paliar un poco las sombras generadas por el esquema Rembrandt, una buena manera es usar una fuente de luz situada de manera frontal. Eso sí, será interesante que esta luz frontal tenga una intensidad más baja que la luz principal, para ganar información en esas sombras pero no eliminarlas por completo. Así pues, la luz frontal actuará como luz de relleno.

9. Rembrandt + Luz lateral

También podemos complementar el esquema Rembrandt colocando la luz de relleno de manera lateral al lado contrario, para paliar sombras y marcar contorno. Sobre todo si quieres usar un reflector como luz de relleno te será más sencillo rebotar la luz del Rembrandt de esta manera que con el esquema anterior.

10. Rembrandt + Contraluz

Otra opción también es complementar el esquema Rembrandt con un contraluz, para realzar la silueta o darle volumen al cabello de nuestro sujeto. Puedes optar por situar el contraluz completamente detrás de tu sujeto, o situarlo ligeramente ladeado para marcar su contorno pero evitar el aura que genera el contraluz completo.

11. Luz frontal + Contraluz

El contraluz, como te comentaba antes, nos sirve para crear siluetas y realzar contornos. Pero si queremos que nuestro sujeto no sea simplemente una silueta podemos utilizar una luz frontal para ganar información en las sombras. Esto nos servirá para remarcar su silueta, despegarlo del fondo y darle vida a su cabello.

También puedes optar por usar un reflector 5 en 1 justo en frente de tu sujeto, en vez de usar una fuente de luz. Así, este reflector rebotará la luz del contraluz directamente sobre nuestro sujeto, iluminando también la parte frontal.

12. Luz Lateral + Luz Frontal

Si queremos ganar un poco de información en las sombras cuando utilizamos una iluminación lateral, podemos usar una luz frontal tenue para iluminar ligeramente las zonas en sombra. Al igual que antes, también puedes sustituir esta fuente de luz frontal por un reflector 5 en 1, para rebotar la luz residual de la luz lateral y reflejarla directamente sobre la cara de tu sujeto.

Este tipo de iluminación será ideal si queremos conservar la fuerza que transmite la iluminación lateral pero también mostrar a todo nuestro sujeto sin que se pierda entre las sombras.

13. 2 Luces laterales

Si, en el esquema anterior, en vez de situar la luz de relleno de manera frontal la situamos justo al lado contrario del flash, es decir, justo al otro lateral de nuestro sujeto, conseguiremos una iluminación muy interesante y original. Realzaremos los dos lados de la silueta de nuestro sujeto, dejando la parte central en sombra.

De la misma manera que hemos visto con otros esquemas, podremos sustituir la luz de relleno por un reflector 5 en 1 para rebotar toda la luz del flash e iluminar así el otro lateral.

14. Clamshell

La iluminación Clamshell consiste simplemente en rellenar las sombras de la iluminación Butterfly. Para ello, colocaremos la luz principal igual que en el esquema Butterfly, por encima de la frente de nuestro sujeto y mirando hacia él; y situaremos otra fuente de luz con intensidad más baja debajo de la barbilla de nuestro sujeto, mirando también hacia él. Por eso se llama "Clamshell", porque creamos una especie de almeja con las dos fuentes de luz.

También podemos sustituir esta fuente de luz de relleno por un reflector 5 en 1, para que rebote la luz del flash que está situado por encima de la frente.

Con este tipo de iluminación conseguiremos una iluminación muy plana y uniforme, ideal para retratos beauty o de moda. Al igual que la iluminación Butterfly, el esquema Clamshell también está pensado para retratos bastante cercanos.

15. Butterfly + Contraluz

Otra manera de complementar el esquema Butterfly es con un contraluz. Con un contraluz conseguirás conservar ese toque beauty del esquema Butterfly pero darle volumen al cabello de tu sujeto y remarcar su silueta, despegándolo así del fondo.

16. Doble Contraluz

En vez de situar un contraluz justo detrás de nuestro sujeto podemos situar dos contraluces a 45º y -45º por detrás de nuestro sujeto.

Con ello conseguiremos remarcar toda su silueta y conseguir así que quede perfectamente definida sin crear ese aura que genera el flash situado totalmente por detrás.

Esquemas de Iluminación con 3 Fuentes de Luz

17. 1 Fuente + Doble Contraluz

Con 3 fuentes de iluminación podemos usar cualquiera de los esquemas de iluminación con una sola fuente de luz que hemos visto y agregarle el doble contraluz que acabamos de comentar en el punto anterior.

18. 2 Fuentes + Iluminar el Fondo

Al igual que antes, cualquiera de los esquemas de iluminación que hemos visto con 2 fuentes de luz puede ser complementado con un tercer flash encarado hacia el fondo, ya sea para quemarlo como para teñirlo con algún gel de colores.

19. Luces a 45º y -45º + Contraluz

Éste es uno de los esquemas favoritos con 3 fuentes de luz. Como te he comentado antes, las luces a 45º y -45º crean un retrato muy compensado y equilibrado. Añadiendo un contraluz, conseguiremos además despegar a nuestro sujeto del fondo, remarcar su silueta y darle volumen a su cabello.

Puedes elegir entre colocar tu contraluz justamente detrás de tu sujeto, o ladearlo para dar volumen solo por una parte y evitar el aura que crea el flash trasero.

20. Rembrandt + Luz Lateral o Luz Frontal + Contraluz

También podemos complementar con un contraluz otros esquemas de 2 luces que hemos visto antes, como el Rembrandt + Luz lateral o el Rembrandt + Luz Frontal. Al igual que con el esquema anterior, con el contraluz conseguiremos además despegar a nuestro sujeto del fondo, remarcar su silueta y darle volumen a su cabello.

Puedes elegir entre colocar tu contraluz justamente detrás de tu sujeto, o ladearlo para dar volumen solo por una parte y evitar el aura que crea el flash trasero.

21. 2 Luces Laterales + Luz Frontal

Como te comentaba antes, el esquema con una luz lateral a cada lado de nuestro sujeto crea una iluminación muy curiosa, dejando una franja oscura al centro. Si queremos ganar un poco de información en esa zona en sombra, podemos situar una fuente de luz de relleno a baja intensidad para suavizar esa sombra, pero sin eliminarla.

22. 2 Luces Laterales + Contraluz

También podemos complementar el esquema de 2 luces laterales con un contraluz en vez de con una luz de relleno frontal. Así seguiremos manteniendo esta franja en sombra si nos gusta su efecto, pero remarcaremos todavía más la silueta de nuestro sujeto.

23. Clamshell + Contraluz

Como te decía, el esquema Clamshell nos proporciona una iluminación muy suave y plana. Si queremos darle un poco de volumen al cabello de nuestro sujeto y despegarlo del fondo, complementar este esquema con un contraluz será lo ideal.

Esquemas de Iluminación con 4 (o más) Fuentes de Luz

24. Iluminar el Fondo

Al igual que hemos comentado antes, cualquiera de los esquemas anteriores se puede complementar con una cuarta fuente de iluminación que mire directamente hacia el fondo. Incluso, si contamos con más de ellas, podemos utilizar más de una para rellenar más el fondo o las sombras que proyecte nuestro sujeto en él, si con una sola no lo abarcamos por completo.

Con ello conseguiremos, por ejemplo, quemar un fondo blanco para conseguir que nuestro retrato tenga un fondo blanco puro. Otra opción también es usar geles de colores para que, en lugar de quemar el fondo, lo que consigamos con ese flash sea teñirlo del color que deseemos.

25. Doble Contraluz

A cualquiera de los esquemas con contraluz que hemos visto antes podemos agregarle dos contraluces en lugar de uno solo. Los situaremos a 45º y -45º por detrás de nuestro sujeto, para realzar ambos lados de su contorno.

¿Nos Sugieres Alguno Más?

Ya has visto la gran cantidad de opciones que existen para iluminar tus retratos, tengas el equipo que tengas. También recuerda que utilizando diferentes propiedades de la luz, con un mismo esquema de iluminación puedes generar fotografías muy distintas. Ahora te toca a ti experimentar con ellos para conseguir unos retratos impresionantes y con un aspecto completamente profesional.

¿Conoces algún otro esquema de iluminación que te apetezca recomendarnos? ¡Déjanos un comentario!

Cuando empezamos en fotografía y queremos comprender cómo funciona nuestra cámara, una de las claves consiste en entender los tres elementos que componen el triángulo de exposición. También es un concepto esencial para abandonar el modo automático, como te explicamos en nuestro curso 'Domina el Modo Manual'.

En este artículo os explicaremos qué es el triangulo de exposición, es decir, cómo funciona el principio básico de la luz en la fotografía. Seguramente ya te suena, pero son tres los elementos con los que contamos para hacer fotos adecuadamente expuestas: Apertura, ISO y Velocidad de Obturación ¿Quieres saber más sobre ellos para aprender a utilizarlos? 

¿Qué es el Triángulo de Exposición o Triángulo de la Luz?

La palabra fotografía proviene del griego photos, que significa 'luz' y graphis, que significa 'dibujo/escritura'. Por lo que el término 'fotografía' vendría a significar algo así como 'escribir o pintar con luz'. Lejos de querer profundizar en el correcto estudio del término y los orígenes de la fotografía, queremos centrarnos con un concepto obvio que sale de ese nombre: la luz.

Podéis estar tranquilos, que no os vamos a dar una clase de geometría ni de teorías matemáticas. El triángulo de exposición hace referencia a los tres parámetros que determinan la exposición de una fotografía: Apertura, ISO y Velocidad. El equilibrio correcto entre esta tríada será la clave para obtener el resultado que esperamos en nuestras fotografías.

Las variables que escojamos de estos tres parámetros también variarán según el tipo de fotografía que queramos conseguir. Deberás tener en cuenta que modificarlos también afectará a otros aspectos, además de la exposición. Por lo tanto, el dominio de estas variables en fotografía será crucial tanto para la técnica como para la composición.

¿Estas empezando a utilizar el modo manual o los modos semiautomáticos, pero tus fotos salen muy iluminadas o demasiado oscuras? ¿No sabes porqué unas veces tus fondos aparecen más desenfocados o algunos sujetos en movimiento salen borrosos? Entonces, necesitas saber más acerca de los tres elementos que componen el triángulo de exposición.

Antes de empezar...

Es importante que te familiarices con algunos términos como EV (Valor de Exposición), Paso completo, Diafragma, Obturador o Exposímetro, entre otros. Tenemos un artículo donde te explicamos de forma muy sencilla el significado de muchos de ellos: 8 Conceptos Básicos que Debes Conocer si te Estás Iniciando en Fotografía Manual.

La cantidad de luz que capturamos en una fotografía es lo que llamamos 'exposición'. Ahora mismo, lo que más nos interesa conocer es el término 'paso de exposición' o stop of light en inglés. Esta será la medida que usaremos para determinar la cantidad de luz que capturaremos en una fotografía y si será mayor o menor que la luz inicial.

Por lo tanto, aumentar o subir un paso la luz de la escena significará capturar el doble de luz y reducir o bajar un paso significará lo contrario, capturar la mitad de luz de la escena. Para modificar esos pasos de exposición, lo haremos cambiando los tres famosos parámetros que conforman el triángulo de exposición.

En cuanto empieces a jugar con estos parámetros puede que te des cuenta de una cosa: una correcta exposición puede mantenerse constante si reducimos a la mitad la intensidad (apertura), pero duplicamos el tiempo de exposición. O, al contrario, es decir, si duplicamos la intensidad (apertura), pero reduciendo a la mitad del tiempo de exposición. Esto tiene que ver con la Ley de Reciprocidad, en este artículo te contemos detalladamente Qué Es y Cómo Usarla para Hacer Mejores Fotos.

#1. Apertura del Diafragma

Fragmento Fototip Apertura y Profundidad de Campo

La apertura del diafragma se refiere al tamaño de la abertura circular de la lente que deja pasar la luz. Cuanto más grande es este orificio, más luz llega al sensor. Esta apertura se mide con una escala que se llama número f: 1, 1.4, 2, 2.8, 4, 5.6, 8, 11, 16, 22, 32, 45.

El número f se obtiene matemáticamente dividiendo la distancia focal de la lente entre el diámetro de esta. Por eso, muchas veces los valores de la escala nos pueden resultar confusos. Lo más lógico sería pensar que cuanto mayor es el número f, más luz entra, pero es justo al contrario.

Cuanto mayor es la apertura del diafragma y más luz dejamos entrar, menor es el número f (por ejemplo: f/1.8) Mientras que cuanto más pequeño es el orificio y menos luz entra, mayor es el valor del número f (por ejemplo: f/22) Por lo tanto, la apertura del diafragma nos permite decidir cuánta luz dejamos pasar hacia el sensor.

Otros Aspectos a Tener en Cuenta...

Al abrir o cerrar el diafragma también estaremos modificando otro aspecto, la profundidad de campo. Cuanto más abierto esté el diafragma (número f bajo) menor profundidad de campo vamos a obtener. Gracias a esto, podemos obtener retratos con fondos desenfocados y sujetos nítidos.

Si queremos que toda la escena salga enfocada, como en la fotografía de paisajes, necesitaremos mayor área nítida. Para ello cerraremos el diafragma (número f alto) y obtendremos una mayor profundidad de campo.

• La Apertura del Diafragma: la Explicación Más Sencilla
• La Profundidad de Campo Explicada con Ejemplos
• El Número F en fotografía: Qué Es y Cómo se Usa
• Guía Sencilla para Aprender a Utilizar el Diafragma
• El Número F, La Apertura Máxima de un Objetivo y su Diámetro
• La Profundidad de Campo “en Profundidad”
• Cuántas Hojas Tiene tu Diafragma y Cómo Influye en tu Foto

#2. Velocidad de Obturación

Fragmento Fototip Velocidad de Obturación

La velocidad de obturación es la cantidad de tiempo que el obturador está abierto. El obturador se encarga de regular el tiempo durante el que la luz llega hasta el sensor de la cámara y se mide en segundos.

Este es probablemente el parámetro más sencillo de comprender. Cuanto mayor es la velocidad que escogemos más rápido se abre y se cierra el obturador y menos luz llega hasta el sensor. Mientras que, cuanto menor es la velocidad, más lento se abre y se cierra el obturador y más cantidad de luz llega hasta el sensor.

Usaremos velocidades de obturación lentas cuando nos encontremos en lugares donde haya poca iluminación. Por ejemplo, cuando hacemos fotografías en un interior, nocturnas, atardeceres o amaneceres.

Otros Aspectos a Tener en Cuenta...

Abrir o cerrar el obturador más rápido o más lento también afectará a otros aspectos. Si fotografías sujetos u objetos estáticos y utilizas trípode es posible que no tengas problemas. Pero si usas velocidades lentas cámara en mano, puede obtener imágenes trepidadas debido a las vibraciones de tu cuerpo.

Si el sujeto u objeto que fotografías está en movimiento deberás aumentar la velocidad de obturación para que no salgan movidos y borrosos dentro de la imagen. Solo con velocidades altas podremos congelar elementos en movimiento. Por el contrario, si buscas conseguir un efecto seda o probar la técnica del lightpainting, serán velocidades lentas las que tengas que escoger.

• Aprende a Dominar la Velocidad de Obturación
• Velocidad de Obturación: Qué Es y Para Qué Sirve
• Cómo Capturar el Movimiento y Dominar el Tiempo de Exposición
• Consejos Para Congelar el Movimiento con tu Cámara Fotográfica
• Fotografía de Alta Velocidad ¡Aprende a Sacarle Partido!
• Consejos para Hacer un Buen Barrido Fotográfico
• Cómo Conseguir Sensación de Movimiento en tus Fotografías

#3. Sensibilidad ISO

Sensibilidad ISO: Cómo Funciona y Cuándo Subirla

La última variable que completa el triángulo de la exposición es la Sensibilidad ISO. Podríamos pensar que la ISO representa la sensibilidad del sensor digital (aunque es mucho más complejo que eso).

Cuando elegimos un valor de sensibilidad ISO concreto, le estamos indicando al sensor qué cantidad de luz debe absorber. Los valores más altos de ISO indican que el sensor necesita recolectar mayor cantidad de luz (por ejemplo, en lugares mal iluminados) Sin embargo, una sensibilidad ISO baja la usaremos cuando no necesitamos recolectar luz (por ejemplo, en un exterior un día soleado).

La sensibilidad de la cámara se mide usando los valores correspondientes a la escala ASA para película fotosensible. Concretamente, se mide con estos números ISO: 25, 50, 100, 200, 400, 800, 1600, 3200, 6400. Dependerá de la cámara y de sus límites, pero en general, si usas sensibilidades ISO altas provocarás que tu imagen se llene de ruido.

Otros Aspectos a Tener en Cuenta...

El ruido de una imagen son esos puntitos de colores que aparecen en la imagen. Se crea un efecto granulado que elimina el detalle y que suele estropear bastante nuestra captura. Este es quizá el mayor inconveniente de usar ISOs Altas, aunque hoy en día es fácil de corregir en programas de edición. Podrás salvar una foto con ruido, pero no una foto subexpuesta, sobreexpuesta o muy trepidada.

¿Cuál es la ISO Máxima Recomendable?

Si no puedes abrir más la apertura y ni aumentar la sensibilidad ISO, siempre puedes reducir la velocidad de obturación utilizando un trípode que te de estabilidad. Aunque, si el sujeto está en movimiento puede salir borroso. En esos casos más extremos de falta de luz, el uso de flashes o iluminación extra será necesario.

• Qué es y Cómo funciona la Sensibilidad ISO
• Sensibilidad ISO. La Pieza Que Completa El Puzle de la Exposición
• 7 Consejos Imprescindibles Para Dominar La Sensibilidad ISO
• El Ruido… Enemigo Público Número Uno en Fotografía
• 11 Curiosidades Sobre La Sensibilidad ISO que Probablemente Desconocías
• Por Qué y Cuándo Usar El ISO Automático
• Cuándo un ISO Más Bajo No Quiere Decir Menor Ruido
• 10 Ejemplos de Aplicación de la Sensibilidad ISO a la Práctica

Tus Mejores Aliados: El Exposímetro y el Histograma

Si necesitas ayuda para saber si tus fotos puedes contar con dos buenos aliados. Por un lado, el exposímetro te va a chivar en tiempo real si la exposición es o no la correcta. Se encarga de medir la luz que refleja la escena teniendo en cuenta los parámetros que has escogido.

Cuando usas el modo automático es él quien decide por ti qué parámetros son los correctos según la escena. Sin embargo, en el modo manual o en los modos semiautomáticos solo está contigo para aconsejarte. ¿Y dónde lo encontramos? Si te fijas, verás que en el visor aparecen unas rayas y unos símbolos (+, -) o unos números (+2, +1, -1,-2) que indican si una flecha está más o menos cerca de un extremo u otro.

Si te acercas a la zona negativa del exposímetro, la cámara te avisa de que (con los parámetros que has elegido), tu foto es posible que salga subexpuesta (oscura). Mientras que, si te acercas demasiado a la zona positiva, te puede salir sobreexpuesta (quemada). La clave está en elegir unos valores que acerquen la flecha al centro del exposímetro.

Por otro lado, una vez hecha la foto, podemos comprobar si está bien expuesta consultando el Histograma. Piensa que, la pantalla LCD no siempre es del todo fiable o es posible que no puedas verla bien por que la luz te refleja demasiado en el cristal.

El histograma nunca miente. Se trata de un diagrama de barras que representa la distribución de píxeles de una imagen en base a su luminosidad. En su eje horizontal representa las sombras, tonos medios y luces (de izquierda a derecha), y, en su eje vertical, el número de píxeles de la imagen que tienen tal luminosidad.

Probablemente la forma de ver el histograma sea pulsando varias veces el botón de Display o Play, para que muestre las diferentes modalidades de visualización de tus fotos. En este artículo te contamos Qué es el Histograma y Cómo Usarlo para Hacer Mejores Fotos. Así sabrás reconocer a simple vista cuál es una foto sobreexpuesta, subexpuesta y correctamente expuesta.

Entendiendo la Exposición con la Metáfora del Vaso Agua

La mejor manera de explicar el concepto de la exposición es buscar una buena metáfora. Por ello, para concluir os contaremos la metáfora del vaso de agua. Se trata de una de las metáforas más habituales para acabar de asimilar conceptos clave como la apertura y la velocidad.

Imagina que tienes un vaso y que tu objetivo es llenarlo de agua. De hecho, necesitamos dejar el vaso lleno justo hasta el borde. Si pones poca agua, el vaso no saciará tu sed. Si pones demasiada, el agua se desbordará.

Si lo comparamos con la fotografía, cuando ponemos poca agua decimos que la foto está subexpuesta (hay muy poca luz), y cuando se desborda está sobreexpuesta (hay demasiada luz).

Ahora, volvamos al vaso. Ya sabemos cuál es la cantidad justa de agua que necesitamos. Ahora sólo debemos saber cómo llenar el vaso y podemos conseguir la misma cantidad de agua de dos formas distintas.

La primera es abriendo mucho el grifo durante muy poco tiempo (apertura del diafragma). Y la segunda es abrir menos el grifo, pero dejarlo abierto durante más tiempo (velocidad de obturación)

En fotografía, por tanto, diríamos que la apertura del diafragma equivaldría al diámetro de la tubería por la que sale el agua, y  que la velocidad de obturación sería el tiempo que mantenemos el grifo abierto.

Últimos Consejos para Aprender a Dominar el Triángulo de Exposición

Al principio es probable que te cuestes escoger los parámetros correctos para conseguir exponer correctamente tus fotos. Ten paciencia y practica mucho. Debes tener en cuenta que cada cámara y cada objetivo también tiene sus propios límites.

Por ejemplo, un objetivo kitero (el que suele venir con la cámara cuando la compras) no suele tener aperturas máximas mayores a f/3.5. También puede que tu cámara sea antigua o muy básica y saque ruido usando una sensibilidad ISO 800. Eso solo lo sabrás practicando y buscando el equilibrio que necesites en cada ocasión, así que tendrás que adaptarte a las circunstancias.

Nuestro consejo es que empieces primero con los modos semiautomáticos. Con estos modos la cámara elegirá uno o varios parámetros adecuados y tú solo tendrás que elegir el restante. Así podrás ir ajustando cada parámetro por separado y ver cómo funcionan, antes de pasar definitivamente al modo manual. En este artículo encontrarás toda la información que necesitas acerca de ellos.

Aunque, si de verdad quieres dejar atrás el modo automático y lanzarte de lleno en el modo manual, podemos ayudarte. En dzoom hemos creado el curso con el que vamos a darte las bases de tu metamorfosis como fotógrafo, para que no solo sepas cómo colocar los parámetros, sino porqué necesitas colocarlos de una determinada manera, qué herramientas puedes usar como ayuda y qué tipo de fotos podrás conseguir cuando domines el modo manual.

El curso contiene más de 12 h de contenidos que incluyen texto, vídeos y ejercicios, más de 45 vídeos explicativos (con un total de más de 2h horas de contenido audiovisual), 12 ejercicios, análisis fotográficos, casos prácticos y tests de evaluación con soluciones explicadas al detalle.

Después de todo lo que has leído hoy ya es hora de empezar a hacer fotografía de verdad ¿no crees? ¿Conoces alguna otra metáfora o truco que pueda ayudar a entender el triángulo de exposición? ¡Cuéntanoslo en los comentarios!

A todos, más o menos, nos gusta viajar, ¿a que sí? Y si además podemos llevar con nosotros nuestra cámara y traernos bonitos recuerdos del sitio visitado, no se puede pedir más, ¿no crees?

Sin embargo, normalmente vamos acelerados, con la intención de visitar y ver todos los rincones del sitio; no estamos centrados en la fotografía, sino que priorizamos el "exprimir" el viaje al máximo (y eso no es malo). Pero, a menudo, al llegar a casa y revisar nuestras fotos, nos lamentamos de no haber logrado mejores instantáneas, o de que el resultado de la foto no muestre toda la belleza del paraje fotografiado.

Si te pasa esto, déjame decirte que tengo una buena noticia: es posible mejorar mucho tus fotos aprovechando y sacándole todo el partido a la luz disponible. ¿Cómo? Te lo cuento en forma de consejos para que puedas ponerlos en práctica fácilmente. ¿Preparado/a?

#1 Analiza El Emplazamiento y El Motivo A Fotografiar Y Selecciona La Luz Más Adecuada

Toda buena fotografía no surge fruto del azar, sino que precisa de un buen análisis previo. Este análisis en ocasiones puede y debe incluso haberse iniciado en casa, consultando webs de viajeros, observando fotografías de aficionados o profesionales sobre la misma localización, planificando la posición y la hora a la que realizar la toma, etc.

Una vez que estás en el "sitio del crimen", antes de sacar tu cámara, debes darte una vuelta por la zona, observar la luz y analízarla en términos de sus propiedades: ya sabes, calidad, dirección, intensidad, color, etc.

En función de si la fotografía se realiza en interior, o en exterior, si fotografías a un motivo concreto o  tienes varias alternativas, si el motivo se puede trasladar, etc., algunas de las características de la luz podrás modificarlas, variando tu posición, llevando tu sujeto -si es que se puede mover- a una zona de sombra, etc., mientras que otras no podrás variarlas y tendrás que adaptarte a ellas.

En caso de fotografía en exteriores y con sujetos inmóviles, la dirección y calidad de la luz no las podrás modificar, puesto que dependerán de la posición del sol, de la climatología y de la hora en que realizas la fotografía. Por tanto, éstos serán aspectos que deberás haber planificado con antelación, gracias a aplicaciones como, por ejemplo, Photopills. Salvo que no importe tanto el motivo a fotografiar y puedas elegir otros motivos que te permitan fotografiarlos desde distintas posiciones, de acuerdo al tipo de luz que deseas utilizar.

En cualquier caso, es importante considerar la iluminación más apropiada en función del mensaje a trasladar, o de lo que quieras fotografiar. Déjame que te hable de los tres tipos de luz que podrás manejar en función de la dirección de la fuente de luz con respecto al sujeto y al fotógrafo:

• Luz frontal. Dispondrás de una iluminación que aplana los motivos, reduciendo las sombras y ofreciendo fotografías detalladas y homogéneas. Es un tipo de luz muy apropiada para fotografía de arquitectura y fotografías en las que se incorpore el factor humano -evitando que miren directamente al sol, claro-.
• Luz trasera. Tu fotografía contará con siluetas y formas llenas de sombras, flares, contraluces y otros elementos que aportarán un aspecto más artístico, aunque con menos detalles. Es una luz muy interesante para fotografiar personas, animales, u otros elementos característicos del lugar visitado.
• Luz lateral. Mi favorita, nos proporciona un equilibrio entre imágenes con detalle y con un toque artístico. El motivo estará bien iluminado, pero no exento de las sombras y texturas que proporciona esta dirección, especialmente si la posición del sol es suficientemente baja. Es, sin duda, la mejor luz para la fotografía de paisaje y de arquitectura.

Así que, consejo número #1: analiza y planifica con detenimiento, antes de llegar y desde el propio emplazamiento, la zona, las condiciones de luz y la posición desde la que disparar y elige las más adecuadas para tu fotografía.

#2 Elige La Hora Del Día Perfecta Para Tu Toma

Hace un tiempo te contábamos en dzoom 12 consejos para fotografiar atardeceres, y es que lograr que tu imagen tenga el aspecto de un atardecer y disponga de las características propias, en cuanto a dirección, calidad y calidez de un atardecer, sin realizarla durante el atardecer -o el amanecer- es muy complicado.

Ya sabes que la luz del día está en continuo cambio y nunca es igual. Y las propiedades y resultados que te ofrecerá una imagen realizada durante las horas centrales del día, nada tienen que ver, por ejemplo, con las realizadas durante la hora dorada.

Éste es un motivo más por el que es preciso planificar con antelación en qué momento del día se desea realizar una determinada fotografía. Nuevamente, el uso de aplicaciones y webs que te permiten predecir la climatología, cuándo saldrá el sol, cuándo comenzará la hora dorada, o la hora azul en una determinada localización, o por dónde saldrá, o se pondrá el sol en un sitio concreto resultan ser una herramienta muy útil e indispensable -entre los 6 principales accesorios- para los fotógrafos viajeros.

¿Cuál es la hora más apropiada para cada tipo de fotografía? Dependerá, por supuesto, de las características del elemento a fotografiar y el entorno. Si bien, normalmente las horas centrales del día no son apropiadas para realizar buenas fotografías, salvo que busques imágenes con fuertes contrastes y sombras propias de disciplinas como el street photography, o que las nubes vengan en tu ayuda y reduzcan la dureza del sol.

Si tienes la suerte de contar con un cielo bien nublado, entonces disfrutarás de una luz suave y estarás de suerte para todo tipo de fotografía de retratos, arquitectura y fotografía de paisaje en que no se muestre el cielo.

Si, por el contrario, tienes en mente fotografiar siluetas, o sujetos a contraluz, o imágenes bucólicas y artísticas tanto de arquitectura, como de paisaje, o retratos, tu opción sin dudarlo debe ser fotografiar durante la hora dorada, ya sabes, comienza unas dos horas antes, o después de la puesta, o la salida del sol respectivamente.

Por último, para fotografiar el skyline de una ciudad, fotografías de arquitectura con las primeras luces artificiales, o paisajes con mar, o con cielos azules intensos, prueba a fotografiar justo antes de la salida del sol, o tras la puesta de éste en la conocida hora azul.

#3 ¿El Tiempo No Acompaña? Se Abren Otras Oportunidades

Resulta que los pronósticos no se han cumplido, o, lamentablemente, sí se han cumplido y tienes una climatología nada favorable. ¿Está todo perdido? Para nada, siempre hay posibilidades de llevarte imágenes increíbles, aunque el tiempo no sea el más apropiado.

Si las nubes han arruinado esa puesta de sol que habías programado, no desesperes y espera a que el sol pueda abrirse paso y dejar ver algunos de sus rayos entre las nubes. Aportarán a tus fotografías un toque celestial, o dramático, tan especial y atractivo.

¿Te ha atrapado la niebla y no consigues siquiera ver lo que hay a 20 metros de ti? Pues echa un vistazo a estos 10 consejos para que tus fotografías de niebla sean increíbles. La niebla aportará a tus fotos ese toque de misterio y de suavidad -reduciendo el color y el contraste- propio de imágenes mágicas y oníricas.

¿Llueve o nieva? Entonces, ponte a cubierto si el temporal arrecia, protégete y sé cuidadoso con tu equipo, pero en cuanto puedas y el temporal amaine, no dejes de aprovechar el brillo que el agua aporta a tus imágenes y cómo se resaltan y enfatizan muchos detalles. Aprovecha los reflejos. Piensa en otros puntos de vista -mirando a través de cristales mojados-. En definitiva, pon en práctica estos 10 consejos para sacar el máximo partido a tus fotografías de lluvia.

En definitiva, al mal tiempo, buena cara. Disfruta también de la fotografía con meteorología desfavorable, eso sí, garantizando tu seguridad y la de tu equipo ;)

#4 El Equipo También Es Muy Importante Para Trabajar Bien La Luz

Si pensamos en viajar, solemos hacerlo también en ir cómodos y no excesivamente cargados. Por lo que no se trata de llevar nuestra mochila de fotógrafos atestada de objetivos y accesorios varios. O de llevar tu cámara de formato completo, a pesar de tener una evil de buenas prestaciones. Pero sí, al menos, lo imprescindible y apropiado para exprimir la luz de las fotos en que estás pensando.

En función de la condiciones de la luz en que queramos fotografiar, serán más o menos necesarios determinados accesorios. Por ejemplo, si estás pensando en realizar tus fotografías a pleno día, te puedes olvidar del trípode. No será necesario llevar tu mejor cámara y tu objetivo con mayor apertura.

Pero, ¿y si en tu cabeza está el realizar una fotografía de paisaje, o de arquitectura con buen nivel de detalle y con una amplia profundidad de campo?, ¿o quieres realizar una fotografía ya dentro de la hora dorada, o azul? Entonces si no llevas un trípode, e incluso un disparador remoto, te será difícil lograr una buena y nítida toma. Por suerte, en lo que a trípodes se refiere, existe una gran variedad e incluso trípodes específicos para viajes, más ligeros y pequeños.

Si además también buscas dar ese toque mágico que ofrece el efecto seda en esas escenas en las que el agua juega un papel fundamental, también deberías meter en tu mochila un filtro de densidad neutra. Aunque a lo mejor crees que esto ya es para nota, ¿no?

Y si estás pensando en fotografía nocturna, o incluso astrofotografía, pues entonces no deberías renunciar al cuerpo que mejor respuesta ante ISOs altos tengas a mano. Aunque su peso y el de los objetivos se dejen notar en tu mochila.

Por último, en términos del objetivo, u objetivos a incluir en tu equipo, tradicionalmente suelen funcionar mejor, o ser más habituales en la mochila de fotógrafos viajeros objetivos zoom de focales angulares, o medias. Si bien es cierto, que contar con un teleobjetivo puede ofrecer a tus imágenes un aspecto distinto. El uso de teleobjetivos en fotografía de paisaje permite hacer una compresión de planos importante, o "magnificar" el tamaño del sol o la luna, si estás pensando en fotografías en que éstos estén presentes.

#5 La Edición Y El Procesado Son Esenciales Para Que Tus Fotos Brillen

La edición y el procesado de tus fotografías no harán magia y convertirán una mala foto en una maravilla. Pero también es cierto que las buenas fotografías de viajes que ves, ya sea de aficionados o de profesionales, también tienen una buena parte de procesado y edición.

La aplicación de ajustes por zonas, el enderezado del horizonte, el incremento del contraste o la saturación en cielos y elementos de primer plano son sólo algunos de las tareas que pueden requerir tus fotografías de viajes y es importante que les confieras la misma importancia que a la fase de preparación, o a la de la realización de la propia toma.

La imagen muestra el antes y el después del proceso de edición sobre esta fotografía de la isla griega Santorini. En la edición se incremento el nivel de saturación general y en particular del tono azul, se levantaron los blancos, se bajaron un poco las sombras y se incrementó el contraste global. Así mismo, se amplió también el nivel de enfoque de la imagen.

Así que procura obtener las mejores fotos posibles de tu cámara, pero luego no escatimes en dedicar un buen tiempo y reflexión también al procesado y edición de tus fotografías de viaje. Y si quieres conocer cómo aplicar algunas de estas técnicas y lo que pueden aportar a tus fotografías de viajes, no te pierdas esta completísima guía sobre fotografía de paisajes.

#6 Menos Es Más. Sé Selectivo Con Tus Fotos Y Disfruta Del Viaje

Salvo que el principal motivo del viaje sea la propia fotografía, mi último consejo, especialmente si viajas acompañado, es que, sobre todo, disfrutes del viaje y que el componente fotográfico no te estrese, a ti y a los que te acompañan, y te impida gozar plenamente de la experiencia.

Por tanto, sé selectivo, elige y planifica bien los momentos y motivos a fotografiar, pon en práctica los consejos indicados para lograr fotos impactantes y expresivas, y el resto del tiempo -que espero que sea mucho-, aunque puedas tener tu cámara preparada por si aparece una ocasión irresistible, descansa y vive el momento.

Es preferible volverte con un viaje increíble "fotografiado" en tu memoria y con alguna buena o extraordinaria foto, que regresar a casa de un viaje en el que tu único recuerdo esté impreso en muchas buenas fotos.

Sé que no es incompatible, pero si tienes que elegir, mi último consejo es que primero disfrutes del viaje y luego de la fotografía ;)

¿Has intentado alguna vez realizar una sesión de fotografía de comida?, ¿o quizás fotografiar comida en un restaurante?, ¿o en casa algún plato especial? Si lo has probado, te habrás dado cuenta de que no es tan fácil como parece, incluso aunque el plato pueda estar buenísimo, o resultar tremendamente atractivo a la vista.

Si bien no es una disciplina fácil, tampoco pienses que se trata de un tipo de fotografía imposible y para el que necesitas muchísimos accesorios, elementos de atrezzo, o una cámara u objetivo profesional. Al contrario, no es imprescindible contar con accesorios excepcionales para lograr buenas fotos, pero sí tener en cuenta algunos trucos para que tus fotos resulten irresistibles, no sólo a tu paladar, sino también a tus ojos.

#1 El Ángulo De La Toma Es Esencial

Este consejo aplica a una multitud de disciplinas y la fotografía gastronómica no es una excepción. De hecho, un mismo plato, fotografiado desde distintos ángulos, puede ofrecer resultados completamente distintos.

Así que, una vez que tengas lista la comida y también tengas a tu disposición todos los elementos que aparecerán en la toma, empieza a pensar en la forma, el tamaño, la altura y las características del plato. Con todo esto en mente, decídete sobre el ángulo que mejor hará que resalten esas características.

Fotografía de comida con plano cenital.

En función del plato, es posible que le favorezca más un ángulo normal, mientras que otros resaltan más con tomas cenitales. Este último ángulo hace que destaquen aún más las formas y líneas que pueda haber presentes en el plato, aunque se aplanan los volúmenes.

Por supuesto, si no tienes claro que ángulo es el más adecuado, siempre puedes probar distintas opciones. Gracias a la fotografía digital dispones de un "carrete infinito", así que, ¿quién dijo miedo a disparar varias tomas?

Fotografía de comida con plano gusano.

Por cierto, si lo que vas a fotografiar son ingredientes, prueba a hacer uso del plano gusano, situando la comida directamente sobre la mesa. Si nunca lo has probado, dale una oportunidad, lograrás un resultado muy atractivo.

#2 La Luz: Natural Y Cuanto Más Difusa, Mejor

La luz es la piedra angular de la fotografía, ya lo sabes. Así que, el que tus fotos de comida destaquen por encima del resto dependerá, entre otros aspectos, de lo bien que cuides y prepares la luz en tus imágenes.

Si estás trabajando con luz natural -mi favorita para gastronomía-, no permitas que esta incida de forma directa sobre el plato, sitúa delante un difusor, o bien una tela blanca. Así conseguirás incrementar la superficie de la fuente de luz y, de este modo, proporcionar una luz más suave y agradable sobre tu imagen.

Fotografía de comida con una fuente de luz muy dura, procedente del lado derecho.

Una vez que has logrado controlar la fuente de luz principal a través de un difusor, lo siguiente que puede venirte bien es otro accesorio que te permita:

• actuar como reflector, si lo que quieres es obtener otra fuente de luz opuesta,
• o bien, evitar cualquier tipo de reflexión, si lo que quieres es que la imagen gane contraste y se aprecien mejor las sombras, o bien reducir la iluminación sobre elementos de la composición que puedan restar protagonismo al plato principal.

Fotografía de comida con una fuente de luz difusa que permite suavizar las sombras de la escena.

¿Cómo puedes conseguir esto? Muy sencillo, bien con la cara blanca (para reflejar) y negra (para evitar cualquier reflexión), respectivamente, de un reflector 5 en 1, o bien construyéndote tu propio reflector con cartulinas de estos colores.

#3 Líneas Y Capas: Garantía de Éxito

Si preparamos una composición con muchos elementos, conseguir guiar a quien visualiza la imagen hacia el verdadero centro de interés de la fotografía puede resultar complicado.

¿Cómo lograrlo? Pues gracias al uso de líneas, texturas y capas. ¿Y cómo podemos hacer para incorporar estos elementos en la fotografía? Pues gracias a la presencia de ciertos objetos en la composición.

Fotografía de comida en la que se aprecian texturas, capas y líneas. Concretamente, la cuchara introducida en el bol permite conducir la atención hacia el plato principal.

Puedes crear líneas con cubiertos dispuestos de modo que dirijan la vista hacia el plato principal, o con el uso de superficies en las que las texturas dibujen líneas para servir de guía al espectador.

En cuanto a las capas, en función de la distribución de los elementos de la composición, puedes crear diferentes planos que hagan que tu imagen gane en profundidad y que ayude a quien observa la fotografía a experimentar una sensación similar a la que tendría al sentarse frente al plato.

#4 Tu Plato: Mejor Acompañado, Que Solo

Rara vez un plato solo, o un único ingrediente, sabe mejor que un buen conjunto de ellos, ¿a que sí? Pues a la hora de realizar fotografías de comida, esto también se cumple.

Fotografía de comida en que se acompaña al plato principal con otros elementos.

Cuando fotografiamos un plato, la fotografía gana mucho si incorporamos compañeros dentro de la composición, ya sea en el primer plano, o en el fondo. Arropar al plato principal con otros ingredientes, especias, platos o cubiertos complementarios, puede hacer que la historia de nuestra fotografía resulte "más rica".

Latas, jarras, vasos, paños y superficies de madera u otros materiales en los que se aprecien texturas y colores que se incorporen a la composición, ofrecerán, sin duda, un complemento fabuloso para tu plato principal.

Fotografía de comida en que se hace uso del espacio negativo en la composición.

Aunque es un buen consejo que el plato protagonista aparezca bien acompañado en tu foto, tampoco caigas en el error de que toda la fotografía esté repleta de elementos. Recuerda la importancia del espacio negativo y todo lo que puede dar a tus fotografías.

#5 Respeta La Importancia Del Color Del Plato Principal

Además del volumen y la forma, otro de los aspectos que mayor éxito proporcionan a una fotografía de comida y que, por tanto, más se intentan buscar, es el conseguir destacar y realzar el color del plato principal.

Sin embargo, como ya te hemos contado, rara vez una buena fotografía de comida no incorpora elementos adicionales en la composición. Estos elementos complementan y ayudan a leer mejor la imagen. Pero también pueden llevarnos a cometer el error de restar demasiado protagonismo al plato principal.

Fotografía de comida en la que el rojo de las fresas destaca aún más gracias a los colores neutros de cubo, fondo y superficie.

Así que, cuando estés buscando estos elementos extra, procura que tengan colores neutros: un fondo gris, una superficie poco saturada, o platos de colores pastel. Todas estas opciones pueden ayudar a realzar aún más los intensos colores del plato principal.

Incluso aunque busques colores complementarios para esos otros elementos, procura que la intensidad de estos colores no sea muy alta, ya que de otro modo podrías hacer que compitan excesivamente por la atención de quien observa la fotografía.

¿Alguna Otra Idea?

Y hasta aquí estos 5 consejos para conseguir que tus fotos de comida resulten deliciosas :) ¿Hay algún otro consejo que creas que he pasado por alto y que podría ayudarnos a lograr mejores fotos culinarias?

Bueno, ya sé, falta invitarte a comenzar a practicar ahora mismo. Prueba con todo tipo de postres y repostería, o siguiendo los consejos de Noelia (de La Cucharina Mágica) para fotografiar todo tipo de platos. ¿Te animas a hacer tus propias fotos?

Define la RAE, en una de sus múltiples acepciones, concretamente en la primera:

Luz: agente físico que hace visible los objetos.

Es bueno, gracias a la luz, vemos. Pero, ¿qué es ver? Según la RAE, también en su primera acepción,

Ver: percibir por los ojos los objetos mediante la acción de la luz.

¡Estupendo! Entonces vemos porque hay luz. Ahora bien, también es cierto que en condiciones de luz escasa nuestra capacidad de distinguir texturas y colores, se merma paulatinamente hasta que desaparece por completo. Lo mismo ocurre con las cámaras, con los sensores concretamente; cuanto menor es la intensidad de la luz que reciben, menor es su capacidad para registrar tonos.

Aunque humanos y cámaras compartimos esta carencia, es importante señalar que la causa es diferente. Lo que nos diferencia es que nosotros no tenemos la posibilidad de subir la ISO de nuestros sensores (la retina).

Hablemos de la ISO: El Único Parámetro No Creativo

Las creencias populares se convierten en dogmas de fe con relativa facilidad. Tantos años haciendo fotos sobre la base de conceptos aprendidos de oídas, sin conocer los fundamentos, pueden provocar resultados no deseados y lo peor, totalmente convencidos.

Que el famoso triángulo de exposición, aquel en el que en cada uno de sus vértices se sitúan ISO, apertura y velocidad, para obtener una exposición correcta, sea equilátero no es casual; pretende otorgar a cada parámetro un peso igual al de los demás en el resultado final: la exposición. Y en realidad, debido a la reciprocidad, así es.

Pero también hay que considerar que de estos 3 parámetros solo la velocidad y apertura, son creativos, es decir, los que determinan qué tipo de imagen vamos a obtener: congelada, con movimiento, con más o menos profundidad de campo… El tercero, la ISO, parece de apoyo, de menor importancia; tanta menos que hemos aprendido que la ISO genera ruido y que solo debemos de recurrir a ella cuando no quede más remedio. Veremos que no siempre es así.

La norma que se escucha con frecuencia es utilizar el ISO más bajo, siempre que sea posible. ¿Seguro? Veamos.

ISO 640. f/9. 1/125. Sin trípode.

Cuándo un ISO Más Bajo No Quiere Decir Menos Ruido

Fácil y sencillo. Aunque razonando así nos llevamos por delante el proceso creativo. Llegas a un escenario, lo analizas y decides que la exposición creativa (apertura y velocidad) debe de ser una, una cualquiera, la que consideres oportuna. Pero resulta que la luz es escasa para esa elección de exposición –digamos en tres pasos-.

¿Qué hacemos? La mayor parte de los aficionados, harán todo lo posible con tal de no subir la ISO. Incluso muchos tomarán la foto subexpuesta pensando en ajustarla con posterioridad durante el revelado digital.

¡Error! Creo firmemente que, siempre que sea posible, deberíamos de respetar nuestra idea creativa y recurrir a subir la ISO, en vez de abrir la apertura, bajar la velocidad o ambas a la vez. Hay varios aspectos a considerar:

1. Que el número de pasos que necesitemos sea razonable para las posibilidades que ofrece nuestro equipo. No parece razonable, en general, pensar en subir 7 u 8 pasos de ISO –o sí, yo lo hago- en una cámara de bajas prestaciones. Valorad los límites de tolerancia al ruido: tanto el vuestro, como el de vuestro equipo.
2. Tenemos que asegurarnos que la exposición resultante tras subir la ISO es correcta, no vaya a ser que también quede subexpuesta; con lo cual el problema sería otro.
3. Y más importante: si vas a hacerme caso, debes de saber el porqué; a continuación lo explico.

Lo que en general se desconoce es que en algunas ocasiones una foto con una ISO elevada puede generar menos ruido que la misma foto con el ISO nativo (100 habitualmente).

¿Cuántos de vosotros diríais que una foto realizada a ISO 800 puede tener menos ruido que otra realizada a ISO 100, obviamente, manteniendo la apertura y velocidad constantes? Pues sí, hay casos en los que esto ocurre. En general, cuando la exposición que requiere la escena no alcanza el límite de las altas luces. En este escenario, lo recomendable es subir la ISO hasta que se alcance el mencionado límite, sin superarlo nunca.

La dificultad radica en decidir cuándo debemos de comenzar a subir el ISO. Para no entrar en disquisiciones complejas que expliquen la respuesta eléctrica del sensor y como esta se altera al modificar la ISO, voy a quedarme en la mención de algunas cuestiones importantes que deberían de ayudaros a decidir la forma de exponer las escenas.

Como punto de partida, me parece importante señalar que el sensor tiene una sensibilidad constante que controlamos mediante apertura y velocidad; la ISO es una amplificación que se produce con posterioridad a la captura realizada por el sensor y previamente a la grabación del RAW.

• En primer lugar, es importante recordar que el ISO genera ruido, siempre. En esto estaremos de acuerdo todos.
• En segundo lugar, cada vez que incrementamos el ISO de nuestra cámara reducimos el rango dinámico efectivo del sensor. Se estima una reducción de medio paso por cada paso de ISO incrementado. Así, a mayor ISO menor contraste podremos registrar.
• En tercer lugar, el mayor ruido siempre se produce en las zonas más oscuras, aquellas que se codifican con menos bits de información y, en consecuencia, recogen menos información –tonos posibles- de la escena, luego debemos de evitar su utilización en zonas de las que queramos conservar la textura.
• En cuarto lugar, siempre es peor –hablando de ruido-, para una escena dada, añadir pasos en el revelado digital que subir la ISO en la cámara a la hora de captar la escena. Esto es importante, porque si forzamos hacia el negro todos los tonos de la escena, digamos en tres pasos, la mayor parte de la escena será irrecuperable. Esto es mucho más crítico cuanto menor rango dinámico tenga nuestro sensor, porque el rango efectivo de la escena también será menor.

F/5,6. 1/250. ISO 1800. 270 mm

¡Ojo! Lo expuesto en el apartado anterior tiene base física y está directamente relacionado con el rango dinámico y la capacidad del sensor para registrar un determinando rango dinámico (diferencia entre las luces más altas y las más bajas, que es capaz de registrar sin quemar las primeras, ni perder textura en las segundas, respectivamente).
Veamos algún ejemplo.

Todas las fotos incluidas en este artículo han sido realizadas subiendo la ISO, aunque en todas ellas tenía margen para abrir diafragma, bajar velocidad o una combinación de ambas cosas.

Analicemos la foto de la hoja. F/8. 1/50”. ISO 640. 105 mm macro. Podéis observar que la cicatriz de nitidez que deja la profundidad de campo en la imagen es mínima. Eso a f/8. A f/2,8 sería todavía mucho más estrecha, perdiendo -bajo mi criterio- ese margen necesario para la facilitar su interpretación. A menos velocidad tampoco podría dispararla, ya que comprometería seriamente la nitidez debido a la trepidación (porque la hice a pulso). La foto esta forzada hacia las luces unos dos pasos, que he vuelto a resituar donde me interesa en el procesado; pero con menos ruido.

Otro ejemplo. En los bosques en los que no pega la luz del sol, todos los tonos son medios y sombras. Al no tener altas luces que proteger, podemos sobreexponer los tonos medios y las sombras en varios pasos. En el revelado digital, devolveremos los tonos a donde queramos, pero sin ruido. Es el caso de la fotografía del tronco, en la que las segundas sombras -que se muestran en su parte cortada- no hay ruido. F/8. 1/80”. ISO 400. A ISO 100 podía haber realizado la foto y estaría bien expuesta. Subí la ISO dos pasos que luego bajé y resitué. Si os fijáis en la foto, en el centro superior, hay una pequeña zona de cielo que he perdido, pero no tiene peso en la imagen.

Conclusión

Debemos aprovechar el rango efectivo de nuestros sensores evitando situar zonas con textura en los primeros pasos, donde el ruido tiene más presencia.

En consecuencia, la norma general expresada con anterioridad de utilizar el ISO más bajo posible, siempre que sea posible, debería ser reformulada quedando como sigue: Se debe de aprovechar el rango dinámico al máximo, utilizando para ello la ISO más baja posible.

Si los parámetros de apertura y velocidad de obturación son insuficientes –con ISO 100- para obtener una exposición correcta, sube la ISO todo lo necesario hasta alcanzar el límite de las altas luces. En el revelado digital podrás resituar todos los tonos donde te interese, pero con una imagen más limpia, y con menos ruido.

Si quieres dominar la luz, ya puedes ponerte las pilas; si pensabas que esto de hacer fotos no tenía nada que ver con la física y las matemáticas, lamento decepcionarte; la buena noticia es que no es necesario conocer la formulación que lo explica, tan solo basta con entender los principios.

Vivir fuera de los modos Auto te da libertad, pero a cambio hay que conocer.

Cuando pensamos en un retrato siempre nos viene a la cabeza la imagen del rostro de una persona, en la que su mirada es la clave. Pero déjame decirte que un retrato no necesariamente implica la aparición del rostro, hay detalles de una persona por los que también podemos llegar a conocerla e identificarla. Hoy te voy a hablar del retrato sin rostro, un tipo de retrato con cierto toque mágico y que pude llegar a generar mucha intriga.  ¿Te quedas a conocerlo?

La Fotografía de Retrato

Una de las temáticas más populares dentro del mundo de la fotografía es sin duda el retrato. En un retrato el rostro de una persona puede expresar sentimientos y emociones muy diferentes, y su mirada puede llegar a reflejar la verdadera esencia de una persona. No en vano se dice que "la cara es el espejo del alma".

Del retrato fotográfico te hablábamos en profundidad en esta guía que recoge la información más relevante de esta temática:

• Cómo Dominar el Retrato Fotográfico: La Guía Más Completa

Pero... ¿Qué ocurre cuando en un retrato no aparece el rostro de una persona? ¿Se considera retrato? ¿Puede llegar a transmitir algo? A continuación, vamos a dar respuesta a todas estas preguntas.

El Retrato Sin Rostro

Aunque el título de este artículo parece sacado más de una película de miedo que de un tema fotográfico, déjame decirte que el retrato sin rostro puede brindarnos imágenes muy creativas, en las que contaremos una historia de un modo menos corriente.

En un retrato sin rostro cobrarán especial importancia todas aquellas pistas que aparezcan en el contexto de la toma, y además estaremos creando tomas abiertas a la interpretación, en la que el espectador de la imagen pueda sentirse identificado y ubicarse en la historia que cuenta la fotografía, a pesar de no haber sido artífice de la misma. De ese modo logramos que quien observa la fotografía pueda llegar a sentir la emoción de una imagen.

Algunos de los puntos claves que podemos conseguir mediante el retrato sin rostro son:

• Contar una historia
• Crear realismo
• Generar sentimiento se sorpresa o tensión
• Generar curiosidad
• Ser creativo
• Mejorar nuestra forma de componer

Consejos para Capturar un Buen Retrato Sin Rostro

Crear un retrato sin rostro no significa cortar el encuadre a la altura del cuello para que no aparezca la cara de una persona. Un retrato sin rostro tiene más trasfondo, y para conseguir un buen ejemplo de este tipo de retrato deberemos tener en cuenta las siguientes consideraciones.

1. Cuenta una Historia

Aunque no todos los retratos sin rostro tienen por qué estar planificados, éstos sí que tienen que contarnos una historia. Eso es lo que nos ayudará  a mantener la atención del espectador, así como también nos ayudará a intrigarle y hacerle pensar en cuál es la historia que hay detrás e la fotografía. Solo de ese modo lograremos hacerle partícipe de la imagen.

Observa la foto de arriba. Parece que la ubicación sea un hotel. ¿Espera a alguien el hombre? Si es así... ¿a quién? ¿Está de vacaciones? ¿En un viaje de negocios? No vemos su rostro, pero por su postura y sus manos en los bolsillos diríamos que esta tranquilo.  Al ver la foto nos metemos de lleno en ella, queremos averiguar qué es lo que ocurre, y ara ello analizaremos toda la escena. Quizás nos equivoquemos, quizás el hombre está en su habitación viendo el atardecer simplemente, pero... ¿y lo divertido que resulta intentar averiguar qué historia se esconde tras la fotografía?

2. Ofrece Pistas del Contexto

Una de las claves para conseguir un buen retrato sin rostro es ofrecerle pistas al espectador de la historia que se ve en la toma. Nosotros somos los creadores del retrato, y como creadores tenemos el poder de decidir qué es lo que queremos que se vea en la imagen. ¿Vas a  mostrar la cabeza del sujeto pero tapada por algún elemento? ¿Vas a encuadrar de tal modo que no aparezca la cabeza? Sea una cosa u otra, influirá en lo que estás transmitiendo, así que elige bien según el mensaje que quieras compartir.

Por otro lado, en la imagen pueden aparecer elementos de atrezzo que faciliten la interpretación al espectador, aunque no te pases añadiendo elementos, ya que como sabes muchas veces menos es más, y se trata de crear intriga y hacer participe a aquel que observa la fotografía tratando de que se meta en la piel de retratado sin rostro.

Y por supuesto, usa la iluminación a tu favor para potenciar la imagen y dejar descubiertas u ocultas las diferentes zonas de la fotografía.

Fíjate en la fotografía de arriba. Por la cámara de fotos y el mapa que lleva la mujer encima podemos intuir que viene de un viaje, o va a emprenderlo. ¿Se irá con el coche que se ve tras ella o simplemente le ha gustado y ha querido hacerse una foto con él? Las pistas del entorno como puedes comprobar, son las que nos ayudan a revelar la historia de la imagen.

3. Compón Tu Imagen

Otro de los puntos claves del retrato sin rostro es la composición. Da igual cuál sea la temática, una buena composición le dará muchos puntos positivos a nuestra imagen, así que trata de no disparar al tuntún, e intenta visualizar la escena antes de disparar la toma.

Recuerda que hay muchas reglas recogidas a través de la experiencia de otros fotógrafos que nos ayudarán a lograr una composición más equilibrada, como la regla de los tercios, la regla de la mirada, la regla del horizonte, la regla de los impartes u otras muchas reglas compositivas. Seguirlas seguro que nos sirve de guía para cuidar la composición de nuestra fotografía, aunque recuerda que de vez en cuando, si lo hacemos con una intención clara, no está de más romper esas reglas.

Y una recomendación especial, en muchos de los retratos sin rostro puede que recortemos el encuadre y el sujeto no salga entero. Si es así, procura que ese recorte no caiga sobre las articulaciones del sujeto, ya que puede producir una sensación incómoda visualmente hablando.

Si observas la toma de arriba se ha utilizado muy bien la composición para ocultar parte del rostro de las dos personas que aparecen en ella, creando una especie de marco natural. Deducimos que están en una biblioteca, por los libros y por las etiquetas que estos tienen. También deducimos que entre ellos hay una buena relación, ¿será de amor o de amistad?

4. Evita Cerrar Mucho el Encuadre

Una forma de lograr un retrato sin rostro es haciendo zoom y dejando fuera del encuadre al menos la mirada de nuestro sujeto. Es un modo totalmente válido, por supuesto, pero en este tipo de foto nos será más difícil entender el motivo de la fotografía, y también será más complicado sentirnos identificarnos con el sujeto sin rostro. ¿Por qué? Pues porque no tenemos contexto.

Los elementos que rodean la escena nos dan detalles para componer la historia de la fotografía y sentirnos identificados en ella. Si no hay pistas, si no hay contexto... difícilmente podremos hacerlo. Así que ya lo sabes, quita zoom o aléjate del motivo fotográfico y deja espacio entre el protagonista de la toma y el marco de la imagen. 

Por ejemplo, en la foto de arriba si se hubiera cerrado el encuadre sobre el pie en el pedal nos hubiéramos perdido detalles como que es una chica la que va sobre la bicicleta, o que está paseando por las calles de una ciudad de noche.

5. Céntrate en los Detalles

Puedes sacar a una persona de espalda, o solo sacar sus piernas... pero recuerda que en un retrato sin rostro también puedes centrarte en los detalles que caracterizan a esa persona. Sus arrugas, su pelo, su ropa, su tatuaje... ¡hay tantos elementos que pueden definir a una persona sin tener que mostrar su cara!

Los accesorios aquí te pueden dar mucho juego, pero si no dispones de ellos no te preocupes, también puedes aprovechar y centrarte en el lenguaje corporal del sujeto.

Por ejemplo, en la toma de arriba nos damos cuenta de que al hombre le encantan los tatuajes, y también los anillos y las pulseras. Parece que le dan fuerza, y junto a la posición de sus manos con los pulgares en los bolsillos diríamos que éste tiene un carácter duro. Quizá luego nos equivoquemos, pero parte de la gracia de los retratos sin rostro es tratar de descubrir quién se esconde tras ellos. Puede que hasta nos sintamos identificados.

6. Crea Realismo

En el día a día nos cruzamos con muchas personas, y no a todas horas y todas ellas nos dirigen la mirada. Hay muchas situaciones en las que veremos por ejemplo a alguien cuyo pelo le tapa el rostro por el efecto del viento, o a alguien que se cubre el rostro porque siente vergüenza, o simplemente nuestra posición nos impide ver la cara de una persona. Eso también le otorga a nuestras tomas cierto toque de realismo.

En la foto de arriba el viento mueve los cabellos de la chica provocando que le cubra el rostro y no podamos vérselo, algo que puede estar recogido en un momento espontáneo, sin necesidad de que la toma haya sido planificada.

Algunos Ejemplos e Ideas para Hacer Un Retrato Sin Rostro

Sé que probablemente ya tengas en tu cabeza pensadas varias ideas para hacer realidad tus retratos sin rostro, pero por si acaso necesitas algo de inspiración, aquí te dejo unas cuentas ideas para que empieces por ellas.

Juega con Espejos

Un objeto que nos puede dar mucho juego para crear retratos sin rostro es un espejo. Si el sujeto se tapa el rostro con un espejo no solo estará ocultando su cara. Por una parte nos impide conocer qué es lo que está sintiendo la persona de la foto. Por otro lado el hecho de que el espejo esté en esa posición puede sugerirnos que tiene un significa especial, y que hay un mensaje más profundo detrás de ello. Por no hablar de que ver un reflejo en un espejo en el lugar del rostro de una persona puede generarnos una sensación inquietante que sin duda va a capturar nuestro interés.

Crea Siluetas Creativas

Otro modo de ocultar el rostro de nuestro sujeto es fotografiándolo en forma de silueta. Busca una bonita puesta de sol como telón de fondo, o juega con la iluminación en un estudio y aprovecha para mostrar el contorno de esa persona. Podrás expresar mucho a través de una silueta, y el rostro de la persona aparecerá oculto en las sombras. Además, incluso puedes jugar de forma creativa con ellas y utilizarla técnica de la perspectiva forzada para crear instantáneas como la de arriba.

Cubre el Rostro con Otra Parte del Cuerpo

Cuando nos dicen "sonríe que voy a hacer una foto", nuestra expresión facial es lo que cuenta. Estamos muy acostumbrados a sacar esa sonrisilla y a posar delante de las cámaras. Pero cuando tratamos de hacer un retrato sin rostro... ¿qué podemos hacer? Pues utilizar partes de nuestro cuerpo para ocultarlo. Es una de las formas más sencillas de lograrlo. Una melena al viento que oculta el rostro, unas manos o unos brazos apoyados sobre él... y ya tenemos nuestro retrato sin rostro.

En el ejemplo de arriba observamos que la chica está rodeada de fotografías y se cubre el rostro con las manos. Puede que se sienta triste por el recuerdo de esas imágenes.

Mira Hacia Otro Lado

Otra forma de ocultar el rostro de forma sencilla es no mirar directamente a cámara. Tu modelo puede mirar hacia abajo, hacia un lado o hacia el fondo de la foto, quedando de espaldas a la cámara. Deja espacio en el encuadre para ofrecer algo de contexto, y utiliza el lenguaje corporal de tu sujeto para tratar de contar una historia con tu foto e invitar a que el espectador reflexione sobre su significado.

En la foto de ejemplo observamos a un hombre en la cima de una montaña contemplando un precioso paisaje al amanecer o atardecer. ¿Qué le habrá empujado a ir hasta allí? ¿Le habrá costado llegar? No parece que sea un senderista...

Utiliza Objetos Llamativos

Veíamos como primer ejemplo el uso de los espejos para ocultar el rostro en una toma y generar cierto misterio, pero podemos utilizar cualquier objeto que tenga el tamaño suficiente para ocultar el rostro. Esos objetos pueden tener relación con los gustos de una persona, o también pueden contrastar con los elementos del entorno en el que se encuentra para llamar la atención.

En nuestro caso, podemos realizar un autorretrato utilizando la cámara como objeto que oculte nuestro rostro, como en la foto de arriba. Ese ejemplo incluso nos puede dar qué pensar. La chica ha fotografiado su reflejo en lo que parece el espejo de una modelo. ¿Quizás ella también quiere serlo pero es tímida y por eso se oculta tras la cámara?

¡Déjate Seducir por el Retrato Sin Rostro!

¿Qué me dices? ¿Te han cautivado los retratos sin rostro? Desde luego, no es el tipo de retrato al que estamos acostumbrados, pero precisamente por ello es que son especiales. Además, como hemos visto, para poner en práctica el retrato sin rostro deberemos estudiar muy bien diferentes aspectos fotográficos que nos servirán para diferentes temáticas fotográficas, como es cuidar la composición o contar una historia con nuestra imagen.

Ahora es el momento de que te animes y le des rienda suelta a tu imaginación para lograr un atractivo retrato sin rostro. ¡No escatimes en creatividad!

Seguramente estás leyendo este artículo porque has intentado hacer fotos en la nieve y muchas veces no has conseguido el resultado que esperabas.

No te preocupes, porque es posible sacar fotos espectaculares de paisajes nevados siguiendo algunos consejos básicos. Sigue leyendo porque con estas recomendaciones vas a conseguir fotografías espectaculares con la nieve como protagonista.

¿Cómo Fotografiar un Paisaje Nevado?

Fragmento Fototip 'Los Mejores Consejos para Hacer Fotos en la Nieve'

Si ha llegado la estación hibernal a tu ciudad o si pretendes viajar a una localización nevada, ¡no te dejes la cámara en casa! A pesar de los peligros que entraña un entorno tan hostil, si cuidas y proteges correctamente tu cámara del frío, no debes temer hacer fotos con ella.

Que salgan bien las fotos que hagas es otro tema... Por que el modo automático no te servirá en este ámbito, tendrás que usar el modo manual o los modos semiautomáticos para poder ajustar otros parámetros como la medición o la temperatura de color y  conseguir una buena toma. Empieza siguiendo estos consejos:

#1. Compensa la Exposición: Clave en la Nieve

A pesar de los sofisticados modos de medición que poseen hasta las mejores cámaras, la fotografía en la nieve resulta demasiado exigente debido a sus extremas condiciones de contraste.

Esto se debe a que la nieve refleja la luz con mucha intensidad, como si fuera un reflector gigante. Por tanto, el éxito de una buena fotografía en la nieve depende, mayormente, de aplicar la correcta compensación en la exposición.

Nikon D5100 · 48.0mm · ƒ/2.8 · 1/2000s · ISO 100

Si disparas en modo automático, te darás cuenta de que la nieve saldrá gris, en lugar de blanca. Esto ocurre debido a que el fotómetro de la cámara reacciona ante la luz tan potente que refleja la nieve cerrando el diafragma, para lograr encontrar una exposición correcta. Buscará un tono medio entre tanto blanco brillante y tendrá tendencia a la subexposición.

Si tu cámara dispone de un 'modo escena nieve' automático puedes seleccionarlo. Si no es así, la solución consiste en sobreexponer la imagen uno o dos pasos.  ¿Cómo hago esto? Con el botón de compensación de la exposición. Casi todas las cámaras lo tienen y está diseñado para estos casos.

Si en lugar de querer fotografiar el paisaje, pretendes fotografiar una persona o un objeto, puedes cambiar el modo de medición de la cámara al modo ponderado al centro o puntual, para medir solo la luz que llega al sujeto. Es una forma de asegurarte de que el objeto fotografiado está expuesto de forma correcta y de que la nieve de fondo aparece más blanca.

Si ves que aún así quedan sombras acusadas en el rostro, no está de más usar un flash de relleno para compensar las zonas más oscuras. Pero ¡ojo con el flash! si lo proyectas sobre la nieve, siendo un elemento de por sí tan luminoso, sólo conseguirás obtener un mal resultado.

#2. Haz Balance de Blancos y Comprueba el Histograma

Canon EOS 5D Mark III · 21.0mm · ƒ/3.5 · 1/160s · ISO 2500

Hacer un correcto balance de blancos en la nieve puede parecerte misión imposible, pero no lo es. Si apreciamos que la nieve tiene un tono azulado es porque el ajuste automático no está haciendo una correcta interpretación. Si tu cámara no dispone de un modo nieve automático, tendrás que ajustar el balance de blancos manualmente.

Recuerda que cuanto más alto sea el número Kelvin más fría y azulada se verá la captura. Sin embargo, cuanto menor sea el número más cálida y anaranjada aparecerá, por lo que deberás encontrar ese equilibrio consiguiendo un tono intermedio.

Confía también en la lectura de tu Histograma. Seguramente no puedas ver bien del todo la pantalla LCD de tu cámara o que te refleje la luz en ella. No te compliques, accede al histograma para medir la escena correctamente y asegurarte de que tus fotos están bien realizadas.

Si la nieve crea un efecto muy reflectante, también puedes evitar reflejos innecesarios en la lente usando un parasol en el objetivo. Puedes usar un filtro  polarizador para oscurecer un cielo brillante o ayudar a incrementar la saturación.

#3. Usa el Formato RAW: Especialmente en la Nieve

Si tu cámara lo permite, es mejor que dispares tus fotografías en formato RAW. Esto te dará mucha mayor flexibilidad en la postproducción de tus imágenes y será mucho más fácil corregir cualquier problema con la intensidad de la luz o el color (podrás, por ejemplo, corregir más fácilmente los tonos azulados si no hiciste un buen balance de blancos). Usando el formato JPEG será mucho más complicado o incluso imposible corregir los fallos de una fotografía hecha en la nieve.

En el procesado, verás que puedes corregir fallos como la iluminación o borrar sin dificultad restos de suciedad, hierba, huellas o cualquier elemento que desvíe la atención dentro de tu composición. No te olvides de corregir ajustes como el contraste y el color para que tu fotografía esté del todo perfecta.

Ten en cuenta, eso sí, que si fotografías en formato RAW el tamaño de los archivos, al registrar muchos más datos, será mucho más grande. Deberás llevar tarjetas de memoria adicionales o de gran capacidad para no quedarte sin memoria rápidamente.

#4. Aumenta la Velocidad de Obturación

Canon EOS 450D · 50.0mm · ƒ/2.0 · 1/250s · ISO 100

Una de las fotos más buscadas es siempre la de la caída de la nieve, pero no es fácil captar esos esponjosos copos detenidos por completo. Si quieres que salgan nítidos, tendrás que utilizar una velocidad de obturación relativamente rápida.

Ten en cuenta que la nieve cae más rápido de lo que crees y si tu velocidad de obturación es lenta aparecerá con falta de definición o como una cortina blanca borrosa. Congelar la nieve (nunca mejor dicho) en tu captura es posible utilizando, por ejemplo, una velocidad de entre 1/250 y 1/500. Si lo haces con un fondo oscuro, todavía se verán mejor.

Si, por lo contrario, quieres que la nieve que está cayendo desaparezca y que no te arruine el paisaje también puedes hacer magia. Si hay copos que caen cerca de tu cámara es cierto que pueden fastidiar tu encuadre y, por ende, tu captura.

Lo que debes hacer es montar la cámara en un trípode, disminuir la ISO, aumentar la apertura y disparar con una velocidad de obturación baja (cuanto más mejor). Así los copos de nieve no tendrán tiempo suficiente de ser capturados por la cámara y desaparecerán de la foto. ¡Pruébalo!

¿Qué Debes Tener en Cuenta para Fotografiar la Nieve?

#1. Elige un Día Nublado

No esperes a que salga el sol para ir a la nieve a tomar fotos, en este caso no es lo más recomendable. Suele ser mejor idea que escojas un día nublado para crear preciosas escenas invernales.

Si te atreves a realizar tu expedición fotográfica bajo una espesa niebla o una tormenta de nieve, además de suponer un reto, no hay duda de que conseguirás fotografías más espectaculares que las típicas de un día soleado con el cielo azul.

Prueba a realizar tus fotografías en la nieve a primeras o a últimas horas del día. Así evitarás la dura luz del sol rebotando en la nieve durante el resto de horas.

Panasonic DMC-Fz200 · 24.3mm · ƒ/2.8 · 1/125s · ISO 100

Como ya sabes, si el sol se encuentra en un ángulo bajo, tendrás mayor contraste en las fotos y una luz suave de amanecer o atardecer suele ser más embellecedora.

#2. Busca la Nieve Virgen

Un error muy típico es que dejemos marcas sobre el paisaje que queremos fotografiar y luego ya sea tarde para no sacarlas en nuestra foto. A no ser que la intención de tu fotografía sea captar tus huellas dentro de la composición, te aconsejo que lo tengas en cuenta.

Busca fotografiar la nieve a las primeras horas del día, cuando la nieve es más virgen y hay menos probabilidad de que haya sido profanada por huellas de animales, personas o vehículos. Un paseo sobre las 7.00 am, antes de que amanezca, y después de una noche de nevada es una experiencia fotográfica muy gratificante. Abrígate bien y sal a captar ese rocío matinal congelado que lo rodeará todo y que te fascinará.

Canon EOS 7D · 24.0mm · ƒ/8.0 · 1/100s · ISO 200

#3. Cuida Bien tu Equipo

Las condiciones meteorológicas en este tipo de fotografía, no son las mejores para nuestras cámaras, eso es cierto. Por eso es muy importante que cuidemos bien el equipo que llevemos a nuestra salida fotográfica y tengamos en cuenta cómo le puede afectar un cambio brusco de temperatura.

Lo primero es que saques la cámara y dejes que se 'aclimate un poco'. No te pongas a hacer fotos en seguida. Espera unos minutos para que asimile esas nuevas condiciones ambientales.

Intenta mantener la tapa puesta siempre que la cámara no esté en uso para evitar que caiga o salpique nieve en la lente. Si ves que se empaña no soples aire caliente sobre ella, si no podría crearse una fina capa de hielo sobre la lente. Utiliza únicamente un paño de microfibra para limpiarla.

Otra opción es que uses un filtro UV para proteger la lente principal de la humedad. No es infalible pero siempre ayudará a proteger más la parte frontal de tu objetivo. Por otro lado, contén la respiración al hacer tus fotos y no empañar tampoco la pantalla LCD o el visor.

Si está nevando o lloviendo intensamente tal vez sea mejor esperar y salir a hacer fotos cuando el tiempo mejore. Someter la cámara o tu objetivo a esas condiciones es un riesgo. Existen fundas de lluvia específicas para cámaras réflex o incluso protectores para que estén más a salvo. No te la juegues.

Es muy importante que tengas claro qué objetivo te vas a llevar. Muchos fotógrafos prefieren focales fijas por su mejor rendimiento, pero si vas a la nieve vas a tener que elegir. O bien usas la misma focal durante todo el día o utilizas un objetivo con zoom con diversas distancias focales.

Lo que debes asumir es que cambiar el objetivo al aire libre en esas condiciones supondrá un alto riesgo de condensación que podría perjudicar gravemente tu cámara. Piensa que quedará totalmente desprotegida durante los segundos que tardes en cambiar la lente.

No te olvides de llevar baterías de repuesto. Bajo condiciones de este tipo el rendimiento de las baterías suele verse afectado y se descargan antes, por lo que llévalas bien cargadas y lo más cerca de tu cuerpo posible. El calor corporal que tú desprendas las mantendrán a una buena temperatura, se conservarán mejor y te durarán más.

#4. Lleva la Vestimenta Apropiada: Protégete de la Nieve

Como es obvio, cuando vas a la nieve debes ir muy bien preparado. Igual que tu cámara. Además de unas buenas botas impermeables es importante que vayas bien abrigado, pero sin excederte. Si te abrigas demasiado es peor que si sientes un poco de frío, piensa que la sudoración interna si se enfría, podría causarte una hipotermia.

Lleva contigo gafas de sol: te vendrán bien para evitar el molesto reflejo de la luz en la nieve. En cuanto a tus manos, también debes protegerlas del frío. Aunque no demasiado, ya que las necesitarás para configurar y sujetar con firmeza tu cámara.

En este caso te aconsejo que utilices guantes térmicos que sean finos o unos mitones, que dejarán al aire tus dedos y con los que te resultará más fácil manejar los diales y botones de tu cámara. También puedes hacerte con calientamanos instantáneos desechables, muy utilizados por los deportistas, para ir calentando tus manos y mantenerlas a la temperatura ideal.

¿Cómo Conseguir Buenas Composiciones en la Nieve?

Realizar fotos en la nieve resulta muy motivador. Hay vistas realmente espectaculares que seguro que quieres captar en tus fotografías. Pero también hay trucos que puedes utilizar para conseguir composiciones muy buenas en la nieve. Toma nota:

#1. Incluye Varios Elementos dentro del Paisaje

Lo más importante es que no te limites a encuadrar solo nieve, ya que puede resultar un poco soso si hay demasiado espacio en blanco y nada más. Busca algo que rompa con el paisaje uniforme, como un camino, un árbol, una roca o una estalactita que genere un poco de contraste y le de vida a tu captura.

Teniendo en cuenta la regla de los tercios, intenta dar vida a tu imagen. Prueba a colocar elementos en el horizonte o en primer plano, busca generar interés en la imagen que vaya más allá del paisaje nevado.

#2. Juega con Colores Vibrantes

foto por Markus Trienke (licencia CC) Canon EOS 450D · 35mm · ƒ/14 · 1/320s · ISO 200

Si algo destaca en la nieve, sin duda es otro color. Uno de los trucos más utilizados para la fotografía en la nieve es el uso de un elemento que añada un toque de color vibrante a la escena.

Añadir un punto localizado de color rojo intenso, por ejemplo, captará toda la atención de tu captura. Prueba a sacar ese foco de color del centro de la fotografía.

Si puedes, lleva encima algún objeto de colores llamativos, como un paraguas de colores, un gorro rojo o un juguete o accesorio divertido que pueda ser el protagonista de tu sesión fotográfica.

#3. Elige Localizaciones Inhóspitas

Nikon D3000 · 70.0mm · ƒ/4.0 · 10/20000s · ISO 100

No cabe duda de que la nieve cambia por completo un paisaje que, a priori, podría habernos parecido aburrido. Fíjate bien en esos lugares que, aunque sin nieve podrían parecer poco fotogénicos, ahora tienen un encanto especial.

Lugares que hasta ahora has podido pasar por alto o que te han podido parecer poco interesantes como un viejo cobertizo, un árbol seco o un edificio abandonado: podrían dar el toque a tus fotografías invernales. Son espacios que, seguramente, ahora que están cubiertos por un inmaculado manto de nieve, te den la oportunidad de captar una fotografía espectacular.

#4. Capta Emociones o Momentos

Una de las ventajas del clima invernal es que hace propicio que la gente disfrute de la nieve al máximo. Hay infinidad de actividades que son exclusivas de esta estación del año y que al ser tan esperadas por muchos supone una gran ilusión disfrutarlas.

Canon EOS 10D · 140.0mm · ƒ/4.0 · 1/2000s · ISO 200

No dejes de captar momentos como la sonrisa de un niño mientras lanza una bola de nieve o construye un muñeco con gorro y bufanda. O personas practicando algún deporte como el esquí o el snowboard, incluso un trineo deslizándose a toda velocidad.

Nikon D3100 · 185.0mm · ƒ/6.3 · 1/800s · ISO 400

Para poder captar tomas de acción y captar el momento justo, recuerda que puedes utilizar el modo ráfaga de tu cámara si dispones de él. Sólo tendrás que mantener pulsado el disparador mientras se sucede la escena y luego elegir la mejor captura de toda la secuencia.

¿Cuál es tu Secreto para Hacer Fotos Espectaculares en la Nieve?

Bueno ahora ya estás preparado para salir a la nieve y ponerte a captar fotografías únicas. Recuerda que es esencial que cuides muy bien tu equipo cuando salgas a realizar este tipo de fotografía y que existe el botón para compensar la exposición, que te vendrá muy pero que muy bien para este tipo de capturas.

¡Si tienes algún consejo más de aventurero fotográfico en la nieve y lo quieres compartir con nosotros, no dudes en aportarlo a la lista de recomendaciones dejando un comentario!

En nuestro artículo Guía Definitiva para Elegir el Trípode que Necesitas te hemos hablado de qué es el trípode, qué partes lo componen, los tipos que hay y los materiales de fabricación con los que pueden estar hechos, y para qué tipo de fotografías se utilizan. En +30 Trípodes Fotográficos Recomendados te ofrecemos una lista de trípodes recomendados según tu nivel y el tipo de fotografía que vayas a practicar. ¿Nos queda algo más por saber de este accesorio? ¡Por supuesto que sí!

En este artículo vamos a ir un paso más allá y nos pondremos a trabajar con él. Porque solo de esa forma podremos ofrecerte los mejores consejos a la hora de utilizarlo. Y es que fotografiar con la cámara montada sobre el trípode puede parecer una tarea sencilla... total, tan solo hay que enroscar la zapata a la cámara, colocar ésta sobre las patas y empezar a disparar ¿no?

Pues lo cierto es que existen algunos trucos que nos ayudarán a hacerlo de forma más efectiva, y lo más importante, con mejores resultados. Porque si pretendemos lograr una buena estabilidad, conseguir la máxima nitidez, poder realizar fotografías de larga exposición sin trepidaciones y al mismo tiempo evitar que nuestro equipo corra peligro, hay que hacerlo empleando el trípode con criterio. ¿Te quedas conmigo para aprender a sacarle el máximo partido?

1. Define Tu Composición

Empecemos por el principio. El primero de los consejos es que definas la composición de tu fotografía antes de sacarlo y montarlo. Puede parecer una tontería, pero nos vamos a ahorrar trabajo.

Tienes la cámara en tus manos y puedes buscar el encuadre definitivo que te convenza. Porque trabajar con el trípode es más tedioso que hacerlo sin él, admitámoslo. Con la cámara en mano tenemos mayor libertad de movimiento y trabajamos mucho más rápido. Si ya de primera colocas la cámara sobre el trípode sin saber cuál va a ser la foto que vas a hacer, seguramente te toque subir o bajar patas para ajustarlo a la altura final, poniendo en riesgo la cámara si ya la has colocado sobre él. Así que primero visualiza, establece cuál será el encuadre aproximado de la toma y así los ajustes que tendrás que hacer cuando coloques la cámara sobre él serán mínimos.

2. El Orden de Montaje Importa

Una vez definido el encuadre llega el momento de montar el trípode, y para hacerlo hay un orden recomendado. Lo primero que haremos será desplegar las patas. En algunos simplemente tendrás que abrirlas, y en otros te tocará voltearlas y a continuación bajar la columna central, ya que están plegados de manera más compacta. De este modo tendremos el trípode montado con su altura mínima, que es como obtendremos mayor estabilidad.

Si en tu caso necesitas ganar altura, a la hora de alcanzarla lo haremos de la siguiente manera. Independientemente de las secciones que tenga el trípode, siempre empezaremos sacando primero las más anchas, que son las que están más próximas a la rótula. Así pues primero sacaremos las más gruesas, y si nos falta todavía altura iremos sacando progresivamente las que le siguen, una a una.

Fragmento Fototip Consejos para Usar Tu Trípode

¿Por qué no lo hacemos al revés? Pues porque si te fijas en el tamaño de las patas, las de arriba son más gruesas que las de abajo, lo cual las hace más estables. Ten presente también que cuanta más altura queramos alcanzar, iremos perdiendo algo de estabilidad.

3. Evita Elevar la Columna Central

Es por eso que otra de las recomendaciones es que la columna central no la extiendas si no es estrictamente necesario. Si por ejemplo queremos conseguir una altura como la que te muestro a continuación, lo haremos como en la foto de la izquierda y no como en la de la derecha. Date cuenta como en el primer ejemplo tenemos una estabilidad bastante mayor que en el segundo.

Si la columna de tu trípode es extensible, al igual que con las patas, sacaremos primero la sección más gruesa.

4. Coloca Peso Extra en el Gancho

Sí por lo que sea necesitamos subir el trípode a su altura máxima, podemos utilizar algunos truquitos para seguir garantizando el máximo de estabilidad. El más sencillo es que aproveches el gancho que suele ir al final de la columna central en la mayoría de trípodes, y dejes colgado en él tu mochila o algo que añada peso extra para que sea más difícil moverlo. Aunque procura que aquello que dejes colgando no se balancee o ese movimiento acabará siendo contraproducente.

¿Tu trípode no dispone de ese gancho o te resulta incómodo su sistema? Pues siempre hay alternativas, como el caso de este accesorio que colgaremos con cintas de velcro a las diferentes patas, y sobre el cuál podremos dejar nuestra mochila y otras cosas de manera más cómoda y sin que se muevan. Este también nos vendrá muy bien para situaciones en las que aunque nuestro trípode sea robusto, haga mucho viento y corramos el riesgo de que tumbe nuestro equipo al suelo; una situación en la que quizá otra cosa que te interese es mantener alrededor de tu cuello la correa de la cámara como extra de seguridad, teniendo en cuenta que no deberás moverte ni tirar de ella para no afectar al resultado de la toma.

5. Mantén la Columna Central Completamente Vertical

Te he hablado de que no subas la barra central de tu trípode si no es estrictamente necesario, pero hay otra cosa que debes tener en cuenta sobre esta, y es que cuando la montes, procures que la columna se quede totalmente en vertical. Piensa que la fórmula que rige la estabilidad de un trípode es la ley de la gravedad, por lo que cuanto más vertical se encuentre esta barra, más centrado estará el vector de fuerza que apunta al suelo y más estable estará el trípode.

Piensa en una torre de bloques de madera. Si las piezas se van desplazando, a medida que ponemos más, la torre se hará más inestable y acabará cayendo. Sin embargo, si colocamos cada pieza justo encima de la anterior la construcción no sufrirá falta de estabilidad aunque aumente su altura.

Una manera de corroborar que nuestra columna está en vertical es observando el nivel de burbuja que muchos trípodes llevan incorporado sobre las propias patas del trípode. Ojo, no el nivel de burbuja de la rótula, que también es muy útil, pero que no nos sirve para asegurar una buena colocación de las patas sobre el terreno. Sino fíjate en el siguiente ejemplo. Podemos tener la barra central super torcida, y sin embargo seguir teniendo el nivel de burbuja de la rótula bien ajustado. La cámara estará recta, pero estamos perdiendo mucha estabilidad. La manera adecuada sería asegurar que las patas están montadas bien niveladas, y todo lo demás será un extra.

Como no todos los trípodes tienen ese nivel de burbuja, simplemente fíjate en que la columna esté lo más recta posible.

6. Fija Bien los Anclajes Antes de Soltar

¿Y qué más cosas debemos tener en cuenta a la hora de montar el trípode? Pues una muy importante es asegurarse de que fijamos bien los anclajes antes de soltar la cámara. Esto ocurre sobre todo con el anclaje de la rótula. Si no la apretamos bien, puede que al soltar la cámara ceda hacia adelante y se pegue un golpe con el propio trípode, algo que debemos evitar a toda costa.

También asegúrate de fijar bien los mecanismos de sujeción de las patas, ya sean de pestaña o de rosca, ya que sino al soltar el trípode se plegará y podrá caer hacia el suelo.

Y no menos importante es fijar bien la zapata. Primero en la propia cámara y después cuando la unimos con las patas, ya que si no está bien sujeta la cámara correrá un grave peligro.

7. Ten en Cuenta las Especificaciones de Tu Trípode

Por otro lado, siempre hay que tener muy presente las especificaciones de nuestro trípode. Tanto las patas como la rótula cuentan con sus propias especificaciones que nos indicarán el peso máximo que soportan, que es importante que respetes para que tus fotos no salgan movidas, pero sobre todo para no llevarte ningún susto.

Recuerda que cuando hablamos del peso de tu equipo debes contar todo aquel con el que vayas a trabajar. Normalmente será tanto el de la cámara como el del objetivo, pero si en alguna ocasión también utilizas otros accesorios como el flash, deberás sumar ese peso.

8. Sitúa una de las Patas Apuntando Hacia Adelante

A la hora de trabajar deberás aprender a colocar de forma adecuada tu trípode, y con esto me refiero a que siempre coloques una de las patas apuntando hacia adelante.

Primero porque esto te permitirá trabajar de manera más cómoda, al poder acercarte físicamente a la cámara sin que otra de las patas te estorbe y acabes moviendo el trípode o tropezándote con él. Y segundo, porque de esta forma evitarás que la cámara ceda hacia adelante si chocas con el trípode, o si este soporta mayor peso en la parte de delante, como cuando trabajamos por ejemplo con teleobjetivos.

9. Utiliza Soportes de Apoyo

Sobre teleobjetivos también deberás tener en cuenta la siguiente recomendación. Si el teleobjetivo con el que trabajas pesa poco y no tiene una distancia focal demasiado larga, normalmente no habrá ningún problema. Pero a medida que trabajemos con teleobjetivos más pesados y largos, el centro de gravedad se desplazará y la estabilidad del trípode se resentirá. En estos casos es recomendable que utilicemos un accesorio conocido como collar o anillo de sujeción, hecho específicamente para cada lente y que nos ayuda a sostener el equipo no por la cámara, sino por la lente, para así equilibrar el centro de gravedad del equipo.

Y otro accesorio destacable es el soporte en forma de L. Se trata de un soporte que acoplaremos a nuestra cámara con el que podremos cambiarla de posición de horizontal a vertical de forma ágil, y que nos ayudará a ganar un extra de estabilidad, ya que no tendremos que recurrir a forzar la rótula para mantener la posición vertical.

10. Utiliza los Pies de Trípode Adecuados para el Terreno

Respecto a los pies del trípode, normalmente estos son de goma y se adaptan bien a muchos tipos de terreno. Pero por ejemplo si vas a trabajar sobre terrenos blandos como el césped, es más interesante que si cuentas con pies de clavo trabajes con ellos, ya que se agarrarán mucho mejor al terreno brindándote un punto de apoyo más seguro.

11. Aprende a Lograr Ángulos Bajos con Tu Trípode

Si nuestro deseo es realizar planos a ras de suelo con el trípode, es importante que conozcas las posibilidades que tienes para hacerlo. Lo primero en lo que pensamos es en no subir las patas obviamente, pero puede que la altura mínima del trípode todavía sea demasiada. Lo segundo que haremos será abrir más las patas, y en la mayoría de casos nos encontraremos con otro obstáculo, la columna central chocará en el suelo y nos impedirá bajar más el ángulo.

En este caso, puedes utilizar el adaptador de ángulo bajo que llevan muchos de ellos, que precisamente nos permitirán abrir las patas sin que la columna choque tan pronto. Hay otros trípodes que cuentan con una columna reversible con la que invertiremos la cámara y podremos acercarla mucho más al suelo. Y por último, tenemos los trípodes con columna multiángulo que nos permitirán trabajar de manera más cómoda.

12. Cuida el Mantenimiento de Tu Trípode

Por otro lado, también es importante que cuidemos el mantenimiento de nuestro trípode para alargar al máximo su vida útil. Con esto me refiero a que lo tratemos con ciertos cuidados, como por ejemplo:

• Que evitemos forzar los anclajes
• Que no lo guardemos sucio o sin limpiar después de haberlo utilizado en zonas de agua salada o con barro
• Que no lo guardemos adecuadamente en una bolsa de transporte acolchada que amortigüe los golpes
• Que no vigilemos el estado de las gomas

Todo esto son detalles que sin duda pueden acortar mucho la vida útil de nuestro trípode.

13. No Te Olvides de Llevar un Disparador Remoto

Cuando hablamos del trípode resulta muy difícil no mencionar a su compañero de batalla, el disparador remoto. Porque al disparar nuestras fotos, aunque sea con la cámara sobre el trípode, aún podemos mover la cámara al pulsar el botón de disparo. Juntos, trípode y disparador, conforman un combo ideal para evitar las vibraciones y las fotos trepidadas, así que plantéate adquirir uno del tipo que mejor se adapte a ti, para poder trabajar con la máxima estabilidad posible y así obtener resultados más nítidos.

Como alternativa, siempre puedes recurrir a utilizar el temporizador de tu cámara.

14. Desactiva el Estabilizador de la Lente y de la Cámara

¿Y qué más podemos tener en cuenta en el momento de disparar nuestras fotografías? Pues por ejemplo, que es recomendable que desactives el estabilizador de tu cámara y de tu lente. Este funciona muy bien cuando disparamos a pulso, pero cuando la cámara está sobre el trípode, el estabilizador seguirá tratando de eliminar posibles movimientos involuntarios, algo que no es necesario en este caso y que puede llegar a ser contraproducente.

15. Si Usas Cámara Réflex, Bloquea el Espejo

Y en el caso de que utilices una cámara réflex, también es aconsejable que actives la opción de levantar el espejo (en algunos modelos la encontrarás como activar bloqueo del espejo), ya que ese movimiento por leve que sea podría llegar a afectar a la toma en caso de exposiciones muy largas.

16. Fíjate en que No Se Cuele en el Encuadre una Pata o la Sombra del Trípode

Como consejo extra a la hora de hacer nuestras fotografías con un trípode, puede parecer una obviedad, pero fíjate en que no salgan las patas del trípode en tu composición. Por que sí, esto te puede ocurrir si empleas lentes muy angulares u ojos de pez. Y también fíjate en que no aparezca la sombra de este en el encuadre, ya que puede estropear una bonita fotografía.

¡Aprovecha al Máximo Este Accesorio!

Y así es como se trabaja adecuadamente con este accesorio. Ahora, la próxima vez que salgas a realizar fotografías con él, puedes poner en práctica todos estos consejos para trabajar de manera más eficiente y conseguir unos resultados más nítidos.

¿Añadirías algún punto más a la lista? ¡Déjanos tu comentario!

“Quiero un 50mm pero me han dicho que será como un 75mm en mi cámara, sea lo que sea que eso significa”. Creo que esta frase es una de las más repetidas entre las personas que se inician en el mundo de la Fotografía y buscan un objetivo. Aprenden rápido que ese objetivo será equivalente a otro, pero no siempre entienden muy bien qué significan. Y mucho menos saben por qué se llama así, qué consecuencias tiene ni cómo le pueden sacar partido. Y eso se va a acabar hoy.

Con unos ejemplos 100% visuales y muy simples vais a entender cómo funciona una cámara por dentro y cómo es captada la luz por los sensores, de manera que vayamos extrayendo juntos y paso a paso todas las conclusiones y consecuencias que esto tiene, de forma que, al terminar de leer el artículo podáis decir que sin lugar a dudas tenéis una mayor comprensión de la fotografía digital (¡e incluso de algunos fenónemos ópticos!) que antes.

La mesa de pruebas

Para hallar la respuesta a todas nuestras preguntas bastará con reproducir el fenómeno en un entorno controlado y que podamos observar bien, incluso con los modestos medios que ves en la foto que acompaña (si quieres conocer los títulos de los libros, te lo cuento al final del artículo). Así que voy a “despiezar” una cámara y reducirlo a lo mínimo: una tablet que imitará a una ventana con una escena bien iluminada, un objetivo y un papel blanco justo a la distancia donde debería estar el sensor de imagen. De esta forma podemos ver qué es lo que ocurre dentro de la cámara.

Y de un primer vistazo ya podemos extraer dos conclusiones:

• La luz que sale del objetivo y que proyecta la imagen hacia el sensor es menos intensa que la fuente original, consecuencia de la cantidad de área luminosa recogida, efectos de transmisibilidad a través de las lentes y el número de elementos que tenga el objetivo.
• La imagen que se proyecta está invertida en los ejes horizontal y vertical. Un fenónemo básico de la óptica como consecuencia del paso de la luz a través de las lentes, y que no sirve de nada corregir ópticamente pues se corrige digitalmente en la cámara sin problema.

Y una vez conocemos todo el recorrido que hace la luz dentro de nuestra cámara, vamos a lo interesante: pongamos un sensor debajo.

Una imagen lo explica todo

Simulando tener un sensor, he dibujado sobre el papel anterior dos rectángulos con exactamente las mismas medidas de un sensor FullFrame y un sensor APS-C, que como sabrás, es más pequeño. Ambos están centrados en el punto medio del círculo de proyección siempre, con lo que cada uno se verían exactamente como los ves en la imagen. Huelga decir que todo lo comentado aquí con estos dos tamaños es extrapolable a otros tamaños aún más pequeños de sensor, como el 4/3 de Olympus y Panasonic o los de menos de una pulgada como los móviles, y también a tamaños de sensor más grandes, como el formato medio.

Pero centrémonos en esta foto. ¿Te empiezas a dar cuenta de alguna cosa ahora? Uno ocupa una superficie rectangular cuyas esquinas llegan casi al final del círculo de proyección, mientras que el otro sólo ocupa una zona menor más en el centro. ¿Será esto la causa de todo?

Misma imagen proyectada, distintas superficies recogidas

Simplemente con propósitos ilustrativos para que sea más intuitivo, voy a darle la vuelta a la imagen para que podáis ver que son exactamente iguales las zonas que ven los sensores y las fotos finales. De este modo, esta es la situación que nos queda y que, recuerda, es lo que ocurre sobre el sensor de nuestra cámara.

Dado que el sensor de imagen transforma en señales digitales la información de la luz que incide sobre su superficie, ¿qué podemos decir sobre cómo será la foto final si nuestro sensor es como el rectángulo grande (sensor FF) o el rectángulo pequeño (sensor APS-C)?

¡Efectivamente, ya lo tienes! Ves claramente cómo el sensor más pequeño recoge un cuadro más cerrado, acercándose más al sujeto. En cuanto al cuadro se refiere, es como si hubiésemos “hecho zoom”, ¿verdad? Hablando correctamente, esto es lo mismo que decir que es como si hubiésemos usado una distancia focal mayor. En el caso de este recorte, es como si hubiésemos usado una distancia focal x1,5 veces mayor. Un 75mm en vez de un 50mm, por ejemplo.

Consecuencias: Viñeteo, nitidez y aberraciones

Vamos a entender ahora, de manera tan visual como antes, conceptos que seguro que has oído antes pero no te habían explicado por qué pasaban.

• El viñeteo, ese ligero oscurecimiento que ocurre en las esquinas de la imagen especialmente a diafragmas muy abiertos, es consecuencia de que, al abrir el diafragma, la zona de transición entre luz y oscuridad que observas en el borde del círculo de proyección se extiende, llegando a afectar a las esquinas del sensor FF. En cambio, si tenemos el mismo objetivo pero un sensor APS-C, las esquinas del sensor estarán muy lejos de esta zona de transición, por lo que no verá viñeteo prácticamente ninguno.
• Al analizar la calidad de un objetivo, siempre se estudia la nitidez y calidad de imagen en el centro y despuésen las esquinas, ¿verdad? Esto es por un principio parecido al anterior. En el centro del círculo, el objetivo aporta su máxima calidad, pero a medida que nos acercamos a los bordes del círculo, la nitidez, aberraciones y artefactos empeoran inevitablemente. Pero solo el sensor FF llega hasta el borde del círculo de un objetivo para FF. Por eso habrás oído alguna vez que, aunque tengas una cámara con sensor APS-C, es buena idea comprar un objetivo para FullFrame, porque así captarás en todo tu cuadro zona de buena calidad. Luego os hablaré más sobre esto.

Consecuencias que NO tiene: profundidad de campo, perspectiva…

Aquí hay que dejar una cosa clara y es muy importante, porque la afirmación de que “un 50mm en APS-C es igual que un 75mm en FullFrame” no es cierta. Al menos no totalmente. El motivo es que objetivos de distintas distancias focales proyectan imágenes muy distintas en cuanto a perspectiva (compresión de planos) y el tamaño de la zona enfocada, es decir, la profundidad de campo. Es decir:

• El objetivo define cómo es la imagen que se proyecta sobre el sensor, y el tamaño de sensor sólo define qué superficie de esta imagen capta.

Por lo tanto, lo correcto es decir que “un 50mm en una cámara APS-C ve un cuadro igual al de un 75mm en FullFrame”, pero la profundidad de campo y la perspectiva no serán iguales en dos cámaras APS-C y FullFrame que monten un mismo objetivo (y con igual diafragma, claro). El sensor más pequeño, simplemente, hará un recorte de lo que ve el mayor.

Por qué un objetivo APS-C no vale para sensor FullFrame

Hasta ahora hemos estado estudiando el caso de un objetivo diseñado para cámaras analógicas de 35mm o para FullFrame que se monta en una cámara digital con distintos tamaños de sensor. Pero la aparición de sensores más pequeños, al exigir menor zona de proyección, motivó la aparición de una nueva gama de objetivos diseñados para estos sensores APS-C (o m4/3) que eran más pequeños, manejables y baratos, pero que, al contrario de lo que hemos visto hasta ahora, no pueden ser montados en sensores FF. O, mejor dicho, se puede asumiendo un efecto colateral. Y viendo la imagen a continuación seguro que sabes ya cuál es:

• Efectivamente, para la proyección estoy usando ahora un objetivo especial para cámara APS-C, y puedes ver cómo es ahora el recuadro pequeño el que llega casi hasta el final del círculo. Y el recuadro mayor, el que representa al sensor FF, tiene ahora sus esquinas más allá del círculo de proyección, teniendo zonas donde no llega la luz. Por lo tanto, comprobamos cómo la foto que obtiene este sensor de fotograma completo es la que ves a continuación. Podríamos llamarlo un viñeteo extremo, que hay quien usa como recurso artístico:

¡Ah! Y lo prometido es deuda: los libros que me ayudan como soporte en estas demostraciones son Cien Años de Soledad, de García Márquez; Los Pilares de la Tierra, de Ken Follet; El Universo en tu Mano, de Christophe Galfard. Todos ellos os los recomiendo.