Una imagen con colores que combinan y contrastan bien entre sí tiene el poder de atraer nuestra mirada. ¿Pero cómo sabemos qué colores funcionan bien juntos y generan ese contraste que buscamos? ¡En el artículo de hoy te lo contamos!

Los Contrastes en Fotografía

¿Cuántas veces hemos oído que los polos opuestos se atraen? Esto no solo ocurre en una relación, sino que también podemos aplicarlo al arte en general. Cuando jugamos con conceptos que son opuestos, como por ejemplo algo viejo y algo nuevo, tenemos la oportunidad de encontrar temas fotográficos interesantes.

Uno de los contrastes fotográficos más usados y simples en fotografía es el uso del blanco y negro. Ya te contábamos en la guía de blanco y negro que trabajando en monocromático tenemos la capacidad de centrarnos en los componentes que destacan de la imagen, como por ejemplo la iluminación de la toma, la expresión de un sujeto o las texturas de la misma.

Otro de los componentes que solemos pasar por alto a menudo, y que es tan importante como los demás para reforzar el sentido de una fotografía, es el color.

El Poder del Color en Fotografía

Aunque no seas consciente de ello, cuando coges tu cámara y estás buscando el encuadre perfecto para tu toma, uno de los elementos determinantes que hará que escojas un encuadre u otro será el color.

Una toma puede tener colores vibrantes y llamativos, o colores más sutiles y apagados.

Independientemente de cuáles sean los colores que aparezcan en nuestra toma, el color presente en una fotografía puede ser un poderoso aliado a la hora de transmitir historias, emociones, sensaciones y estados de ánimo.

¿Cómo Saber Qué Contrastes de Color Funcionan?

Cuando hablamos de contraste de color en fotografía estamos tratando un tipo de contraste más complejo que el blanco y negro. Podemos decir que el color se divide en dos grandes grupos: los colores fríos (violeta, morado, azul y verde) y los colores cálidos (amarillo, naranja, rojo y rosa).

Si nuestro propósito es lograr que en nuestra fotografía haya contraste de color, debemos saber que hay diferentes formas de lograrlo:

• Combinado un color frío con un color cálido.
• Cuando utilizamos colores complementarios, es decir, cuando combinamos colores que se encuentran en los extremos opuestos del círculo cromático, para de este modo añadir interés y contraste a tus fotografías.
• Cuando sobre un fondo neutro, aparece un elemento con un color vibrante.

La rosa roja sobre un fondo neutro destaca y crea contraste.

Una de las razones por las que emplear colores complementarios funciona bien en fotografía es porque el color complementario en realidad es una mezcla de los otros dos colores primarios. Así pues, cada color primario tiene un color complementario que es una mezcla de los otros dos colores primarios. Como esto parece un trabalenguas, veámoslo mejor en la rueda cromática.

Los colores complementarios tradicionales son:

• Rojo y Verde. El rojo es un colo primario y su complementario es el verde. Ese verde, si nos fijamos, es la mezcla resultante del color azul y el color amarillo, que son los otros dos colores primarios junto con el rojo.
• Amarillo y Morado. El amarillo es un color primario y el morado es el complementario. Ese morado es el resultado de la mezcla de rojo y azul, que son los otros dos colores primarios junto con el amarillo.
• Azul y Naranja. El azul es un color primario y el naranja el complementario. Ese naranja es el resultado de la mezcla de rojo y amarillo, que son los otros dos colores primarios junto con el azul.

¿Observando la rueda cromática se entiende mejor, no?

Fíjate en cómo contrastan el violeta de las flores con el amarillo del fondo.

Cuando se producen contrastes de color de este tipo nuestra imagen gana atractivo visual. Por supuesto, no funciona igual de bien en todos los casos, pero puede acentuar mucho el centro de interés de una fotografía.

Aunque ojo. Para lograr un buen contraste de color en nuestra toma es aconsejable seguir el lema menos es más. Cuantos menos colores haya en la imagen, más dramático y efectivo será dicho contraste.

Aunque es un ejemplo básico, en la imagen de la izquierda al haber tantos colores no sabemos cuál es el importante, mientras que en la imagen de la derecha al jugar solo con el blanco y el rojo, el elemento rojo capta directamente nuestra atención.

Además, otro punto que aumentará el contraste de color de nuestra fotografía es la saturación de los colores. A mayor saturación, mayor contraste de color tendremos.

La imagen de la derecha al tener los colores más saturados, crea un mayor contraste de color.

Lugares en los que Encontrar Contrastes de Color

Encontrar contrastes de color es más sencillo de lo que puede parecer. Sí, la mayoría de veces tendremos exceso de colores en el encuadre y no sabremos cómo acotar y elegir el contraste de color para nuestra fotografía. Es por ello que a continuación vamos a darte unas cuantas ideas de cómo hacerlo.

En la Naturaleza

La naturaleza como siempre es una buena fuente de inspiración para encontrar colores que contrastan bien. Por ejemplo, puedes encontrar buenos contrastes de color en las flores, o incluso en las frutas y verduras. Piensa en un pimiento rojo, y en cómo éste combina a la perfección con el tallo de color verde.

Si observamos el ejemplo visual del pimiento, nos daremos cuenta de que los colores complementarios rojo y verde nos ayudarán a conseguir un mayor contraste visual que si utilizamos tonos muy similares como es el caso de la imagen de la izquierda.

En la Ciudad

Hay muchos rincones en un pueblo o una ciudad que te brindarán contrastes de color muy atractivos. Piensa en un mercadillo. En él encontrarás muchos puestos en los que puedes descubrir multitud de colores que contrasten entre sí.

También por ejemplo puedes encontrar fondos con colores que te gusten en las paredes de un edificio, o en el grafiti de un muro, y colocar a tu sujeto delante de ellos con ropa cuyo color contraste con el tono del fondo.

Crea tus propios contrastes de color

¿Qué pasa si no encontramos un contraste de color de forma natural? Pues que siempre podemos crearlo nosotros. Por ejemplo, si se trata de un retrato, dependiendo del color del fondo que escojas, ya sea en interior o en exterior, siempre puedes aconsejarle a tu modelo para que use vestuario de un color concreto.

Fíjate como en la imagen de la derecha, al llevar el modelo una sudadera de un color elegido a conciencia, contrasta mucho más con el fondo y dirige a la perfección la mirada del espectador hacia el protagonista.

Otro ejemplo sencillo es el de fotografía de producto. En estos casos podemos usar el fondo que queramos, y escoger uno que tenga el color que mejor contraste con el el color que tiene el producto. Como te comentábamos en este otro artículo, las láminas de goma eva suelen ser un buen fondo y puedes adquirirlas del color que desees.

Análisis de 5 Ejemplos Visuales

Como ya sabes que para complementar cualquier explicación y acabar de entenderla lo mejor es analizar unos cuantos ejemplos visuales, en esta ocasión no iba a ser menos. Veamos unos cuantos ejemplos de fotografías con contraste de color.

Ejemplo 1

En esta primera fotografía el contraste de color está muy marcado. Se juega con el azul claro del fondo y el azul oscuro de los pantalones, con el amarillo de las botas, que son las auténticas protagonistas de la imagen.

Aunque el color complementario del azul sea el naranja, si volvemos otra vez a comprobar la rueda cromática de colores observaremos que el amarillo se encuentra muy próximo al naranja, y que por tanto esta combinación de colores también funcionará para crear contraste de color en nuestra toma.

Ejemplo 2

En esta otra imagen estamos combinando colores cálidos con colores fríos, y el resultado es estupendo. En esta fotografía los colores no están tan saturados como en el ejemplo anterior, así que el contraste es un poco inferior en ese sentido. Pero aun así, al combinar colores fríos con colores cálidos conseguimos el perseguido contraste de color.

Ejemplo 3

En este tercer ejemplo la saturación vuelve a cobrar sentido, y en este caso sí que se juega con un color primario (el rojo) y su complementario (el verde). Comprobamos que la combinación funciona de lujo, que nuestro ojo se dirige directamente al elemento protagonista de la toma: el bicho.

Ejemplo 4

Otro ejemplo de combinación de color primario (amarillo) y color complementario (morado). El contraste cuando realizamos este tipo de combinaciones, como ves, está asegurado, y si jugamos un poco con la saturación la fuerza de ese contraste aun adquiere mayor potencial.

Ejemplo 5

Y por último no queríamos dejar de destacar uno de los contrates más bonitos que encontrarás. Como ya sabes, existen horas mágicas respecto a la luz natural de la que disponemos: la hora dorada y la hora azul. Estas se producen durante la salida y la puesta de sol.

Pues bien, la hora azul se caracteriza por el color azul intenso que adquiere el cielo, justo cuando se ha escondido el sol. Esta luz dura muy poco tiempo, y es cuando suelen encender las luces de la ciudad. El contraste del color azul del cielo, con el naranja de las luces artificiales de la ciudad queda precioso, y es una de las mejores combinaciones de colores que encontrarás en fotografía.

¡Atrévete a Jugar con el Color!

Jugar con el contraste de color en tus fotografías sin duda te ayudará a lograr imágenes más impactantes y atractivas. Pero está claro que tendrás que estar atento y explotar tu capacidad de observación. No es lo mismo ver ejemplos escogidos concienzudamente para la ocasión, que ver y jugar con esos contraste de color en el campo de acción. Así que planteate un nuevo reto, y anímate a buscar contrastes de color en tu próxima sesión fotográfica.

Asistir a un viaje fotográfico organizado es una excelente manera de desarrollar tu fotografía aprendiendo de un fotógrafo profesional en un destino que siempre has soñado visitar. Pero para que sea una experiencia positiva debes investigar un poco antes de reservar. Con la afluencia de fotógrafos y operadores turísticos que ofrecen recorridos relacionados con la fotografía, la línea entre una buena y una mala experiencia puede ser muy fina.

Así que por eso en este artículo queremos darte las claves para que sepas si te compensaría o no contratar uno, cómo elegir el que más te conviene y establecer unas expectativas realistas sobre lo que esperar de un viaje como este.

Viajes Fotográficos Organizados: ¿Merecen la Pena?

Cada año aparecen más y más ofertas de viajes fotográficos organizados, también conocidos como tours fotográficos, que nos permiten poder disfrutar de nuestra pasión en destinos idílicos. Contratar uno de estos viajes puede ofrecerte una experiencia increíble, con múltiples ventajas:

1. Viajes increíbles sin preocupaciones: En estos viajes tú solo debes preocuparte de tu cámara y de disfrutar a tope fotografiando todo lo que veas. Olvidarte de buscar transporte, alojamiento o de organizar las rutas y paradas te dará una tranquilidad increíble.
2. No te perderás ningún sitio clave: Tampoco deberás preocuparte de investigar qué lugares son los mejores, ni dónde están, ni cómo llegar a ellos. Incluso a veces no deberás preocuparte ni de buscar el propio encuadre de la foto, pues los organizadores ya te llevarán exactamente al punto clave de cada lugar.
3. Consejos de un fotógrafo profesional en todo momento: Lo mejor de los viajes fotográficos organizados es que siempre tendrás un fotógrafo profesional a tu disposición que te ayudará y te explicará lo que necesites en todo momento.
4. Conocerás a gente aficionada a la fotografía: Estos viajes también son una gran oportunidad para conocer otras personas con tu misma afición y tal vez incluso hacer amigos para toda la vida. Si algunos son de tu zona, ¿quién sabe si a partir de ese viaje puedes formar un grupo de fotógrafos con los que salir de excursión y organizar salidas fotográficas?

Sin embargo, como todo en la vida, los viajes fotográficos organizados también tienen ciertas desventajas. Sopesarlas será muy importante para que puedas decidir por ti mismo si vale la pena o no contratar este tipo de viajes. Los mayores inconvenientes de los tours fotográficos son:

1. Poca libertad: Una de las mayores desventajas de los viajes organizados es la poca libertad que tienes para poder explorar a tus anchas el lugar. Otro punto negativo es que al estar todo tan organizado, si algún día sale mal tiempo tampoco vas a poder reorganizar el viaje a tu gusto, deberás seguir lo que te indique la empresa organizadora.
2. Siempre habrá gente a tu alrededor: Otra de las mayores desventajas de este tipo de viajes es que nunca vas a estar solo, y esto puede afectar a tus fotografías. Quizás no puedas conseguir el encuadre que quieres porque sois un grupo grande o porque alguien se cuela en él. Por eso, normalmente estarás más limitado a la hora de disparar.
3. El tiempo: El tiempo siempre puede ser un aspecto negativo de este tipo de viajes. Si eres un fotógrafo experimentado, puede que en muchas ocasiones sientas que las paradas van muy lentas, o que ciertas explicaciones son innecesarias y estás perdiendo el tiempo. En cambio, si eres un fotógrafo principiante, puede que te ocurra todo lo contrario, que te parezca que todo va demasiado rápido y que no te dé tiempo a disparar la fotografía tal y como te hubiera gustado.
4. Fotografías clónicas: Lo que antes te comenté como ventaja, también puede ser un inconveniente. Sí, no deberás preocuparte por buscar lugares ni encuadres, pero eso significará también que tus fotos van a ser muy similares a les del resto del grupo. Por eso, aunque hagas "la típica foto", te recomiendo que si tienes la oportunidad te escapes un poco de la aglomeración del grupo para encontrar algún encuadre original.

Workshops y Viajes Fotográficos: ¿En Qué se Diferencian?

Es importante que no confundas un viaje fotográfico organizado con un workshop. Sí, ambos están organizados por fotógrafos profesionales para enseñarte, pero son muy diferentes.

Un workshop se centra en enseñarte a realizar un tipo de fotografía y el tour fotográfico se centra más bien en el recorrido del propio viaje. Sí, por supuesto que los organizadores del viaje te ayudarán en todo momento, pero el fin del viaje fotográfico organizado no es enseñarte a disparar ese tipo de fotografía sino llevarte a los lugares más fotogénicos en el mejor momento, sin que tú tengas que preocuparte por nada.

Si estás buscando una experiencia donde alguien que te guíe en todo momento, donde te expliquen con detenimiento la teoría y la práctica, e incluso el procesado de las tomas, entonces lo que necesitas es un workshop, no un viaje.

También existen combinaciones de ambos, viajes organizados que se centran mucho también en enseñar a los asistentes cómo realizar ciertos tipos de fotografía. Esto puede ser una ventaja o un inconveniente, dependiendo de tu experiencia. Si eres un fotógrafo principiante sin duda un viaje como este sería lo que necesitas. En cambio, para un fotógrafo más experimentado este viaje podría resultar tedioso y aburrido. Así que lo mejor será informarse y preguntar antes de contratar nada.

Por eso, a continuación vamos a ver los aspectos más importantes que deberías tener en cuenta a la hora de contratar un viaje fotográfico organizado.

7 Aspectos a Tener en Cuenta Antes de Contratar un Viaje Fotográfico Organizado

1. ¿Qué Experiencia tiene la Empresa Organizadora?

Lo principal antes de contratar un viaje fotográfico organizado es informarte sobre quién lo organiza. Huye de las empresas turísticas que solo buscan aprovechar el filón del auge fotográfico y opta mejor por fotógrafos profesionales que ofrecen viajes mucho más focalizados en aprender, y no solo en disparar "la típica foto de turno" en cada localización.

También puede ser interesante reservar tours fotográficos con operadores locales, ya que al moverse en su entorno es mucho más probable que conozcan lugares secretos e historias interesantes que harán la experiencia mucho más enriquecedora. Además estarán mejor preparados ante cualquier imprevisto que pueda surgir.

Finalmente, asegúrate de que el fotógrafo ha organizado un viaje legal. ¿Qué quiero decir con esto? Me refiero a que con el auge de los viajes fotográficos organizados, muchos fotógrafos "se han subido al carro" y organizan viajes para ganar algo de dinero extra. Sin embargo estos viajes no se declaran como una actividad laboral por su parte, sino más bien como "un viaje de amigos". Puede que te dé igual si cotizan o no en la Seguridad Social, pero eso también significará que no hay un seguro de responsabilidad civil que cubra cualquier tipo de accidente o imprevisto que pueda ocurrir en el viaje. Y eso sí es algo que debería preocuparte mucho.

2. ¿Qué se Incluye en el Precio?

Algo que también es importante conocer es qué está exactamente incluido en el precio. Hay tours fotográficos con precios muy atractivos que luego empiezan a subir como la espuma cuando nos damos cuenta de todo lo que no incluyen: desplazamientos, vuelos, entradas, alojamiento, comidas, impuestos... Todo esto puede encarecer sustancialmente el precio final del viaje, sobre todo en destinos caros, por lo que será importante informarse bien de todo lo que se incluye y no se incluye en el precio anunciado.

Los viajes más caros no siempre serán los mejores, pero no te dejes engañar por un precio demasiado bajo. Normalmente, cuando una oferta es increíble es que realmente no te la puedes creer. Lo más normal es que esconda algo en la "letra pequeña". ¡Que no te la cuelen!

3. ¿Cuán Grande es el Grupo?

Otro factor importante a tener en cuenta antes de reservar un viaje fotográfico es el tamaño del grupo. Normalmente, cuanto más grande sea el grupo menos satisfactoria será la experiencia.

Es cierto que en grupos grandes generalmente hay más de un fotógrafo que guíe y ayude a los asistentes, pero aun así piensa que en todos los lugares donde intentes hacer fotos tendrás a toda esa gente a tu alrededor.

Imagínate lo complicado que puede ser encuadrar alguna fotografía con otros 25 fotógrafos agolpados intentando realizar la misma fotografía que tú. Seguro que más de uno se te cuela en medio de vez en cuando, y probablemente la multitud te limite a la hora de intentar ser más original y buscar encuadres diferentes.

Así pues, lo recomendable es optar por viajes con grupos reducidos. Un grupo de más de 10 personas ya puede llegar a ser excesivo en ciertos lugares.

4. ¿Qué Nivel se Recomienda Tener?

Un aspecto importante a tener en cuenta que solemos olvidar es si el viaje requiere tener un nivel mínimo de conocimientos fotográficos. Como te comentaba antes, un viaje fotográfico no es un workshop en el que el profesor vaya a estar constantemente guiándonos en el proceso. Nos podrá ayudar, aconsejar y resolver alguna duda, pero no podrá estar explicándonos paso a paso cómo realizar las fotografías.

Así pues, si quieres tener una experiencia totalmente satisfactoria, asegúrate de que tienes los conocimientos necesarios para realizar el viaje sin problemas. Si crees que aún eres demasiado principiante, infórmate sobre viajes fotográficos de nivel básico, donde el profesor no solo te llevará a los lugares más idílicos para conseguir la fotografía soñada, sino que además te explicará paso a paso cómo hacerla.

De la misma manera, puede ocurrirte el caso contrario: ser un fotógrafo experimentado y contratar por error un viaje fotográfico más básico donde el resto de los asistentes sepan mucho menos que tú. Puede que en ese caso te encuentres con situaciones en las que te parezca que estás perdiendo el tiempo escuchando explicaciones que ya conoces de sobra.

Por eso será importante informarse bien del nivel del viaje para contratar uno que se adapte a nuestros conocimientos.

5. ¿Se Requiere Algún Equipo Específico?

También será indispensable informarte sobre el equipo necesario para realizar el viaje fotográfico de manera óptima. Esto no significa que no vayas a poder conseguir fotografías geniales igualmente aunque no cuentes con él, pero sí te perderás parte de la experiencia.

Por eso será mejor que te asegures de si se recomienda llevar trípode, algún filtro o algún objetivo en particular, como por ejemplo un gran angular o un teleobjetivo. Si no dispones de una cámara réflex o EVIL, también será interesante que consultes si puedes acudir con una cámara más básica como una compacta o una bridge. Sería una pena contratar un viaje que no puedas aprovechar al 100%.

6. Consulta las Opiniones de Gente

Sin duda algo que también te va a ayudar mucho a decantarte por un viaje u otro es consultar las opiniones y reviews de gente que ya ha acudido a ese mismo viaje en otras ocasiones. Será una buena forma de conocer sus experiencias y te darán una idea aproximada de qué esperar.

No te fíes solo de las opiniones que muestre la empresa organizadora en su página web. Normalmente solo muestran las mejores opiniones para atraer más clientes. Busca también en Google Reviews, Tripadvisor o en su página de Facebook para poder ver también opiniones negativas, si las hay. Así podrás saber si realmente sus viajes son tan satisfactorios como dicen o si esas opiniones positivas son tan solo una fachada.

7. Ten unas Expectativas Realistas

Finalmente, es importante que tus expectativas sobre el viaje sean realistas. Puede que hayas visto decenas de fotografías increíbles en la página de la empresa organizadora del viaje, pero es muy improbable que todas ellas hayan sido tomadas durante un mismo viaje. Lo normal es que sean el resultado de varios años de trabajo. Piensa que para ilustrar la oferta de viajes fotográficos organizados, la empresa escoge las mejores fotografías de la totalidad de viajes que han realizado.

Pero lo normal es que en un solo viaje no seas capaz de conseguir un "fotón" en todas y cada una de las localizaciones a las que acudirás. El clima es impredecible, así que es prácticamente imposible que todos los amaneceres y atardeceres del viaje sean preciosos, que no salga ningún día feo o lluvioso, o que aparezcan auroras boreales cada noche. Especialmente con tanto tiempo de antelación, no hay garantías de que vayas a tener unas condiciones excelentes durante todo el viaje.

Por otra parte, también debes fijarte en qué época del año vas a ir al lugar, y en qué época del año han sido tomadas las fotografías que estás mirando como referencia. Un bosque precioso y anaranjado no va a estar así de bonito en verano, al igual que un campo de lavanda no va a estar florecido en invierno. Así pues, asegúrate de que las imágenes que se están usando para ilustrar el recorrido del viaje se corresponden con la misma época del año en la que vas a ir tú. Sería una pena llevarte un chasco al llegar a la localización de tus sueños.

¡Viaja y Fotografía Sin Preocupaciones!

Los viajes fotográficos organizados son una grandísima opción para conseguir fotografías increíbles sin preocuparte por el recorrido y siempre contando con el asesoramiento de un fotógrafo profesional. Pero eso sí, no se pueden contratar a la ligera, sobre todo hoy en día que, al haberse puesto tan de moda, muchas empresas turísticas que nada tienen que ver con la fotografía se han intentado "subir al carro". Al igual que muchos fotógrafos no profesionales que intentan sacarse un dinero extra sin tener ni idea de cómo organizar un viaje de este tipo, o cómo actuar en el caso de que aparezca algún imprevisto.

Mejor opta siempre por viajes organizados por fotógrafos profesionales con experiencia en este tipo de viajes y con buenas referencias por parte de sus clientes. Espero que con las pautas y consejos que te hemos dado en este artículo puedas encontrar el viaje que mejor se ajuste a tus expectativas para vivir realmente una experiencia inigualable.

¿Y tú? ¿Alguna vez has ido a un viaje fotográfico organizado? ¡Cuéntanos tu experiencia en los comentarios!

Ya te contábamos hace un tiempo la importancia de conseguir una exposición correcta en tus fotografías. Pero muchas veces no la conseguimos en el momento del disparo. A veces por un despiste a la hora de configurar los parámetros, sí, pero muchas otras simplemente porque el rango dinámico de nuestra cámara no nos permite exponer bien las luces y las sombras de una foto con grandes contrastes.

Para poder corregir fácilmente la exposición y el contraste de nuestras fotos Photoshop posee dos herramientas clave: los ajustes de Curvas y Niveles. En este artículo vamos a ver en profundidad cómo utilizar ambos.

Mejor en Capas de Ajuste

Lo primero que debes saber de estos ajustes (curvas y niveles) y de los otros ajustes de corrección de color como brillo/contraste, tono/saturación, intensidad, etc., es que es mucho más recomendable usarlos en forma de capas de ajuste en lugar de usar los ajustes que encontramos directamente en el menú Imagen/Ajustes.

¿Por qué? Pues porque el ajuste se quedará en una capa aparte y esto nos proporciona diversas ventajas:

• Capacidad de agregar cualquier ajuste de forma no destructiva, ya que no se aplica directamente a la propia fotografía.
• Posibilidad de deshacer el ajuste ocultando o eliminando la capa de ajuste.
• Control de la intensidad del ajuste a través de la opacidad de la capa.
• Control del modo de acción del ajuste a través del modo de fusión de la capa.
• Posibilidad de acotar la zona de acción del ajuste de forma sencilla a través de la máscara de capa asociada a la capa de ajuste.
• Capacidad para variar el ajuste en cualquier momento a través de las opciones del ajuste.

Como ves, no son pocas las razones por las que emplear capas de ajuste y no ajustes directamente.

Puedes añadir una capa de ajuste a tu fotografía a través del menú Capa/Nueva capa de ajuste, o bien a través del icono de capas de ajuste que se muestra en la parte inferior de la ventana de capas.

Una vez creada la capa de ajuste, podrás acceder, como se muestra en la imagen de abajo, a los valores del ajuste seleccionado (pulsando el icono en forma de círculo blanco y negro) y también a la máscara de capa asociada al ajuste. Si haces doble click en la máscara también se te abrirán las propiedades de ésta para modificar su desvanecimiento y su densidad.

Recuerda que las máscaras de capa ocultan parte de la capa cuando pintamos en color negro sobre ellas, y la muestran cuando pintamos en blanco. Toda la gama de grises dejará ver más o menos ese trozo de capa, dependiendo de lo oscuro o claro que sea el gris.

Lo bueno de estos paneles de configuración tanto de la propia capa de ajuste como de su máscara es que pueden modificarse en cualquier momento, por lo que el ajuste no se aplicará de manera destructiva, sino que puede ser alterado e incluso eliminado cuando quieras.

Capa de Ajuste de Niveles: ¿Cómo Funciona?

Para crear una capa de ajuste de Niveles tenemos dos opciones: a través del icono de la parte inferior de la ventana de capas , o bien a través del menú Capa/Nueva capa de ajuste/Niveles. Por cualquiera de los dos caminos se nos creará una nueva capa en nuestra imagen, que se desplegará en un panel como éste:

Vamos a ver todo lo que podemos encontrar en ella, por orden:

1. Ajustes preestablecidos: En este primer desplegable encontramos una serie de ajustes que podemos aplicar automáticamente.
2. Canales: El segundo desplegable aparece configurado por defecto en RGB, que nos servirá para trabajar sobre los tres canales (rojo, verde y azul) a la vez. Pero si lo desplegamos podremos trabajar sobre cada uno de los tres canales por separado (luego veremos cómo).
3. Automático: Con este botón, como su propio nombre indica, se aplicará automáticamente el ajuste de niveles sobre la foto. Como cualquier proceso automático, no siempre acertará por lo que te recomendamos que lo hagas manualmente, ya que la exposición de una fotografía es algo muy personal.
4. Histograma: A continuación encontramos el histograma de la fotografía. Recuerda, la parte de la izquierda representa las sombras, la del medio los medios tonos y la de la derecha las altas luces. Los bordes izquierdo y derecho representan el negro y el blanco puros respectivamente.
5. Deslizadores de acción: Los triángulos de debajo del histograma y las casillas numéricas a las que van asociados son los que nos van a permitir modificar de manera manual este ajuste. El triángulo de la izquierda representa el punto negro, el del medio el punto del gris medio y el derecho el punto blanco. Moviéndolos a través del histograma definiremos qué tonos de la fotografía queremos que se correspondan con estos 3 puntos clave, y el resto de tonos se amoldarán a estos.
   • Si pulsas la tecla Alt mientras mueves estos triángulos la imagen se mostrará con un código de colores, para ayudarte a determinar si estás quemando los blancos o si estás perdiendo información en los negros. También te ayudarán a ver cómo está distribuido el rango tonal de tu fotografía.
6. Cuentagotas: A mano izquierda encontrarás 3 cuentagotas, uno para los negros, otro para los medios tonos y otro para los blancos. Sirven para definir sobre qué tono de la fotografía quieres situar cada uno de los 3 triángulos del histograma, en vez de moverlos directamente.
7. Niveles de salida: Si no te interesa llegar al blanco o al negro absolutos puedes modificar los niveles de salida. La primera casilla se corresponde al negro y la segunda al blanco. 0 y 255 corresponden al negro y blanco puros respectivamente. Si aumentas la salida del negro o reduces la del blanco conseguirás que estos tonos no sean negro y blanco absolutos. Puedes hacerlo a través de los triángulos del último deslizador o numéricamente en las casillas a las que van asociados.

Aplicando una Capa de Ajuste de Niveles: Un Ejemplo Práctico

A continuación vamos a ver cómo aplicar esta capa de ajuste sobre una fotografía de ejemplo. Lo primero que tienes que decidir es qué quieres conseguir. En este caso me gustaría aumentar ligeramente la exposición general de la fotografía, descontrastarla y conseguir que los negros no sean tan oscuros.

Así pues, he modificado la capa de ajuste de niveles de la siguiente manera:

1. He movido el triángulo de los medios tonos hacia la izquierda para aumentar la exposición general de la fotografía.
2. He aumentado el nivel de salida de los negros para aclarar las sombras.
3. He movido el triángulo de los negros hacia la derecha para darle un poco de contraste, porque había perdido demasiado al aumentar el nivel de salida de los negros.
4. He movido el triángulo de los blancos hacia la izquierda para aclarar las altas luces.
5. Y finalmente he reducido el nivel de salida de los blancos para que no se quemaran las altas luces.

Capa de Ajuste de Niveles: Trabajar sobre un solo Canal

Ahora vamos a ver cómo trabajar sobre un solo canal. Así como cuando trabajamos sobre los 3 canales RGB lo que modificamos es la exposición y el contraste de nuestra fotografía, cuando trabajamos sobre un solo canal vamos a modificar los colores.

Lo primero que debes recordar es la tabla de colores primarios y complementarios del modelo de color RGB:

En el ajuste de niveles, cuando aumentamos el nivel de estos colores estaremos sumando más de ese color primario y si lo reducimos estaremos agregando más de su color complementario.

Dependiendo del triángulo que muevas, el de la izquierda, el del centro o el de la derecha, estarás afectando a estos colores en la zona de las sombras, de los medios tonos o de las altas luces de la fotografía respectivamente.

Vamos a verlo rápidamente con un ejemplo práctico. En esta fotografía lo que me gustaría hacer es eliminar esa dominante magenta/rojiza. Así pues, tendré que añadir a la fotografía más de los colores contrarios a estos dos, es decir, voy a tener que añadir verde y cian.

Así pues, primero me he ido al canal rojo y he movido los triángulos de sombras y de medios tonos hacia la derecha, y el de la salida de blancos hacia la izquierda, para añadir más cian a la fotografía en todos sus tonos.

Después me he ido al canal verde y he hecho lo contrario, ya que en este caso no quería añadir su complementario (como en el caso del rojo) sino añadir más de ese color primario. Así pues, he movido los triángulos de los medios tonos y de las altas luces hacia la izquierda, y el de la salida de los negros hacia la derecha, para agregar verde.

Como ves, los colores de la fotografía han cambiado completamente, eliminando totalmente esa dominante magenta/rojiza que teníamos al principio.

Capa de Ajuste de Curvas: ¿Cómo Funciona?

Ahora nos vamos con la capa de ajuste de curvas. Como verás su funcionamiento es muy similar a la de niveles, por eso te he querido hablar de las dos a la vez.

Ajustes de Niveles y Curvas en Photoshop

Para agregar una capa de ajuste de curvas lo haremos de la misma manera que lo hemos hecho antes, desde el menú Capa/Nueva capa de ajuste/Curvas o desde el icono rápido que encontramos debajo de la ventana de capas.

Con cualquiera de los dos caminos se nos agregará este ajuste de curvas en una nueva capa y se desplegará el siguiente panel:

Vamos a ver todo lo que podemos encontrar en ella, por orden:

1. Ajustes preestablecidos: En este primer desplegable encontramos, al igual que en el ajuste de niveles, una serie de ajustes que podemos aplicar automáticamente.
2. Canales: El segundo desplegable aparece configurado por defecto en RGB, que nos servirá para trabajar sobre los tres canales (rojo, verde y azul) a la vez. Pero si lo desplegamos podremos elegir cada uno de los tres canales por separado, al igual que hemos visto antes con el ajuste de niveles.
3. Automático: Con este botón, como su propio nombre indica, se aplicará automáticamente el ajuste de curvas sobre la foto. Como cualquier proceso automático, no siempre acertará por lo que te recomendamos que lo hagas manualmente.
4. Histograma: A continuación encontramos el histograma de la fotografía, pero algo diferente al que encontrábamos en el ajuste de niveles. Aquí está distribuido en un cuadrado cruzado por una línea diagonal. La esquina inferior izquierda representa las sombras, la zona del medio los medios tonos y la esquina superior derecha, las altas luces. Los puntos inferior izquierdo y superior derecho representan el negro y el blanco puros respectivamente.
5. Línea diagonal del histograma: La línea diagonal es la clave de este ajuste de curvas. Si la elevas por encima del nivel por defecto aclararás la exposición y si la bajas la oscurecerás. Cuando pulsas sobre ella se crea un punto de inflexión, y puedes crear cuantos quieras. Con ellos podrás subir y bajar la línea en cada zona a tu antojo, para trabajar las sombras, los medios tonos y las altas luces por separado. Si la bajas en las sombras y la subes en las altas luces, contrastarás la imagen. Si lo haces al contrario, subiendo la curva en las sombras y bajándola en las altas luces, la descontrastarás.
6. Modificador manual de la curva: A la izquierda del histograma encontrarás varios iconos. El primero de ellos es un dedo con unas flechas , que sirve para modificar la curva de la diagonal de una manera muy intuitiva. Simplemente deberás pinchar con el ratón sobre cualquiera de los tonos de la fotografía y arrastrar hacia arriba o hacia abajo para aclararlo u oscurecerlo respectivamente. Así la curva se irá modificando automáticamente a la vez que tú arrastras este icono por la fotografía.
7. Cuentagotas: También encontrarás los mismos 3 cuentagotas que encontrábamos en el ajuste de niveles. Sirven para definir el nivel de los negros, de los medios tonos y de los blancos respectivamente.
8. Lápiz: También encontrarás un icono de un lápiz que sirve para dibujar la curva a mano alzada sobre el histograma, en vez de ir haciendo puntos sobre la diagonal. Para volver a hacer puntos, pulsa de nuevo el icono de la curva con puntos .
9. Suavizar curva: Debajo de estos iconos encontrarás uno más , que sirve para suavizar los valores de la curva, es decir, para hacer la curva menos pronunciada de manera gradual.
10. Niveles de salida: Debajo del histograma encontrarás dos triángulos asociados a dos casillas. Al igual que con el ajuste de niveles, se trata de los niveles de salida de los negros y los blancos respectivamente. Si no te interesa llegar al blanco o al negro absolutos puedes modificarlos a tu gusto, tanto deslizando los triángulos como escribiendo directamente el número que prefieras en las casillas.

Aplicando una Capa de Ajuste de Curvas: Un ejemplo práctico

Vamos ahora a ver un ejemplo práctico con esta fotografía. Lo que quiero conseguir es descontrastarla un poco y conseguir que los negros no sean tan oscuros, para ganar matices en las sombras.

Así pues, he hecho lo siguiente:

1. Primero he creado un par de puntos en la diagonal de la curva para subirla en las sombras y bajarla en las altas luces, consiguiendo así descontrastar un poco en general toda la imagen.
2. Después he cogido el punto inferior izquierdo, el correspondiente a los negros, y lo he subido ligeramente para aclarar los negros.
3. Finalmente he desplazado hacia la izquierda el punto superior derecho, el correspondiente a los blancos, para aclarar un poco los blancos porque se habían quedado algo apagados al descontrastar la imagen.

Capa de Ajuste de Curvas: Trabajar sobre un solo Canal

Al igual que hemos visto antes con el ajuste de niveles, en el ajuste de curvas también vamos a poder trabajar sobre un solo canal para modificar los colores.

Consigue Amaneceres y Atardeceres Anaranjados con la Herramienta Curvas

Si aumentamos la diagonal agregaremos más de ese color primario y si la bajamos estaremos agregando más de su color complementario. Dependiendo de si subes la curva en la zona de la sombras, los medios tonos o las altas luces, ese color se aplicará tan solo en esa zona.

Vamos a ver un ejemplo rápido. En esta fotografía me gustaría conseguir tonos algo más cálidos, para potenciar el atardecer.

Así pues, he modificado las curvas de la siguiente manera:

1. He ido al canal rojo y lo he aumentado en las altas luces, pero lo he bajado en la zona de las sombras para no contaminar la carretera y la hierba con rojo. Así, las zonas más oscuras han adquirido un ligero tono cian, que es el complementario del rojo.
2. Luego he ido al canal azul y lo he bajado bastante en la zona de las altas luces y los medios tonos claros, para sumar amarillo al atardecer, ya que el amarillo es el complementario del azul. Con este ajuste, todas las zonas más claras se han teñido de tonos dorados de atardecer.
3. Finalmente he subido la curva del azul en las sombras, para que las zonas más oscuras de la foto quedaran ligeramente azuladas en vez de tan amarillentas, y conseguir un contraste de color más vistoso.

Usando la Máscara de la Capa de Ajuste

Lo bueno de las capas de ajuste es que directamente vienen asociadas a una máscara de capa, lo que hace que podamos ser mucho más precisos a la hora de corregir tanto la exposición y contraste como los colores de nuestra fotografía.

Así pues, podemos pintar en negro sobre esa máscara las zonas donde no queramos que el ajuste afecte. Esto sobre todo nos va a venir bien cuando queramos corregir la exposición en fotografías con grandes contrastes lumínicos.

Por ejemplo, mira esta fotografía.

Nos interesa ganar más exposición en toda la zona del suelo, pero no queremos afectar al cielo con este ajuste, sino lo acabaremos quemando. Así que lo ideal será pintar de negro en la máscara toda la zona del cielo, para afectar tan solo al suelo. Recuerda usar un pincel difuso o un degradado de negro a blanco, para que el corte de la máscara sea suave y no sea perceptible a simple vista.

Variando el Modo de Fusión de la Capa de Ajuste

Tanto si aplicamos una capa de ajuste de niveles como de curvas, si mantenemos el modo de fusión en el valor Normal estaremos actuando sobre la luminancia y el color de la imagen. Pero en determinadas ocasiones puede no interesarte variar el contraste del color y solo buscar lograr una mejora en la luminosidad del mismo.

Por ese motivo, mi recomendación es que cuando trabajes con capas de ajuste para variar la exposición y el contraste de la imagen, pruebes entre los modos de fusión Normal y Luminosidad y te quedes con el resultado que más te agrade.

Como puedes ver en la imagen, el modo de fusión normal puede originar, en determinadas ocasiones, colores excesivamente saturados, cuando a lo mejor te interesa actuar solo sobre la luminosidad.

Recuerda que los modos de fusión de capas pueden darte mucho juego en la edición de tus fotografías.

¿Algo Que Añadir?

¿Crees que me he dejado algo en este completo repaso de las capas de ajuste de niveles y curvas? Si es así, no dudes en completar el artículo a través de tus comentarios.

Y ya sabes, ahora te toca a ti. Es tu turno para poner en práctica lo aprendido, consultar tus dudas, compartir tus experiencias o exponer tus recomendaciones.

Hace unos días te hablé sobre los diferentes tipos de bracketing u horquillado que existen. Ya sabes, el de exposición, el de enfoque, el de balance de blancos y el de flash.

El caso es que, aparte del ya conocido bracketing de exposición, o simplemente bracketing, el otro tipo de horquillado que más interés despertó fue el de enfoque, por eso hoy voy a enseñarte cómo utilizar el bracketing de enfoque para estirar al máximo la profundidad de campo de tus fotografías macro, ¿quieres descubrirlo?Lo primero que voy a hacer va a ser echaros un cable a todos aquellos que no habéis leído el artículo Tipos de Bracketing: No Sólo Existe El de Exposición y os voy a recordar en qué consistía el horquillado de enfoque. A pesar de ello, os recomiendo que os leáis el artículo, así conoceréis los distintos tipos de bracketing que existen.

¿En Qué Consiste El Bracketing de Enfoque?

El bracketing u horquillado de enfoque es una técnica que consiste en realizar distintas tomas de una misma escena en las que se va modificando el punto de enfoque, es decir, en las que se va cambiando la sección nítida de la misma.

¿No recuerdas muy bien el concepto de enfoque? Pues en este artículo va a ser fundamental conocer las formas de enfocar, en qué consiste ópticamente el enfoque, o la relación que existe entre el plano de enfoque y un término denominado profundidad de campo.

Por eso, si no lo tienes claro, o quieres refrescarlo, te recomiendo que revises tus conocimientos sobre el enfoque con el artículo El Enfoque: Decide Sobre Qué Llamar La Atención En Tu Foto [AHMF31 día 17].

Bien, Ya Sé Lo Que Es. Pero, ¿Para Qué Vale?

Como todas las técnicas de bracketing, el primer objetivo de realizar distintas tomas de una misma escena variando un único parámetro, en este caso el plano de enfoque, es dar al fotógrafo la posibilidad de quedarse, posteriormente, con aquella que más le guste.

El segundo objetivo consiste en utilizar las distintas tomas realizadas para "fusionarlas" en una única fotografía, en la que puedan aparecer nítidos y correctamente enfocados todos los elementos que lo hacían, por separado, en cada una de las tomas.

¿Y Por Qué Es Tan Importante En Fotografía Macro?

Lo cierto, es que para lograr una mayor profundidad de campo, como consecuencia de la "suma" de las profundidades de campo de cada una de las tomas, es perfectamente aplicable a cualquier tipo de fotografía, no sólo puede resultar útil para macro.

Sin embargo, si repasas tus apuntes sobre la profundidad de campo, verás que, en función de los tres parámetros de que depende: apertura del diafragma, longitud focal y distancia de enfoque, hace que la profundidad de campo que se logra en fotografía macro suela ser muy reducida.

Por esto es especialmente interesante el uso de esta técnica en este tipo de fotografías. Porque así puedes tener la posibilidad de incrementar el valor de la profundidad de campo, valor que generalmente suele ser muy reducido.

¿Y Qué Necesito Para Lograr esa "Fusión" de Imágenes?

Bien, si tras realizar las distintas tomas variando el enfoque, optas por el segundo de los objetivos de la técnica de los que hemos hablado, ya sabes, el de fusionar todas las tomas para "estirar" la profundidad de campo de tus fotos, entonces necesitas tener algún programa que te permita llevar a cabo esta fusión, ¿no?

La verdad es que existen varias alternativas en el mercado. Como recordarás, en el artículo en que tratamos los tipos de bracketing, ya te hablamos sobre Adobe Photoshop, Helicon Focus, Zerene Stacker, o CombineZM. Pero seguro que no son las únicas, sino que existe otro buen puñado de aplicaciones con las que también podrás conseguirlo.

¿Quieres Probar? ¡Sigue Estos Pasos, Es Muy Sencillo!

No pensarías que iba a acabar el artículo sin mostrarte algún ejemplo del magnífico resultado que puede ofrecerte esta técnica, ¿verdad?

Pues, efectivamente, y, además, no sólo te voy a enseñar el resultado, sino que te voy a describir, con pelos y señales, cómo puedes conseguirlo tú mismo. Sigue los siguientes pasos.

Trabajo de Campo

1. Prepara tu equipo y no olvides tu objetivo, si es posible, macro, o bien las lentes de aproximación o tubos de extensión (en su defecto). Tampoco debes olvidar el trípode y un disparador remoto que evite transmitir las vibraciones que se producen al "apretar el gatillo" de tu cámara.

2. Identifica la imagen que quieres captar, coloca tu cámara en el trípode, habilita el modo de enfoque manual y realiza distintas tomas de la escena variando el plano de enfoque, mediante el anillo de enfoque del objetivo de tu cámara. Aquí es importante que pienses con que apertura de diafragma vas a trabar. Cuanto menor sea el número f (es decir, más abierto esté el diafragma), más fotografías necesitarás captar para recoger toda la escena enfocada, mientras que conforme vayas subiendo un poco la f (es decir, más cerrado esté diafragma) te darás cuenta de que el número de fotos para aplicar este técnica y obtener buenos resultados no es tan elevado.

Quiero que observes que en cada una de las tomas la sección nítida o enfocada es distinta. En nuestro caso, para este ejemplo hemos trabajado con una apertura de diafragma de f/5.6, y las tomas totales que hemos hecho han sido 28. En la foto de arriba hemos puesto algunas de las que tienen un foco más claro.

3. Una vez que has acabado con el trabajo de campo, nos toca ajustar algunos valores de las tomas como la temperatura o la exposición, si fuera necesario. Lo siguiente será elegir el programa con el que vamos a fusionar las imágenes. Nosotros hemos probado con Helicon Focus y Adobe Photoshop.

Bracketing de Enfoque con Helicon Focus

Puedes descargar el programa Helicon Focus desde este enlace. Tendrás una prueba gratuita de 30 días para probarlo y comprobar que se adapta a lo que necesitas.

1. Arranca el programa, haz clic en Archivo > Abrir Imágenes y selecciona todas aquellas tomas de una misma escena en las que has variado el plano de enfoque. En mi caso, he seleccionado las 28 fotografías de las que te he hablado antes, en las que las zonas de enfoque son suficientemente variadas. El número mínimo de fotografías recomendable es 3.

Tras indicar las tomas que deseas fusionar y darle a Abrir, verás una ventana en la que aparece una de las fotos seleccionadas, y otra ventana en la que aparece toda la lista de las imágenes que hemos captado y que van a formar parte de nuestra toma final.

2. Tras haber abierto las fotos, lo siguiente es llevar a cabo la fusión. Para ello, sólo tienes que elegir uno de los modos de renderización que nos propone el programa (Método a: promedio ponderado, Método B: mapa de profundidad o Método C: pirámide), y darle al botón de Renderizar. Hecho esto, podrás ir viendo en la ventana principal cómo va trabajando la aplicación con tus fotos y, cuando el proceso haya terminado, podrás observar el resultado en la ventana principal.

3. Como te decía, la aplicación tiene multitud de opciones para variar la forma en que hace la fusión, pero entiendo que no es el momento de entrar en detalle. Por tanto, si estás contento con el resultado que has obtenido, guarda la imagen haciendo clic en Archivo > Guardar. De lo contrario puedes probar con los otros métodos que te ofrece el programa.

Si aún así el resultado no es de tu agrado, prueba a incluir más o menos tomas. En ocasiones, si al programa se le da mucha o poca información, puede no funcionar bien.

4. Por último, me gustaría indicarte, con respecto al resultado que te ofrece Helicon Focus, que la aplicación suele tener problemas al tratar los bordes de la imagen.

Puede mostrarlos excesivamente borrosos, o incluso duplicar alguno de los elementos cercanos a los bordes, como ves en la imagen superior. Es por ello, que puede resultar apropiado recortarlos un poco con una aplicación de retoque.

Como puedes ver en esta última imagen, sobre todo si la comparas con las cuatro tomas iniciales, gracias a la técnica del bracketing de enfoque y la fusión en Helicon Focus, hemos logrado una amplia profundidad de campo.

Bracketing de Enfoque con Adobe Photoshop

Si eres amante de Photoshop, he de decirte que también puedes practicar esta técnica con él. Los pasos son muy sencillos:

1. Abrimos el programa, y a continuación abrimos una de las imágenes que componen nuestra secuencia de fotos para lograr un buen resultado final.

2. Seleccionamos el resto de fotos que conforman la secuencia, y las arrastramos a la misma ventana en la que hemos abierto la otra. Este proceso puede ser más o menos lento dependiendo también de las características de tu equipo. Cada vez que se abra una foto Photoshop te pedirá confirmación. Si tienes muchas fotos, como en nuestro caso que eran 28, el proceso puede ser un poco lento, pero los resultados merecen la pena.

3. Ahora que ya tenemos todas nuestras fotos en Photoshop, seleccionaremos todas las capas, le daremos al botón derecho del ratón, y seleccionaremos Rasterizar Capas. 

4. Nuestro siguiente paso será seleccionar todas las capas, y a continuación ir al menú de Photoshop Edición/Alinear capas automáticamente,  y aceptaremos. Aquí también puede que tengamos que esperar unos minutos hasta que el programa trabaje todas las capas.

5. Una vez hecho, volveremos al menú y esta vez seleccionaremos Edición/Fusionar capas automáticamente.  Con esto lo que hará el programa es coger la parte válida (en este caso la parte enfocada) de cada una de las fotos para que componga la imagen final, y lo hará mediante máscaras.

6. Y ya tenemos el resultado. Puede que observes algún error en el resultado final, pero esto puede solucionarse acudiendo a la capa que contiene la información correcta y comprobando que la máscara que tiene aplicada es adecuada o tenemos que añadir o quitar zonas. 

Como ves, optes por el programa que optes, no se trata de un proceso complicado, sino más bien mecánico. Quizás es un poco laborioso, pero nada difícil. Entonces, ¿a qué esperas para dominar esta técnica y extender la profundidad de campo de tus tomas hasta el infinito?

Foto de cabecera por Gabriel González (Licencia CC)

Siempre que hablamos de fotografía de paisaje nocturna, también conocida como nightscape photography, solemos decirte que huyas de la contaminación lumínica. No solo de la que producen las ciudades, sino también de la que produce la luna, ya que su intenso brillo enmascara muchas de las estrellas del cielo y nos impide verlo (y fotografiarlo) en su máximo esplendor.

Sin embargo, la luz que refleja la luna no siempre va a ser un problema, sino que en muchas ocasiones nos va a venir muy bien. ¿Quieres saber cómo usar la luz de la luna en tu favor?

¿Por Qué Siempre Huimos de la Luna en Fotografía Nocturna?

Cuando queremos fotografiar el cielo nocturno siempre solemos huir de la luna. Uno de los principales consejos para fotografiar estrellas es precisamente salir en noches con la luna en fase nueva (o casi nueva), o cuando la luna está en fase menguante o creciente y todavía no ha salido, o se ha escondido pronto.

Esto es porque la luna refleja la luz del sol muchísimo más de lo que vemos a simple vista y solo nos damos cuenta cuando captamos toda esa luz con nuestra cámara. Cuando la luna está en fase llena (o casi llena) y se sitúa bien alta en el cielo, la luz que refleja eclipsa la gran mayoría de las estrellas que podemos fotografiar cuando está escondida.

Y para muestra, un botón. Esta es una fotografía de la vía láctea justo antes de que la luna salga por el horizonte.

Ese brillo naranja que se percibe en el centro de la toma es la luna empezando a salir. Como ves, pude captar la vía láctea con todo lujo de detalles, gracias a la poca contaminación lumínica que había en el ambiente.

Pero fíjate ahora en esta otra fotografía, tomada un rato después, cuando la luna ya había salido completamente por el horizonte.

La vía láctea ya empieza a desdibujarse a causa de la contaminación lumínica que produce la luna, ya no se notan tanto sus formas y se pierden muchas estrellas en el cielo.

Y tienes que tener en cuenta que esa luna, pese a que en las fotografías parezca que está llena por el brillo que emite, en realidad estaba bastante menguada. Y también hay que tener en cuenta que justo acababa de salir; cuando sube a lo alto del cielo todavía eclipsa más las estrellas.

Así luce una luna llena en pleno cielo nocturno.

Como ves, si no fuera por la constelación de Orión y 4 estrellas más que brillan lo suficiente como para sobresalir, parecería que es una fotografía hecha de día. La luna brilla tanto que hasta nos ha producido un pequeño flare en la lente.

Es por esto precisamente por lo que siempre se recomienda salir a fotografiar el cielo nocturno cuando la luna está muy menguada o cuando está escondida (es decir, antes de que salga por el horizonte o después de que se haya puesto). Con la luna fuera, las estrellas que podemos conseguir captar son mínimas, sobre todo cuando está en fase llena.

¿Qué Nos Puede Aportar la Luz de la Luna en Fotografía de Paisaje?

Y, entonces, si la luz que refleja la luna oculta casi todas las estrellas del cielo nocturno, ¿por qué querríamos fotografiar de noche cuando la luna está fuera y bien alta en el cielo? ¿Qué ganamos?

Si te fijas bien en las fotografías que acabamos de ver, encontrarás la respuesta. Solo hemos analizado el cielo, y hemos visto claramente que cuanto más llena y alta está la luna, menos estrellas podemos captar. ¿Pero y qué me dices del suelo? Gracias a la luz de la luna conseguimos captar el suelo con todo lujo de detalles. Y esa es la gran ventaja que nos ofrece fotografiar de noche a la luz de la luna: iluminar el paisaje nocturno.

Si has fotografiado alguna vez por la noche, con poca contaminación lumínica, te habrás dado cuenta de que el paisaje queda completamente oscuro. Muchas veces solo podemos capturar su silueta y, si conseguimos captar algún detalle, normalmente es muy sutil y está lleno de ruido.

Pero gracias a la luz de la luna podemos conseguir fotografías de paisaje nocturnas totalmente iluminadas y muy atractivas.

Sí, perdemos la grandiosidad del cielo nocturno, pero a cambio ganamos otras cosas. Podemos captar completamente el paisaje, sus tonalidades e incluso sus texturas. Algo impensable si la luna está escondida.

Incluso aunque intentes iluminar con lightpainting el paisaje, las linternas (o flashes) tienen un límite. Nunca podrán iluminar por completo un paisaje grande o una montaña lejana.

Y, además, la iluminación que produce la luna queda mucho más natural y homogénea que una iluminación hecha con lightpainting.

Así que, sin duda, si tu intención es captar la grandiosidad de un paisaje nocturno y no solo del cielo, fotografiar bajo la luz de la luna puede ser tu mejor opción.

Un Poco de Inspiración

Ahora que ya has visto las ventajas de salir a fotografiar en noches con luna, te dejo unas cuántas fotografías que espero que te sirvan de inspiración y motivación.

1. Yosemite Valley

Con estas fotografías podemos ver claramente otro ejemplo del mismo lugar fotografiado sin luna y con ella. Obviamente el cielo es más espectacular en la fotografía sin luna, el fotógrafo incluso ha conseguido captar el fenómeno conocido como airglow o luminiscencia nocturna.

Pero, a cambio, pierde casi por completo todo ese paraje montañoso tan impresionante que sí podemos apreciar perfectamente en la otra fotografía realizada en una noche con luna.

2. En la Cumbre

Así como en las fotografías nocturnas de estrellas el absoluto protagonista de la captura es el cielo, en este tipo de fotografías nocturnas a la luz de la luna el protagonista debe ser el paisaje. Si centras el protagonismo en el cielo, no obtendrás resultados satisfactorios. Olvídate de que estás fotografiando el cielo nocturno; lo que estás fotografiando es un paisaje nocturno, un nightscape.

Eso es lo que ha hecho el autor de esta fotografía, se ha centrado en la composición para captar la grandiosidad del paisaje e incluso le ha dado protagonismo a la vegetación del primer término, que pasaría totalmente desapercibida si no estuviera iluminada por la luna.

3. Arcoíris Nocturno

La luz de la luna nos ayuda a iluminar paisajes enormes, que de otra manera no podríamos iluminar por la noche. E, incluso, puede llegar a producir arcoíris si es lo suficientemente potente, como es el caso de esta fotografía. Increíble, ¿verdad?

4. Startrails a la Luz de la Luna

Que la luz de la luna eclipse las estrellas no significa que no podamos darle un toque de interés al cielo nocturno. Muchos fotógrafos optan por "adornar" el cielo creando un bonito startrails.

Imagina esta fotografía con todo el paisaje oscuro, el startrails no tendría ni la mitad de gracia. Sería simplemente una silueta de montañas negras con un cielo interesante. Pero gracias a la luz de la luna obtenemos un precioso paisaje nocturno y, además, un cielo atractivo. ¿Qué más se puede pedir?

5. Northern Lights

Otra opción para tratar de otorgarle más interés a nuestro nightscape es buscar reflejos en el agua. Gracias a la luz de la luna, podremos captarlos con todo lujo de detalles. Con todo el paisaje a oscuras no conseguiríamos captar un reflejo interesante de las montañas, tan solo de las estrellas más brillantes.

En esta fotografía, además, vemos una increíble aurora boreal surcando el cielo nocturno (y su reflejo en el lago). Aunque la luz de la luna haga que no podamos fotografiarla en todo su esplendor, sin duda el paisaje iluminado compensa con creces que la aurora se capte de forma más leve.

6. Abandoned Ship

La luz de la luna no solo nos sirve para iluminar paisajes, sino cualquier elemento al que queramos sacarle un buen detalle aunque sea de noche.

En esta fotografía vemos como, pese a tener un cielo nocturno más bien soso a causa de la contaminación lumínica que produce la luna, el autor ha conseguido captar todos los detalles y las texturas de este barco abandonado.

¿Se podría haber iluminado con linternas usando lightpainting? Sí, aunque la iluminación no hubiera quedado tan natural y homogénea como en esta fotografía. Además, normalmente a un barco varado no se puede acceder, así que la iluminación hubiera venido desde abajo, haciéndola todavía menos natural, y probablemente no hubieran llegado a iluminarse bien las partes más altas y alejadas del barco.

Un Ejemplo Práctico

Y para terminar, quería mostrarte un ejemplo práctico, el de la fotografía de portada de este artículo.

11 mm. - 20 seg. - f/2.8 - ISO 1600

Esta cala es una de mis calas favoritas, Cala Canyet, por la pasarela de piedra que une toda la zona de rocas que se adentra en el mar. Sin embargo, cuando intenté fotografiarla por la noche, toda esta pasarela de piedra se perdía entre las sombras. Aunque sí es cierto que podía conseguir un cielo más espectacular con la luna escondida, la parte que más me atraía de este paisaje pasaba totalmente desapercibida.

Intenté aclarar un poco las sombras en la edición, para ganar algo de detalle en el paisaje, pero cuanto más las aclaraba más ruido ganaba la fotografía. Así que al final todo el paisaje quedó mucho más oscuro de lo que me hubiera gustado.

Así que decidí volver otro día con la luna fuera, ¡y la estampa era totalmente diferente!

11 mm. - 30 seg. - f/2.8 - ISO 400

Si bien es cierto que no pude captar muchas estrellas en el cielo, la luna me ayudó a iluminar todo el paisaje. Ahora sí se podía ver perfectamente toda la pasarela de piedra entre las rocas, y algo todavía mejor que ni siquiera me había planteado: el color del agua del mar.

El mar de la Costa Brava siempre me ha atraído mucho por sus tonalidades turquesas, pero claro esos colores solo se ven a plena luz del día. Por la noche se apagan totalmente y el agua se ve muy oscura. Pero con la luz de la luna sí conseguí capturar todas esas tonalidades que tanto me encantan del mar, y eso fue un plus increíble para la fotografía.

Por otra parte, el cielo, al igual que el agua del mar, también se ilumina y muestra un precioso color azul, que se pierde en las noches sin luna. Si te fijas en la primera fotografía, el cielo queda mucho más negro. Es cierto que mucha gente trata de azularlo usando un balance de blancos frío, pero esto es un error ya que se estropean las tonalidades naturales del cielo nocturno y de la vía láctea, tal y como te contábamos en el artículo "Aprendiendo de los Errores: Cómo Mejoré la Edición de esta Vía Láctea de 2017".

Además, esa noche había algunas nubes que me ayudaron a conseguir un cielo más atractivo, ya que las estrellas que podía captar eran más bien pocas. Al disparar una larga exposición conseguí que crearan una bonita traza, y gracias a la luz de la luna se iluminaron de un blanco intenso y quedaron muy bonitas también.

Así que, como ves, en este caso la luz de la luna me ayudó a conseguir una fotografía nocturna mucho más bonita y atractiva.

¿Te Animas a Fotografiar Bajo la Luz de la Luna?

Ya has visto que no siempre es recomendable huir de la luna cuando salimos a practicar la fotografía nocturna. Todo dependerá de lo que estemos buscando.

Si lo que buscas es conseguir una fotografía increíble del cielo nocturno, sin duda sí, deberás evitar la luz de la luna. Pero si, en cambio, estás tratando de captar un gran paisaje nocturno, la luz de la luna te ayudará a iluminarlo y a transmitir su grandiosidad con todo lujo de detalles.

¿Y tú? ¿Te animas a fotografiar a la luz de la luna?

Seguro que has oído muchas veces la expresión "Fine Art" para referirse a ciertos tipos de fotografía, pero quizás no sepas exactamente lo que es. Al contrario de lo que se suele pensar, el fine art no es una técnica de retoque fotográfico sino un estilo fotográfico en sí. Si quieres conseguir fotografías de estilo fine art, no vale solo con retocarlas. El disparo e incluso la preparación de la propia sesión serán clave también.

En este artículo definiremos exactamente lo que se conoce como "fotografía fine art" y veremos mediante un ejemplo práctico todos los pasos que deberás seguir para conseguirla. ¡No te lo pierdas!

¿Qué Es la Fotografía Fine Art?

La fotografía fine art es una corriente artística que utiliza la fotografía para expresar la visión del fotógrafo. Esto significa que en este tipo de fotografía se va a priorizar la estética sobre la realidad. Es decir, va a primar mostrar exactamente lo que el fotógrafo tenía en mente cuando ideó la fotografía, independientemente de que la realidad en el momento del disparo no reflejara exactamente eso.

Esto podría englobar cualquier tipo de visión artística fotográfica pero, de un tiempo a esta parte, la expresión "fine art" ha pasado a definir un estilo de fotografía y de retoque fotográfico muy concretos. Se busca la espectacularidad y la perfección de la toma usando el retoque digital, independientemente de que no refleje exactamente la realidad que había en el momento del disparo. También se intentan conseguir paletas de color con contrastes de colores muy impactantes, pese a que quizás estos colores no formen parte de la realidad.

Sobre todo este estilo se usa mucho en paisajes espectaculares y en retratos. Aunque muchos de los consejos que vamos a ver en este artículo se pueden aplicar igualmente a una fotografía de paisaje, hoy vamos a centrarnos sobre todo en los retratos fine art. ¿Cómo suele ser un retrato de estilo fine art?

• Las fotografías suelen tener una escasísima profundidad de campo, para destacar al máximo a la persona retratada.
• En muchas ocasiones se muestra a la persona de cuerpo completo y se dispara a ras de suelo para acentuar más aún esa escasa profundidad de campo.
• Se suele potenciar la nitidez de la cara del modelo para destacarlo todavía más del fondo.
• Este tipo de fotografías suelen estar realizadas siempre en un enclave natural, con una iluminación suave y difusa.
• Se utiliza el retoque fotográfico para clonar el fondo de manera que toda la persona esté rodeada de un paisaje idílico, muy equilibrado y usualmente simétrico.
• Se suele cambiar el cielo para obtener cielos de atardecer de ensueño, aunque no lo hubiera en el momento del disparo.
• El retoque fotográfico se centra en conseguir la perfección de la persona retratada: pieles libres de impurezas, poses y ropas perfectas, etc.
• Se alteran los colores de la fotografía al gusto de la visión del fotógrafo, llegando incluso a usar colores que no están comúnmente en la naturaleza sin que eso importe en absoluto, ya que se prioriza la estética por encima de "la realidad". Se suele jugar con colores complementarios para crear un mayor contraste y llamar la atención sobre el sujeto.
• El aspecto final de la fotografía es muy onírico y hasta con un toque fantástico.

Retrato de Estilo Fine Art

Este estilo fotográfico se ha puesto muy de moda en los últimos años, sobre todo con la popularización de redes como Facebook e Instagram. Y mucha gente, al ver estas fotografías, se pregunta cómo conseguirlas. Así que en este artículo te vamos a enseñar paso a paso cómo conseguir una fotografía de retrato con estilo fine art, desde el disparo hasta el procesado, usando un ejemplo práctico.

Primer Paso: Elige Bien la Localización y el Vestuario

En el fine art no solo vale el retoque, es un estilo fotográfico que hay que pensar bien desde el principio de la fotografía. Y no, el principio de la fotografía no es el disparo sino el momento en el que empiezas a planear la sesión.

Como te comentaba, en este tipo de fotografías se busca una estética muy onírica e incluso fantástica, así que el vestuario y la localización deben ir acorde con estos principios.

En nuestro caso, decidimos vestir a la modelo con una falda vaporosa de estilo fantástico y una corona de flores a juego. Respecto a la localización, decidimos ir a un bosque cercano buscando ese enclave natural típico de este estilo fotográfico.

Momento del Disparo

Ahora sí llegamos al momento del disparo. Aunque en este tipo de fotografías el retoque es muy importante, debemos tener una buena fotografía como base si queremos conseguir que quede bien.

Equipo Fotográfico

Respecto al equipo fotográfico, no importa realmente qué cámara utilices aunque sí es cierto que las cámaras full frame te ayudarán a conseguir una menor profundidad de campo. Pero en realidad, para este cometido lo más importante va a ser elegir el objetivo adecuado.

Lo ideal para este tipo de fotografías es usar un teleobjetivo luminoso, a ser posible de focal fija, que suelen ser más luminosos todavía. Pero claro, estos objetivos no son precisamente baratos. Así que si no cuentas con este tipo de objetivo, siempre puedes usar dos alternativas mucho más económicas:

• Objetivos de focal fija no tan largos, como por ejemplo un 50 mm. f/1.8 o f/1.4: con ellos perderemos la posibilidad de reducir la profundidad de campo gracias a una distancia focal larga, pero sí ganaremos una gran apertura de diafragma, que nos ayudará a reducir bastante la profundidad de campo.
• Teleobjetivos no tan luminosos, como por ejemplo un 70-300 f/5.6-6.3: con ellos perderemos la posibilidad de reducir la profundidad de campo gracias a una gran apertura de diafragma, pero sí ganaremos una distancia focal larga, que nos ayudará a reducir bastante la profundidad de campo.

Está claro que lo ideal es contar con ambas cosas: una gran apertura de diafragma y una distancia focal larga, pero aunque no tengamos el equipo óptimo, si contamos con una de las dos cosas también vamos a poder conseguir grandes resultados.

Para nuestro ejemplo práctico nosotros hemos utilizado una Nikon D500 (APS-C) con el teleobjetivo Nikon 55-300 f/4.5-5.6 G. Hicimos pruebas también con el 50 mm. pero finalmente nos gustó más la profundidad que nos daba el 300 mm. al mostrar algo más de camino y desenfocar el primer plano.

Parámetros de la Cámara

Obviamente cada situación y cada fotografía van a ser diferentes, así que los parámetros de la cámara van a depender mucho de la luz que haya en el ambiente. Pero sí hay un parámetro que es necesario nombrar: la apertura de diafragma.

Como te decía antes, este tipo de fotografías se caracterizan por tener una profundidad de campo muy escasa y la apertura de diafragma influye directamente en ella. Así pues, lo ideal será que abras el diafragma al máximo y ya compenses el resto de parámetros siguiendo la ley de reciprocidad. Por supuesto, será importante que mantengas la ISO lo más baja posible, pero súbela sin miedo necesitas ganar algo más de exposición, porque sí va a ser importante que la velocidad de obturación sea lo suficientemente rápida como para que no se trepiden tus fotografías, sobre todo si estás utilizando un teleobjetivo.

En nuestro caso, los parámetros los situamos en:

• 1/200 seg.: Para que la fotografía no saliera trepidada, ya que estábamos disparando a 300 mm. a pulso (aunque busqué un punto de apoyo en el suelo).
• f/5.6: La apertura de diafragma máxima de mi objetivo a 300 mm.
• ISO 1000: Para exponer correctamente la fotografía, ya que estábamos en sombra y mi objetivo es bastante oscuro.

Encuadre

El encuadre es algo muy personal de cada fotógrafo, pero sí va a ser importante que sitúes a tu modelo bastante alejada del fondo si quieres que se desenfoque lo suficiente. Otro truco para acentuar más esa profundidad de campo escasa es buscar un caminito que haga de punto de fuga y te agaches para que se desenfoque también por delante, sobre todo si estás usando un teleobjetivo.

Si con tu equipo fotográfico no consigues desenfocar el fondo todo lo que quisieras, puedes optar por dos alternativas:

• Acercarte un poco más a tu persona retratada y no sacarla de cuerpo entero.
• Desenfocar el fondo más después en el procesado (luego veremos cómo).

En nuestro caso hemos preferido captar a nuestra modelo de cuerpo entero y a ras de suelo, porque el desenfoque que se creaba en el primer término era muy atractivo y dotaba a la fotografía de una gran profundidad.

Retoque Fotográfico Fine Art Paso a Paso

Y ahora ya llega la parte del retoque. Como te comentaba, el retoque es importante en este estilo fotográfico pero debemos partir de una toma adecuada si queremos que nuestra fotografía quede igual que todas esas fantásticas imágenes fine art que vemos en las redes.

Ahora vamos a ver el flujo de trabajo que se suele seguir para retocar una fotografía de retrato fine art. Por supuesto, cada fotógrafo tiene un orden diferente y es muy posible que no siempre tengas que realizar todos los pasos. Todo dependerá de cada fotografía.

Ten en cuenta que cada uno de estos pasos va a estar explicado de manera rápida, porque todos son técnicas y herramientas que perfectamente ocuparían un artículo entero para poder explicarlas paso a paso. Por eso, en cada uno de los apartados encontrarás un enlace al artículo específico que trata cada tema, que lo explica paso a paso y en profundidad. Así pues, si algún paso no te queda claro del todo, te recomiendo que le eches un vistazo al artículo enlazado en ese apartado en concreto.

1. Clona las Zonas que No te Gustan

Una vez tengamos revelada nuestra fotografía de manera básica, empieza el proceso de retoque exhaustivo para darle el toque final de estilo fine art.

Como te comentaba al principio de este artículo, en fotografía de retrato fine art se suele buscar mucho la perfección del entorno, mostrar ese entorno natural como algo idílico, equilibrado y simétrico. Así que muchos fotógrafos fine art lo que hacen es clonar varias de las zonas más bonitas del paisaje para cubrir otras zonas que les gustan menos. Como te comentaba, aquí prima la estética sobre la realidad, así que no tengas miedo a crear un paisaje inexistente y hasta algo fantástico, porque de eso se trata el fine art.

Para ello, usa las herramientas de clonado y corrección como el tampón de clonar, la herramienta parche o el pincel corrector. También puedes seleccionar alguna zona e ir al menú Edición/Rellenar/Según contenido. Este automatismo no siempre funciona bien, pero cuando lo hace queda genial. Y aunque no acabe de rellenar la zona perfectamente, a veces sí nos da una buena base para empezar y ya después con las herramientas de clonado y corrección podemos terminar de ajustar esa zona del todo.

En nuestro ejemplo hemos decidido cubrir algunas de las plantas menos atractivas y oscuras para que todo el entorno quedara más homogéneo. Para ello hemos usado la herramienta Rellenar según contenido y hemos mejorado otras zonas con Pincel corrector, la Herramienta parche y el Tampón de clonar con un pincel grande y difuso, y una opacidad media. Así conseguiremos que las zonas corregidas se integren mejor y no se note un pegote.

2. Cambia el Cielo si es Necesario

En este tipo de fotografías la realidad es lo de menos, así que si el cielo que había en el momento del disparo no te gusta o no refleja exactamente lo que tu visión fotográfica quería expresar, ¡cámbialo!

Este proceso es un poco más complejo, así que en vez de resumirte aquí cómo hacerlo, lo mejor es que si necesitas cambiar tu cielo te pases por nuestro artículo "La Guía Definitiva para Cambiar el Fondo de tus Fotografías con Photoshop" para que puedas ver todo el proceso paso a paso.

En nuestra fotografía de ejemplo no se ve el cielo, así que no vamos a poder aplicar este paso. Como te comentaba, no siempre necesitarás seguir todas las técnicas que te vamos a mostrar en este artículo. Cada fotografía es un mundo y necesitará un retoque diferente.

3. Desenfoca Más el Fondo si lo Necesitas

Es posible que hayas tenido problemas para desenfocar el fondo todo lo que querías, sobre todo si no dispones de un teleobjetivo luminoso o si la localización no contaba con fondos muy alejados. Si esto es algo que te disgusta de tu fotografía, siempre puedes acentuar ese desenfoque del fondo (y del primer plano también) agregando algún efecto de desenfoque.

Si quieres saber paso a paso cómo desenfocar el fondo y el primer plano de tus fotografías, échale un vistazo a nuestro artículo: "Cómo Desenfocar el Fondo de tus Fotografías con Photoshop".

En nuestro ejemplo el fondo sí ha quedado menos desenfocado de lo que nos hubiera gustado, principalmente por dos razones: no contábamos con un objetivo lo suficientemente luminoso como para abrir el diafragma de manera significativa y tampoco contábamos con un fondo muy alejado como para que se desenfocara tanto. Así que sí que hemos decidido usar esta técnica para ganar algo más de desenfoque tanto en el fondo como en el primer plano de la fotografía.

Para ello hemos duplicado la capa y hemos ido al menú Selección/Seleccionar sujeto y hemos mejorado esa selección con la Selección rápida y la herramienta Seleccionar y aplicar máscara. Después, con la selección de la modelo activa, hemos creado una máscara de capa con su forma para tenerla a ella en una capa aparte. Así, ya podemos aplicarle un desenfoque a la capa de fondo. El mejor desenfoque para simular una profundidad de campo escasa se encuentra en el menú Filtro/Galería de efectos Desenfocar/Cambio de inclinación.

Si al desenfocar el fondo aparece un aura alrededor de tu modelo, fruto del desenfoque de la modelo que también aparece en el fondo, ya te explicamos en el artículo que te comentaba antes cómo eliminarla: seleccionando a la modelo que aparece en el fondo y usando la herramienta Edición/Rellenar/Según contenido. Así la modelo tan solo estará en la capa aparte y el fondo quedará totalmente limpio, con lo cual al desenfocarlo no creará ese aura tan fea alrededor de la modelo.

4. Agrega un Primer Plano Desenfocado

Si conseguiste un primer plano desenfocado en el momento del disparo, estupendo. Pero si no lo conseguiste y te gustaría dotar a tu fotografía de una mayor profundidad, un recurso que se usa mucho en fotografía fine art es agregar algunas overlays de vegetación en el primer plano y después desenfocarlas desde el menú Filtro/Galería de efectos Desenfocar/Desenfoque de campo.

Si no sabes qué son la overlays, de dónde descargarlas o cómo agregarlas a tu fotografía, te recomiendo que te pases por nuestro artículo: "Qué Son las Overlays en Photoshop y Cómo Integrarlas Perfectamente".

En nuestra fotografía de ejemplo ya tenemos un primer plano algo desenfocado gracias al 300 mm., pero hemos decidido añadir algo más para que quede más enmarcada la imagen y tenga una mayor tridimensionalidad. Para ello, simplemente hemos usado una imagen PNG con fondo transparente de un árbol, le hemos aplicado el Filtro de camera raw para tratar de igualar su color con el de la fotografía. Después lo hemos desenfocado al gusto desde el menú Filtro/Galería de efectos Desenfocar/Desenfoque de campo.

A continuación, con la herramienta Transformación libre ya lo hemos girado, reescalado y colocado en una esquinita para que solo se viera la copa del árbol y simulara ser un arbusto cercano a la cámara. Después hemos duplicado la capa de este arbusto y lo hemos colocado de igual manera en la otra esquina de la foto, para crear una simetría más atractiva.

5. Mejora la Postura de tu Modelo con la Herramienta Licuar

La fotografía de retrato fine art busca una perfección casi fantástica tanto del entorno como de la propia modelo, así que es muy común usar la herramienta Licuar para modificar al gusto su postura, su silueta, su cabello, su ropa, etc.

Si quieres saber usar la herramienta Licuar a la perfección, pásate por nuestro artículo: "Hazte Un Maestro de la 'Cirugía Digital' Con la Herramienta Licuar de Photoshop". Incluso si necesitas cambiar la postura de tu modelo ligeramente, también podría venirte bien nuestro artículo "Cambia la Postura de tus Modelos Fácilmente con la Deformación de Posición Libre de Photoshop".

Volviendo a nuestro ejemplo, primero hemos usado el atajo de teclado Control + Shift + Alt + E para crear una capa nueva con toda la imagen unificada, para que los arbustos que hemos agregado en el paso anterior no se queden sueltos.

A continuación hemos ido al menú Filtro/Licuar para arreglar la falda de la modelo, que había quedado bastante deformada por las diferentes poses de la sesión. Así hemos conseguido que tenga una caída mucho más atractiva. Además, también hemos corregido algo la postura del brazo y del cuello de la modelo. Finalmente, le hemos dado algo más de volumen a su cabello, para dejarlo con una forma más bonita.

6. Mejora la Piel con la Separación de Frecuencias

Algo que también tienen absolutamente todas las fotografías de retrato fine art son pieles perfectas y libres de cualquier tipo de imperfección o impureza. Existen muchas técnicas para retocar y suavizar la piel, pero sin duda la que queda más natural y que suelen usar los profesionales es la separación de frecuencias. ¿Por qué? Pues porque esta técnica separa en dos capas distintas la textura y el color de la fotografía, para así poder retocar por una parte el color de la piel sin destrozar su textura y, por otra parte, quedarte con las texturas más atractivas y cubrir con ellas las texturas menos estéticas de la piel.

No es un proceso complicado pero sí algo tedioso, así que paciencia. Si quieres saber cómo usar la separación de frecuencias paso a paso, échale un vistazo a nuestro artículo "Cómo Mejorar la Piel con la Separación de Frecuencias en Photoshop". Y si estás buscando un acabado más fantástico de "piel de porcelana", te vendrá muy bien nuestro artículo: "Piel de Porcelana con el Pincel Mezclador de Photoshop".

En nuestro ejemplo, al tener a nuestra modelo algo lejos, tampoco hace falta retocar la piel demasiado exhaustivamente. Aun así, gracias a la separación de frecuencias hemos reducido un poco las ojeras y mejorado el tono de la piel para hacerlo algo más uniforme.

7. Potencia los Contrastes y las Altas Luces con el Mezclador de Canales

Para potenciar esa claridad que suelen tener los rostros en los retratos fine art vamos a aplicar un truquito que muy poca gente conoce.

Añadiremos una Capa de ajuste de Mezclador de canales y en el panel de configuración de la capa de ajuste, vamos a marcar la casilla Monocromo. No te preocupes por que la imagen se quede en blanco y negro, porque ahora la vamos a poner en Modo de fusión Luminosidad.

Juega con los 3 canales para conseguir un mayor contraste y destacar más la piel y los ojos de tu modelo. No hay unos parámetros exactos ya que cada fotografía es diferente, pero normalmente se suele bajar un poco el canal rojo, subir el verde y subir aún más el azul.

Ten en cuenta que si quieres mantener la misma exposición en la fotografía, los 3 canales deberán sumar un 100%. Abajo verás la suma total y te aparecerá un icono de peligro si te pasas, para avisarte. Con el deslizador de Constante puedes compensar un poco esa exposición si te has pasado y no quieres mover ninguno de los canales.

A continuación, con la capa de ajuste Mezclador de canales seleccionada, nos iremos al menú Imagen/Aplicar imagen. En el panel de configuración elegiremos el Canal Azul y en Modo pondremos Normal. Así se creará en la capa de ajuste una máscara con la información del canal azul, que es el canal que mayor contraste tiene y suele contener las altas luces de la imagen.

Como ves, con esta capa de ajuste hemos conseguido potenciar más los contrastes y las altas luces de la imagen, lo que hace destacar aún más a nuestra modelo. Si alguna zona ha quedado demasiado sobreexpuesta, como por ejemplo el cielo, siempre puedes usar un pincel grueso y difuso en color negro y pintar sobre la máscara de capa para que el efecto no afecte a esa zona.

En el caso de nuestra fotografía de ejemplo, las zonas del fondo iluminadas por el sol habían quedado demasiado sobreexpuestas, así que hemos pintado en negro sobre la máscara para recuperarlas.

8. Dale un Toque de Volumen Extra con la Técnica de Dodge & Burn

Para este tipo de fotografías también se suele usar mucho la técnica de Dodge & Burn, que consiste en realzar los volúmenes de la fotografía (e incluso crear volúmenes nuevos) acentuando las luces y oscureciendo las sombras. Aunque se puede realizar con diferentes herramientas de Photoshop, la técnica original se aplica con las herramientas Subexponer (Dodge) y Sobreexponer (Burn), de ahí su nombre.

Ya te explicamos paso a paso cómo aplicar esta técnica en retratos: "Cómo Hacer Dodge and Burn y Sacar Volumen en tus Retratos". E incluso también en paisajes: "Dodge & Burn: Úsala También en Paisajes".

En este caso, usando la técnica de dodge & burn le hemos dado algo más de volumen al rostro de nuestra modelo, a su cabello y, sobre todo, a la falda. Así conseguimos destacar todavía más a la modelo, que es lo que suele buscar este estilo fotográfico.

9. Agrega un Punto de Nitidez Final

Ya estamos a punto de terminar el retoque de nuestro retrato, así que llega la hora de darle los acabados finales. Es importante que para que la modelo destaque sobre un fondo tan desenfocado, su rostro tenga una buena nitidez. Y para ello lo mejor es darle un toque extra de nitidez con alguna de las herramientas de Photoshop. Ya vimos cómo conseguirlo usando diversas técnicas en nuestro artículo "5 Técnicas para Mejorar el Enfoque y la Nitidez en Photoshop y Lightroom".

En nuestro ejemplo, hemos duplicado la capa y hemos usado la herramienta Filtro/Enfocar/Enfoque suavizado para ganar algo de nitidez en el rostro de la modelo pero sin incrementar demasiado el ruido; siempre hay que ir jugando con estos dos factores para conseguir un buen resultado.

Después, para que este efecto de enfoque solo se aplicara al rostro de nuestra modelo y no incrementara sin sentido la nitidez del fondo desenfocado, hemos creado una máscara de capa en color negro y tan solo hemos pintado de blanco, con un pincel grueso y difuso, el rostro de nuestra modelo.

10. Juega con los Colores para Darle tu Propio Estilo

Y para acabar, falta darle a nuestra fotografía un toque de color. Esto es algo totalmente personal y es muy difícil dar unas pautas concretas a seguir, ya que cada fotógrafo tiene su propio estilo y existen muchísimas herramientas que podemos usar para modificar el color de nuestra fotografía al gusto, como por ejemplo:

• La Corrección selectiva, para modificar por separado el tono de cada uno de los colores primarios y complementarios.
• El ajuste de Tono/Saturación, para modificar el tono, la saturación y la luminosidad en general de toda la fotografía o de un color concreto.
• El ajuste de Equilibrio de Color, que le dará a la toma un virado de color, que puede ser diferente en los medios tonos, las altas luces y las sombras.
• La Herramienta Curvas, que nos permite modificar al gusto cada uno de los canales RGB para agregar más de ese color primario o, por el contrario, de su color complementario, en cualquier rango del histograma.
• Los filtros de Consulta de colores, para darle un toque de color y un acabado homogéneo a toda la toma.
• La capa de ajuste de Exposición, que nos permitirá lavar los negros y darle un aspecto más cinematográfico a la fotografía usando sus deslizadores de Desplazamiento y Gamma.
• O el Filtro de camera raw, para tener la mayoría de ajustes de corrección de color unidos dentro de una misma interfaz y poder aplicarlos de forma rápida y sencilla.

En el caso de nuestra fotografía de ejemplo, en primer lugar hemos usado la Corrección selectiva para cambiar los tonos verdes y amarillentos del fondo por unos tonos más turquesas. Después, con una capa de ajuste de Tono/Saturación hemos modificado los rojos para que destacaran mucho más y contrastaran con el turquesa del fondo. A continuación, hemos usado los filtros de Consulta de colores para darle un aspecto más homogéneo a toda la toma y, finalmente, con una capa de ajuste de Exposición hemos lavado un poco los negros para darle un acabado más cinematográfico a la toma.

Para terminar de ajustar los tonos de la foto al milímetro, hemos usado el Filtro de camera raw para darle los toques finales y dejarla exactamente como la teníamos en mente de manera rápida y sencilla.

¿Te Atreves a Experimentar con el Fine Art?

Como has visto, la fotografía fine art tiene infinidad de posibilidades, porque al fin y al cabo se trata de plasmar en la fotografía la visión de su autor, no la propia realidad. Así que la creatividad y la experimentación están a tu servicio para crear obras increíbles. ¿Te atreves a poner en práctica este estilo fotográfico?

Hay quienes la aman, y hay quienes la odian. La fotografía de larga exposición puede ser fascinante, pero tiene sus particularidades.

En el artículo de hoy repasaré contigo cuáles son las razones por las que puedes acabar enamorándote de este tipo de fotografía, aunque a primera vista no sea amor lo que sientas por ella. ¿Me das la oportunidad de convencerte?

La Fotografía de Larga Exposición

La fotografía está muy relacionada con el tiempo. Y no, no me refiero al tiempo atmosférico, sino al tiempo como medida. Podemos desde congelarlo, hasta captar su transcurso. Al igual que también podemos inmortalizar momentos y recuerdos que perdurarán para siempre a través de una imagen.

Cuando hablamos de fotografía de larga exposición, nos referimos al segundo caso que hemos descrito, el de capturar el transcurso del tiempo. Es decir, que necesitamos al menos 1 segundo de exposición o más para que en nuestra toma quede registrado todo lo que ocurre en ese breve lapso de tiempo.

Por supuesto, para poder hacerlo necesitaremos cumplir con una serie de requisitos, como por ejemplo:

• Disparar sobre trípode
• A ser posible utilizar un disparador remoto o el temporizador de la cámara para evitar trepidaciones
• Y si hay mucha luz, necesitaremos emplear un filtro de densidad neutra (filtro ND)

Cómo Hice Esta Foto - Equipo Necesario

Una fotografía de larga exposición nos permitirá desde ser creativos en nuestras composiciones, hasta simplificar una toma para que el elemento protagonista destaque mucho más y capte nuestra atención.

Pero vayamos paso a paso. A continuación te ofreceré las que considero que son buenas razones para que practiques este tipo de fotografía y aprendas a apreciar sus bondades. ¡Vamos allá!

1. Muestra el Movimiento del Agua

Seguro que la primera imagen que te viene a la cabeza si escuchas las palabras "fotografía de larga exposición" es una en la que el agua de un río, un lago o del mar aparecen con ese efecto suave tan característico conocido popularmente como efecto seda.

Las exposiciones prolongadas precisamente nos permiten suavizar el agua hasta el punto de que puede parecer que esta esté inmóvil o congelada. De ese modo, en una escena en la que haya más elementos, el agua será lo que menos destaque y no distraerá la atención del elemento protagonista de la toma, que puede ser por ejemplo un embarcadero o unas rocas como las de la siguiente fotografía.

Por otro lado, si la exposición no es tan larga, también podemos captar el movimiento de las cosas. Siguiendo con el ejemplo del agua que lo ilustra muy bien, si pensamos en una playa o un río, podremos ver el agua fluyendo sin que llegue a estar del todo difuminada. Algo así como si viéramos la imagen en cámara lenta, pero sin que llegue a ser vídeo claro, sino una instantánea fija. Eso sin duda puede aportarle mucho dinamismo a nuestra fotografía.

2. Logra Nubes Borrosas

En otro de los elementos naturales en los que notaremos también los efectos de la larga exposición, sobre todo si hace un poco de aire, es en las nubes.  Si por ejemplo visualizamos un paisaje y captamos la traza de las nubes, la escena tendrá un aspecto muy distinto al que lograríamos si congeláramos el tiempo. La sensación de ver las nubes en movimiento es como si viéramos cómo transcurre el tiempo, cómo el paisaje está vivo y en continuo movimiento.

Este recurso también se emplea mucho en fotografía de arquitectura. Seguro que en más de una ocasión has visto fotografías de edificios desde un plano contrapicado, en el que las nubes aparecen totalmente difuminadas. Eso sin duda provoca que los edificios destaquen más y reciban todo el protagonismo.

3. Limpia y Despeja Espacios Públicos de Personas y Tráfico

¿Cuántas veces has intentado fotografiar un lugar emblemático de una ciudad y este ha salido repleto de personas que paseaban por sus calles o incluso coches que transitaban por allí? En muchos casos esto "ensuciará" de algún modo tu fotografía, y hará que en ella aparezcan muchas distracciones que le robarán protagonismo a lo que verdaderamente quieres destacar de la toma.

Para esos casos, la fotografía de larga exposición puede ser una gran aliada. Dependiendo del tiempo con el que disparemos la toma, podremos hacer desaparecer a toda esa gente o vehículos, ya que piensa que la mayoría de ellos están en continuo movimiento, por lo que en el caso de ser de día, si trabajamos con un filtro de densidad neutra lo suficientemente alto, podremos lograr que su movimiento aparezca inadvertido, como si el lugar estuviera prácticamente vacío. Eso sí, ten en cuenta que si hay luz, el filtro deberá tener una densidad bastante alta, y que los sujetos u elementos tendrán que estar en continuo movimiento, de lo contrario, todo aquello que esté estático sí que aparecerá en la fotografía.

4. La Tranquilidad Invadirá Tus Fotos

Acabamos de comentar que la fotografía de larga exposición nos permite conseguir bonitos efectos e incluso limpiar nuestras imágenes de posibles distracciones, y gracias a eso precisamente conseguiremos transmitir con nuestras capturas una calma y tranquilidad increíbles. ¿No te trasmiten precisamente eso fotografías como la siguiente en las que el mar está tan plácido?

5. Una Misma Toma, Sensaciones Muy Diferentes

Si alguna vez has visto capturas de un mismo lugar hechas con corta exposición y larga exposición, seguramente te parezcan hasta fotos diferentes, porque cada una de ellas te transmitirá un sentimiento distinto.

Además, utilizar la larga exposición puede que te ayude a lograr tomas distintas a las más habituales o corrientes, puesto que la mayoría de gente que acude a un lugar saca su cámara o móvil, hace click estudiando más o menos la composición, y se va. Al utilizar la larga exposición necesitarás más tiempo para hacer la fotografía y más equipo, pero el hecho de que no todo el mundo lo haga y de que le dediques más tiempo a tus tomas, hará que tus fotos sean más especiales.

1º Toma (f/8 · 1/100s · ISO 100). 2º Toma con trípode y filtros ND y GND (f/8 · 30s · ISO 100)

Por ejemplo, si observamos la comparativa de arriba veremos dos capturas que se han realizado prácticamente en el mismo momento y lugar, solo que la imagen de arriba se hizo con una exposición corta y la de abajo se realizó con una exposición larga. La sensación que nos ofrecen ambas tomas es diferente, teniendo la primera como más fuerza, mientras que la segunda es algo más tranquila con esas nubes y aguas más fluidas.

6. Otorga Temporalidad a Tus Tomas

Cuando se habla de fotografía se dice que esta inmortaliza recuerdos y detiene el tiempo, mientras que cuando hablamos de vídeo en este podemos observar cómo transcurren las cosas y su movimiento. ¿Significa eso que en una captura no podemos expresar el paso del tiempo? ¡En absoluto!

De hecho, la fotografía de larga exposición en parte es lo que nos permite. Observar en una única instantánea un lapso de tiempo. ¿Pero cómo puede ser esto posible? Pues porque en la fotografía veremos elementos que no están definidos del todo, sino que tienen lo que se conoce como desenfoque de movimiento, que no es otra cosa que un desenfoque producido cuando ciertos elementos de la escena, o en otros casos la propia cámara, se mueven durante el transcurso de la captura.

Así pues si observamos una toma en la que vemos las nubes movidas, sabremos que esa foto está mostrando el paso del tiempo. O si por ejemplo en una estación vemos un tren desenfocado porque se estaba desplazando de un lugar a otro, también sabremos que no se ha congelado un instante, sino que se ha capturado un breve periodo de tiempo.

Eso provoca que no todas las fotografías sean o muestren las cosas de forma estática, y que a pesar de ser una única imagen, también esta pueda ser capaz de expresar el paso del tiempo.

7. Dale Un Aspecto Surrealista a Tus Imágenes

Otra de las razones por las que la fotografía de larga exposición es única, es que nunca sabrás exactamente cuál es el resultado que obtendrás con esta técnica hasta que no hayas hecho la captura.

1º Toma de corta exposición, y 2º toma de larga exposición

Imagina una cascada en un río. Haces la captura congelando el agua, y luego realizas la misma fotografía con una larga exposición. Si vuelves a realizar una o varias tomas más con esta técnica, verás que nunca te saldrán todas iguales, porque el movimiento del agua y de los elementos que corren por el río pueden variar, y eso sin duda le aporta un toque mágico y especial a este tipo de fotografías.

8. La Noche Te Brindará Grandes Oportunidades

¿Sabías que la fotografía nocturna es fotografía de larga exposición? Piénsalo bien, para hacer tomas por la noche necesitamos exponer durante el suficiente tiempo para poder captar más luz, y abrir el diafragma y subir la ISO en este caso nunca es suficiente. Así que nuestra otra variable pendiente es la velocidad de obturación, o lo que podemos decir de otro modo, aumentar le tiempo con el que exponemos nuestra fotografía.

Para estos casos además podremos prescindir de uno de los accesorios que utilizábamos para practicar la fotografía de larga exposición diurna, el filtro ND. Con un trípode y un disparador remoto nos bastará.

¿Y qué tipo de fotos podemos hacer por la noche? ¡Pues una barbaridad! Desde preciosas fotografías a estrellas y a la Vía Láctea, hasta fotografías de lightpainting, o incluso capturar las estelas de luz que dejan los coches.

¿Te He Convencido? ¿Ha Surgido el Amor?

Después de ver todo lo que podemos lograr con la fotografía de larga exposición tanto de día como de noche, ¿te he logrado convencer de las bondades de este tipo de tomas?

Aunque al principio puede abrumar un poco el hecho de pasar más tiempo y usar más equipo realizando este tipo de capturas, te aseguro que acaba volviéndose adictivo, y que tras realizar una sesión solo quieres volver a la carga para seguir disfrutando de ella. ¿Te ocurre a ti lo mismo? ¿Sí? ¿No? ¡Cuéntanoslo en los comentarios!

Un aspecto que se suele relacionar con la calidad en fotografía es la nitidez. La nitidez es aquello que vemos con mayor claridad en una fotografía. El sujeto de nuestra fotografía suele ser el objeto más nítido de todos los elementos que aparecen en ella (poca profundidad de campo), salvo cuando realizamos una toma con un ángulo de visión grande en el cual entran multitud de elementos. En estos casos tratamos de que la mayoría de elementos aparezca nítidos (mucha profundidad de campo).

Para conseguir mayor nitidez en nuestras fotografías debemos tener en cuenta una serie de factores, como puede ser la calidad del objetivo con el que vamos a disparar. Sin embargo, aparte de tener el mejor objetivo posible hay otros aspectos a tener en cuenta y que dependen de nosotros para obtener mayor nitidez.

Limpieza del equipo

Lo primero que hay que tener en cuenta es la limpieza de nuestro equipo. Parece algo obvio, pero la diferencia entre tener la lente de nuestro objetivo limpia o sucia variará el resultado, ya no sólo de la nitidez, sino de la ausencia de flares.

Hay que comprobar que el objetivo está limpio antes de salir. Puede ser que toquemos la lente sin querer y salgan flares cuando estamos fotografiando con un punto de luz. La foto de la derecha se hizo después de limpiar el objetivo.

Dando por hecho que hemos limpiado el objetivo, el siguiente paso sería no utilizar un filtro cuando no sea estrictamente necesario. Mucha gente utiliza el filtro protector y no lo quita nunca, sin embargo, una opción sería quitarlo cuando vamos a hacer fotos sin riesgo de que se estropee la lente. Los filtros polarizadores o filtros graduados son necesarios en ocasiones, aunque algo de calidad y nitidez restan a la foto.

Artículos para profundizar:

• La Guía Perfecta para Limpiar tus Filtros y Objetivos Fotográficos
• La Mejor Manera de Mantener Limpio el Objetivo de tu Cámara
• Cómo Limpiar tus Filtros para que Duren Mucho Más
• 7 Claves para el Cuidado Básico de los Objetivos de tu Cámara

Enfoque preciso sobre nuestro sujeto

El autofocus en ocasiones no funciona como debería y pensamos que hemos enfocado correctamente nuestro sujeto. Una forma de asegurarse es utilizar el live view. Haciendo zoom nos permite comprobar perfectamente si tenemos a foco nuestro objeto. Si no es así podemos enfocar manualmente.

A la hora de enfocar también hay que tener en cuenta la profundidad de campo utilizada. Si utilizamos aperturas muy abiertas y reencuadramos es posible que perdamos el enfoque. Para ello podemos utilizar un punto de enfoque que se sitúe sobre el objeto que queremos enfocar.

Artículos para profundizar:

• La Razón por la que Deberías Evitar Enfocar y Reencuadrar es…
• 9 Consejos Para Mejorar El Enfoque En Tus Fotos
• Qué Modo de Enfoque Utilizar En Cada Situación
• Los 5 Consejos De Phil Steele Para Lograr Enfoques Perfectos En Tus Fotografías
• Por Qué Deberías Disociar La Función de Enfoque del Botón de Disparo
• Puntos de Enfoque: Qué Son y Cómo Sacarles Partido 
• Bracketing de Enfoque en Paisajes: tu Fotografía Mucho Más Nítida
• 5 Situaciones en que te Conviene Usar el Enfoque Manual
• 7 Situaciones en las que Deberías Apagar el Enfoque Automático
• 3 Opciones para Controlar Cómo Enfocar al Punto Exacto

Máxima estabilidad al usar trípode

Otra situación en la que aparentemente debería salir nítida la foto es cuando utilizamos un trípode. Dependiendo del trípode las fotos nos saldrán más o menos nítidas cuando las condiciones meteorológicas sean adversas. Por definición, un trípode debe ser pesado para tener más estabilidad y así, cualquier ráfaga de viento no mueva la cámara. Sin embargo, tendemos a adquirir trípodes ligeros para que nos cueste menos cargar con ellos, lo que se traduce en un porcentaje de fotografías trepidadas más alto.

Si no utilizamos un trípode hay que tener en cuenta la velocidad de obturación. Una velocidad muy lenta podría trepidar la fotografía. Una regla podría ser la de no disparar a una velocidad por debajo de la distancia focal utilizada. Es decir, si disparamos con un 40mm no disparar a menos de 1/40s. Si disparamos a 200mm no disparar a menos de 1/200s. Si el objetivo tiene estabilizador de imagen podríamos bajar la velocidad.

Si utilizamos un trípode, es recomendable configurar la opción del levantamiento del espejo en las cámaras réflex. Esta opción no está disponible en las CSC, obviamente. Con el levantamiento del espejo nos aseguramos de que el propio movimiento mecánico no trepide la fotografía.

No tendría sentido utilizar un trípode y levantar el espejo sin utilizar un cable disparador, puesto que darle al botón de disparo de la cámara echaría a perder todas las precauciones anteriores. Otra opción sería configurar el temporizador de 2 segundos que suelen tener las cámaras.

Artículos para profundizar:

• Descubre Cómo Sujetar Correctamente tu Cámara y Di Adiós a las Fotos Movidas
• 6 Consejos para usar tu Trípode de Forma Eficiente
• Otros 7 Consejos para Usar Mejor tu Trípode
• 4 Trípodes Improvisados que Salvarán tu Foto
• El Trípode: El Mejor “Apoyo” Para Hacer Mejores Fotos [AHMF31 día19]
• 8 Buenas Situaciones en las que Usar Trípode con tus Fotos
• Todo lo que Necesitas Saber sobre Disparadores Remotos
• 7 Cosas que Puedes Hacer si te Olvidas del Trípode

Encontrando el punto dulce del objetivo

Los objetivos tienen una calidad determinada, sin embargo, el propio objetivo tiene lo que se conoce como 'punto dulce' donde da la máxima calidad. Esto se consigue poniendo un diafragma determinado. El diafragma que suele ser el más óptimo de un objetivo es f/8 o f/11 depende de cada uno. De hecho, los fabricantes entregan una serie de gráficas en las cuales se muestra la calidad teórica de un objetivo, teniendo en cuenta la máxima apertura y la apertura a f/8.

Podemos hacer una prueba muy sencilla. Tan solo debemos colocar la cámara sobre un trípode, configurar el modo Av o A (Prioridad a la Apertura) e ir cambiando el diafragma para después comparar los resultados.

Por supuesto, algo que merma la calidad y por lo tanto la nitidez es el ISO. Hay que tratar de utilizar siempre el ISO más bajo posible.

Artículos para profundizar:

• El Punto Dulce, Una de las Claves para Acertar con tu Próximo Objetivo
• Qué es la Difracción y Cómo Afecta a la Nitidez de tus Fotos

Consigue que todo esté enfocado con la hiperfocal

Utilizar la hiperfocal es otra manera de conseguir que la mayoría de elementos de la foto estén nítidos. Es una técnica muy fácil de usar y muy útil, sobre todo en situaciones de poca luz. En muchas ocasiones, se suele cerrar el diafragma a f/22 pensando que de esta manera conseguiremos la mayor profundidad de campo posible y no es cierto. Lo primero es que una vez superemos el diafragma que nos da la máxima calidad iremos perdiendo nitidez. Lo segundo es que no es necesario cerrar tanto el diafragma para conseguir la máxima profundidad de campo. Para eso está la hiperfocal.

Si sabemos la hiperfocal para una distancia focal y diafragma determinados podremos tener la máxima profundidad de campo con tan sólo poner la marca del enfoque en la posición adecuada.

Artículos para profundizar:

• Qué es la Distancia Hiperfocal y Cuándo Usarla en tus Fotos
• Descubriendo Qué Es y Cómo Influye el Círculo de Confusión En Nuestras Fotografías
• La Profundidad de Campo Explicada con Ejemplos

Enfocar a la hora de exportar una fotografía

Y para finalizar, el último paso que podemos dar para conseguir mayor nitidez es en el ordenador. Hay que saber que todo archivo de imagen debe enfocarse si le cambiamos el tamaño. Los archivos que genera nuestra cámara tiene una resolución muy alta, por lo que habitualmente solemos redimensionarla (por ejemplo, de 6000x4000 pixeles a 1024x683). Al hacer esto perdemos nitidez. Si utilizamos Photoshop hay que aplicar una máscara de enfoque. Si utilizamos Lightroom podemos aplicar un enfoque de salida en función de si se va a ver en pantalla o si se va a imprimir.

Siguiendo todos estos pasos seguro que conseguimos que el resultado sea mucho mejor si necesidad de comprarnos ningún objetivo.

Artículos para profundizar:

• Cómo Incrementar La Nitidez En Tus Imágenes Con el Enfoque Selectivo en Photoshop
• Enfocando nuestras Fotografías: Cómo, Cuándo y Por Qué Enfocar una Foto – Serie Enfoque #1
• Qué Es y Cómo Puedes Sacar el Máximo Jugo a la Máscara de Enfoque de Photoshop
• ¿Imaginas Poder Enfocar Después De Disparar? Con Lytro y Panasonic Es Posible

Ya te contamos hace un tiempo cómo retocar un retrato en Lightroom y cuáles eran las claves básicas del retoque de retratos. Pero si quieres llevar el retoque de retratos a otro nivel, Photoshop te brinda todas las herramientas necesarias para conseguir exactamente el retoque que tienes en mente. Por eso en el artículo de hoy queremos mostrarte un ejemplo práctico para que veas paso a paso qué proceso puedes seguir para retocar tus retratos.

Por supuesto hay retratos de todo tipo, y puede que cada uno necesite un retoque diferente. En este artículo nos vamos a centrar en realzar la belleza de nuestro modelo, realizando un retoque tipo beauty. Con Photoshop realzaremos la belleza de la persona retratada, pero eso sí, siempre intentando que el retoque quede lo más natural posible y no altere en exceso su aspecto original. Tampoco queremos que no se reconozca, ¿verdad?

Vamos a ver un retoque exhaustivo en 10 pasos. Ten en cuenta que cada fotógrafo tiene su propio workflow y su gusto personal. Photoshop nos da un enorme abanico de posibilidades de retoque, así que puede haber mil formas de llegar al mismo resultado. Así pues, en este artículo yo te voy a mostrar mi manera habitual de trabajar, pero no tienes por qué seguir los mismos pasos ni el mismo orden que yo, al igual que deberás elegir tú mismo qué intensidad darle a cada efecto, la que más se adapte a tu gusto personal (para gustos, los colores).

Sin más dilación, ¡vamos a ello!

1. Revela el RAW

Lo primero que deberemos hacer, igual que con cualquier fotografía, es revelar el archivo RAW. Si tu fotografía está en formato JPG puedes saltarte este paso.

En este primer paso vamos a dejar la fotografía con un aspecto totalmente neutro, con los negros poco contrastados y los colores poco saturados. ¿Por qué? Pues porque ajustar el aspecto final de la fotografía va a ser el último paso del retoque. Al principio lo que nos interesa es dejar el retrato algo plano para tener más margen de retoque después.

Así pues, en Adobe Camera RAW he tocado lo mínimo:

1. He ajustado el balance de blancos para dejar la fotografía con un color neutro y sin ninguna dominante.
2. He cambiado el perfil por el perfil más plano que tengo (Cámara Plana) en el submenú de Coincidencia de Cámara. Ten en cuenta que aquí cada marca tiene sus propios perfiles, e incluso pueden variar entre modelos de una misma marca. Simplemente elige el perfil que más descontrastada te deje la imagen.
3. He corregido desde la pestaña de Correcciones de lente una pequeña aberración cromática verde que aparecía en el colgante de la modelo.
4. Y finalmente he tocado ligeramente los deslizadores de Exposición, Sombras y Altas luces para ajustar correctamente la exposición de todas las zonas de la fotografía.

Si quieres ampliar información sobre este paso, te recomiendo que le eches un vistazo a nuestro artículo:

• Adobe Camera RAW (ACR) de Photoshop: La Guía Completa

2. Elimina Imperfecciones

El siguiente paso es eliminar las imperfecciones más gruesas que tenga la piel. En el próximo paso vamos a retocarla exhaustivamente, así que no te preocupes por los pequeños poros o arruguitas; céntrate en imperfecciones grandes como granos o cicatrices. Vamos primero a duplicar la capa, para no sobreescribir la fotografía original y poder ir viendo así los cambios que vamos realizando.

Para eliminar fácilmente este tipo de imperfecciones usaremos el Pincel corrector . Esta herramienta es muy fácil de usar. Pulsa Alt+Clic izquierdo para tomar una muestra de alguna zona de la piel que esté bien, y después pinta sobre la imperfección para eliminarla.

También puedes utilizar la Herramienta Parche . Simplemente selecciona con esta herramienta la imperfección, y pulsa y arrastra esta selección a una zona de la piel que esté bien. Automáticamente Photoshop usará esa parte de piel para eliminar la imperfección.

Si quieres ampliar información sobre estas herramientas, te recomiendo que te pases por nuestros artículos:

• Cómo Utilizar El Pincel Corrector De Photoshop Para Corregir Arrugas De Forma Natural
• Tampón de clonar y parche en Photoshop: Adiós a las distracciones en nuestras Fotos

3. Retoca la Piel

Ahora que ya tenemos la piel libre de las imperfecciones más grandes, vamos a terminar de limpiarla en este paso. Se puede retocar y suavizar la piel de múltiples formas, pero sin duda la manera más profesional de hacerlo es con la técnica de la separación de frecuencias. Con esta técnica separaremos el color de la fotografía en una capa, y la textura en otra. Así podrás suavizar la piel sin eliminar la textura, para que el retoque quede realista y la piel de tu modelo no tenga "aspecto de melocotón".

Para realizar la separación de frecuencias sigue estos pasos:

1. Duplica la capa dos veces y renómbralas. A la capa de arriba llámala Textura y a la de abajo Color.
2. Selecciona la capa Color y ve al menú Filtro/Desenfocar/Desenfoque gaussiano. Añádele un desenfoque gaussiano de 2 px.
3. Selecciona la capa Textura y ve al menú Imagen/Aplicar Imagen. Configura esta ventana de la siguiente manera:
   • Capa: Color
   • Canal: RGB - Marca la casilla Invertir
   • Fusión: Añadir
   • Opacidad: 100%
   • Escala: 2
4. Ahora la capa Textura se te habrá quedado de color gris, con las líneas de textura marcadas. Pon esta capa en modo de fusión Luz lineal, para volver a tener tu fotografía como antes.
5. Selecciona ambas capas, Color y Textura, y crea un grupo con ellas arrastrándolas al botón rápido en forma de carpeta  que encontrarás debajo de la ventana de capas. Así podrás manejarlas a la vez, tanto para activarlas y desactivarlas para ver qué cambios vamos realizando, como para bajarle la opacidad al efecto al final del retoque.

Ahora que ya tenemos el color y la textura de la fotografía en dos capas diferentes, vamos a retocarlas por separado:

• En la capa Color igualaremos los tonos de la piel usando el Pincel corrector . Pulsa Alt+click izquierdo para seleccionar una parte de la piel que tenga el color deseado, y pinta sobre las zonas que quieras corregir, como rojeces, sombras, ojeras, etc. Si alguna zona no queda bien del todo puedes corregirla con el Tampón de clonar , pero bájale la opacidad para que se integre mejor.
• En la capa Textura, con el Pincel corrector también, pulsa Alt+click izquierdo en las partes de la piel que tengan la textura deseada y corrige texturas indeseadas como poros abiertos, arrugas o granitos.
• Ten en cuenta que hay elementos que tienen información tanto de color, como de textura, como por ejemplo los pelos o las espinillas. Estos elementos tendrás que corregirlos en ambas capas.
  

  Comparativa: antes vs después de la separación de frecuencias

Finalmente, si crees que ahora la piel de tu modelo es demasiado perfecta, puedes bajarle la opacidad al grupo de capas al gusto, para corregir pero no eliminar completamente. Yo la he bajado en este caso al 80%.

Si quieres ampliar información sobre la técnica de la separación de frecuencias, no te pierdas este artículo:

• Cómo Mejorar la Piel con la Separación de Frecuencias en Photoshop

4. Realza los Ojos

Sin duda la mirada es el alma de la mayoría de los retratos, por eso es importante prestarle especial atención a los ojos de nuestra modelo.

Vamos a duplicar la capa de nuevo, para volver a tener todo el retoque en una capa aparte. Pero tenemos un problema: ahora no estamos trabajando con una capa, sino con el grupo de capas de la separación de frecuencias. ¿Cómo podemos unir todo eso en una sola capa sin tener que acoplar la imagen, para no perder todas las capas anteriores? Muy fácil, con el atajo de teclado: Control (o Comando en Mac) + Alt + Shift +E. Si pulsas todas estas teclas juntas, mientras tienes seleccionado el grupo de capas, se acoplarán todas las capas visibles en una nueva capa por encima. Es una buena manera de acoplar las capas sin perder todas las anteriores.

Ahora que ya volvemos a estar trabajando con una sola capa, vamos con el retoque de los ojos. Lo primero que deberemos hacer es eliminar las venitas rojas que puedan estar "ensuciando" el globo ocular. No las elimines todas, sino quedará demasiado irreal, pero sí es interesante eliminar las más gruesas.

Después, puedes darle más fuerza a la mirada iluminando ligeramente los ojos, con la herramienta Sobreexponer . Elige en el menú superior Rango: Medios tonos y baja bastante la Exposición para tener más control de la herramienta, así el retoque será más moderado. Pinta un poco sobre el iris para aclararlo, y por el globo ocular si también está demasiado oscuro.

Aléjate para ver qué tal queda el retoque de lejos. Si crees que ha quedado demasiado exagerado, puedes bajarle la opacidad a la capa.

5. Arregla el Maquillaje

El maquillaje también es una parte importante del retrato, sobre todo en el retrato femenino. Muchas veces el maquillaje no es perfecto, o se va estropeando a lo largo de la sesión. Gracias a las utilidades de Photoshop podemos arreglar fácilmente el maquillaje de nuestra modelo e, incluso, crearlo desde cero.

Ya te explicamos en este artículo cómo hacerlo: "Maquillaje Digital en Photoshop: Cómo Conseguir un Aspecto Natural Paso a Paso".

Como le he bajado la opacidad a la capa antes, he vuelto a acoplar la imagen en una sola capa con el atajo de teclado Control+Alt+Shift+E. En este caso mi retrato no necesitaba un arreglo del maquillaje, no siempre es necesario seguir todos los pasos del artículo. Sin embargo, le he pintado los labios  para ilustrar el ejemplo.

En primer lugar he creado con la Herramienta Pluma  un trazado alrededor de los labios, y lo he convertido en selección con 1 px de desvanecimiento para que el borde no quede tan duro, sino más natural.

Después, le he añadido una capa de ajuste de Tono/Saturación para pintarle los labios de rojo, marcando la casilla Colorear.

6. Realza las Luces y las Sombras

Algo que también suele usarse a menudo en los retoques tipo beauty es la técnica del dodge and burn para realzar los volúmenes del retrato. Con esta técnica potenciaremos las luces y las sombras de la fotografía, e incluso podremos crear luces y sombras nuevas para "engañar al ojo" y estilizar los volúmenes del retrato a nuestro gusto. Ya te explicamos paso a paso cómo aplicar esta técnica de diferentes maneras en nuestro artículo: "Cómo Hacer Dodge and Burn y Sacar Volumen en tus Retratos".

En este ejemplo voy a usar las herramientas que le dan nombre a la técnica: Subexponer  (dodge) y Sobreexponer  (burn).

Acopla el retoque anterior de nuevo usando el atajo de teclado Control (o Comando) + Alt + Shift + E para volver a tener una sola capa sobre la que trabajar.

• Configura la herramienta subexponer en Rango: Medios tonos y con Exposición baja. Realza las sombras naturales de la foto y remarca algunas zonas para moldear el rostro, como el tabique nasal, la parte baja de los pómulos, encima de la barbilla o el rabillo del ojo.
• Configura la herramienta sobreexponer del mismo modo, en Rango: Medios tonos y con Exposición baja. Realza los brillos naturales de la foto y remarca algunas zonas para moldear el rostro, como la zona T de la cara, los pómulos, la barbilla o debajo de la ceja.
• No olvides también realzar las luces y sombras del resto del cuerpo de tu modelo.

No tengas miedo a marcar mucho el efecto, ahora deberemos bajarle mucho la opacidad para que estas luces y sombras moldeen ligeramente los volúmenes del retrato pero sin notarse en exceso. Yo en este caso he bajado la opacidad de la capa al 30%.

Como puedes ver en la siguiente comparativa, el cambio es sutil, pero ese punto de volumen le da al rostro una mayor profundidad. Además esta técnica puede ayudarte a potenciar los rasgos más atractivos de tu modelo y, por el contrario, a disimular los menos atractivos. Por supuesto este efecto puedes hacerlo más o menos exagerado a tu gusto.

7. Estiliza sus Contornos

Ahora que ya tenemos la piel perfectamente retocada, le llega el turno a los contornos. Estilizaremos ligeramente los contornos de la cara y el cuerpo con la herramienta Licuar (dentro del menú Filtro) para mejorar el aspecto de nuestra modelo. Ojo, no nos equivoquemos que esta herramienta siempre trae polémicas. Por supuesto que con esta herramienta puedes adelgazar o engordar la figura de tu modelo al gusto. Pero no es eso lo que queremos, ya que como dije al principio del artículo, vamos a intentar no cambiar en exceso el aspecto de nuestra modelo. Nuestra persona retratada es como es, y pese a estar realzando su belleza con Photoshop no queremos cambiar su aspecto hasta el punto de no reconocerse.

Lo que vamos a hacer en este paso es simplemente estilizar los contornos de la modelo para eliminar cualquier arruga, bulto o hueco indeseado que haya creado la ropa, la pose o el ángulo de la cámara, y que pueda estar afeando el retrato. También puede servirte para mejorar la simetría de alguna parte de la cara, si la pose no la favorece.

En este caso concreto simplemente he rebajado algunas de las arrugas de las mangas de la chaqueta, he estirado la falda para que haga una forma más atractiva y he estilizado ligeramente el cuello de la modelo, para evitar que se vea algo encogido a causa del ángulo picado de la fotografía.

Si te interesa aprender más sobre la herramienta Licuar, échale un vistazo a nuestro artículo "Hazte Un Maestro de la Cirugía Digital Con la Herramienta Licuar de Photoshop".

8. Mejora el Cabello

Algo que muchas veces descuidamos en nuestros retratos es el cabello, y es una parte muy importante. Si el cabello de tu modelo está despeinado o descuidado podría quitarle atractivo a tu retrato. Ya te contamos a fondo cómo mejorar el cabello de tu retrato de múltiples formas, en nuestro artículo "Los Mejores Trucos de Photoshop para Conseguir un Pelo Perfecto".

En este caso concreto, he querido darle a la parte teñida del cabello un rojo más uniforme. Para ello, he seleccionado esa parte con la Selección rápida  y he mejorado la selección usando la herramienta Seleccionar y aplicar máscara. Después he agregado una capa de ajuste de Tono/Saturación para darle un color rojo más uniforme.

También le he dado un efecto óleo desde el menú Filtro/Estilizar/Pintura al óleo, también explicado en el artículo que te he enlazado más arriba, para que tenga un aspecto más suave y sedoso.

Y finalmente, con la misma herramienta del punto anterior, la herramienta Licuar, he arreglado un poco las ondas que hacía el cabello en el nacimiento, para que quede más bonito.

9. Haz los Ajustes Finales

Ahora llega el momento de darle los ajustes finales a nuestro retrato. Aléjate y mira bien la fotografía en general; muchas veces estamos tan centrados en cada detalle que se nos olvida visualizar nuestra fotografía a tamaño normal, que es como va a verse al fin y al cabo. Es posible que detectes alguna imperfección que hayas pasado por alto.

Fíjate también en el fondo, que es algo que también solemos olvidar al estar mirando constantemente a nuestra persona retratada. Procura que no haya ningún elemento que afee el retrato o que distraiga la atención. Si lo hay, puedes eliminarlo fácilmente con el pincel corrector, el parche o la herramienta de Rellenar según contenido. También puedes desenfocarlo más si la profundidad de campo conseguida no es de tu agrado, o directamente cambiarlo por completo.

En la fotografía de ejemplo he decidido eliminar algunas de las hojas más grandes del suelo, para que no distraigan la atención. Simplemente las he seleccionado y he usado la herramienta Edición/Rellenar. Aquí he marcado Contenido: Según el contenido, para que Photoshop las cubra automáticamente teniendo en cuenta el césped de alrededor.

Finamente, también suelo darle un toque de enfoque al final del retoque, para ganar algo de nitidez. Puedes encontrar todos los métodos para ganar nitidez en Photoshop en nuestro artículo "5 Técnicas para Mejorar el Enfoque y la Nitidez en Photoshop y Lightroom".

Desde el menú Filtro/Enfocar/Enfoque suavizado podemos ganar un puntito de nitidez para darle más fuerza al retrato.

Si no quieres afectar al fondo, simplemente aplica el enfoque suavizado en una capa duplicada y después añádele una máscara de capa para afectar tan solo a la cara de la modelo.

10. Dale tu Toque Personal de Color

Y para terminar, toca darle por fin a nuestro retrato la corrección de color que le falta. Por supuesto este paso es muy personal, y va totalmente a gusto del fotógrafo.

Puedes agregarle un filtro automático (o varios) con los filtros de Consulta de colores, o también puedes optar por hacerlo manualmente desde el filtro de Camera RAW si lo prefieres.

En la fotografía de ejemplo he apilado unos cuantos filtros de Consulta de colores con opacidad baja, y he agregado después un ajuste de filtro de Camera Raw para darle a mi fotografía el aspecto que buscaba:

• Rebajar el verde del césped para que no destacara tanto
• Darle más fuerza a los rojos del cabello y los labios
• Contrastar un poco más los negros
• Quitarle a la piel esa dominante magenta
• Agregar un ligero viñeteado para rebajar la iluminación del fondo

¡Y listo! Ya tenemos nuestro retrato retocado. Por supuesto no siempre sigo todos estos pasos, hay retratos que requieren más trabajo que otros, pero en este ejemplo quería repasar todos los retoques más habituales que suelo usar en mis retratos.

¿Conoces algún truco más de retoque de retratos que te apetezca compartir con nosotros? ¡Deja un comentario más abajo, nos encantaría leerlo!

Un altísimo porcentaje de las fotos de retrato tienen en los ojos del sujeto una de las partes más importantes y que mayor atención generan. Por ese motivo, resulta tan importante conseguir que los ojos brillen y estén perfectos en tus fotografías.

Hoy quiero darte 3 sencillos consejos para que siempre consigas el mejor resultado posible en los ojos de aquellas personas a las que decidas inmortalizar en tus fotografías. ¿Estás listo?

#1. La Expresión del Sujeto Es Fundamental. Invítale A Soñar

Este consejo va dirigido al modelo. Aunque también debe ser conocido por el fotógrafo, para que trate de dirigir al sujeto fotografiado y así lograr un resultado más atractivo.

Es cierto que, en función del mensaje que se pretenda transmitir, puede interesar más un tipo de mirada, u otra. Sin embargo, normalmente tienen mayor atractivo aquellas miradas que se muestran más cálidas, con confianza y vinculadas a quien las observa.

¿Cómo conseguir eso? No es fácil, ya que, especialmente cuando fotografías personas que no están muy acostumbradas a las cámaras, su mirada puede reflejar nerviosismo, distracción o vergüenza. Así que deberás tratar de conseguir que el sujeto se sienta cómodo, seguro de sí mismo y que su mirada refleje esta sensación.

Fotografía en que se invitó a las niñas a recordar el último verano y una excursión que hicieron junto a sus padres. La sonrisa y los ojos de ternura e ilusión aparecieron rápido en sus rostros, al mismo tiempo que el recuerdo de aquella experiencia llegaba a sus mentes.

Un truco que a mí me suele funcionar, especialmente con sujetos "menudos", es invitarles a que sueñen. Les digo: "si pudieses estar en cualquier sitio, haciendo cualquier cosa, ¿dónde estarías y qué estarías haciendo? Háblame de ese momento, ¿cómo te sientes?, ¿qué estas haciendo?, ¿con quién estás?..."

Inmediatamente, se les dibuja una sonrisa y su lenguaje corporal y mirada se llenan de vida. Es el momento para apretar el gatillo.

#2. La Fotografía Es Luz Y La Luz Puede Hacer Que Los Ojos Hagan Brillar Toda La Fotografía

Cuando hablamos de luz y de mirada, inmediatamente aparece un término anglosajón que se denomina catch light. Perdóname que no lo traduzca, pero es que no conozco a nadie que no lo llame así :(

Se denomina catch light al reflejo que producen las fuentes de luz que iluminan a un sujeto en sus ojos. Este reflejo, o más bien su forma, tamaño y brillo, hacen que una fotografía cambie drásticamente.

Retrato en el que apenas se aprecia luz en los ojos. El catch light (reflejo) es muy tenue y hace que los ojos se muestren tristes y con poca vida.

Una mirada en la que no hay reflejos en los ojos -o éstos son muy leves- puede resultar triste, plana, insulsa. Sin embargo, la misma imagen pero con unos ojos en que se observa el reflejo de una gran ventana, o un softbox iluminando y resaltando los ojos, puede ofrecer un mensaje radicalmente diferente.

Retrato en que se observa el amplio catch light de una ventana en los ojos de la bebé. El reflejo da un brillo a los ojos que llena de vida y de atención su mirada. Y que hace que no puedas dejar de mirarla.

La iluminación es fundamental y si además esa luz se refleja en los ojos del sujeto, puede dar luz a toda la fotografía. ¿No crees que esta segunda imagen de la bebé resulta mucho más atractiva y potente? Cuesta trabajo dejar de mirarla, porque su mirada te atrapa, ¿no te parece?

#3. No Olvides Procesar La Imagen Y Editar Con Cuidado Y Mimo Los Ojos Del Sujeto

Por muy bonitos que sean los ojos de tu modelo, muy caro que sea tu equipo y muy buena haya sido la fotografía que has logrado, no hay que olvidar que un procesado apropiado -y apropiado significa que no debes quedarte corto, ni tampoco sobreeditar tus imágenes- puede lograr dar a tu imagen ese toque que convierta tu fotografía en una imagen espectacular. Y, como es lógico, esto es completamente aplicable a los ojos de tus sujetos.

A continuación, te hablo, en 5 sencillos pasos, de cómo hago yo para editar los ojos en mis fotografías.

Paso 1. Abre tu imagen en Lightroom y aplica ajustes generales a la fotografía. De momento no te centres en los ojos. Ajusta un nivel adecuado de exposición, contraste, balance de blancos, etc., de forma global a la imagen.0

Paso 1. Apertura del retrato en Lightroom (o el programa de edición que desees) y aplicación de ajustes generales sobre la fotografía.

Paso 1b. Una vez finalizados los ajustes iniciales, visualiza tu imagen a una resolución del 100% y céntrate en los ojos. Será la zona sobre la que trabajarás a continuación.

Paso 1b. Zoom al 100% sobre el rostro del retrato para trabajar de forma más clara y precisa.

Paso 2. Selecciona el pincel de ajuste (K) y fija un valor de Exposición de 0,50 y de Saturación de -20. Pinta sobre el blanco de los ojos. Así conseguirás un blanco más resplandeciente y con la desaturación lograrás que los ojos no se vean enrojecidos (sobre todo en retratos de personas más mayores).

Paso 2. Seleccionada la parte blanca de los ojos, se aplica un ajuste para incrementar el brillo de esta zona y eliminar cualquier venita, o rojez. Nota: En la captura se observa la región sobre la que se aplica el ajuste, no el resultado del mismo.

Paso 3. Selecciona un nuevo pincel de ajuste (Nuevo) y pinta sobre el iris -la parte de color- y la pupila -la parte negra- aplicando los siguientes ajustes:

1. 1. Sube el valor de Temperatura a +20 para que se vuelva de un tono más cálido.
   2. Incrementa el nivel de Exposición a 0,50 para subir la iluminación del iris y pupila.
   3. Sube el nivel de Enfoque a +25 para ganar detalle en el iris.
   4. Aumenta el valor del ajuste Sombras a +20 para ganar detalle en esa zona del ojo.

Paso 3. Seleccionados el iris y la pupila de los ojos, se aplica un ajuste para mejorar la nitidez y calidez de esta zona de los ojos. Nota: En la captura se observa la región sobre la que se aplica el ajuste, no el resultado del mismo.

Paso 4. Selecciona un nuevo pincel de ajuste (Nuevo) y con un valor de Claridad de +25, pinta sobre iris, pupila, pestañas y cejas para conseguir que tus ojos destaquen más aún.

Paso 4. Seleccionados cejas, pestañas, iris y pupilas de los ojos, se aplica un ajuste para mejorar la claridad de estas zonas y dar mayor fuerza a los ojos. Nota: En la captura se observa la región sobre la que se aplica el ajuste, no el resultado del mismo.

Paso 5. Por último, con un nuevo pincel de ajuste (Nuevo) y con ajustes de Claridad a +10 y Exposición a -0,50, se pinta sobre la parte externa del iris, la que se ve más oscura. De este modo, resaltará aún más el color de los ojos.

Paso 5. Seleccionada la zona exterior del iris de cada ojo, se aplica un ajuste para incrementar el contraste y hacer que aún resalte más el iris frente al globo ocular. Nota: En la captura se observa la región sobre la que se aplica el ajuste, no el resultado del mismo.

Tras todos estos pasos, el cambio logrado es notable, como has podido ir viendo en las capturas anteriores. No obstante, a continuación se observa el antes y el después para que aún puedas ver de forma más clara lo conseguido.

Comparación del antes y el después del retoque de los ojos de la niña. En la parte superior se aprecia el antes y en la parte inferior el después. Se aprecia con claridad el mayor brillo del globo ocular y la nitidez, calidez y brillo que han ganado los iris.

Como puedes ver, el resultado del ajuste es muy apreciable y hace que los ojos ganen luz, color, fuerza y definición. Incluso a pesar de que el resultado original del retrato podría parecernos que ya era suficientemente bueno.

¿Existe Algún Consejo Adicional Que Tú Puedas Darnos Para Mejorar Los Ojos De Nuestros Retratos?

Como has podido ver, bastan estos 3 sencillos consejos para mejorar significativamente los ojos de tus fotografías. Aunque a lo mejor hay algún otro truco sencillo que tú utilizas habitualmente y con el que aún podemos lograr un mejor resultado, ¿de cuál se trata?, ¿nos lo cuentas?

Si lo que te interesa es mejorar de forma general tu fotografía de retrato, te recomiendo que le eches un vistazo a este completo artículo recopilatorio con todo lo que necesita saber sobre la iluminación, fotografía y edición de la fotografía de retrato.

¡¡A retratar!!

Lo conoces, sabes para qué sirve y te has aprendido el valor de sus números f de memoria. La apertura del diafragma es uno de los 3 parámetros fundamentales en la fotografía y sabes perfectamente que variando el tamaño del agujero que forma en medio del objetivo, como si de una pupila se tratase, regulas la cantidad de luz que entra por él. Pero, ¿alguna vez lo has visto en pleno funcionamiento? ¿Conoces cómo regula esa apertura? Si quieres saber más, no dejes de leer este artículo.

Podría explicarlo con palabras, pero estoy seguro de que viéndolo en acción en un vídeo queda mucho más claro.

Lo que has visto es el rapidísimo funcionamiento de un diafragma automático en una cámara digital moderna. Antes de hacer la foto, el diafragma está abierto al máximo para permitir toda la entrada posible de luz y así un correcto enfoque automático. Al pulsar el disparador, en una fracción de segundo, el diafragma mueve unas láminas a una velocidad de vértigo hasta formar la abertura que le hemos indicado con el número f, se toma la foto, y finalmente las láminas vuelven a su posición original.

Pero de lo que quiero hablarte hoy es de esas láminas, hojas o palas que forman el diafragma. Y es que, como has podido ver, el hecho de que las encargadas de regular el tamaño de las aberturas sean un pequeño número de hojas, hace que dichas aberturas no sean círculos perfectos. Y esto tiene una pequeña pero a veces relevante repercusión en las fotos.

Cuantas más hojas, ¿mejor bokeh?

Es probable que hayas escuchado que cuantas más hojas tenga el diafragma, mejor será el resultado del bokeh, pero esto no es del todo exacto. Tal y como te explicamos en este post, el bokeh es la calidad de la imagen desenfocada, y esto depende de la calidad y distribución de las lentes principalmente. Sin embargo, mucha gente asocia el bokeh solamente con los círculos de luz que se forman al desenfocar las fuentes de luz puntuales, y aquí sí es cierto que, como verás a continuación, cuantas más hojas formen el diafragma, más redondos serán estos puntos de luz en todas las aperturas, lo cual es considerado de más calidad.

Pero, como todo en el arte, esto es muy subjetivo y hay gente a la que le gusta que estos puntos de luz tengan forma poligonal. “¿Cómo? ¿Podemos hacer que estos puntos tengan formas?” Así es, y vas a ver cómo a continuación.

En los puntos de luz desenfocados

Habrás podido comprobar que al hacer una foto con muy poca profundidad de campo y desenfocar el fondo, las luces lejanas como farolas, coches o incluso estrellas, no aparecen como puntos, sino que crecen en tamaño y forman grandes círculos luminosos. Cuanto más desenfocado esté, más grande será el círculo. Pero, además, se produce un curioso fenómeno con estas luces desenfocadas, y es que toman la forma de la abertura que les hace de diafragma.

Por eso, si nuestro diafragma está formado por 6 hojas, al cerrarse éstas, formará un hexágono como el que ves en la portada,y por lo tanto luces con forma de hexágono. Si está formado por 8 hojas, formará un octógono. Si tiene 10, un decágono. Y así, cuantas más hojas, más lados tendrá la abertura, pareciéndose más a la forma de un círculo. El objetivo del ejemplo puedes ver, contando los ángulos o los lados, que tenía un diafragma de 9 hojas.

Cuando tenemos el diafragma abierto al máximo, las hojas se esconden dejando pasar la luz por toda la circunferencia del objetivo, por lo que en el mínimo f de nuestro objetivo estos puntos serán siempre redondos. Es al cerrar dos o tres pasos cuando podemos empezar a apreciar esta forma poligonal en las luces.

Pero, si te fijas en las últimas fotos de ejemplo, verás que llegados a los valores más cerrados del diafragma todo empieza a estar más enfocado y los puntos de luz ya no son polígonos grandes. Al contrario, se aprecia que se forman unos haces de luz formando estrellas. Y ése es el segundo efecto, que vamos a ver ahora.

En los puntos de luz enfocados

Este segundo fenómeno, que ocurre por la difracción de la luz en los ángulos de nuestra abertura poligonal del diafragma cuando ésta es muy pequeña, consigue que de todas las fuentes luminosas puntuales salgan unos rayos o haces de luz. Se producirá un haz o punta de estrella por cada ángulo en el diafragma, es decir, uno por cada hoja. Pero observa el siguiente ejemplo, tomado a f16:

¿Notas algo raro? El objetivo con diafragma de 8 hojas produce, efectivamente, unas estrellas con 8 puntas en todas las fuentes de luz. Sin embargo, el objetivo con 9 hojas parece que produce muchas más. En concreto, son estrellas con 18 puntas. Lo que ocurre es que cada haz de luz no sale en una sola dirección, sino que se difracta en ambos sentidos. Cuando el objetivo tiene un número par de hojas, cada esquina tiene justo en el extremo opuesto otra, de manera que los haces que producen ambas se superponen. En cambio, si tiene un número impar, esto no ocurre, por lo que se ve cómo cada haz viaja en ambos sentidos, produciendo estrellas con el doble de puntas.

Objetivos manuales

Como pudiste ver al comienzo del artículo, en los objetivos con diafragma electrónico, éste se cierra sólo en el instante antes de tomar la foto y es muy difícil de ver. Sin embargo, en los objetivos con diafragma manual podemos ver cómo se abren y cierran perfectamente pues somos nosotros quienes lo accionamos. Así, podemos ver perfectamente cómo a máxima apertura la abertura es completamente circular, pues las palas del diafragma se retraen. Según cómo estén diseñadas estas palas, al ir cerrando se hace más apreciable la geometría poligonal que forma. Aquí puedes ver un diafragma manual de 6 hojas, por lo que en los puntos de luz muy desenfocados formará hexágonos y, al cerrar mucho el diafragma, en los puntos de luz enfocados formará estrellas de 6 puntas.

Otras situaciones

Estas formas no aparecen sólo en las luces desenfocadas por la noche. Aparecen también en los flares a diafragmas bastante cerrados, produciendo toda una suerte de polígonos de luz de distintos tamaños y colores que nacen desde la fuente de luz. O también se ven en fondos que con luces muy heterogéneas, pues en esencia son como muchas pequeñas fuentes de luz que se rigen por el mismo fenómeno que veíamos en el ejemplo del puente. Y a mí me gusta tomarme como un juego el fijarme siempre en estos detalles de fotos y películas, sabiendo que, aunque no puedo adivinar qué objetivo se usó para hacer la toma, puedo saber al menos cómo estaba formado su diafragma.

Fotogramas de la película Her

Bonus: cómo modificar estos efectos

¡Y aún hay más! Como hemos visto, los puntos de luz muy desenfocados toman la forma de la abertura por la que pasa la luz. Si en vez de ser ésta un polígono, hacemos que tome una geometría arbitraria que nosotros le damos, efectivamente, estos puntos de luz formarán dicha geometría. Esta posibilidad tan curiosa te lo explicamos con mucho más detalle en este artículo.

¿Y si quisieras conseguir que los puntos de luz formaran las estrellas tan llamativas que hemos visto, pero no pudieras permitirte cerrar al máximo el diafragma? Pues hay una solución, y son los llamados “filtros de estrella”, que, como no podía ser de otra manera, te explicamos todo lo que quieras saber sobre ellos en este otro artículo. ¡A jugar con la luz!

La forma en la que fotografiamos es tan importante como aquello que fotografiamos, y afecta sin duda alguna a nuestra experiencia fotográfica. ¿Te suena la práctica del mindfulness? Pues en este artículo la vamos a relacionar directamente con nuestra mayor pasión, la fotografía.

Abordaremos esta disciplina desde un punto de vista diferente en el que seremos conscientes y focalizaremos nuestra atención en aquello que nos mueve a realizar fotografías, y en cómo nos sentimos cuando los hacemos. ¿Quieres descubrir esta nueva forma de explorar la fotografía? ¡Pues quédate conmigo!

La Parte Zen de la Fotografía

¿Qué es para ti la fotografía? ¿Tu objetivo (nunca mejor dicho) es exclusivamente lograr una imagen buena? ¿O para ti la palabra fotografía también engloba la experiencia misma? Expresarse a través de ella, planificarla, disfrutar a la hora de tomarla, fijarse en cada detalle...

Porque la fotografía queridos amigos, no es tan solo una bonita afición o profesión, sino que también habla de quienes somos realmente. A través de nuestras imágenes podemos mostrar nuestros gustos, nuestra forma de ver el mundo o incluso nuestra forma de interactuar con él.

Hay una práctica conocida como mindfulness, también denominada atención plena o conciencia plena, que consiste en "prestar atención a los pensamientos, las emociones, las sensaciones corporales y al ambiente circundante, sin juzgar si son adecuados". Hoy lo que haremos será aplicar esta práctica a la fotografía y ver en qué puede beneficiarnos.

A continuación, voy a dejarte una lista de las principales cualidades de un fotógrafo consciente o fotógrafo zen.

1. Curiosidad

Punto número uno, la curiosidad. Si hay algo que nos fascina de los niños es la emoción y la pasión con la que se enfrentan al mundo. Para ellos todo es asombroso, sienten curiosidad por detalles que a nosotros nos pasan totalmente desapercibidos, y eso les permite estar en constante aprendizaje.

La fotografía tiene el poder de acercarnos al mundo con otros ojos, permitiéndonos descubrir lugares nuevos y conocer a gente nueva, pero no solo eso. Como ya te hemos dicho en muchas ocasiones, a veces el reto más grande radica en que acudiendo a los lugares de siempre y estando con la gente de siempre, sepas apreciar nuevos detalles que antes te pasaban desapercibidos.

Y es que con la cámara en la mano, podemos convertirnos en auténticos exploradores del mundo, pero para ello tenemos que dejar salir al niño que llevamos dentro. Porque solo siendo curiosos nos atreveremos a explorar nuevos caminos o a entablar conversaciones con personas con las que nos cruzamos cada día y que podrían inspirarnos para nuestra próxima estupenda fotografía.

También siendo curiosos trataremos de encontrar nuevos puntos de vista para encuadrar nuestras imágenes, y esperaremos el mejor momento y la mejor luz del día para dispararlas y obtener resultados distintos a los que estamos acostumbrados. Incluso nos atreveremos a probar nuevas técnicas fotográficas.

La cámara sin duda puede abrirte muchas posibilidades y nuevas formas de ver las cosas, pero solo si tienes la curiosidad necesaria para hacerlo y estás dispuesto a contemplar todo lo que te rodea desde perspectivas diferentes a las que estás acostumbrado.

2. Intuición

Seguir al corazón y no a la razón a veces es el mejor camino a seguir. ¿Cuántas veces te hemos dicho que sigas las reglas de composición a la hora de encuadrar tus imágenes? ¿Y cuántas otras veces te hemos dicho que no las sigas?

Está claro que las leyes, reglas o recomendaciones nos ayudan y guían en infinidad de situaciones, no en vano son como conclusiones extraídas del trabajo de muchos profesionales que se han resumido en pequeñas claves de aquello que funciona mejor. Pero eso no quiere decir que siempre haya que seguirlas, porque no todas las fotografías tienen que ser igual, ni tampoco que expresar lo mismo. Y a veces, el contenido prima más que el continente, y es ahí cuando romper una regla si es lo que necesitamos estará totalmente justificado.

Por supuesto lo aconsejable es que conozcamos bien esas reglas para tener esos conocimientos adquiridos, pero que a la hora de disparar nuestras tomas tengamos el poder de equilibrar nuestro lado más analítico con nuestra visión más artística.

Si tenemos que usar una regla se usará, pero no pensando en que tenemos que hacer la foto siguiéndola, sino que nos salga de manera natural porque así nos lo pide la toma. Y si tenemos que romperla, pues se romperá, porque las reglas no son inquebrantables y a veces rompiéndolas es como obtendremos el mejor resultado.

3. Búsqueda de la Belleza

Un buen fotógrafo sabe buscar la belleza en cualquier rincón por muy feo que parezca, porque tiene el poder de apreciarla donde otros no la ven. La belleza en fotografía no tiene ningún canon, o al menos no debería tenerlo en el sentido clásico.

¿Acaso no puede ser bella una fotografía con una gran carga emocional y una iluminación dramática a pesar de que el sujeto que aparece en ella no sea un modelo de pasarela? ¡En absoluto!

Buscar la belleza significa encontrar algo interesante en lo que otros descartan, y eso es lo que diferencia a los grandes fotógrafos.

Imagina un escenario con dos rosas. Una de ellas en su apogeo y con un color potente, mientras que la otra ya está marchita. Cualquiera que pase por allí se sentirá indudablemente más atraído por la rosa sana, pero ¿acaso la rosa marchita no sigue siendo preciosa? ¿No podemos buscar la manera de crear el clima perfecto o centrarnos en el detalle idóneo para que una fotografía de ella exprese más belleza que la otra rosa?

Se dice que la belleza está en los ojos de quien mira, y no podría ser más cierto. Trata de no quedarte en lo evidente, y mira más allá.

4. Atención Plena

Vivimos en un mundo en el que todo va super rápido y nosotros vamos siempre con prisas y acelerados. Eso nos imposibilita disfrutar plenamente de lo que estamos haciendo, y la fotografía no es ninguna excepción.

¿Cuántas veces os habéis ido de viaje, y al bajar del coche habéis sacado la cámara y empezado a disparar capturas a diestro y siniestro para que no se os escapara nada? ¿Quién no lo ha hecho?

Queremos foto de todo, cuantas más mejor. ¿Acaso cantidad es mejor que calidad? ¿En qué momento hemos llegado a pensar eso?

Al igual que ocurre con nuestra vida, en fotografía también tenemos que pisar un poco el freno. Dejar de obsesionarnos con intentar capturarlo todo con la cámara, y aprender a disfrutar del momento que estamos viviendo y de la fotografía que vamos a sacar.

¿De qué te servirán las miles de fotos que puedes hacer en ese viaje? ¿Qué vas a hacer con ellas? ¿No será mejor tener menos pero que estas estén hechas con mayor mimo?

Piénsalo. Al hacer ese viaje, puede que estés visitando sitios en los que nunca has estado, así que disfrútalos con tu mera presencia también. No los vivas exclusivamente a través de la cámara. Y cuando vayas a realizar tu captura, simplemente tómate tu tiempo, mira a tu alrededor y vive el momento. De esa forma, seguro que descubrirás algún detalle que te ha pasado a primera vista desapercibido y que es el responsable de que la foto que vayas a realizar sea especial y no una más.

Al final no se trata de estar en mil lugares y tener miles de fotos, se trata de vivir y disfrutar del lugar, y gracias a ello sacar la foto que quieres porque estarás mirando en la dirección adecuada.

5. Actitud Positiva

La actitud que tenemos frente a las cosas es muy importante. Ser positivos e intentar ser respetuosos con los demás nos hará conectar mejor con el entorno que nos rodea y sobre todo con la gente.

Si nos llevamos esto al campo de la fotografía... ¿Cómo podemos aplicarlo? Pues te voy a poner un ejemplo sencillo. Puedes ser la clase de fotógrafo que acude a un paisaje de ensueño, realiza su foto, y a continuación arranca las flores que ha incluido en su encuadre para que nadie más pueda sacarlas. También puedes ser un fotógrafo callejero que empieza a retratar a la gente sin importarle si esta se siente incómoda. O un fotógrafo de retrato que realiza las tomas de sus modelos con intención de menospreciarlos. O incluso un fotógrafo nocturno que realiza su foto y una vez termina, si ve que hay otros fotógrafos en el mismo lugar, saca su linterna para molestar y que los demás no puedan conseguir una buena toma.

¿Crees que esto es impensable? Pues te diré que no, aunque lo que se puede conseguir con esta actitud desde luego no será gratificante. La clave está en sumar, no en restar.

La posibilidad de trabajar o compartir afición con otros compañeros fotógrafos es en realidad un regalo, y tenemos que saber apreciarlo. Un grupo de personas que sienten pasión por lo mismo, que pueden estar horas y horas hablando de fotografía sin aburrirse, compartiendo experiencias, ayudándose el uno al otro... Incluso el hecho de enfrentarse a las mismas escenas será como un reto para sí mismos con el fin de encontrar el mejor encuadre y la composición perfecta, algo que seguramente no haríamos si fuéramos solos.

Así que sí, en vez de ver la parte negativa, respira y saca tu mejor sonrisa, porque centrándose en el lado bueno de las cosas seguro que ganas mucho más. Si disfrutas con lo que haces quédate con eso. No tienes por qué compararte con los demás ni entorpecer su trabajo.

6. Búsqueda de la Sencillez

Como fotógrafos, cada vez que encuadramos estamos decidiendo qué es lo más importante de una escena, y en qué tiene que fijarse el espectador cuando observe nuestra fotografía. Por lo tanto, encuadrar significa elegir y destacar una de entre las muchas opciones que tenemos.

Pero elegir no siempre es fácil. Debemos enfrentarnos al caos que nos presenta la vida y saber simplificarla para centrarnos en aquello que realmente merece la pena. Puede ser una historia, una emoción o una idea.

Lo que está claro es que debemos hacer un ejercicio de reflexión, y pensar qué es lo que estamos fotografiando y por qué. ¿Qué nos mueve a apuntar con la cámara hacia esa dirección? ¿Qué queremos transmitir con esa fotografía?

Puede parecer difícil, pero a veces hacerse esas preguntas antes de disparar sin más, nos ayudará a que la imagen tenga un mayor sentido y transmita de forma más efectiva aquello que queremos, evitando distracciones innecesarias.

Además, para evitar las distracciones tenemos muchos recursos fonográficos a nuestro alcance, como por ejemplo acercarnos al sujeto, utilizar ángulos diferentes, buscar el minimalismo o incluso utilizar profundidades de campo escasas. Los recursos los tienes, pero primero tienes que decidir qué es lo importante y cómo vas a mostrarlo en tu imagen.

7. Empatía

También relacionado con el trabajo junto a otros compañeros fotógrafos, es aconsejable que seamos tolerantes. Cada uno sigue su propio camino y a su propio ritmo.

Eso quiere decir, que igual tenemos compañeros que acaban de empezar y llevan un ritmo de aprendizaje más lento, y otros que nos llevan bastante ventaja. ¿Pero qué más da? Podemos aprovechar esto para intentar ayudar a aquellos que tienen menos conocimientos que nosotros, e inspirarnos en los que tengan más.

Porque aunque no te lo creas, aprenderás siempre algo nuevo tanto en un caso como en el otro, ya que cada uno ve el mundo través de sus propias experiencias, y si las compartimos podremos beneficiarnos todos.

8. Aceptación de Sí Mismo

Y por último, otra de las cualidades de un fotógrafo zen es que sabe aceptarse a sí mismo y reconocer en qué punto se encuentra. No debemos obsesionarnos con el fotógrafo que queremos ser, ni compararnos con otros compañeros que sean mejores que nosotros, porque eso no nos beneficiará en absoluto. Si siempre estamos pensando en lo que queremos ser y no en lo que somos acabaremos estresados e insatisfechos con nuestro trabajo.

Como te decía antes, cada uno sigue su propio camino, un camino único, lleno de experiencias únicas que harán que avances y aprendas de un modo distinto al que lo hará otro compañero.

Hay que reconocer en qué punto estamos en este momento y qué nivel de habilidades fotográficas tenemos. ¿Qué se te da bien? ¿Qué te gusta fotografiar? Pues hazlo. Seguro que en el camino aprendes cosas nuevas y te atreves a experimentar con técnicas que desconocías.

Dentro de un año, cuando eches la vista atrás, te darás cuenta de que has cambiado y crecido como fotógrafo, pero no hay por qué correr. Disfruta del viaje que es la fotografía, porque lo importante no es el destino, sino el camino que hay hasta llegar a él.

¿Te Animas a Buscar el Fotógrafo Zen que Llevas Dentro?

Sé que no te he contado nada que no supieras ya, pero a veces hay que pisar el freno y aprender a ser conscientes de lo mucho que disfrutamos de esta pasión que nos une llamada fotografía.

Que fotografiar no significa colocarse la cámara frente al rostro y disparar sin más. Fotografiar implica poner el alma y el corazón en cada foto, expresar cómo nos sentimos ante las cosas, probar técnicas nuevas, buscar la mejor composición para transmitir lo que de verdad queremos en nuestra captura. Fotografiar también significa disfrutar de lo que hacemos, ser curiosos y buscar la belleza donde otros no lo hacen.

Todo esto y más es lo que engloba la palabra fotografía, pero ¿eras consciente de ello? ¡Saca al fotógrafo zen que llevas dentro y sé consciente de cada momento que conforma la experiencia fotográfica!

¿Cuál es el secreto del éxito de una buena foto? ¿El revelado? ¿El encuadre? ¿El elemento fotografiado? Saber por qué unas fotos funcionan y otras no, puede ser un auténtico quebradero de cabeza para todo aquel fotógrafo/a que desea mejorar y evolucionar.

Como las normas de composición no funcionan siempre, queremos ir un poco más allá y en este artículo vamos a tratar de comprender cómo trabaja nuestra mente y cómo percibimos aquellos que observamos.

Para ello, vamos a investigar los principios de la psicología más básicos que recoge la Teoría de la Gestalt, porque nos darán la clave para entender cómo las personas damos sentido a las imágenes que vemos.

La Psicología Aplicada a la Fotografía

Como ya te contábamos en el artículo de la Psicología del Color y su Uso en Fotografía, los colores pueden generar un impacto emocional en el espectador y podemos utilizarlos en nuestras composiciones para generar sensaciones.

Del mismo modo que se produce una respuesta psicológica involuntaria (e incluso física) al observar un color, también ocurre lo mismo al observar formas y contornos. Nuestro cerebro los percibe de una manera que escapa a nuestro control y eso es lo que estudia la teoría de la Gestalt.

A diferencia de las normas o leyes de composición que sí que fueron escritas y pensadas para el mundo artístico, los principios de la Gestalt se basan solo en la psicología porque son leyes relacionadas estrechamente con la percepción humana.

Antes de seguir, vamos a definir bien dos conceptos clave:

• Composición: en fotografía es el modo de ordenar y estructurar los elementos visuales (perspectiva, forma, color, textura, volumen, iluminación, contraste, espacio, enfoque, etc.) para transmitir un mensaje visual.
• Percepción: es el primer conocimiento de algo a través de las impresiones que comunican los sentidos y que selecciona aquellas cosas que despiertan más nuestra atención.

Sabiendo esto, ya puedes interiorizar mejor que el objetivo de la teoría de la Gestalt es el de estudiar cómo las personas seleccionamos y organizamos inconscientemente los elementos al observar una imagen. ¿Interesante verdad?

La buena noticia es que los fotógrafos podemos tomar prestadas esas leyes y aplicarlas a nuestras fotografías para componer nuestras tomas y conseguir generar el impacto deseado en la mente del espectador.

Como te hemos dicho muchas veces, no existen normas de composición inquebrantables porque en el arte no existen reglas. Solo son recursos o herramientas que podemos usar para tratar de lograr captar la atención. Y puede que funcionen, o puede que no...

Sin embargo, los principios de la Gestalt no podemos evitarlos, de igual modo que no podemos evitar que exista la ley de la gravedad o de la termodinámica, ocurren porque forman parte de nuestra percepción como seres humanos. Por eso, si las dominamos será más fácil tener éxito a la hora de componer.

La Teoría de la Gestalt

La teoría de la Gestalt es una corriente de la psicología moderna que surgió hace unos 100 años en Alemania, allá por el 1920. Se trata un de conjunto de leyes o principios que pretenden explicar cómo percibimos lo que vemos y lo organizamos en nuestra mente para crear la comprensión de las imágenes.

Su premisa básica es que cuando observamos una escena caótica visualmente, nuestra tendencia es la de simplificarla con patrones y formas reconocibles más sencillas. Es por eso que se llama teoría 'Gestalt', que significa 'figura' o 'contorno' en alemán.

¿A ti también te pasa que cuando miras las nubes encuentras formas: un dragón, un delfín, una silueta de mujer? Lo que ves son nubes, y tú lo sabes, pero tu mente no puede evitar intentar juntar las nubes para crear una forma reconocible para ti.

Pues esa es la idea principal con la que se resumen todas las teorías de la Gestalt, que 'El todo es más grande que la suma de sus partes', porque nuestra mente tenderá siempre a percibir una imagen en su forma completa en lugar de sus partes independientes e individuales.

Las leyes, tanto generales como particulares, que forman parte de la Gestalt son muchas, por eso nosotros vamos a recopilar aquellas que sí que podemos aplicar a la composición fotográfica y que nos podrán servir en nuestro campo.

Aunque muchos de estos principios puedan parecer similares se trata de planteamientos diferentes e individuales que surgen de una teoría común. No te preocupes si lo que lees te parece demasiado técnico en algunos puntos, porque te lo mostraremos con fotografías de ejemplo para que quede más claro.

#1. Principio de Figura - Fondo

A los fotógrafos nos interesa mucho este principio general de la teoría de la Gestalt porque al ver una imagen el ojo siempre busca determinar cuál es la figura y cuál es el fondo. Seguro que te suena la famosa imagen del 'Jarrón de Rubin'.

Fíjate en la primera imagen de abajo, si el jarrón tiene textura, color, sombras y el fondo es plano y genera contraste no tenemos ninguna duda e identificamos claramente cuál es la figura y cuál es el fondo.

Sin embargo, en la segunda imagen bidimensional no pasa lo mismo ¿verdad? Se crea una ambigüedad y algunas personas ven el jarrón, mientras que otras ven los perfiles de dos rostros como sujeto principal.

Este es uno de los ejemplos más conocidos de figura y fondo inestables porque no sabemos dilucidar al instante cuál es cuál. Lo queramos o no, nuestro sistema visual tiende siempre a simplificar una escena con un elemento principal (la figura) y todo lo demás (el fondo o el suelo).

El 'Cubo Imposible de Necker' es otro de los objetos de estudio de la percepción. También se trata de un efecto ambiguo e interesante porque, de igual modo que antes, podemos escoger entre dos interpretaciones posibles del mismo cubo según la cara del cubo elijamos como principal.

Pues bien, como fotógrafos nuestro objetivo es conseguir que la relación entre figura y fondo sea estable y que la atención inicial se dirija hacia la figura (el elemento fotografiado) antes de pasar al fondo (el resto de la toma).

¿Y cómo podemos hacer esto? Pues trabajando con recursos como estos que nos ayuden a agregar volumen a nuestras fotografías:

• Tamaño: nuestra mente siempre percibirá antes como una figura aquella forma que sea más grande y que se acerque hacia nosotros. Mientras que las formas pequeñas que parezcan más lejanas las percibirá como parte del fondo. Por tanto, el peso visual de los elementos jugará un papel importante.
• Separación: el elemento que aparezca aislado en medio de una escena llamará la atención instantáneamente, incluso aunque la escena sea caótica.  Por eso debe apreciarse una separación notable respecto al resto de elementos, de lo contrario la figura se fusionará con el fondo y pasará desapercibida.
• Contraste de valor (contraste de luminosidad o 'claro-oscuro'): se encarga de separar los objetos en el espacio. Una figura con un alto contraste tiende a llamar más nuestra atención antes que una con bajo contraste y para lograrlo nos ayudaremos del color y la luminosidad. 
• Profundidad de campo: los objetos que aparezcan nítidos atraerán primero la mirada del espectador, mientras que los elementos desenfocados pasarán desapercibidos. Esto es porque al resultar confusos para la mente los desplazamos instantáneamente al fondo. Por eso elegir el número f y determinar la profundidad de campo es tan importante en fotografía.

#2. Principio de Simplicidad

Nuestra mente percibe una imagen en su forma más simple y primaria y esto es algo que influye mucho en nuestras decisiones diarias, aunque no nos demos cuenta. En eso consiste el principio de la simplicidad o también llamada ley de la sencillez.

Esta explica que es importante simplificar una imagen para ayudar al ojo y a la mente a sentirse cómodos al desencadenar la interpretación de lo que estamos tratando de mostrar. Por este motivo, los logotipos publicitarios apuestan por el 'menos es más', porque lo simple es más fácil de recordar (La 'M' de McDonalds o el símbolo de Nike, son muy buenos ejemplos).

La ley de la Pregnancia o Ley de Prägnanz (que también podría ser traducida como ley de la buena forma) nos viene a decir lo mismo, que nuestra mente trata de ahorrar esfuerzos y ordenar las cosas de forma simétrica y simple.

Nos pasa con algo tan sencillo como unir cuatro puntos. ¿Verdad que lo primero que te imaginas es que se unen formando un cuadrado? Esa es la forma más básica, pero podrían unirse de otros modos más complejos que no has pensado en un primer momento ¿verdad?

En fotografía pasa lo mismo, observamos una toma y nuestra mente lo primero que hace es simplificar en formas y contornos. Esas formas por separado no nos dirían nada (dos palos, un plato, una servilleta, una esterilla de bambú), pero unidas forman un conjunto, una idea (¡Hoy toca cenar sushi!).

Cuanto más facilitemos la lectura de nuestra composición, más sencillo será crear imágenes atrayentes para la mente de nuestros espectadores. Cuanto más complejas, menos interesantes, por eso el minimalismo es un tipo de fotografía muy habitual entre algunos fotógrafos.

#3. Principio de Semejanza

Uno de los principios más básicos de la psicología Gestalt es el de la similitud o semejanza. Este sugiere que nuestros cerebros agrupan elementos que son similares entre sí.

Es decir, que si vemos muchos elementos que comparten el mismo color y textura, siempre los vamos a ver como una sola unidad. Esto ocurre porque nuestra mente tiene la tendencia de buscar características coincidentes y así lograr identificar un significado lógico lo más rápido posible.

Para jugar con la semejanza en nuestras fotos podemos hacer uso de un recurso muy útil, el ritmo compositivo, porque la similitud tiene mucho que ver con los patrones. Si encuentras la semejanza en un grupo de elementos tu objetivo será el de crear una combinación armoniosa de formas y tonos.

Sin embargo, si dentro de una composición hay un elemento que difiere del resto entonces dividiremos la imagen en dos partes, el grupo de elementos similares y el elemento discordante.

Este último es un recurso que en fotografía utilizamos muchísimo, porque además podremos activarlo a través de diferentes medios: el tamaño, el color, la textura, la forma, el movimiento o cualquier otro recurso que unifique los elementos.

Por lo tanto, podemos usar este principio tanto para crear conexiones entre elementos no conectados como para introducir un elemento distinto que destaque sobre el resto del grupo y romper esa conexión.

#4. Principio de Proximidad

Este principio viene a decirnos que las formas u objetos cercanos entre sí parecen formar grupos. Esto es porque nuestras mentes asocian inconscientemente que forman parte de un conjunto, de un todo.

Por tanto, cuando observamos una foto que tiene elementos situados unos junto a otros tendemos a pensar que tienen algún tipo de relación. Da igual si son completamente diferentes entre sí en cuanto a tamaño, colores o formas, porque para nuestro cerebro formarán un grupo si aparecen muy juntos.

Recuerda que la mente humana está programada para intentar eliminar el caos que percibe, simplificando todo al máximo y para ello establece irremediablemente relaciones entre los objetos que vemos.

Entonces ¿cómo debemos colocar los elementos dentro de la imagen? Seguro que has oído hablar de la famosa regla de los impares ¿verdad? Esta regla defiende que, a nivel visual, es más atractivo un número impar de elementos en una composición que uno que sea par. Los primeros suelen ser más dinámicos y los segundos más estáticos y aburridos.

Esto ocurre porque cuando necesitamos procesar un número de elementos, tendemos inconscientemente a emparejarlos y a simplificar. Pero cuando la imagen está compuesta de un número impar nuestro cerebro no puede emparejarlos todos. Y esa es la clave de su atracción.

¿Y qué podemos hacer cuando tenemos números pares, pero queremos que nuestra composición siga siendo dinámica? Pues recurrir al principio de proximidad de la Gestalt: agrupar dos elementos en una sola unidad para que formen un solo conjunto y, si hay más elementos, hacer lo mismo hasta lograr crear vínculos.

Por ejemplo, en esta foto son cuatro (número par) los elementos que aparecen dentro del encuadre, pero todos ellos están cerca del árbol de Navidad y se tocan entre sí. Hay dinamismo y a la vez se crea un vínculo emocional, que es justo el mensaje que se quería trasmitir.

Fíjate lo poderoso que puede ser este recurso a la hora de comunicar la unidad de los elementos dentro de una imagen. Por eso, en los retratos puedes pedirles a los protagonistas que se cojan de la mano o que se abracen, sobre todo si se trata de amigos o familiares.

#5. Principio de Igualdad

El principio de la igualdad o equivalencia es uno de los más sencillos, consiste en comprender que nuestra mente siempre va a tener tendencia a agrupar todos aquellos elementos que sean exactamente iguales. Es distinta a la ley de la semejanza porque en la anterior, no se precisaba que fueran exactamente iguales, solo similares.

Es un principio que se suele aplicar mucho en fotografía callejera y en la fotografía de patrones urbanos, porque es donde más se suelen encontrar elementos idénticos, repetitivos y constantes. La naturaleza también puede proporcionarnos grupos de elementos iguales, como una colonia de pingüinos o una cesta con manzanas.

Si además de ser iguales, los elementos son simétricos y completamente idénticos los concebiremos como una única unidad. Eso es porque la relación que existe entre dos elementos nos ayuda a percibir que se trata de una figura unida.

Para lograr este efecto podemos recurrir a un recurso compositivo muy útil: los reflejos. El agua, los espejos o las superficies pulidas (metales, vidrio) son lugares donde podrás fotografiar una reflexión especular prácticamente idéntica a la realidad y conseguir composiciones iguales y simétricas.

#6. Principio de Continuidad

Este principio se basa en que el espectador tiene una tendencia instintiva a seguir con la mirada hacia donde se dirige un camino, un río, una escalera, en definitiva y simplificándolo mucho, a seguir una línea.

Te propongo repitas un experimento de la teoría de la Gestalt. Párate en medio de una estancia con varias personas y quédate mirando el techo. Seguro que pronto hay algunos que empiezan a mirar hacia el techo y preguntarte qué pasa.

Seguidamente señala el techo con el dedo y sigue mirando. Captarás más la atención y todos acabarán mirando al techo y tratando de encontrar lo que señalas. No, no hay nada en el techo. Pero dentro de la mente de tus acompañantes ha saltado una alarma, has guiado su mirada primero con tus ojos y luego con tu dedo.

En fotografía pasa lo mismo, si guías al espectador, mirará hacia donde tú quieras que mire. Las líneas se percibirán siempre como un solo elemento, siempre y cuando sean continuas, aunque incluso estén segmentadas.

Esto es porque le estaremos dando al espectador diferentes formas de entrar y salir de la toma. Ten siempre en cuenta que el espectador es más proclive a seguir un rumbo establecido y permanecer dentro de él si hay una recompensa final.

Por eso el uso de recursos compositivos como el punto de fuga de un bosque, las vías del tren o una carretera dentro de nuestro encuadre proporcionan un camino a través del cual el espectador puede viajar dentro de nuestra composición fotográfica.

Si los elementos abandonan el marco y no sabemos donde acaban, mucho mejor, porque nos ayudará a crear una sensación de profundidad y nuestra mente creerá que el camino continúa más allá de su punto de fuga. Utilizando una lente gran angular lograremos enfatizar la longitud de las líneas porque parecerá que se alargan y se alejan todavía más.

#7. Principio del Cierre

Uno de los principios más curiosos de esta corriente psicológica es la del cierre porque resulta que tenemos una irresistible tendencia a rellenar huecos de forma inconsciente. Si hay un espacio vacío dentro del encuadre, nuestra mente se las apañará para llenarlo automáticamente con aquello que encuentre a su alcance.

Según este principio nuestra mente siempre trata de completar las formas que no existen o que se quedan a medias. Esa la base de muchas ilusiones ópticas, pero también se aplicará fácilmente al campo de la fotografía y si lo utilizamos involucraremos al espectador, porque sin pensarlo completará la imagen.

De igual modo que un cantante deja de cantar en mitad de un concierto para que los fans completen la letra, nosotros podemos dejar un espacio dentro del encuadre para que el espectador lo llene y se sienta parte de la fotografía. Al reconocer formas que le resulten familiares su mente trabajará para imaginar las piezas que faltan en una imagen, como pasa con este edificio.

Cuando se produce el cierre existe una sensación de placer. Pero si la forma no se indica de forma suficientemente clara y resulta ambigua, se creará un enigma difícil de resolver que requerirá más tiempo, pero que finalmente se producirá.

Por ejemplo, intenta leer esto: ¿Enti-nd-s lo q-e pon- -quí? A pesar de no ver la frase completa nuestro cerebro rellena los huecos donde faltan algunas vocales, porque reconoce las palabras (¿Entiendes lo que pone aquí?).

Con la fotografía podemos hacer lo mismo, aprovechar lo que el espectador ya sabe para sugerir una conexión visual que tenga que cerrar y convertirle en un participante activo de nuestra foto. ¿Has completado la forma del donut mordido? Si a Apple le funciona con la manzana de su logotipo, a ti también te podría funcionar ¿no crees?

#8. Principio de la Simetría

Este principio no se basa tanto en el acto de percibir sino en la sensación que se genera al percibir. Nuestro cerebro trata de organizar lo que ve intentando que todo sea estable, simétrico, simple, estructurado y ordenado.

Por eso una imagen con simetría resulta placentera visualmente, no hay desequilibrio ni nada erróneo que se encuentre perdido dentro de la toma. Al observarla, sentimos tranquilidad, estabilidad, calma y nada nos distrae a la hora de captar el mensaje que se busca transmitir.

A la hora de tomar nuestras fotos, podemos tratar de buscar ese equilibrio gracias a la definición del punto de fuga, la colocación del horizonte y equilibrando los elementos que aparecen dentro del encuadre. No es necesario que sea iguales o idénticos, pero sí que estén simétricamente colocados dentro de la composición.

Sin embargo, si añadimos un elemento asimétrico dentro de una escena simétrica el espectador se encuentra ante un problema dentro del encuadre. Lo que hace es perder el tiempo tratando de entender qué hace eso ahí y por qué no puede ordenarlo y estructurarlo.

Si creamos distracción con un elemento irregular es posible que este acto incomode al espectador y solo se logre entorpecer la recepción del mensaje que buscaba transmitir la foto desde un primer momento, creando sensación de rechazo. ¿Qué opinas en este caso? ¿Te incomoda que la chica rompa la simetría?

#9. Principio de Destino Común

El destino común es un principio que reconoceremos fácilmente y que seguro que ya hemos usado muchas veces en fotografía porque lo tenemos más interiorizado. Consiste en que percibamos como un grupo coherente a los objetos que aparecen orientados en una misma dirección.

Es un principio muy similar el de la proximidad y al de la continuidad, pero aquí también añadimos la sensación de movimiento o de dirección. Si vemos una bandada de pájaros siguiendo una misma trayectoria, aunque se trate incluso de aves de especies distintas o de diferentes tamaños, lo concebiremos como un grupo.

Por tanto, si dos o más elementos se desplazan en una misma dirección crean una línea direccional porque tienen el mismo destino y se perciben como unidad. Si además están realizando el mismo acto, como volar, andar o saltar también se creará una relación común que hará que el espectador se haga la pregunta que deseamos ¿A dónde se dirigen y por qué?

Sin embargo, si vemos pájaros volando aleatoriamente no tendremos la misma percepción. Al no determinar si hay un destino común los vemos como entidades completamente independientes. Se pierde esa necesidad de unirlo todo y se crea una tensión diferente con la que también podemos jugar en fotografía.

Por tanto, al realizar fotos de elementos en movimiento siempre debemos tener en cuenta que si se mueven en la misma dirección, ese movimiento se convertirá en el protagonista de la toma. Y si añadimos un elemento que se mueva en la dirección opuesta, conseguiremos separarlo del grupo y darle sentido por sí mismo.

#10. Principio de la Experiencia

¿Cuántas veces has visto una foto y has pensado automáticamente me recuerda a aquel sitio, a aquella película, a aquella persona...? No podemos evitarlo, tenemos la tendencia de asociar cosas nuevas a cosas pasadas y eso es algo que en fotografía también podemos aprovechar.

Según el principio de la experiencia vivida, también llamado de la experiencia pasada, si hemos visto uno o varios elementos juntos en el pasado, seguramente nuestra tendencia será la de agruparlos en el presente.

En realidad, sería un principio prácticamente común a todos los anteriores, porque toda la teoría de la Gestalt se basa en las formas que hemos percibido a través de nuestros ojos desde que nacemos y vamos desarrollándonos en sociedad.

Fíjate en este ejemplo con el que quizás entiendas mejor a lo que nos referimos. Esto no son garabatos, aunque lo parezcan, se trata de los skylines de dos ciudades muy famosas. Si te fijas un poco en las formas de sus edificios más emblemáticos seguro que las reconocerás rápidamente.

Efectivamente, la primera imagen corresponde al skyline de París y la segunda imagen al de Nueva York. Tienen referentes arquitectónicos como la Torre Eiffel y la Estatua de la libertad que nos resultan familiares. De hecho, aunque no hayas siquiera viajado a estos lugares, eres capaz de reconocerlos.

Pues bien, ahora mira este otro skyline. ¿Sabes qué ciudad es esta? ¿La reconoces? 

Se trata del skyline de Breslavia, una ciudad situada en el suroeste de Polonia. Seguramente, si no vives allí o no lo has visitado te resulte casi imposible adivinarlo ¿verdad? Eso es porque Breslavia no forma parte de tu experiencia vivida y al desconocer su existencia no puedes percibirla como algo reconocible.

Todo lo que vemos y percibimos lo interpretamos de una forma personal y cuanto más abstracto es aquello que percibimos, más lo interpretamos de forma subjetiva. Nos basamos en la experiencia, en aquello que ya hemos experimentado y por eso al componer debemos pensar qué reconocerá el espectador al ver nuestra foto y jugar con esa baza.

El Poder de la Mente como Recurso Compositivo

La teoría Gestalt nos dice que la escena en su conjunto es mayor que la suma de las partes individuales. Gracias a esta idea, los fotógrafos podemos realizar composiciones que no se lo revelen todo al espectador sin miedo a que el mensaje deje de transmitirse, porque será el propio espectador el que interprete esa imagen no explícita y cree su propio mensaje.

Quizá las teorías de la Gestalt sirvieron de inspiración para escribir las normas de composición que se crearon para el mundo artístico. No lo sabemos. Lo que sí tenemos claro es que la percepción humana es la misma para todos y que podemos usar el poder la mente para componer en fotografía.

¿Qué opinas tú?  ¿Te convencen más estos principios que las normas de composición habituales? ¿Ya conocías la teoría de la Gestalt y la aplicas normalmente a la hora de hacer fotos? ¡Deja un comentario y cuéntanoslo!

La sabiduría popular está llena de grandes consejos para todas las situaciones, pero demasiado a menudo este conocimiento del boca a boca se llena de errores por el camino. Y lo malo es que es muy difícil detener la propagación de estas falsas afirmaciones una vez que están en el aire.

Pero precisamente para eso vengo hoy, a frenar algunos de los mitos y errores comunes en boca de la gente que estoy seguro que habrás escuchado alguna vez, siempre intentando razonar su origen y el porqué de cada error. ¿Listo? ¡Vamos allá!

1. Un objetivo 50mm en una cámara Full Frame da el mismo campo de visión que el ojo humano

Esta afirmación, que tiene como argumento que éste es el objetivo que todos los fabricantes llaman “estándar”, se puede desmentir rápidamente en casa. Mirando hacia delante en una habitación, comprobando qué abanico abarcamos bien con la vista y haciendo una foto a 50mm (ó 35mm en cámaras APS-C), vemos que en la foto aparece una zona mucho más estrecha que lo que vemos con los ojos. Porque nuestro campo de visión tiene en realidad una amplitud equivalente a nada menos que un objetivo gran angular 12mm. Si bien la zona de máxima nitidez y atención de nuestro ojo, ésa con la que ahora mismo lees estas líneas, es muchísimo más reducida, equivalente a un teleobjetivo de distancia focal 1000mm.

La razón por la que el objetivo 50mm sea el objetivo estrella y considerado estándar tiene una razón simple y de simplicidad: es la distancia focal más sencilla (y por lo tanto barata) de fabricar para negativos y sensores de 35mm, ya que no requieren muchas lentes ni elementos asféricos ni de dispersión anómala, con lo que se convirtieron en los objetivos base para acompañar toda cámara réflex.

2. Lo primero que hay que hacer es poner un filtro para proteger el objetivo

Es una frase que toda persona que acabe de comprarse una cámara réflex escuchará por todos lados. Puede que a un amigo o puede que incluso al mismo vendedor de la tienda. Y el argumento de que sirve para proteger el objetivo en el caso de que se te caiga es válido, pero no me parece para nada la mejor opción ya que el filtro UV que le pones a tu cámara recién comprada para protegerla no es un filtro de cristal profesional de 100€, sino el más económico que te venden en la tienda, y con ello estás tirando por la borda todo el esmero con el que fabricaron las lentes de tu objetivo.

La calidad de imagen que obtienes se ve siempre limitada por la lente de peor calidad que tienes delante del sensor, y ésa es sin duda el filtro de 15€ hecho de plástico. Y por eso, en vez de proteger el objetivo de una posible caída con un filtro, yo veo mucho más eficaz y sensato hacerlo con un parasol. Cuesta tanto o menos que cualquier filtro, protege el cristal frontal de rayaduras y golpes y, no sólo no perjudica la calidad de imagen, ¡sino que la mejora! Un parasol mejora el contraste obtenido y evita los flares, además de que, en el caso de romperse por un golpe, puede arreglarse fácilmente. Todo ventajas.

Un parasol que absorbió una caída, protegiendo las lentes y cuerpo del objetivo. Se rompió, pero con un poco de pegamento pudo arreglarse.

3. Hay que apagar la cámara para cambiar el objetivo por la electricidad estática

Corre un mito por muchos rincones de internet que dice que el sensor de las cámaras se carga de electricidad estática y si no la apagas al cambiar de lentes, ésta atrae el polvo y se te ensucia el sensor enseguida, como si de un trapo atrapapolvo se tratase. Un mito que se desmiente conociendo el funcionamiento de una réflex y un poco de física. Y es que aunque es cierto que por la naturaleza del efecto fotovoltaico un sensor se puede cargar de electricidad estática, ésta no desaparece después de aplicar las cargas, precisamente por ser estática. Permanece aún después de apagar la cámara, y habría que descargarlo por contacto con una tierra. ¿Por qué no es preocupante entonces? Pues porque en las cámaras réflex el sensor está protegido por la cortinilla en todo momento excepto en el momento exacto de hacer la foto. Luego cambiando el objetivo, el sensor no está nunca expuesto al polvo.

¡Pero ojo! Este mito adquiere más sentido en las nuevas cámaras sin espejo, donde a menudo el obturador es electrónico y el sensor sí queda al contacto directo con el aire.

4. Más megapíxeles significa mejor cámara

Éste es un clásico que estoy seguro de que la mayoría de los que están leyendo esto saben de sobra que es falso, pero por si acaso lo reitero: los megapíxeles (que significa “millones de píxeles”) sólo indican el tamaño de la imagen digital obtenida. Además, aumentar el número de fotodiodos en el sensor va casi inevitablemente ligado a una menor calidad a ISOs altos al tener estos fotodiodos una superficie menor sobre la que recibir luz, por lo que tener una cámara con más megapíxeles de los que realmente necesitas puede ser hasta contraproducente. Con las resoluciones que manejamos hoy en día, por normal general es más relevante la calidad de imagen obtenida que el tamaño de dichas fotos.

5. Jamás hay que usar el flash integrado

Es cierto que la luz que da un flash integrado es considerada de mala calidad al venir completamente de frente, no crear volumen en los rostros y dar poca potencia, entre otros. Pero para nada ésta debería ser una regla insalvable. El flash integrado no deja de ser un recurso más que nos ofrece nuestra cámara, y está a nuestro criterio usarlo o no dependiendo de la situación. Porque es muy probable que alguna vez nos encontremos en la situación de no tener nada de luz, y es mejor una luz mala que ninguna. O puede que tengamos la creatividad para usarlo con modificadores de luz, para rebotar o para hacer saltar otro flash esclavo. No te prohíbas usar el flash integrado, ¡aprende a sacarle partido!.

6. Editar en Photoshop es falsear la foto, la fotografía analógica es la única pura

Es cierto que con la edición digital se pueden crear auténticas monstruosidades, pero los ajustes en el revelado de exposición, contraste, luces altas o bajas, colores, virados, corrección por zonas y un sinfín de variaciones que mucha gente considera “alteración photoshop” no son, ni mucho menos, algo nuevo de la fotografía digital. El revelado personalizado para conseguir hacer destacar nuestra foto se lleva haciendo desde que se tuvo medios e ingenio para no revelar todas las fotos igual. Muchísimas de las correcciones que se hacen hoy en día tienen su equivalente analógico, y lo hacían tanto los grandes maestros de mediados de siglo como los aficionados en sus cuartos de baño con luz roja.

Ejemplo de cómo se mejoraba una foto de la agencia Magnum

7. Abrir y cerrar un JPEG muchas veces hace perder calidad

Es algo que he escuchado a más de una persona y creo que viene de un efecto “juego del teléfono” en el que se ha ido desvirtuando la afirmación inicial. Y es que abrir y cerrar un archivo, que sólo se lee y sobre el que no se hace ningún cambio, no puede hacer que pierda calidad.

Probablemente lo que quiso decir la persona que inició el teléfono es que editar una foto repetidas veces en un editor como Photoshop, y guardar cada una de esas veces haciendo una compresión JPEG, hará que se vaya perdiendo calidad paulatinamente. Es lógico: si cada vez que lo vuelves a guardar aplicas una compresión adicional, cada vez reduces más el archivo. Pero para nada esto ocurre sólo con abrir y cerrar el archivo con un visor de fotos.

8. El enfoque a infinito está al final del recorrido del enfoque

¡Mucho cuidado con esto! Cuando quieras enfocar al infinito para tomar fotos del horizonte o las estrellas, no gires el anillo de enfoque hasta el tope, porque el enfoque perfecto a infinito está un pelín antes de llegar al final del recorrido. En objetivos de gama alta es fácil intuirlo porque marcan en la ventana de enfoque el punto de infinito, dejando un cierto recorrido tras esta marca por la que aún puedes moverte.

¿Por qué lo hacen así? Pues bien, viene en casi todos los manuales de objetivos pero poca gente lo lee: la razón es que el enfoque a infinito depende de varios parámetros, como posibles variaciones de calibración o incluso la temperatura, por lo que el objetivo se diseña con un rango extra para compensar el enfoque a infinito cuando estas condiciones cambien. Por eso es siempre buena idea enfocar un punto muy lejano con la pantalla de la cámara y con magnificencia, para asegurarnos de que con las condiciones presentes se está enfocando al infinito.

9. Al hacer fotos de estrellas hay que cerrar mucho el diafragma para obtener mucha profundidad de campo

Otro error típico al querer enfocar el infinito. Y es que en la fotografía de naturaleza es, efectivamente, muy usual hacer fotos con diafragma cerrado para aumentar la profundidad de campo, pero únicamente porque se intenta que estén enfocados tanto los objetos cercanos como los del horizonte.

Al hacer fotos a montañas lejanas y estrellas, en las que apuntamos con la cámara hacia arriba, normalmente no sacamos ningún objeto cercano, por lo que la profundidad de campo no la necesitamos lo más amplia posible. De hecho, la mayoría de fotos nocturnas están hechas con diafragmas de f2.8 y menores, dado que es necesario para captar toda la luz posible de estrellas y la Vía Láctea. Lo óptimo sería enfocar a la distancia hiperfocal.

10. Hay que desactivar el estabilizador al usar trípode

Sí y no. La respuesta correcta es que no es una afirmación rotunda, sino que depende del objetivo o la cámara en cuestión. Hay estabilizadores que están preparados para desactivarse solos cuando detectan que están completamente estables en un trípode, y hay otros que al estar completamente quietos producen un indeseado efecto de trepidación inducida al intentar compensar un movimiento que no hay.

Por eso, hay que leer los manuales -¡esos desconocidos!- de nuestro objetivo o nuestra cámara, dependiendo de si hablamos de estabilizador en el objetivo o en el cuerpo, para saber si hace falta desactivarlo o no al usar un trípode.

11. La exposición perfecta es la que marca el exposímetro a 0

Los más avanzados sabrán que esto es totalmente falso, pero es un mito muy extendido entre las personas que se inician en la fotografía y están aprendiendo a manejar el exposímetro. Que el exposímetro marque cero significa que hay equivalencia en el número de píxeles con ponderaciones de luces altas y bajas. Es decir, que hay igual cantidad de partes claras que oscuras de manera que la mezcla sea un gris medio, y eso no tiene por qué ser lo correcto.

Pongamos el ejemplo de un retrato con fondo blanco: aquí queremos que el blanco se vea, efectivamente, blanco, con lo que sus píxeles habrán de tener todos exposición equivalente a casi +2. Los píxeles del rostro, dependiendo del tono de piel, se moverán entre -1 y +1, con lo que la media ponderada de todos estos píxeles nos daría una exposición correcta rondando el +1. Y el caso contrario sería el de una foto con muchas partes oscuras, donde querríamos una exposición por debajo de 0. Por lo tanto, siempre hemos de valorar razonadamente cuál es el valor correcto de exposímetro que requiere nuestra foto.

12. La máxima nitidez se consigue a f8

Es cierto que a f8 casi todos los objetivos trabajan en una zona de buena nitidez, pero no siempre será su punto de máxima nitidez o punto dulce. Por normal general, éste se alcanza unos 2 ó 3 pasos por debajo de su máxima apertura. Es decir, en un objetivo con apertura máxima f1.4, probablemente tengamos su punto dulce rondando el f4. Serían los objetivos con aperturas máximas de f3.5 ó f4 los que tendrían en torno a f8 su punto dulce.

Con ello no quiero decir que a f8 trabajen mal los objetivos de más apertura máxima, pues normalmente todo objetivo trabaja muy bien hasta aproximadamente f13. A partir de ahí sí suelen empezar a perder nitidez de nuevo hasta alcanzar su mínimo diafragma, entre f16 y f22.

13. Los objetivos macro sólo son realmente buenos en cortas distancias

Estos objetivos, que tienen la peculiaridad de poseer una arquitectura interna que les permite enfocar muy cerca, no están en absoluto limitados para trabajar como cualquier otro objetivo. Pueden enfocar hasta el infinito y además suelen tener una altísima nitidez, por lo que son tan válidos para hacer macrofotografía como retratos o paisaje.

Quizás la única desventaja para estos dos últimos usos es que al tener un mayor rango de distancias de enfoque entre las que moverse, el autofoco puede tardar más en acertar con el punto deseado.

Pero, para solucionarlo, en la mayoría de los objetivos macro está la posibilidad de avisarle si estamos trabajando en cortas o largas distancias, de manera que podemos acotar la zona de trabajo del enfoque para que éste sea más rápido y preciso.

14. La profundidad de campo se reparte 1/3 delante del objeto enfocado y 2/3 por detrás

Una afirmación bastante extendida que viene a decir, grosso modo, que por detrás del objeto enfocado hay bastante más zona enfocada que por delante, pero esto ni es siempre cierto ni en estas proporciones. Pensándolo un poco se desmiente en seguida este mito: si fuese cierto, no tendría sentido el concepto de la hiperfocal. El caso es que la profundidad de campo depende de cuatro parámetros: la distancia focal (d), el número de diafragma (f), el círculo de confusión (B) y la distancia de enfoque (L), y sus límites cercano y lejano de la zona enfocada tienen las expresiones matemáticas siguientes:
Es decir, vemos que el límite lejano -el punto enfocado más alejado-, va a crecer mucho más rápido que el límite cercano. Aplicando valores para un objetivo 50mm y f4 podemos ver esto mucho mejor:

Con esto podemos ver claramente cómo se reparte la profundidad de campo. En distancias de enfoque muy cercanas, el reparto de zona enfocada por delante y por detrás es prácticamente simétrico, y a medida que enfocamos zonas más lejanas este reparto se hace más desigual. La zona enfocada por detrás va creciendo más y más rápido hasta que llega una distancia de enfoque, la distancia hiperfocal, en que la zona enfocada por detrás llega hasta el infinito. Se ve, por lo tanto, que el reparto de aproximadamente 1/3 por delante y 2/3 por detrás sólo es válido cuando enfocamos a una distancia entre 4 y 8m.

Enlaces Relacionados

• El “Metering”. Aprende A Medir Correctamente La Luz En Tus Fotos [AHMF31 día18]
• 9 Consejos Para Dominar la Exposición de Tus Fotos
• La Profundidad de Campo “en Profundidad” [AHMF31 día8]
• Qué es la Distancia Hiperfocal y Cuándo Usarla en tus Fotos
• Descubriendo Qué Es y Cómo Influye el Círculo de Confusión En Nuestras Fotografías
• Método Para Sacar la Máxima Calidad de Imagen que tu Cámara y Objetivos Pueden Ofrecer

Uno de los aspectos en fotografía que más suele llamar la atención cuando empezamos a aprender, son los juegos con la profundidad de campo: ¿cómo conseguir desenfocar el fondo? ¿de qué factores depende? ¿por qué hay ocasiones en que por mucho que lo intento no lo consigo? ¿qué podría hacer para conseguirlo? Si te has formulado alguna vez alguna de estas preguntas, quédate conmigo y te lo explicaré con todo lujo de detalles.

¿Sabrías Decirme Qué Es la Profundidad de Campo?

Seguro que si te pregunto si me podrías decir si la foto que te muestro a continuación tiene mucha o poca profundidad de campo, probablemente aciertes.

Fotografía con poca profundidad de campo

Añadámosle un poquito más de complejidad al asunto. Si te digo ahora que compares la foto anterior con la que añado a continuación, y te pregunto cuál de las dos fotos tiene más y cuál menos profundidad de campo, ¿qué me dirías?

Fotografía con la misma profundidad de campo que la anterior

¿Y si te dijera que la profundidad de campo es la misma en las dos fotografías? ¿Me creerías?

La fotografía está hecha con los mismos valores, solo cambia una cosa, y es la distancia de los elementos secundarios respecto al elemento principal (y por ende, también respecto a la cámara). Es decir, hablando del ejemplo concreto, la canica principal que es completamente opaca, es nuestro punto de enfoque.

La profundidad de campo es la misma en las dos tomas, aunque en una aparezcan las tres canicas enfocadas, y en la otra solo una. Esto se debe a que hemos desplazado dos de las canicas, y por tanto las hemos sacado de la zona que vamos a ver enfocada, es decir, de la profundidad de campo.

Ambas fotos están hechas con los mismos valores, y podemos comprobar que la zona de enfoque es exactamente la misma.

Esto nos hace pensar que la profundidad de campo no es tan objetiva como parece. No por ver más elementos enfocados dentro de la toma significará que tenemos una mayor profundidad de campo. No es un concepto que podamos encorsetar, porque va a depender de distintos factores, y es muy fácil, pero que muy fácil, afectar al resultado final de la toma.

¿Qué Es la Profundidad de Campo?

La profundidad de campo es un recurso de composición excelente como ya te contábamos en este otro artículo. Jugando con la profundidad de campo tenemos el poder de dirigir la mirada del que ve nuestra fotografía hacia un lugar concreto de la imagen, o hacia el conjunto general de la misma.

Vale, sí. Ya sabes para qué se puede utilizar… ¿pero qué es exactamente la profundidad de campo? Entendemos por profundidad de campo la parte de la imagen que podemos apreciar como nítida o enfocada.

Es decir, cuando vemos una fotografía y en ella se distinguen zonas más nítidas y zonas más borrosas, la profundidad de campo se correspondería con el área de la imagen que apreciamos como nítida. La zona por delante y por detrás del sujeto u objeto que hemos enfocado y que nuestro ojo ve con una nitidez aceptable.

Si somos estrictos, enfocado al 100% solo va a haber un plano, que es el que traducirá, por así decirlo, un punto de la realidad en un punto de nuestro sensor. El resto estará desenfocado.

Pero es cierto que ese desenfoque va a ser muy pequeño entre los elementos que estén situados cerca del plano de enfoque que hayamos escogido, y que nuestro ojo puede percibirlos como enfocados. A medida que nos alejemos del plano de enfoque, ese desenfoque se hará más evidente.

Así pues, al área en la que nuestro ojo considera que los elementos tienen un grado de nitidez admisible, es a lo que llamamos profundidad de campo.

Se suele apuntar a que en ese rango de nitidez que es la profundidad de campo, la distancia enfocada es de 1/3 por delante del punto de enfoque, y 2/3 por detrás del punto de enfoque. Pero lo que tienes que saber es que la profundidad de campo NO tiene por qué corresponderse con la mayor o menor cantidad de elementos nítidos que aparezcan en el encuadre. No debemos confundirnos, porque eso NO ES la profundidad de campo.

Factores que Influyen en la Profundidad de Campo

Ahora que ya comprendemos un poco más el concepto de profundidad de campo, vamos a ver cuáles son los factores que van a influir en la mayor o menor profundidad de campo que pueda tener una fotografía.

1. Apertura de Diafragma (nºf)

La primera variable que influye en la profundidad de campo es la apertura de diafragma.

Cuanto más abierto tenemos el diafragma, es decir, cuanto menor sea el número f, menor será la profundidad de campo de nuestra imagen, por lo que serán más los elementos que aparezcan desenfocados en ella.

Fragmento Fototip La Profundidad de Campo

Y al revés, cuanto menos abierto esté el diafragma (o cuanto más cerrado esté), es decir, cuanto mayor sea el número f, mayor será la profundidad de campo, y serán más los elementos que aparezcan con una nitidez aceptable.

Veámoslo en el gráfico.

Como se observa en el gráfico, con un número f mayor la distancia que aparecerá con una nitidez aceptable será mayor que si utilizamos un número f más pequeño.

Así, una fotografía tomada desde un punto de vista y con un objetivo con apertura a f/16 tendrá mayor profundidad de campo (más zona nítida) que otra tomada con el mismo objetivo y desde ese mismo punto con una apertura de f/2.

Como vemos en el ejemplo, la primera de las imágenes está realizada a un número f menor, por lo que la zona nítida es muy concreta. A medida que cerramos el diafragma observamos como empezamos a distinguir los elementos que se sitúan detrás del punto de enfoque. Con el último ejemplo, incluso ya se adivinan los números que aparecen en el objetivo.

El número f es el elemento utilizado en fotografía para identificar la apertura. Si no estás familiarizado con el concepto o simplemente te interesa conocer el motivo por el que se utilizan esos valores a la hora de identificar las aperturas en los objetivos, te recomiendo que no dejes de leer el artículo "El Misterioso Significado del Número F".

2. Distancia al Plano de Enfoque

La segunda de las variables es la distancia que existe entre la cámara y el plano de enfoque.

Conforme el sujeto u objeto que vayamos a fotografiar esté más cerca de la cámara, tendremos una profundidad de campo menor. Mientras que si nuestro sujeto u objeto está más lejos de la cámara, la profundidad de campo será mayor.

Eso significa que partiendo de que estamos haciendo la fotografía con el mismo objetivo y la misma apertura fijada de antemano, cuanto más cerca nos encontremos del elemento que estemos enfocando, menor será la profundidad de campo, y cuanto más lejos nos encontremos del elemento que estemos enfocando, la profundidad de campo será mayor. En el siguiente gráfico podemos comprobarlo.

Y para ver cómo afecta, en las siguientes fotografías verás como con un mismo encuadre y una misma distancia focal, la profundidad de campo ha ido variando a medida que hemos desplazado el objeto a fotografiar.

Conforme la figura estaba más cerca del fondo y más alejada por tanto de la cámara, la profundidad de campo era mayor. Sin embargo, al ir desplazando la figura y alejándola de ese fondo para acercarla a la cámara, la profundidad de campo se va reduciendo.

3. Distancia Focal del Objetivo (Zoom)

Por último, la distancia focal de nuestro objetivo también va a influir en la mayor o menor profundidad de campo de nuestras fotografías.

A medida que usamos objetivos con una focal más larga como por ejemplo los teleobjetivos (85mm, 200mm, 300mm, etc.), si hacemos más zoom con una lente, nuestra toma tendrá una profundidad de campo menor. Mientras que si utilizamos focales cortas (10 mm, 16mm, 20mm,etc.), dicho de manera muy simple si quitamos zoom, nuestra foto tendrá una profundidad de campo mayor. Veámoslo en el gráfico.

Esto podríamos simplificarlo diciendo que a menos milímetros de focal, más zona nítida conseguirás en tu fotografía, tal y como queda reflejado en las siguientes tomas.

Hemos recortado las tomas para comparar en la misma zona cómo influye el uso de una distancia focal u otra.

¡Cálcúla la Profundidad de Campo!

Como hemos explicado, la profundidad de campo depende pues, de estos tres factores: apertura del diafragma, distancia al objeto y focal del objetivo. A partir de estos parámetros es posible calcular el valor de la profundidad de campo que vamos a obtener al hacer una foto.

Si quieres calcular la profundidad de campo para unas características determinadas, a continuación te recomendamos un par de calculadoras que te permitirán conocer el valor de la profundidad de campo para tu cámara digital a partir de las distintas variables que hemos comentado.

Simplemente tienes que introducir los parámetros de los que depende la profundidad de campo y la herramienta te dirá cual es la profundidad de campo que vas a conseguir.

• DOFMaster
• Calculadora profundidad de campo (Photopills)

Premisas Antes de Adentrarse en el Maravilloso Mundo de la Profundidad de Campo

Vale, me has pillado. No solo son los tres factores que te explicado antes los que van a influir en el concepto de profundidad de campo. Como muchos de vosotros habréis podido adivinar, el tamaño del sensor de vuestra cámara y el tamaño del círculo de confusión van a influir tanto o más en el concepto que estamos abordando, pero hemos preferido hablar de los tres más destacables y partir de que trabajamos con un mismo círculo de confusión y un mismo tamaño de sensor. Aún así, para que entendáis por qué hay más factores que influyen en la profundidad de campo, hagamos una breve explicación.

Del círculo de confusión ya te hablábamos en este otro artículo, pero hagamos memoria. Lo que viene a decirnos este complejo término, es que ese rango de nitidez que van a tener nuestras imágenes, esa zona que vamos a considerar como aceptablemente nítida y que llamamos profundidad de campo, dependerá de múltiples variables. No quiero liaros con esto, pero por tratar de dejarlo más claro... no es lo mismo ver una imagen en nuestra pantalla de 24 pulgadas del ordenador, que en la de 5 pulgadas de nuestro móvil, por ejemplo. Si vemos esa misma imagen, en el móvil nos parecerá que hay más elementos enfocados por lo pequeña que estamos viendo la toma. Sin embargo, al verla en un monitor mucho más grande, comprobaremos que no había tantas cosas enfocadas como pensábamos.

Seguro que alguna vez has hecho una toma con tu cámara y creías que estaba perfectamente enfocada, pero al llegar a casa y verla en el ordenador te has dado cuenta de que podías haber afinado más el foco. Esto es porque al verlo en una pantalla mucho más pequeña, los "fallos" nos pasan más desapercibidos, así como también nuestro criterio de profundidad de campo o "zona nítida aceptable" es bastante más amplia que en monitor grande.

Y este es solo uno de los ejemplos que puede hacer que el círculo de confusión varíe, afectando por tanto a la profundidad de campo. También influye la distancia a la que veamos esas fotografías por ejemplo, o la agudeza visual del que las observa, así como también el tamaño de impresión y por supuesto, el tamaño del sensor de la cámara con la que haremos la foto.

El tamaño del sensor va a influir en la mayor o menor profundidad de campo en la toma puesto que cuanto más grande sea el sensor, podremos lograr una menor profundidad de campo, y cuando menor sea el sensor, mayor será la profundidad de campo. Y esto se entiende si pensamos en la cámara de nuestro móvil o una cámara de acción por ejemplo como las Gopro, que tienen un sensor muy pequeño y por eso aparecerá casi todo enfocado. Mientras que si cogemos una réflex full frame o de formato completo, la profundidad de campo con los mismo valores será muchísimo menor.

Así que cuando veas una toma en la que aparece un retrato perfecto con un desenfoque bonito y quieras intentarlo con tu móvil, deberás saber que difícilmente podrás lograrlo debido al tamaño del sensor.

¡No Te Enredes!

¿Exhausto? Este no ha sido uno de los artículos más divertidos que te habrás leído seguro, pero mi intención ha sido conseguir que entiendas las variables que influyen en el importantísimo concepto de la profundidad de campo.

Espero haber disipado algunas dudas, y ahora os invito a que probéis vosotros mismos a hacer tomas en las que variéis los factores que hemos repasado para comprender del todo su implicación. ¿Te animas?

Ser personas con conciencia ambiental debería estar siempre presente en nuestro día a día. El mundo está cambiando irreversiblemente como resultado de la intervención humana y por eso debemos ser conscientes y reconocer el impacto que causamos sin darnos cuenta.

La fotografía, por desgracia, es una disciplina que no ha sido demasiado respetuosa con el medio ambiente. Tanto los antiguos carretes de película como los actuales procesos de fabricación de cámaras digitales causan estragos en nuestro planeta ¿no lo sabías?

Sin embargo, es posible ser fotógrafo y ser mucho más respetuoso con el medio. En este artículo vamos a darte algunos consejos para que seas consciente de todo aquello en lo que puedes mejorar. Incluso que sepas que puedes usar tu trabajo para contribuir a una concienciación global. Veamos cómo.

5 Consejos para Ser Fotógrafos Cuidando Más de Nuestro Planeta

La fotografía puede ser una actividad exigente con el medio ambiente de muchas formas diferentes. La clave está primero en informarnos bien del daño que podemos causar y, segundo, en tomar diferentes decisiones sobre aspectos como nuestros hábitos de compra, desplazamientos o tipos de fotografía que practiquemos.

Vamos a hacer un listado de cinco consejos básicos que podemos empezar a aplicar en nuestro día a día desde ya mismo. Todos ellos van a contribuir a que seamos capaces de tener una afición más cuidadosa con nuestro propio hogar, la Tierra.

#1. Busca la Inspiración en tu Propio Entorno

Muchos fotógrafos podríamos entonar el 'mea culpa' en voz alta por hacer demasiados viajes fotográficos... ¿verdad que sí? Parece que necesitamos desplazarnos hasta lugares exóticos para ser capaces de encontrar la inspiración, que nuestra creatividad se dispare y consigamos tomas espectaculares.

Hemos creído en el mito de que solo viajando se consiguen buenas fotos y, con ello, hemos contribuido también a empeorar nuestra huella ecológica. Si queremos ser más cuidadosos con el medio ambiente tendremos que empezar a reducir, sobre todo, los viajes aéreos. Cualquier desplazamiento innecesario que contamine debería ser evitado pero viajar en avión es el más prescindible de todos.

Aprende a buscar la belleza en tu propio entorno, pues lo que tú ves habitualmente, es exótico para las personas del otro lado del mundo. Además, buscar algo interesante y encontrarlo supondrá todo un desafío para ti y en eso precisamente consiste la fotografía, en convertir lo cotidiano en extraordinario.

#2. Piensa si de Verdad Necesitas Más Equipo

Otro pecado confesable que solemos cometer los fotógrafos es el de ir adquiriendo nuevos accesorios fotográficos, aunque muchas veces ni siquiera los vayamos a usar realmente. Pero antes de comprar nuevo material deberíamos considerar si realmente lo necesitamos o si le vamos a sacar partido.

La fabricación de equipo fotográfico daña el medio ambiente debido al uso de ciertos tipos de materias primas y los procesos químicos que se llevan a cabo. Por lo que, si puedes reducir o retrasar la adquisición o actualización de nuevos materiales, contribuirás a aliviar la tensión ecológica en nuestro planeta.

Una cosa que también puedes hacer es regalar o vender tu equipo antiguo de segunda mano a alguien que esté empezando. O bien, adquirir lentes o accesorios de otros usuarios que ya no los utilizan o no les sirven. Reutilizar siempre es mejor que comprar, porque así evitamos que mucho material fotográfico quede almacenado sin uso o que acabe tirado en un vertedero.

#3. Trabaja con Modelos Locales

Muchos de nosotros disfrutamos fotografiando personas totalmente diferentes a nosotros, con rasgos exóticos, ropa exclusiva y entornos desconocidos que nos llaman la atención. Esto suele implicar también el hecho de viajar para poder encontrarnos con ellos, ya sea visitando otros lugares o yendo a estudios fotográficos que no tenemos precisamente al lado de casa.

Trata de cambiar ese hábito y en lugar de desplazarte siempre para fotografiar modelos, ¿por qué no pruebas a conocer gente local que se encuentre cerca de ti? Si no puedes contratarlos, puedes optar por hacer fotografía callejera de sujetos interesantes (siempre que te den su consentimiento, claro) o buscar sesiones de intercambio TFP (para books, porfolios de modelos, maquilladores, peluqueros, diseñadores de ropa, etc.)

Si realmente necesitas viajar o desplazarte para poder fotografiar a ciertas personas, recuerda que también puedes hacer uso del transporte público. Toda contribución es poca para reducir lo máximo posible nuestro impacto ambiental. Además, como no podrás transportar mucho peso, te ayudará a ser más selectivo con el material que lleves encima.

#4. Practica un Género Fotográfico de Bajo Impacto

Contribuir a cuidar el planeta empieza por algo tan sencillo como apagar las luces cuando no las estamos usando. Si todos lo hiciéramos marcaríamos una gran diferencia ¿verdad? Pues con la fotografía pasa lo mismo. Si todos ponemos de nuestra parte también podemos generar un cambio necesario.

Si la mayoría de fotógrafos optáramos por dedicar nuestro tiempo a encontrar un género fotográfico de bajo impacto medioambiental, sin duda marcaríamos esa diferencia. No nos referimos a que tengamos que dejar de hacer las fotos que más nos apasionen, sino a reducirlas en cierta medida.

No necesitas recorrer cientos de kilómetros para tomar buenas fotos. Puedes dedicar tiempo a realizar street phography en tu ciudad, captar la belleza de la arquitectura local, dedicarte a la fotografía macro o incluso probar a capturar bodegones y naturaleza muerta en tu propia casa. ¡Estimula tu mente y tu creatividad!

#5. Trata Bien a la Naturaleza que te Rodea

Si vas a salir a hacer fotos en un entorno natural, asegúrate primero de conocer bien la zona y sus restricciones. Sé muy respetuoso con la flora y la fauna del lugar, no estropees plantas, ni arranques flores y, sobre todo, no molestes a las criaturas que habiten el lugar.

Aunque es obvio, conviene recordar que no podremos tirar colillas de cigarro al suelo (ni nosotros ni las personas que nos acompañen) y que tampoco podremos encender fuegos ni dejar residuos o envases que contaminen y degraden el medio.

Si descubres un rincón maravilloso que nadie más conoce, no se lo digas a nadie. Por desgracia, si un sitio se pone de moda habrá gente que irá y no lo respetará y al final solo conseguirán destrozarlo. Lo mejor que puedes hacer para proteger para siempre ese lugar especial es mantener su ubicación en secreto.

¡Conviértete en un/a Fotógrafo/a Conservacionista!

Una fotografía conservacionista es aquella que consigue provocar una respuesta emocional en el espectador porque es capaz de contar una historia sin palabras. Pero no una emoción o una historia cualquiera, sino una que le aliente a concienciarse y a tomar medidas con respecto al daño que le estamos haciendo a nuestro planeta.

Para un fotógrafo conservacionista, la cámara se convierte en una herramienta para promover una acción y dar visibilidad a unos problemas que muchos ignoran o que pasan desapercibidos entre tanta desinformación y ruido mediático.

Sin duda, la fotografía de conservación desempeña un papel fundamental en la preservación del entorno natural. Podríamos decir que combina diferentes competencias clave: la fotografía de naturaleza, el fotoperiodismo y el marketing o promoción que conseguirá llamar la atención del público sobre el problema ambiental.

Debemos aclarar que cuando hablamos de fotógrafos conservacionistas nos referimos a personas que se dedican profesionalmente a esto. También pueden hacerlo de forma altruista y por contribuir a una causa, pero la mayoría se ganan la vida con ello.

Entonces, hacer fotos de la naturaleza y paisajes, sin más, nos puede convertir en amantes de la naturaleza pero no en este tipo de fotógrafos. Ellos se distinguen por su disposición a hacer un esfuerzo adicional para obtener fotografías de especies o lugares que otros no pueden obtener.

Algunos Fotógrafos Conservacionistas Destacados

Existe una Liga Internacional de Fotógrafos Conservacionistas (ILCP) cuyo objetivo es precisamente el de influir en los aficionados a la fotografía para que adopten prácticas sostenibles y éticas a la hora de la creación y uso de los medios audiovisuales.

En cuanto a sus acciones como organización, se dedican tanto a hacer charlas educacionales por todo el mundo para difundir sus ideales, como a hacer expediciones a lugares donde es necesario documentar problemas medioambientales que la gente debe saber.

También hay algunos fotógrafos conservacionistas independientes que vale la pena referenciar, como Laura Crawford, Joel Sartore o Michael Forsberg. Se trata de fotógrafos profesionales que utilizan la tecnología y técnicas innovadoras para retratar lugares, criaturas o situaciones que el resto de nosotros no seríamos capaces.

En España destaca el nombre de Iñaki Relanzón (Barcelona, 1972), el cual ha fotografiado ya los siete continentes y ha escrito siete libros. Sus obras aparecen en revistas como National Geographic, BBC Wildlife Magazine, Lonely Planet o The New York Times y también es miembro de la ILCP.

Lo más llamativo de todo, es que se trata de personas que son capaces de pasar innumerables horas investigando sujetos o viajando a lugares muy remotos. Para luego estar sentados esperando que llegue el momento adecuado para tomar la fotografía que están buscando. Es esa dedicación la que los distingue realmente del resto.

Según ellos, 'una foto bonita no es suficiente' pero, una fotografía bien hecha en el lugar y momento correcto puede ser lo que haga un 'click' definitivo en la mente de muchos. El objetivo es que esa foto sea lo que aliente a la gente a tomar las medidas que sean necesarias para la conservación del medio.

¡Sin Planeta que Fotografiar no Seremos Nada!

Dime, ¿de qué sirven gigabytes de fotografías hermosas de bellos paisajes si hemos contribuido a que se dañen con nuestros propios actos? Significaría que también seríamos responsables directos de que nuestros hijos, nietos o bisnietos no puedan admirar esas espectaculares vistas ni fotografiarlas, como sí que hemos podido hacer nosotros.

Por eso, te recomendamos que te replantees el enfoque que tenías hasta ahora sobre la fotografía y sobre tus hábitos como fotógrafo/a. Sobre todo, que consideres si serías capaz de disminuir tu pequeño impacto sobre el medio ambiente o de si podrías persuadir a otros para que sigan estos consejos.

Entre todos podemos trabajar juntos para conseguir convertirnos en fotógrafos con conciencia ambiental y ayudar a preservar ese mundo que fotografiamos fascinados y que tanto nos ofrece detrás de la cámara. Las futuras generaciones se merecen poder disfrutarlo tanto como nosotros ¿no crees?

¿Qué opinas tú de la fotografía y el medio ambiente? ¿Te consideras un/a fotógrafo/a concienciado/a? ¿Qué más cosas podemos hacer para reducir nuestro impacto? ¡Deja un comentario y cuéntanoslo!

La incorporación del color a la fotografía allá por 1860 permitió que se abriese un mundo entero de posibilidades y, aunque la fotografía en blanco y negro tiene un encanto y atractivo cautivador, hay que reconocer que el color permite lograr una dimensión superior a tus fotografías.

Sin embargo, para conseguir sacarle todo el partido a la captura del color por parte de nuestras cámaras, es muy importante conocer cómo lo obtienen y también cómo lo manejan en el proceso de generar nuestras fotografías. En el artículo de hoy hablaremos de la gestión del color por parte de nuestras cámaras y del concepto denominado normalmente como perfiles de color, o perfiles de cámara -aunque cada fabricante llama a este mismo concepto de diferentes formas-.

Cómo Se Convierte La Luz En Una Fotografía Dentro De La Cámara

Cuando presionamos el disparador de nuestra cámara, se abre el obturador y se posibilita la entrada de la luz a través de la lente para que finalmente incida sobre el sensor.

El sensor, que reacciona a la luz a través de sus componentes (fotodiodos), convierte la señal lumínica y ésta se traduce en 0s y 1s que son almacenados en millones de bits, que a su vez se agrupan en bytes, kilobytes, megabytes, etc.

A continuación, dependiendo de si hemos elegido almacenar nuestras fotografías en RAW o JPEG, se producen distintas acciones.

Si hemos optado por RAW, la información es comprimida (sin pérdida de información) y almacenada en la memoria de nuestra cámara. Así mismo, se genera un pequeño fichero en formato JPEG que es embebido en el RAW y utilizado para las previsualizaciones de la imagen en el visor de la cámara. El fichero RAW es bastante voluminoso y precisa de un post-procesado final.

Si por el contrario hemos optado por JPEG, la cámara convierte la información capturada por el sensor en un fichero JPEG. Para ello, toma decisiones en cuanto al balance de blancos de la toma, el contraste, la saturación, el nivel de nitidez, etc., con lo que descarta parte de información y, por último, comprime la información con la consiguiente pérdida de información. No olvidemos que el objetivo del formato JPEG es la reducción del tamaño y que las imágenes no necesiten un post-procesado posterior a la toma.

El perfil de color, o perfil de cámara, únicamente se tiene en cuenta en los JPEGs, tanto si se trata del embebido en el RAW, como si es el fichero JPEG principal (si se ha optado por este formato); mientras que si se ha elegido el formato RAW, la selección de uno, u otro perfil de color no se tiene en cuenta. Pero tranquilo, a continuación explicaremos qué es eso del perfil de color de tu cámara y cómo afecta a tus fotografías.

Opciones De Color En La Cámara: 3 Ajustes A Tener Muy En Cuenta

Existen tres ajustes de color que hay que conocer y elegir en nuestras cámaras. El primero es el balance -o mejor dicho, equilibrio- de blancos, del que hemos hablado en múltiples ocasiones. El segundo es el espacio de color, al que también hemos dedicado algún que otro artículo. Y el tercero, sobre el que profundizamos en este artículo, que es el perfil de color.

Este último concepto, que yo he denominado de forma global como perfil de color -Adobe también llama de forma similar (perfil de cámara, o perfil de color) al concepto equivalente en la fase de postprocesado-, en realidad recibe diferentes nombres en función del fabricante. De hecho, cada uno lo llama de una manera distinta:

• Nikon lo llama Picture Control
• Canon lo llama Picture Style
• Sony lo llama Creative Style
• Pentax lo llama Custom Image
• Olympus lo llama Picture Mode
• Fuji lo llama Film Simulation Mode

De todos estos nombres, probablemente el más apropiado sea el de Fuji, porque lo que trata de conseguir este ajuste es lo que antes se lograba con el uso de distintos tipos de películas en fotografía analógica. Te lo explico más en detalle a continuación.

Para Qué Sirve El Perfil de Color De Nuestra Cámara

Como esbozaba antes, lo que se busca con un perfil de color, u otro, es imitar el efecto que se lograba en tiempos de la fotografía analógica al utilizar uno u otro tipo de película fotográfica.

Por ejemplo, cuando un fotógrafo quería realizar tomas de paisajes, había un tipo de carrete que era especialmente adecuado para este tipo de fotografía, se trataba del Fuji Velvia. ¿Por qué?, pues porque ofrecía un resultado con colores fuertes y saturados, especialmente los verdes y los azules.

Sin embargo, esta película no era la más oportuna para fotografía de retrato, sino que para ese campo podía resultar más adecuado el uso de películas como Kodak Portra o Fuji Superia, que se caracterizaban por un resultado mucho más suave y menos saturado, ideal para obtener atractivos tonos de piel.

Por supuesto, también había quien utilizaba un mismo carrete para todo tipo de fotografías, puesto que existen parámetros estándar que pueden ser aptos de forma general. Pero los resultados eran más limitados que los que se podían lograr con carretes específicos para cada disciplina fotográfica.

Con la llegada de la fotografía digital, donde no necesitamos cambiar el sensor cada vez que "se agota el carrete", estas opciones de cambio de película las podemos simular con la elección de los distintos perfiles de color que nos ofrece nuestra cámara.

Veamos a continuación cuáles son los distintos tipos de perfiles que ofrecen las cámaras digitales actuales.

Tipos Y Características De Los Distintos Tipos de Perfiles

Como os comentaba, cada cámara denomina a este concepto de forma distinta. Sin embargo, los tipos de perfiles que ofrecen los diversos fabricantes son comunes y también aúnan características muy similares.

Nikon, tal y como recoge en su web, contempla las siguientes opciones:

• Standard: Adecuada para retratos, paisajes y prácticamente cualquier tipo de fotografía. Los ajustes de esta opción están bastante balanceados.
• Neutral: Se trata de un perfil similar al Standard, aunque algo más suave que éste, ya que reduce levemente el nivel de saturación de los colores.
• Vivid: Resulta un perfil muy adecuado para aquellas imágenes en las que pretendas enfatizar los colores: moda, fotografía urbana, fotografía floral, etc.
• Monochrome: Es el perfil adecuado para realizar fotografías que vayan destinadas a su procesado en blanco y negro, o sepia. Permite enfatizar las diferencias tonales y no tanto las diferencias de color.
• Portrait: Su nombre no deja lugar a dudas, se trata de un perfil muy adecuado para ofrecer pieles suaves y atractivas, así como lograr un nivel de enfoque, brillo y contraste adecuado para la fotografía de retrato.
• Landscape: Es el perfil ideal para la fotografía de paisajes, no ofrece un nivel de saturación tan elevado como la opción Vivid, aunque incrementa el nivel de saturación e intensidad para hacer que los colores del paisaje destaquen y brillen dentro de la fotografía.
• Flat: Se trata de un perfil similar a Neutral, pero con un nivel aún menor de saturación. Ofrece el resultado más lavado de todos los posibles, haciendo que resulte prácticamente imprescindible un post-procesado o edición posterior.

Además de las configuraciones por defecto de estos perfiles, Nikon también ofrece la posibilidad de modificar los mismos a través de la variación de los ajustes que conforman cada perfil.

Para ello, las cámaras dan la posibilidad de variar los siguientes ajustes en cada perfil: la nitidez, la claridad, el contraste, el brillo, la saturación y el color.

Además, en el caso del perfil monocromo, también permite aplicar filtros de color, o incluso aplicar virado hacia sepias, cianotipos, etc.

Si Disparas En RAW, Puedes Lograr El Mismo Efecto Con Los Perfiles De Tu Aplicación De Procesado

Como ves, en función del tipo de fotografía que quieras obtener, el perfil de color puede ser muy útil. Sin embargo, sólo valdrá la pena si disparas en JPEG.

Si disparas en RAW, como te comentaba, salvo que utilices la aplicación del fabricante de tu cámara, el perfil de color que hayas seleccionado en tu cámara podría incluso ser obviado. De hecho, éste es uno de los motivos por los que muchas veces el aspecto de tus fotografías RAW en el visor de tu cámara no coincide con el que obtienes al abrirlas en tu ordenador.

En Lightroom, a partir de la versión 4, puedes realizar la edición de tus fotografías aplicando un perfil concreto a través de la aplicación y lograr el mismo resultado que obtendrías habiéndolo seleccionado en tu cámara, pero con una ventaja fundamental frente al formato JPEG: podrás variar el perfil todas las veces que quieras en el post-procesado y el resultado no se verá penalizado.

Elegir un perfil concreto puede ahorrarte mucho tiempo para tomarlo como punto de partida, o incluso como resultado definitivo. De hecho, aplicaciones como Lightroom no se limitan sólo a ofrecer los perfiles propios de cada fabricante, también incorporan perfiles Adobe, distintas variantes de perfil monocromo, perfiles, artísticos, vintage, etc. En definitiva, un grupo de más de 50 perfiles entre los que elegir.

Aunque también es cierto que muchos fotógrafos optan por utilizar perfiles neutros o planos y, a partir de ellos, ajustar al milímetro todas y cada una de las opciones de edición para conseguir obtener el mayor nivel de detalle y mejor resultado posible en sus fotografías.

Es muy posible que más de una vez, justo antes de realizar una salida fotográfica, te hayan entrado dudas sobre si llevarás todo lo necesario para tu sesión y piensas que puede que se te olvide algo importante. Si es así, necesitas hacer una checklist antes de salir de casa, sobre todo si eres principiante. En este artículo te vamos a ayudar a realizar una lista definitiva para ahorrar tiempo al preparar tu salida fotográfica y evitar que te dejes algo en casa y se pueda arruinar tu sesión.

¿Por qué es Importante Preparar Bien tu Equipo?

¿Hay algo peor que darte cuenta, justo al empezar tu salida fotográfica, de que te has olvidado algo esencial? Sin una batería cargada o una tarjeta de memoria disponible, por ejemplo, seguro que tu sesión no va a salir como lo habías planeado, y todo por un absurdo descuido.

Con el tiempo, es probable que vayas a ir adquiriendo más cantidad de material fotográfico y cada tipo de fotografía va a requerir un tipo de objetivo, el uso de un determinado filtro o la estabilidad de un trípode. Por eso es importante que tengas en cuenta qué vas a necesitar el día de tu salida fotográfica y escojas cuidadosamente el equipo que llevarás según la ocasión.

Por eso, vamos a realizar una checklist, una lista definitiva, para que no se te olvide meter nada en la mochila antes de realizar tu salida fotográfica. Mi consejo es que hagas una plantilla digital y la guardes en tu ordenador o en tu smartphone o incluso, si eres más clásico, la tengas escrita en una agenda para que la consultes siempre que estés preparando tu próxima sesión y así será casi imposible que te falte algo que necesites. ¡Toma nota!

Cómo Preparar Correctamente Todo lo Necesario

#1. Carga la Batería de tu Cámara Fotográfica

Primero es importante que la batería de tu cámara esté completamente cargada. Aunque las baterías de hoy en día tienen una alta durabilidad, es mejor que la cargues del todo y, si puedes, lleva al menos una batería de repuesto también cargada. No sabes cuánto se puede alargar la sesión que vas a realizar, por lo que llevar una batería extra te vendrá bien para estar prevenido por si te falla la primera o por si surge cualquier imprevisto.

Antes de salir, es recomendable que realices varias fotografías para comprobar que tu batería funciona de forma correcta y que, efectivamente, se ha cargado por completo. Podría haber ocurrido que el cable no estuviera bien conectado o que colocases mal la batería dentro del cargador.

Por otra parte, no está de más que de vez en cuando le eches un vistazo a la pantalla de información sobre tu batería en el menú de tu cámara. Según la marca y el modelo, te ofrecerá algunos datos relevantes sobre cuál es el estado actual de la batería que hayas introducido como, por ejemplo, el porcentaje de carga, el número de disparos realizados o la propia vida de la batería.

El mismo consejo lo deberás aplicar a las pilas si vas a precisar de materiales como un flash externo o un disparador remoto para tu sesión. Si son recargables es importante que también las cargues completamente y, como las pilas son un material ligero, lleves siempre de sobra. Piensa que algún día se podrían estropear las que usas normalmente y si no tuvieses más deberías prescindir del uso de ese material para tu sesión.

#2. Prepara tus Tarjetas de Memoria

Otro consejo básico es que compruebes que tienes localizada tu tarjeta o tarjetas de memoria ya que sin tarjetas donde almacenar tus capturas no habrá sesión. Parece una obviedad, pero suele pasar algunas veces que nos las podamos dejar puestas en el lector de tarjetas del ordenador y olvidemos sacarlas creyendo que las volvimos a colocar en la cámara. Así que es mejor que lo revises antes de irte, por si acaso.

Como dato esencial te recomiendo que pienses cuantas tarjetas vas a necesitar. Ten cuenta si va a ser una sesión larga, si vas a utilizar el modo ráfaga o si vas a disparar tus fotografías en formato RAW. En estos casos mejor que te lleves una tarjeta de alta capacidad o varias tarjetas de capacidad media. Recuerda que lo importante es que no te quedes sin espacio por lo que mi consejo es que, como ocupan poco espacio y son ligeras, lleves contigo todas las que puedas.

Lo que debes tener en cuenta antes de guardar todas las tarjetas de memoria en tu mochila, donde siempre suelen haber pequeños bolsillos o rejillas donde acceder a ellas fácilmente, es que tienes que haber descargado su contenido anterior antes de formatearlas.

Una vez estés en tu sesión, si te das cuenta de que no pasaste las fotos de sesiones anteriores y que no puedes borrarlas no tendrás espacio. Lo mejor es que antes de salir revises cada tarjeta de memoria una a una en tu cámara y compruebes que tienes una copia de su contenido en tu ordenador. Seguidamente introdúcelas en la cámara y formatéalas, así tampoco perderás tiempo borrando el contenido al día siguiente o dudando si pasaste o no esas fotos.

Fíjate que tampoco esté activada la pestaña de LOCK antes de usar tus tarjetas de memoria

También es importante que, como hiciste con las baterías, hagas algunas fotografías de prueba con la tarjeta o tarjetas que vayas a usar en tu sesión y compruebes la pantalla. Las tarjetas de memoria se estropean más a menudo de lo que piensas, por lo que es mejor comprobar que una tarjeta funciona antes encender la cámara en una sesión y descubrir que está dañada.

#3. Elige solo el Material que vayas a Necesitar

En tercer lugar es hora de que pienses qué material vas a necesitar en tu sesión fotográfica, a parte de la cámara, las baterías y las tarjetas. Hay muchos accesorios también básicos (aunque no imprescindibles) que te pueden resultar realmente útiles si los llevas contigo y que no van a ocupar excesivo espacio en tu mochila: un grip, un flash externo, un parasol, un kit de limpieza o algunos filtros (UV, polarizador, densidad neutra...)

En algunos casos concretos, como la fotografía de paisaje, la nocturna o cualquier tipo de fotografía que requiera de una estabilidad extra, necesitarás también un trípode. Y si vas a realizar fotografía de retrato diurno al aire libre no te vendría mal un pequeño reflector 5 en 1 para jugar con la luz. Por eso la clave de la elección del material que vas a necesitar será tener muy claro el tipo de fotografía que vas a realizar en tu salida fotográfica.

También deberás tomar una difícil decisión, cuántos objetivos llevar. Aquí deberás aplicar la misma premisa clave: el tipo de fotografía que vas a realizar. Mi consejo es que lleves siempre dos objetivos, un objetivo zoom que te permita cubrir varias distancias focales y otro específico para el tipo de fotografía en el que pretendas centrarte.

Si vas a fotografiar paisajes puede que con tu objetivo angular y otro más tengas suficiente. Mientras que, si vas a realizar fotografía de insectos o flores, puede que solo necesites añadir a tu objetivo zoom un objetivo macro. Intenta llevar solo lo necesario, porque si coges todos los objetivos que tengas incrementarás mucho el peso del equipo que lleves.

#4. Revisa y Limpia todo tu Equipo

Seguidamente, dedica algo de tiempo a comprobar que todo tu equipo fotográfico está completamente limpio y en perfecto estado. Si realizaste tu última sesión en la playa, en la nieve o en la montaña puede que la lente de tus objetivos, los filtros, el visor o la pantalla LCD acumulen algo de polvo o manchas de nuestro propio contacto físico.

Limpia cada elemento cuidadosamente con un paño de microfibra para no dañar tu equipo, recuerda que son superficies sumamente delicadas. De esta forma tendrás tu material preparado para no perder tiempo limpiándolo en tu salida fotográfica o, peor, que se te olvide comprobar el estado de tus lentes y que luego en tus fotos aparezca esa suciedad y arruine tus capturas.

#5. Escoge la Mochila donde Transportar tu Equipo Fotográfico

Ahora que ya tienes claro todo el equipo que vas a necesitar llevar es hora de elegir la mochila fotográfica donde lo vas a transportar. Dependiendo del peso y la cantidad de material que necesites llevar contigo podrás escoger una mochila más grande o más pequeña, lo que se traduce en mayor o menor peso y más o menos comodidad.

Piensa bien la mochila que vas a escoger, porque es muy probable que vayas a tener que cargar con ella la mayor parte del tiempo y necesites arrodillarte, sentarte o incluso tumbarte con ese peso encima.

Lo esencial es que vayas cómodo y que poseas la mayor libertad de movimientos posible, sin que el tamaño o el peso de tu mochila fotográfica supongan un problema para tu equilibrio y estabilidad.

Si vas a llevar poco material o quieres pasar desapercibido, como por ejemplo en la fotografía callejera, podrás llevar una pequeña mochila corriente o una bandolera sin necesidad de llevar una funda o mochila fotográfica al uso.

#6. Comprueba los Parámetros de tu Cámara

Antes de meter todo el material dentro de tu mochila échale un vistazo a los parámetros de tu cámara. Si no estás acostumbrado a dejar tu cámara con unos ajustes neutros al terminar una sesión, es fácil que cuando la enciendas en tu próxima salida fotográfica te encuentres con unos parámetros distintos a los que vas a necesitar.

Mi consejo es que cada vez que guardes tu cámara después de una sesión te acuerdes de dejar la cámara con unos valores neutros con los que estés cómodo. Pon especial atención en ajustar parámetros como la sensibilidad ISO, el tipo de balance de blancos, la compensación de la exposición o el tipo de enfoque.

Así te asegurarás de no perder tiempo volviendo a configurar esos ajustes a la hora empezar tu próxima sesión, no te llevarás sorpresas y no perderás la posibilidad de fotografiar algo irrepetible por no haber tenido tu cámara a punto.

#7. No Olvides Otro tipo de Material Esencial

Finalmente, si tu salida fotográfica va a estar incluida dentro de una escapada o un viaje más largo, es importante que lleves contigo otros elementos que te pueden resultar imprescindibles como, por ejemplo, el cargador de las baterías de la cámara o el cargador de las pilas recargables de tu flash externo.

Si puedes llevar más peso y vas a estar fuera más tiempo, no estaría de más que te llevaras un portátil, un disco duro o un lector de tarjetas para ir pasando todo el material fotográfico que vayas a ir produciendo e ir liberando espacio de tus tarjetas de memoria y haciendo copias de seguridad para no perder tus capturas.

Otros Aspectos Importantes Antes de tu Salida Fotográfica

Ya tenemos todo el equipo preparado para nuestra próxima salida fotográfica. Sin embargo, hay otros aspectos ajenos a tu material que también es recomendable que tengas en cuenta para tener del todo controlada tu próxima sesión. No los subestimes, estos pequeños consejos te ayudarán a disfrutar de una salida fotográfica sin demasiados imprevistos.

1. Busca la Inspiración

Si estás interesado en fotografiar un paisaje o un lugar muy concreto o vas a viajar adrede a una ciudad expresamente para fotografiarla, lo más recomendable es que eches un vistazo en Internet a las fotografías que otros fotógrafos han podido hacer antes que tú.

Hacer este tipo de investigación previa puede servirte de inspiración para tomar ideas de aquí y de allá y pensar en cómo hacer tu propia versión. Así podrás estudiar el hecho de buscar ángulos diferentes y originales para marcar la diferencia y no repetir las mismas fotos que ya han hecho otros fotógrafos.

2. Planifica tu Ruta y Horarios

Si vas a hacer una salida, una escapada o un viaje lo mejor es que planifiques la ruta que vas a seguir, ya sea con un mapa físico o un mapa digital como Google Maps. De igual modo, es importante que te apuntes bien los horarios de autobuses, trenes u otros medios de transporte que vayas a necesitar. ¿Por qué insisto en esto? Pues porque, hay que reconocer que cuando nos ponemos a hacer fotos podemos perder un poco (o bastante) la noción del tiempo...

Si nos quedamos a fotografiar un bonito atardecer se nos puede hacer demasiado de noche o si seguimos ensimismados un sendero de preciosas flores nos podemos perder... Esto puede ocasionar que nos separemos del resto del grupo o que no podamos coger a tiempo un medio de transporte para volver. Ten en cuenta esas cosas y, si vas a viajar solo, permanece localizable todo el tiempo.

3. Consulta la Previsión Meteorológica

No tientes a la suerte y echa un vistazo a la previsión meteorológica antes de tu salida fotográfica. Si llegas a tu destino y hace muy mal tiempo seguramente la idea que tenías para tu sesión no pueda llevarse a cabo y tengas que improvisar o que incluso debas verte obligado a cancelarla. Por lo tanto, es mejor que no te arriesgues y consultes el tiempo en varias páginas web para asegurarte.

Si la previsión es de lluvia o nieve y aun así te arriesgas a salir, no olvides llevar todo tu equipo protegido dentro de una mochila resistente al agua y una funda impermeable para proteger tu cámara lo máximo posible. Recuerda aplicar el mismo consejo a tu atuendo, ya que además de cómodo deberá estar adaptado al clima.

4. Ponte Ropa Cómoda y Adecuada

foto por begemot_dn (licencia CC)

A veces, para conseguir la fotografía perfecta un fotógrafo puede hacer casi cualquier cosa, incluso adoptar posturas imposibles. Normalmente se arrodilla, se sienta o se tumba en el suelo sin importar nada más que conseguir esa captura ideal.

Por eso, si quieres poder hacer esto, es importante que tu indumentaria sea flexible, cómoda y que puedas permitirte el lujo de ensuciarla, por así decirlo. Llevar un vestido, una falda o un pantalón excesivamente ceñido te darán poco margen de movilidad y pocas posibilidades de adoptar posturas más arriesgadas.

Obviamente, si hace mucho calor o mucho frío elige el vestuario más apropiado según las condiciones meteorológicas, como te hemos comentado en el punto anterior. Elige ropa y calzado impermeables si vas la nieve o lleva una gorra y protector solar si vas a estar bajo el sol en pleno verano.

5. Lleva algún Snack y una Botella de Agua

Aunque te parezca algo banal, te aseguro que es un consejo de lo más útil para que estés a gusto durante tu sesión fotográfica. No ingieras comidas demasiado pesadas antes de tu salida fotográfica, es mejor comer algo ligero e hidratarse lo justo antes de salir.

Si sabes que tu sesión se puede alargar más horas de lo esperado o te vas a ir un sitio alejado de la civilización puedes llevar contigo algún snack y una pequeña botella de agua. Créeme, así podrás disfrutar plenamente de tu salida fotográfica sin que las necesidades básicas te resulten un problema.

Usa tu Checklist para Futuras Salidas Fotográficas

Ahora sí, ya lo tienes todo preparado para realizar tu próxima salida fotográfica y no llevarte ninguna sorpresa desagradable al descubrir que has olvidado algo importante.

Recuerda guardar tu checklist y utilizarla para preparar tus próximas sesiones, sobre todo si acabas de empezar en el mundo de la fotografía. De esta forma te asegurarás de no dejarte nada en casa y de que tus sesiones salgan tal y como tú habías planeado.

Enlaces Relacionados

• Guía Definitiva para Elegir tu Mochila Fotográfica
• 3 Consejos de Fotografía de Viajes Más Allá del Equipo Fotográfico
• 8 Accesorios para Comenzar a Ampliar tu Equipo
• 10 Consejos Clave para el Cuidado de tus Tarjetas de Memoria
• 8 Consejos para que tus Baterías Duren Más

La fotografía de bodegones es un género especial, que tiene sus propias particularidades. Uno de los aspectos más destacados es que tendremos un control absoluto sobre la fotografía final.

En este artículo quiero demostrarte cómo realizar capturas de bodegones puede ayudarte a adquirir hábitos y rutinas que te vendrán bien para otros géneros fotográficos, así como también te ayudará a adquirir nociones de composición, iluminación e incluso algunas técnicas fotográficas.

¿Qué Entendemos por Fotografía de Bodegones?

Solemos identificar fotografía de bodegones con la típica estampa de un jarrón con flores o incluso de un bol grande lleno de frutas o verduras. Estos son ejemplos clásicos y herencia de la pintura, pero estos motivos no son los únicos que podemos considerar propios de este género. En realidad, cualquier objeto ordinario e inanimado al que no sueles prestar mucha atención se puede convertir perfectamente en el protagonista de una fotografía de bodegón, lo que en inglés se conoce como still-life (naturaleza muerta). ¿Y qué cosas podemos fotografiar? Pues un juguete, un utensilio de cocina, una maceta, maquillaje, un aparato tecnológico, complementos como un bolso...

El punto en común de este género es que aquello que fotografiamos no nos dice mucho por sí solo, por lo que tendremos que trabajar otros aspectos de la escena para conseguir que la fotografía tenga un interés especial, como por ejemplo la composición, la iluminación o el atrezzo de la toma.

Pero tranquilo, porque no necesitas tener un estudio fotográfico para realizar fotografía de bodegones. Un rincón de tu cocina, una mesa o incluso un parque pueden ser un escenario perfecto para practicar la fotografía de bodegón.

Aprende a Ver el Potencial de un Motivo Fotográfico

Muchas veces pensamos que para conseguir una buena fotografía tenemos que ir a lugares preciosos, fotografiar a modelos muy guapos, o escoger objetos bonitos, pero... ¿sabías que no es lo mismo belleza que fotogenia?

Una persona o un objeto pueden ser fotogénicos sin necesidad de poseer una belleza extrema. De hecho, y sobre todo si hablamos de fotografía de retrato, hay personas realmente bellas que no salen bien en las fotos, y otras que igual no tienen un nivel de belleza tan alto y sin embargo salen estupendas en sus fotografías.

La belleza es una cualidad propia del sujeto fotografiado que le hace gustar a los demás, mientras que la fotogenia es el resultado entre el sujeto fotografiado y la cámara. Es decir, en el segundo caso cobrarán importancia otros aspectos como la pose, o la actitud del sujeto, un trabajo extra que va más allá de una mera cualidad.

También es cierto que la belleza es muy subjetiva, y que está en los ojos de la persona que observa algo o a alguien, pero se entiende la idea, ¿verdad?

Esta aclaración la hago para que comprendas que la fotografía de bodegones nos puede ayudar en este sentido porque nos enseñará a ver la fotogenia en objetos cotidianos, que no tienen por qué ser preciosos. Un simple tenedor, o unos granos de café pueden brindarnos una captura increíble si sabemos cómo trabajarla.

Es importante que aprendas a ver el potencial de un objeto o sujeto más allá de lo bonito que pueda ser, eso te abrirá muchas más posibilidades a la hora de escoger tu próximo motivo, y te ayudará a desarrollar tu ojo fotográfico, ya que no solo estarás pensando en el protagonista de la toma sino en todo lo que puedes hacer para conseguir que se vea más interesante en tu captura.

Aprende Composición

Cuando fotografiamos bodegones tenemos total libertad para mover los objetos a nuestro antojo y colocarlos de la manera que más nos guste. Esto es un claro punto a nuestro favor para comprender mejor la importancia que tiene la composición en una imagen.

Como los objetos que capturemos con la cámara no van a quejarse de aguantar una misma pose durante mucho rato o de que están cansados, tenemos la oportunidad de ir probando diferentes reglas de composición para ver de qué manera sale mejor nuestra toma. Incluso podemos romperlas y valorar en qué caso funciona mejor una cosa u otra.

Y no solo podrás variar la posición de los objetos que fotografías, sino que tú también puedes cambiarte de posición para ver qué ángulo de disparo funciona mejor que otro.

Esto te ayudará a entender cómo varía el impacto de una toma dependiendo del punto de vista desde el que hagamos la foto, y en futuras sesiones, sean del tipo que sea, tendrás ese concepto claro para poder utilizarlo a tu favor y así conseguir transmitir en tu fotografía una sensación concreta.

Otro punto que podrás valorar en la fotografía de bodegón es la importancia que tiene el fondo de la toma. Puedes realizar la captura con el fondo de tu propia casa o una zona exterior, pero si crees que ese fondo tiene demasiados elementos que distraen la atención de lo que verdaderamente importa, siempre puedes añadir tu propio fondo para mantener la composición simple. Una simple cartulina o un trozo de tela será más que suficiente para crear ese fondo neutro, e incluso si buscas algo más llamativo puedes optar por un fondo de color sólido. Además, también puedes usar fondos con patrones y texturas que ayuden a ambientar la escena.

Prueba Diferentes Esquemas de Iluminación

Trabajar con objetos inanimados también es una magnífica oportunidad para aprender más sobre iluminación. Dominar la luz es un proceso largo, que requiere paciencia y muchísima práctica, algo que no es muy compatible si tenemos a un modelo manteniendo una pose y esperando a que disparemos nuestra toma.

Lo bueno de fotografiar bodegones es que tus objetos no se van a quejar ni de aguantar muchas horas sin moverse, ni tampoco de que les moleste el continuo destello del flash que les dispares. ¿Todo esto para qué? Pues para practicar con diferentes esquemas de iluminación que te ayuden a saber cuál es la mejor configuración para cada caso, o cómo varía la apariencia de un mismo objeto dependiente de dónde coloquemos nuestras fuentes de luz.

Y no solo eso, sino que también podrás comparar las diferencias que hay entre trabajar con luz natural o luz artificial.

Por todo esto, la fotografía de bodegones sin duda es una buena opción para aprender sobre iluminación, así que aprovecha para jugar con las diferentes propiedades de la luz y así sabrás dominarlas en cualquier género fotográfico.

Ten Paciencia

Una de las cosas que te permite la fotografía de bodegones es que te puedes olvidar de las prisas. No tienes que acabar la sesión en un tiempo récord, no tienes a tu modelo esperando a que se termine la sesión porque no puede más, ni a un cliente que te exige las fotos para ya.

Lo bueno de este género es que puedes incluso dejar el set preparado (según dónde lo pongas claro), y continuar después si en ese momento no estás inspirado. Eso nos enseña a ser pacientes, a trabajar con calma, a encontrar nuevas formas de mostrar una misma escena porque hemos podido tomarnos nuestro tiempo.

Podemos por ejemplo ver los cambios que se producen si esperamos a que la luz natural que ilumina nuestro objeto pasa de ser la de la mañana a la de la tarde. También tenemos la tranquilidad de cambiar de focal y probar los resultados que obtenemos con varias de ellas, observando como la relación entre un mismo fondo y los objetos puede variar simplemente por cambiar de una lente a otra. Y por supuesto, también puedes probar a trabajar con diferentes aperturas de diafragma y lograr enfoques más o menos artísticos en tus fotografías.

La fotografía de bodegones por tanto es un género perfecto para tomarlo con calma y aprovecharlo para conocer nuestro equipo. Para aprender cómo configurarlo, cuáles son las opciones más interesantes, y en definitiva, para que se convierta en una extensión de nuestro brazo.

La Ambientación de un Buen Atrezzo

El atrezzo nos ayuda a darle contexto a un elemento, a crear una historia con él. Es por ello que en fotografía de bodegones resulta tan importante, porque aunque a veces funcionan las capturas minimalistas con un fondo básico y neutro, en otras buscaremos que nuestro elemento protagonista esté rodeado de otros accesorios que ayuden a mejorar la apariencia general de la imagen y nos cuenten algo más de la escena.

El atrezzo nos permitirá aportarle color y estado de ánimo a la escena, pero recuerda que a veces cuántos más elementos añadimos a nuestra composición más difícil resulta encontrar la toma perfecta. Esto está íntimamente ligado al apartado de ten paciencia, porque cuando añadas más objetos deberás ir probando y quitando algunos hasta averiguar cuáles funcionan mejor que otros, o cómo debes colocarlos para que ayuden a destacar al objeto principal y no le resten protagonismo.

Las lecciones que aprendas en este sentido de la fotografía de bodegones te resultarán muy útiles en oros géneros fotográficos como los retratos en general, aunque especialmente a niños o a parejas, la fotografía de bodas o también la fotografía de producto.

La Importancia del Procesado

Una foto no está completa del todo hasta que no ha sido procesada para darle así el aspecto final que deseamos, y esto se aplica para cualquier temática fotográfica, incluida la de bodegones.

Editar nuestras fotografías de bodegón nos ayudará a adquirir habilidades de edición en programas como Photoshop o Lightroom, y aprenderemos aspectos de edición como la corrección de color, el ajuste de la exposición o mejorar el contraste y la nitidez.

Además, también puede ser una buena oportunidad para aprender qué son los presets o acciones, y así acelerar nuestro flujo de trabajo cuando los ajustes que les aplicamos a nuestras tomas son repetitivos.

Perfecciona Tus Habilidades Fotográficas

¿Eras consciente de todo lo que se puede aprender practicando la fotografía de bodegones? Sin duda si ejerces este tipo de fotografía irás mejorando tus habilidades fotográficas, y podrás adquirir nuevas habilidades para afrontar diversas temáticas. ¿Qué me dices? ¿Te animas a probarla?

Lo fundamental para conseguir hacer la foto que quieres es saber si tú cámara te permite hacerlo, pero sobre todo, saber configurarla para cada ocasión.

Las cámaras tienen una serie de automatismos que nos facilitan la vida. Cada vez incorporan más mejoras que nos permiten conseguir esa fotografía que tanto nos costaba. Por lo tanto, hay que saber cuándo utilizarlas y cómo hacerlo. Lo suyo es ponerse a trastear con el equipo en casa y probar para que cuando llegue el momento no tengamos que perder ni el tiempo ni la foto.

No confundamos poner la cámara en modo automático con dejar que la cámara haga lo que nosotros no podemos hacer de manera rápida. Por ejemplo, yo siempre realizo una medición en modo Manual porque normalmente tengo tiempo de realizarla. ¿Pero y si la acción es muy rápida y no me da tiempo?

Modos semiautomáticos de medición

Algunas cámaras como las Fujifilm tienen un anillo para modificar el diafragma en el propio objetivo. Para que la cámara pueda escoger el diafragma que quiera cuando ponemos prioridad a la velocidad debemos poner el anillo en la posición A.

Todo el mundo conocerá los famosos modos Av o A y Tv o S. Estos modos te permiten configurar manualmente el diafragma y la velocidad de obturación respectivamente, y la cámara se encarga de establecer el otro parámetro.

¿Cuándo es útil utilizar estos modos? pues cuando vamos a fotografiar diferentes escenas, con cambios bruscos de luz, con acciones muy rápidas en las que no podemos estar midiendo y configurando parámetros.

El criterio será el mismo de siempre, ¿qué es más importante? ¿la velocidad o el diafragma? dependiendo de la respuesta pondremos Av o Tv. Al poner estos modos aparece un nuevo concepto que debemos entender y es la Compensación de la Exposición.

Cuando seleccionamos estos dos modos, la cámara nos va a dar una medición al 0, es decir, que en la mayoría de casos las fotos quedarán subexpuestas, de ahí la técnica del derecheo del histograma.

Para que la foto salga con más luz debemos compensar la exposición con valores EV por encima de cero. Lo contrario para obtener menos luz.

¿Cómo lo hacemos?

Si tenemos dos ruedas, una servirá para establecer el diafragma (si hemos seleccionado Av) y la otra para compensar la exposición. Lo mismo sucede si seleccionamos Tv.

Las cámaras que sólo tienen una rueda deben pulsar un botón a la vez que mueven la rueda para modificar la compensación de la exposición.

Al compensar la exposición veremos cómo el exposímetro se sitúa en una posición distinta y fija. Si compensamos la exposición un tercio, todas las fotografías se sobreexpondrán un tercio. Con esto no necesitamos medir la luz y nos da igual que hayan cambios de luminosidad, por ejemplo, cuando estamos realizando un seguimiento de un ave.

ISO automático

Fotografía tomada durante un congreso con los siguiente parámetros: f/2.8, 1/60s, ISO 1600. Máxima apertura y un ISO contenido puesto que el ponente tiene un foco iluminándole y va de blanco.

El ISO automático no se suele utilizar mucho por desconocimiento, sin embargo, es muy útil. Este automatismo lo que hace es variar el ISO en función de la luz que necesitemos, de manera que podemos establecer tanto diafragma como velocidad sin estar pendientes del ISO. Si nos falta luz, el ISO aumenta, si nos sobra, entonces baja.

Imaginar una situación de poca luz, donde estamos disparando a plena apertura de diafragma y donde la luz cambia mucho. Por ejemplo, un escenario, donde un foco ilumina a un ponente, pero el resto está en sombra. Cuando fotografiamos al ponente no necesitamos subir mucho el ISO porque está iluminado por un foco, pero cuando fotografiamos el resto del escenario sí.

¿Qué hacemos? ¿cambiamos el ISO cada vez? ¿disparamos todas las fotos con el ISO más alto necesario para fotografiar las zonas oscuras?

Nos giramos y fotografiamos gente que está entre el público, con mucha menos luz. Los parámetros son: f/2.8, 1/50, ISO 6400. Ha subido el ISO para poder hacer la foto.

Lo ideal sería establecer el ISO automático, de manera que cuando nos sobre luz, el ISO será bajo, y cuando nos falte será alto. En algunas cámaras incluso se puede establecer un rango en el que se puede mover los valores ISO. Por ejemplo, si nuestra cámara no soporta ISO más altos de 1600 pondremos valores entre 100 y 1600.

Nosotros solamente tenemos que preocuparnos de establecer el diafragma y la velocidad para conseguir la foto. Es posible que ni aumentando el ISO al máximo nos salga la foto, por lo que deberemos tenerlo en cuenta y modificar el resto de parámetros.

Puntos de enfoque

Lo primero que hay que saber de los puntos de enfoque es que los usamos para enfocar, como bien dice la palabra. El problema es que por defecto, las cámaras eligen el punto de enfoque que cree conveniente en cada momento. Esto es un error, porque muchas veces enfocará aquello que nosotros no queremos. Las cámaras tienen varios puntos de enfoque, siendo más habitual elegir el punto central. Por eso, lo primero que hay que hacer es decirle a la cámara que el punto de enfoque lo seleccionamos nosotros. En este caso, dejar que la cámara elija por nosotros qué punto de enfoque seleccionar sería un error.

Los puntos de enfoque no es que sea un automatismo en sí, ya que vamos a ser nosotros quienes lo seleccionamos manualmente en cada momento. Sin embargo, cada vez más cámaras tienen sistemas de enfoque más avanzados.

Estos sistemas te permiten establecer grupos de puntos para facilitar el seguimiento de los sujetos. Aquí es donde entra en juego el conocimiento de nuestra cámara. Si no sabemos que nuestra cámara tiene esta función trataremos de seguir a un pájaro con un único punto de enfoque, cuando podemos hacerlo con 12.

En este caso, también debemos colocar la matriz de puntos en la zona que queramos, para que el sujeto aparezca en la zona de la foto que buscamos, y a partir de ahí, que sea la cámara la que trate de enfocar con algunos de dichos puntos.

Guarda tus configuraciones más utilizadas

Existen cámaras que permiten guardar la configuración actual de la cámara. Esto te permite cambiar de una configuración a otra de manera rápida. En Canon puedes encontrar modelos que tienen en el dial las letras C1, C2 y C3. Con esto puedes almacenar tres configuraciones distintas y cambiar rápidamente.

Imagina que estás haciendo una larga exposición y una vez termines quieres hacer la foto con los parámetros normales. Puedes quitar el filtro, seleccionar el modo C1 donde me he guardado la configuración y hago la foto. Si voy haciendo distintas fotos de larga exposición, puedo quitar el filtro e ir seleccionando la configuración con tan sólo cambiar el dial.

Otra opción sería tener una configuración con ciertos parámetros en función del tipo de fotografía, por ejemplo, fotografía nocturna. Si vas a disparar con trípode puedes levantar el espejo, abrir el diafragma, subir el ISO, poner o quitar la reducción de ruido, poner el modo BULB, etc..

Como veis, saber controlar la cámara es muy importante y por el hecho de saber medir la luz en manual no significa que nunca más puedas usar otros modos de medición. Las funcionalidades están para ayudarnos, por lo que lo primero es saber que existen, lo segundo probarlas para ver que funcionan, y tercero, usarlas cuando sea necesario.

Enlaces Relacionados

• Entendiendo el Control de Compensación de la Exposición de tu Cámara
• Los 6 Pasos Imprescindibles Para Dominar Los Modos Semiautomáticos Y El Modo Manual De Tu Cámara
• Qué Modo de Enfoque Utilizar En Cada Situación
• 7 Situaciones en las que Deberías Apagar el Enfoque Automático
• 5 Situaciones en que te Conviene Usar el Enfoque Manual