O que significa ser negro e ser indígena no mundo contemporâneo? A pergunta ecoa e funciona como um elo entre as obras da exposição “Terra de Gigantes”.

A nova mostra ocupa gratuitamente o Sesc Guarulhos entre 30 de março e 03 de setembro e propõe uma experiência imersiva coletiva, cujo aparato tecnológico foi desenvolvido para garantir uma vivência interativa singular.

O que esperar da mostra?

Daiara Tukano, Davi Kopenawa Yanomami, Denilson Baniwa, Jonathan Neguebites, Jota Mombaça, Juçara Marçal, Katú Mirim, Legítima Defesa, Marcelino Freire, Naná Vasconcelos e Naruna Costa compõem o time de artistas e coletivos convidados que atualizam a visão de nação brasileira a partir da experiência de ser um corpo negro e indígena no país.

Pensada a partir das memórias dos parques temáticos – trem fantasma, labirinto de espelhos, montanhas e rodas -, “Terra de Gigantes” propõe um jogo de proporções em que o visitante é reduzido ou ampliado diante de projeções em diferentes escalas.

Às vezes gigante, às vezes minúsculo, o público é constantemente convidado a interagir com os artistas que, em cada obra, se tornam personagens desse percurso construído como um longa de ficção, num passeio através de cenas que, juntas, compõem uma ambiência fantástica.

Um dos corações da mostra, Davi Kopenawa Yanomami, liderança ianomâmi e autor do livro “A queda do Céu”, aguarda seu interlocutor antes de se apresentar gigantescamente em cena.

Em sua obra, ele fala ao espectador sobre a força de resistência que existe não só em sua figura, mas na cultura do povo ianomâmi que, simbolicamente, através da dança de seus xamãs, garante que o céu permaneça sobre nossas cabeças e não caia.

Na exposição, a imensa figura de Kopenawa, projetado em escala aumentada de 800%, aborda temas sensíveis e atuais, como a dimensão atual da crise ianomâmi e o projeto de civilização que se construiu a partir de um progresso destrutivo.

Daiara Tukano, artista que pesquisa o direito à memória dos povos indígenas, expõe dez pinturas da série “Kahpi Hori” que, em “Terra de Gigantes”, deixam o suporte da tela e ganham animação em formato tridimensional.

Nesta sala de imersão visual e sonora de imensas dimensões, Tukano instaura um outro tempo de miração dentro da exposição, operando como um mergulho no universo simbólico de uma das expressões da arte indígena contemporânea brasileira.

Imerso em um cubo com projeções mapeadas nas paredes e no piso, e sonorizado com cantos entoados pela própria artista, o espectador vivencia uma experiência que sugere visões alcançadas por meio do caapi (ayahuasca), a medicina de origem de todo o conhecimento, história, língua, cantos e desenhos do povo Tukano.

Jonathan Neguebites, dançarino da 1ª geração do passinho carioca, explora essa manifestação cultural e periférica ligada às batidas mais maduras do funk enquanto dança ao som vocal de Juçara Marçal, expoente da renovação da música popular brasileira. Aos dois, junta-se música de Naná Vasconcelos (1944 – 2016), papa da percussão.

Naruna Costa, atriz, diretora e musicista, dialoga com a obra do escritor Marcelino Freire, interpretando o texto “Da paz”, que ganhou notoriedade em slams e competições de poemas ao falar sobre uma mãe que teve um filho morto pela polícia e se recusa a ir em uma manifestação pela paz.

Costa é mais uma gigante da mostra, interpretando uma figura materna que simboliza a revolução por um novo Brasil que somente as mães de filhos que sofreram violências podem convocar.

Ao todo, são 11 cenas audiovisuais que, entre diferentes caminhos poéticos, como textos, músicas, performances, entrevistas e animações, examinam os significados sobre ser negro e ser indígena no mundo contemporâneo, abrindo espaço para se pensar o amanhã a partir de referenciais plurais.

É o aparato tecnológico desenvolvido para a instalação que garante a experiência imersiva em um universo onde as forças poéticas e mitológicas da cultura afro-ameríndia são evocadas através de sons, luzes e imagens.

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Bora apreciar um concerto de graça? O célebre maestro João Carlos Martins e a Orquestra Bachiana Filarmônica SESI-SP se apresentam no dia 28 de março no Teatro Gazeta.

No repertório, prepare-se para ouvir trilhas de filmes, composições da saga Star Wars e clássicos brasileiros como “Eu sei que vou te amar”, “Garota de Ipanema” e “Em algum lugar do passado”.

Serão disponibilizados 650 ingressos, a serem trocados no site do teatro (clique aqui). Corre para garantir o seu! (:

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“Não há nada no entendimento que antes não tenha estado nos sentidos.” Por isso, Mistérios da Meia Noite chega como uma festa que resgata e celebra subjetividades, instinto e intuição, o oculto.

O rolê acontece no dia 30 de abril no Cineclube Cortina e o ingresso antecipado custa R$ 30 – garanta o seu aqui!

Por meio de música, projeções, experimentos e oráculos, a festa convoca os sentidos para serem protagonistas. No som, influências de tambores, sintetizadores, psicodelias, soul, funk, boogie, beats e outras cositas más com um line-up de peso comandados pelas DJs Lys Ventura, Gabi Pensanuvem, Tata Ogan e Mary G, idealizadora do projeto.

Mistérios da Meia Noite também conta com a presença da taróloga Alini Masse, exposição com Karmencita Barbosa e performance visual de Paty Hue e Clara. Uma festa poderosa e 100% feminina!

Quer sentir um gostinho do que te espera? Ouça e siga Mary G:

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Considerada uma das mais relevantes feiras de arte e design da América Latina, a SP–Arte lança seu primeiro espaço permanente, dedicado à realização de exposições e eventos ligados às artes visuais: a Casa SP–Arte!

Instalada na Vila Modernista, em SP, e projetada por Flávio de Carvalho (1899-1973), a Casa ocupa o único imóvel – entre os 17 que compõem a vila – inteiramente restaurado em sua versão original.

A Casa-SP Arte fica aberta para visitação de terça-feira a sábado, com entrada gratuita e visitação por ordem de chegada.

A primeira exposição do espaço é “Hélio Oiticica: mundo-labirinto”, que reúne obras de diferentes fases da produção de Oiticica (1937-1980), incluindo suas investigações de caráter construtivo sobre o plano bidimensional e propostas experimentais que dialogam sobre arte e vida e sobre arte e cultura pop.

Compõem a mostra obras produzidas a partir de 1955, incluindo trabalhos do Grupo Frente, e produções dos anos 1970. Algumas obras do artista, inclusive, ressaltam a arquitetura modernista da casa.

Fique por dentro de toda a  programação da Casa SP-Arte pelo site ou o Instagram da instituição.

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Alô, cinéfilos! Vem aí mais uma edição da Noite do Spoiler Cinemark, onde fãs do famoso jogo de RPG “Dungeons & Dragons” têm a oportunidade de assistir em primeira mão a adaptação para as telonas.

As sessões acontecem no dia 28 de março em cinemas selecionados de São Paulo, nos shoppings Eldorado e Santa Cruz, e também no Rio de Janeiro, no Botafogo Praia Shopping. Os ingressos custam R$ 59 e já estão disponíveis no site e nas bilheterias dos cinemas participantes.

E não acaba por aí! O ingresso para a Noite do Spoiler também inclui um combo com pipoca + bebida e um kit com itens colecionáveis. Os mimos são uma maneira dos fãs de “Dungeons & Dragons” guardarem uma lembrança deste momento único.

Para que todos possam se sentir parte da aventura, o Cinemark também preparou uma experiência imersiva com salas totalmente customizadas e inspiradas no universo do jogo, além de liberar acesso a um conteúdo exclusivo comandado por Érico Borgo, que irá explorar bastidores e curiosidades da produção.

Saiba mais sobre o filme “Dungeons & Dragons”

Um charmoso ladrão e um grupo de aventureiros mergulham em uma épica jornada para recuperar uma relíquia perdida, mas as coisas se tornam perigosamente obscuras quando eles cruzam caminho com as pessoas erradas. “Dungeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes” traz o rico mundo e o espírito vívido do lendário jogo de RPG para as telonas em uma aventura hilária e recheada de ação.

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Para celebrar os 100 anos de criação da Disney, a mais bem-sucedida e relevante produtora de animação da história do cinema, a Cinemateca Brasileira apresenta uma mostra com 16 animações que marcaram a trajetória do estúdio.

As sessões acontecem entre os dias 23 de março e 2 de abril e a entrada é gratuita, mas é necessário a retirada dos ingressos com uma hora de antecedência do filme.

Na “Mostra 100 anos da Disney” você confere desde os passos iniciais da mágica companhia com os inovadores “Branca de Neve e os Sete Anões” (1937) e “Fantasia” (1940), que exploraram o potencial da animação e demonstraram novas possibilidades para o formato, passando por clássicos como “Bambi” (1941), além de filmes de sua era menos gloriosa, marcada por crises criativas e com o público, como “Robin Hood” (1973) e “O cão e a raposa” (1981).

A Renascença da Disney veio no final dos anos 80, com enormes sucessos de pública e crítica. São desse período filmes como “A pequena sereia” (1989), “A Bela e a Fera” (1991), “O Rei Leão” (1994) e “Mulan” (1998). “A Bela e a Fera”, inclusive, se tornou a primeira animação da história a ser indicada ao Oscar de Melhor Filme, quando a categoria de Melhor Animação ainda não existia.

No fim dos anos 90, a Disney se une à produtora Pixar para o lançamento de “Toy Story” (1995), o primeiro longa-metragem animado completamente de forma digital. Esse casamento de sucesso entre Disney e Pixar perdura até os dias de hoje, e na mostra estão presentes ainda “WALL-E” (2008), “Divertida Mente” (2015) e “Viva: a vida é uma festa” (2017).

Assim como “Viva” traz às telas a rica cultura mexicana e “Mulan” adapta uma clássica lenda chinesa, o estúdio vem se preocupado em diversificar seus personagens e contextos. Tiana, de “A princesa e o sapo” (2009), se tornou a primeira princesa negra da Disney, e a personagem título de “Moana” (2016) mostrou ao mundo toda a força das culturas polinésias.

A seleção conta ainda com “Frozen: uma aventura congelante” (2013), o primeiro longa-metragem animado da Disney a ser dirigido por uma mulher.

Fique de olho no site da Cinemateca Brasileira e acompanhe a programação completa da “Mostra 100 anos da Disney“!

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Quando arte e tecnologia se encontram, cria-se uma vivência única. E você tem a chance de passear pela evolução da medicina e o futuro da ciência de um jeito bem diferente nos dias 25 e 26 de março, na Praça Mauá (RJ).

Idealizada pela farmacêutica Daiichi Sankyo Brasil, a exposição “O Futuro do Ser” gera uma reflexão sobre a relação direta do avanço em termos de tratamentos e longevidade com os marcos científicos que ocorreram ao longo da história.

“Nesta ação, escolhemos a arte como um meio para entregar a mensagem de que a ciência está entre nós e é essencial para a longevidade humana e para a evolução dos tratamentos para doenças que nos desafiam, como o câncer”, afirma Marcelo Gonçalves, presidente da Daiichi Sankyo Brasil. 

De acordo com o executivo, o avanço da ciência tem permitido tratamentos mais humanizados e mais qualidade de vida e bem-estar para os pacientes. E o objetivo da Daiichi Sankyo é mostrar aos brasileiros como essa evolução aconteceu.

A farmacêutica defende que é preciso investir em inovação ao mesmo tempo em que comunica à população leiga sobre os desafios e as novidades da área. 

Visite a exposição em dois dias

Pensada para ser uma maneira criativa de fazer isso, a mostra promove através de estímulos sensoriais, um resgate ao conhecimento ancestral aliado aos avanços recentes e futuros da medicina oncológica e integrativa.

Ao mesmo tempo em que aponta caminhos possíveis ao anseio humano de se alcançar equilíbrio entre longevidade, estado de presença e consciência sobre seu papel de protagonismo no meio em que vive.

Para participar da exposição “O Futuro do Ser”, que acontece no sábado, das 12h às 18h, e domingo, das 10h às 18h, é bem simples: basta chegar e curtir, já que a entrada é gratuita.  

Não é necessário nenhum tipo de reserva para percorrer os três domos super tecnológicos que abordam os avanços da ciência quando o assunto é aumento da expectativa de vida dos seres humanos.

Ciência transformada em arte

Prepare-se para uma experiência multicolorida e filosófica! O artista visual Lucas Gutierrez criou paisagens abstratas e impactantes, todas inspiradas nas texturas encontradas no corpo humano. 

Suas projeções estimulam os visitantes a pensar sobre a natureza da existência e o significado da vida. Além disso, transmitem a ideia de que estamos conectados e fazemos parte de um grande organismo: o planeta Terra. 

Foi o roteiro de André Castilho que guiou o trabalho de Gutierrez. Ele partiu do surgimento da célula e foi até o sequenciamento do genoma humano,em 2001, passando pelas civilizações pré-históricas, pelos tratamentos médicos inovadores e pela descoberta dos genes. 

Basicamente, o público vai transitar pelos espaços e absorver todo esse conhecimento de um jeito bastante lúdico. Para Castilho, olhar para o futuro significa expandir a consciência, entendendo melhor como suas ações impactam o coletivo.  

Gostou? Então bora curtir essa mostra lindona!

Em comemoração aos seus 10 anos, o Museu de Arte do Rio – MAR inaugura a exposição “O Retrato do Brasil é Preto”, d’O Bastardo, apresentando uma série de pinturas a partir das experiências do artista carioca.

Os retratos realizados com a técnica do grafite e inspirados pelos desenhos de rua possuem destacada assinatura cromática. Em suas telas, personagens negras, célebres ou anônimas, são protagonistas no repertório do jovem artista de 25 anos do subúrbio do Rio, que mostra o compromisso de fazer da arte um lugar de representatividade.

“O Retrato do Brasil é Preto” está disponível para visitação até o dia 28 de maio, de quinta-feira a domingo, com ingressos a R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia-entrada) – garanta o seu aqui.

A exposição se divide nos núcleos “Pretos de Grife”, “Assinaturas Pretas”, “Narrativas Pretas” e “Sobre os começos”, onde O Bastardo traz trabalhos de seus primeiros momentos de criação.

As obras apresentam e festejam novos heróis, protagonistas e formas de representação. O artista faz tanto um mergulho nas suas vivências no Rio de Janeiro, quanto na observação de trajetórias vitoriosas de vidas negras que admira.

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“Abre os teus armários, eu estou a te esperar” 🎶

Episódico e surpreendente, o espetáculo “Los Hermanos – Musical Pré-Fabricado” não remonta o grupo em cena de forma convencional, vai além: revela histórias curiosas por trás das músicas nunca antes contadas da banda carioca, formada por Marcelo Camelo, Rodrigo Amarante, Bruno Medina e Rodrigo Barba.

“Los Hermanos – Musical Pré-Fabricado” está em cartaz no Teatro Casa Grande, até 07 de maio. Os ingressos custam entre R$ 75 e R$ 220, dependendo do lugar. Adquira o seu aqui ou na bilheteria do teatro.

As músicas “Sentimental”, “Morena”, “Casa Pré-Fabricada”, “Veja Bem Meu Bem”, “A Flor” e “Conversa de Bota Batidas”, entre outras, ocupam o palco e dialogam com outras épocas e obras da cultura pop, apresentando desde o nascimento dessas canções até sua execução, passando por situações cotidianas e até inimagináveis.

O espetáculo é uma produção da Sapo Produções e da Plano Criativa, com texto e direção de Michel Melamed e uma narrativa bem-humorada, disruptiva e inovadora criada por Melamed para a montagem, que conta com um plural e diverso time de artistas formado por Ariane Souza, Estrela Blanco, Felipe Adetokunbo, Leandro Melo, Matheus Macena, Mattilla, Paula Fagundes e Yasmin Gomlevsky. Eles são acompanhados por uma banda de seis músicos.

O musical revisita, reinventa e realoca a obra de Los Hermanos, sendo assim, uma homenagem a cultuada banda e aos fãs. Imperdível!

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Os cervejeiros de plantão vão mergulhar de cabeça no universo fantástico da cerveja artesanal em uma experiência perfeita criada pelo Shopping Center Norte. Até 26 de março, a Craft Brew Experience te convida para uma viagem sensorial e imersiva sobre essa bebida que é um verdadeiro elixir dos deuses!

E o melhor de tudo é que o rolê é totalmente gratuito! As visitas ao espaço acontecem de terça a sábado, das 13h às 21h, e aos domingos, das 14h às 20h. Para participar, você só precisa preencher um rápido cadastro na entrada do evento.

Lá na praça de eventos do shopping, você vai aprender por meio de telas interativas, tudo sobre a história e os processos de fabricação da cerveja, desde a sua origem até o cenário atual de produção e consumo da bebida no mundo. Por exemplo, você sabia que os sumérios descobriram a cerveja – ainda muito diferente da bebida que adoramos hoje – em 1.760 a.C.?

Além de curiosidades incríveis como esta, você vai conhecer mais sobre as escolas cervejeiras, a lei da pureza, as matérias-primas, os ingredientes e sabores, os diferentes estilos de cerveja, os copos mais indicados para experimentar cada tipo etc.

Outro destaque da Craft Brew Experience é um túnel sensorial, no qual os visitantes podem sentir a riqueza e a variedade de aromas explorados em diferentes estilos de cerveja, como os arranjos utilizando lúpulos (terrosos, herbais e cítricos), fermentos (cheiros de cravo, banana e amanteigado) e maltes (café, biscoito e caramelo).

Dá uma olhada em como está a experiência montada pelo Shopping Center Norte:

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Aprenda ainda mais sobre cerveja!

Para quem quiser dar uma turbinada nos conhecimentos sobre cerveja, a Craft Brew Experience ainda tem uma série de master classes gratuitas sobre diferentes temas desse universo, ministradas por quem realmente entende do assunto.

E o legal é que algumas aulas ainda te dão direito até a uma degustação! Para participar, é só ter mais de 18 anos e se inscrever pelo app do Shopping Center Norte, que está disponível neste link aqui.

Uma dessas master classes é “Da Selva ao Copo, em Busca da Levedura Perfeita”, que acontece no dia 22 de março, às 19h. A aula é comandada por Ana Carolina Souza Ramos de Carvalho, que tem pós-doutorado em microbiologia de leveduras selvagens e cervejas.

Já Gabriela Lando, que é cervejeira profissional e juíza convidada em campeonatos de cerveja hidromel, dá aulas sobre “Insumos Cervejeiros” e “Produção Cervejeira” nos dias 25 e 26 de março, às 15h30 e às 17h30, respectivamente.

Ainda tem master classes sobre “Ingredientes e Sabores”, “Timeline da Cerveja”, “Produção de Lúpulo no Brasil” e outros temas.

Curtiu a experiência? Então, baixe o app aqui para se inscrever nas Master Classes gratuitas ou vá até o Shopping Center Norte para participar do evento!

Quer uma dica de programa cultural para curtir em família? Anota aí: o Quintal das Artes no MIS Experience!

O novo espaço interativo te como objetivo estimular o gosto pela arte em crianças e jovens, reunindo atrações e brincadeiras que têm o universo das artes como pano de fundo. De Michelangelo à Tarsila do Amaral, de Da Vinci à Anita Malfatti, são diversas atividades que envolvem o contexto criativo dos mestres da arte!

Bora nessa? Os ingressos estão a venda e custam entre R$ 10 e R$ 30, dependendo do dia. Lembrando que às terças-feiras a entrada é gratuita e crianças de até sete anos não pagam – garanta sua entrada aqui.

O que esperar do Quintal das Artes?

Você tem a oportunidade de conhecer e interagir com a arte de forma lúdica e inovadora, inclusive com uso de tecnologia de ponta. O Quintal das Artes traz atividades que envolvem o contexto criativo dos artistas que estão ou estiveram na programação de mostras imersivas do MIS Experience, como Michelangelo (em exibição atualmente), Leonardo da Vinci e Portinari, além de mestres como Van Gogh, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti e Di Cavalcanti.

• Você não visitou a exposição imersiva “Michelangelo: O Mestre da Capela Sistina”? Vem que ainda dá tempo!

Por meio de reproduções de obras dos artistas e propostas divertidas de interação que instigam a criatividade e o gosto pelo fazer artístico, as atrações do novo espaço são indicadas para toda a família.

Quebra-cabeças, jogos da memória, telões touchscreen, painéis para colorir, entre outros, convidam todes para um mergulho em obras icônicas da história da arte. Vem que a diversão é garantida!

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Já se perguntou qual é a contribuição das mulheres para a ciência? Quem foi Marie Curie ou Bertha Lutz? Já ouviu falar em Sueli Carneiro e Jaqueline Goes? Essas e outras figuras femininas importantíssimas são retratadas na exposição “Nós — Arte e Ciência por Mulheres”. 

Entre 18 de março e 11 de junho, a exposição ocupa o Paço das Artes, em Higienópolis, de terça-feira a domingo, com entrada gratuita.

“Nós — Arte e Ciência por Mulheres” apresenta a trajetória das mulheres como produtoras de conhecimento. A mostra vai apresentar um panorama que valoriza a presença delas na ciência, ao mesmo tempo que dá luz à histórica invisibilização de suas atuações na sociedade – e faz isso através da apresentação de personagens, iconografia histórica e científica e, como um projeto de arte, através do trabalho de artistas contemporâneas.

Contemplando cenários históricos que vão desde a sabedoria ancestral até a crescente presença feminina nas instituições científicas nos dias de hoje, a narrativa da exposição propõe tanto uma denúncia, quanto uma ode à presença de mulheres nas mais diversas áreas do conhecimento.

Como denúncia, a mostra considera as múltiplas camadas de opressão que atravessam e organizam uma sociedade ainda marcada pelas exclusões, mas também apresenta e valoriza, através de uma narrativa complexa e entrelaçada, que a mulher sempre foi protagonista de sua própria história!

A mostra é dividida em dois núcleos temáticos, abordando diferentes áreas de atuação em que as mulheres são produtoras de conhecimento. “Nós — Arte e Ciência por Mulheres” faz um recorte e apresenta cerca de 60 cientistas de diferentes épocas e nem sempre reconhecidas por suas conquistas, como a alquimista e profetisa grega Maria; as químicas Marie e Irene Curi; a bióloga Bertha Lutz e a paleontóloga Carlotta Joaquina Maury.

Entre as 19 artistas contemporâneas que expõe suas obras, estão Arissana Pataxó, Berna Reale, Bruna Alcântara, Efe Godoy, Marcela Cantuaria e Paty Wolff.

O primeiro núcleo, “Não se nasce mulher, torna-se mulher”, retorna aos tempos medievais e destaca como a sabedoria e autonomia feminina, muitas vezes na figura de parteiras, curandeiras e benzedeiras, por exemplo, passaram a ser vistas como uma afronta à manutenção da lógica patriarcal e à sociedade da época, sendo consideradas imorais, criminosas e até mesmo bruxas. Por conta de tamanho preconceito, muitas delas foram condenadas à fogueira.

Já o segundo núcleo, chamado “A revolução será feminista, ou não será!”, explora a contínua luta das mulheres por uma sociedade mais igualitária, em que todos tenham pleno acesso a direitos políticos, econômicos e sociais, naquela que é considerada a mais longa de todas as revoluções. Entre alguns dos variados temas que serão explorados, está o trabalho doméstico. Fala sério se não é uma exposição imperdível?!

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Quem aí adora uma feira de artesanato?

Nos dias 18 e 25 de março, a praça no térreo do Sesc Avenida Paulista recebe a feira Artesanias da Avenida, como parte do projeto Territórios do Comum, onde alguns artesãos que atuam na Avenida Paulista compartilham suas experiências e saberes e comercializam suas obras. O evento é aberto e gratuito. Bora?

Na feira você encontrará esculturas em madeira, serigrafia, ilustração e encadernação, sabonetes artesanais, produtos de cuidado natural, bonecos de pano, biojóias, bolsas, cachepôs, carteiras, esculturas, terrários, cerâmica, xilogravura e mais uma infinidades de objetos feitos por pequenos empreendedores.

Além da exposição dos trabalhos, DJ Anderson Farias, um dos primeiros DJs cegos do país, apresenta o seu set durante a feira. Inclusão e apoio à economia criativa e circular, é disso que a gente gosta!

A iniciativa tem o objetivo de sensibilizar o público para trabalhos realizados no território da Avenida, trazendo alguns artistas e artesãos, cuja experiência de expor e vender seu trabalho na rua os expõem a diferentes situações e inspirações para suas criações.

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🌟 Chegou o momento de vivenciar de perto a magia das animações da DreamWorks!

Em celebração aos mais de 25 anos de um dos maiores estúdios de cinema, pela primeira vez, a “DreamWorks Animation: A Exposição. Uma Jornada do Esboço À Tela” desembarca no Brasil para uma exposição inédita que apresenta a abordagem colaborativa e visionária do estúdio à animação, arte, tecnologia e narrativa da DreamWorks Animation.

A exposição estreia no dia 20 de maio na DOM Cultural, localizada no Shopping Cidade São Paulo. Os ingressos custam entre R$ 35 e R$ 110 e já estão a venda, corra para garantir o seu! Crianças de até dois anos têm entrada gratuita e até seis anos pagam meia-entrada.

“DreamWorks Animation: A Exposição. Uma Jornada do Esboço À Tela” traz para o público mais de 400 itens inéditos do acervo do estúdio, incluindo raros esboços iniciais dos filmes, modelos, entrevistas, experiências digitais interativas e imersivas!

A exposição é dividida em quatro seções principais: Personagem, História, Mundo, e Sala dos Desenhos. As três primeiras traçam a jornada criativa, da ideia ao filme finalizado, explorando como as histórias se desenvolvem e como mundos imaginários incríveis são criados. A quarta seção, A Sala dos Desenhos, permite a cada visitante criar sua sequência de curta-metragem.

Prepare-se para conhecer o processo criativo de Shrek, Kowalski, Megamente, Po, Soluço, Fiona e muitos outros personagens incríveis que conquistaram legiões de fãs mundo afora.

Ao longo da exposição, visitantes também terão a oportunidade de assistir aos filmes da DreamWorks Animation, encontrar personagens do estúdio e participar de vários outros eventos relacionados à exposição.

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Dando início à programação anual dedicada às histórias indígenas, três grandes exposições ocupam o MASP — Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand!

A mostra “Carmézia Emiliano: a árvore da vida“ reúne pinturas que figuram e refletem sobre paisagens, objetos da cultura material e o cotidiano da comunidade da artista indígena Macuxi, localizada na Maloca do Japó, Normandia, Roraima.

Já “MAHKU: Mirações” apresenta pinturas, desenhos e esculturas – resultado de traduções de cantos, mitos e visões do grupo de etnia Huni Kuin, que vive no estado do Acre, na fronteira com o Peru.

E por fim, o Coletivo Bepunu Mebengokré exibe os curtas-metragens sobre a ancestral arte da pintura corporal, protagonizada pelas mulheres Mebengokré-Kayapó.

As duas mostras ficam em cartaz até 11 de julho, já os curtas-metragens até o dia 18, e podem podem ser conferidos às terças, das 10h às 20h, e de quarta a domingo, das 10h às 18h.

Os ingressos custam R$ 30 (meia) e R$ 60 (inteira), reserve o seu aqui! Lembrando que às terças e toda primeira quinta-feira do mês, a entrada é gratuita! (:

“Carmézia Emiliano: a árvore da vida”

Carmézia Emiliano é uma artista autodidata de origem Macuxi, nascida em Maloca do Japó, Normandia, Roraima. Sua exposição apresenta 35 pinturas sobre tela, divididas em sete núcleos que abordam temas relacionados à subjetividade da artista e à vida em comunidade, refletindo manifestações culturais macuxis, como a dança do parixara, os jogos e brincadeiras relacionados aos períodos de festas, assim como a vida comunitária, manifestada nas pinturas que representam habitações e espaços em comum.

Também se destacam os registros da transmissão de saberes, das redes de apoio entre mulheres e da relação de profundo respeito e cooperação com a natureza.

“MAHKU: Mirações”

Essa exposição reúne cerca de 120 pinturas e desenhos que se originam tanto de traduções e registros de cantos, mitos e histórias de sua ancestralidade, como de experiências visuais geradas pelos rituais de nixi pae – que envolvem a ingestão de ayahuasca – denominadas mirações, palavra que dá título à exposição no MASP.

A mostra pretende ampliar o conhecimento sobre e com os Huni Kuin, assim como a compreensão da contribuição de sua obra para a arte contemporânea.

Sala de vídeo: Coletivo Bepunu Mebengokré

A mostra do Coletivo Bepunu Mebengokré exibe os curtas-metragens “Menire djê: grafismo das mulheres Mebengokré-Kayapó” (2019) e narra o processo de produção da tinta de jenipapo, desde a colheita até a mistura com o carvão moído, que traz a pigmentação e consistência adequadas para aplicá-la nos corpos. Em seguida ao ciclo de preparo da tinta, a protagonista da obra realiza a pintura dos grafismos em sua própria filha e recorda-se de como seus avós e pais tiveram um papel significativo na relação que construiu com seu passado.

Já o curta “Mê’ok: nossa pintura” (2014), expande o diálogo com as cosmologias Mebengokré a partir do universo dos grafismos, em uma série de entrevistas e registros com pessoas que cresceram com a pintura do jenipapo e urucum feita por suas mães, tornando-se processos de manutenção da tradição até os dias atuais.

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Paulistas, paulistanos e turistas agora têm um novo polo cultural para chamar de seu! ❤️

A Pinacoteca de São Paulo, museu de arte mais antigo do Estado, expandiu e agora ganha um novo espaço expositivo, ainda mais sustentável e acolhedor: a Pina Contemporânea. A boa notícia é que até o dia 04 de abril a entrada é gratuita para todas as pessoas!

O espaço já conta com duas exposições internacionais em cartaz: a “Haegue Yang: Quase Coloquial“, uma mostra da artista sul-coreana, Haegue Yang, que conversa com a história da arte brasileira e passa por esculturas, instalações, obras em papel, fotografia e mais.

Já a segunda, chamada “Chão da Praça“, reúne cerca de 60 obras de artistas, entre instalações e esculturas de grandes dimensões. Reserve seu ingresso gratuito aqui. Após o período de gratuidade, os ingressos sairão por R$ 10 (inteira) e R$ 5 (meia-entrada).

Bora saber mais detalhes sobre esse novo prédio?

A Pina Contemporânea está integrada aos edifícios já existentes, a Pina Luz e a Pina Estação. Este terceiro prédio consagra o museu de arte brasileira como o segundo maior da América Latina, com um total de 22.041 m², e potencial para receber mais de 1 milhão de visitantes por ano,  ficando atrás apenas do Museu de Antropologia Nacional do México.

Fruto da visão compartilhada de futuro e engajamento de muitas pessoas, que ao longo de mais de uma década batalharam pela sua existência, o projeto da Pina Contemporânea se tornou possível em 2015, com a transferência da Escola Estadual Prudente de Moraes para um novo e mais completo espaço no mesmo bairro, deixando o conjunto de edifícios contiguo ao Parque da Luz disponível para receber o terceiro prédio do museu.

O terceiro prédio da Pinacoteca de São Paulo é um espaço de acolhimento e experimento. No projeto, foram mantidos os volumes arquitetônicos dos dois blocos de edifícios já existentes no terreno. Um mais antigo, atribuído ao escritório de Ramos de Azevedo, remanescente da primeira escola lá construída, e outro mais moderno, da década de 1950, de autoria do arquiteto Hélio Duarte.

Conectando esses dois blocos, há uma grande praça pública coberta, com 1.339,2 m², e um pavilhão onde está localizada a Galeria Praça, com 200 m², dois ateliês para atividades educativas e a loja do museu.

A biblioteca, uma das mais especializadas em arte brasileira do país, foi instalada articulando o parque à avenida Tiradentes. Com 1.000m², a Grande Galeria, situada no subsolo, e um mezanino com vista para o parque da Luz, onde está localizada a cafeteria, complementam o projeto, criando um ambiente que cumpre os requisitos fundamentais para um museu do século XXI, ao mesmo tempo em que é amigável, inclusivo e acessível.

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A cidade de São Paulo recebe o maior evento colaborativo de criatividade do mundo: o Festival Mundial da Criatividade!

Entre os dias 20, 21 e 22 de abril, a região do Vale do Anhangabaú será ocupada com dezenas de atividades, incluindo debates, palestras, painéis e workshops, voltados a profissionais de agências de publicidade, empreendedores do setor e profissionais que trabalham com economia criativa.

Além do Festival, realizado na capital paulista, a celebração da criatividade este ano terá a participação de 100 cidades no Brasil e mais de 30 no mundo, em sinergia com a inovação fervilhante do centro de SP.

A programação do Festival Mundial da Criatividade será divulgada em breve, então fique de olho no site e nas redes sociais do projeto para realizar de forma gratuita sua inscrição para as atividades! (:

Há 11 anos, esse projeto foi idealizado no Brasil por Lucas Foster, com apoio da Catraca Livre, afim de tornar o espaço público da cidade mais participativo, propositivo e convidativo para circulação das pessoas. O Dia Mundial da Criatividade tornou-se parte do calendário oficial da ONU em abril de 2017.

O evento é organizado pela World Creativity Organization e tem como principal objetivo unir o ecossistema de criatividade e inovação de diversas cidades, sempre focando no desenvolvimento sustentável com base em pilares como aprendizagem, diversidade, empreendedorismo e transformação.

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Após sete anos de sua estreia em SP, o espetáculo “Wicked“, o maior sucesso da Broadway escrito no século 21, retorna à capital paulista em temporada inédita!

O enredo narra a história não contada das bruxas de Oz, em referência ao clássico filme de 1939. Muito antes de Dorothy ser levada por um tornado ao mundo esmeralda, Elphaba e Glinda vivem uma das melhores histórias do teatro musical.

O espetáculo faz uma longa temporada, no Teatro Santander, localizado no Complexo JK Iguatemi, até o dia 23 de julho. As sessões acontecem de quinta a domingo e os ingressos custam de R$ 50 a R$ 400 e podem ser adquiridos na bilheteria do teatro ou no site da Sympla.

Após um encontro com o Mágico de Oz, as bruxas se veem obrigadas a tomar uma decisão. Enquanto Glinda está determinada a se manter popular, Elphaba não quer trair seus valores morais. Inevitavelmente, suas vidas tomaram rumos muito diferentes. Uma nascida com pele verde esmeralda, esperta, impetuosa e incompreendida e a outra bonita, ambiciosa e muito popular.

“Wicked” conta a história dessa extraordinária odisseia e a amizade improvável de Elphaba, a Bruxa Má do Oeste, e Glinda, a Bruxa Boa do Norte. O musical aborda questões ligadas à injustiça e ao preconceito; é cômico e emocionante ao expor que há sempre pelo menos dois pontos de vista para uma mesma história.

O espetáculo conta com uma superprodução, o elenco é composto por 35 artistas e a orquestra por 18 músicos – todos sob a regência da maestrina Vânia Pajares, além de efeitos especiais inovadores, e até mesmo, nunca vistos antes no Brasil.

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Imagine um lugar que abrace a cultura e a pluralidade do continente africano e de imigrantes? Essa é a proposta do Centro Cultural Afrika!

O espaço, criado pelo músico e produtor congolês Yannick Delass, promove um intercâmbio cultural entre africanos, afro-brasileiros e o público engajado em conhecer mais a respeito da cultura e das tradições contidas nos países do continente.

O objetivo central é produzir e difundir a arte e os conhecimentos provindos de artistas africanos, oferecendo também, ao público, a oportunidade de conhecer novos talentos, linguagens e produções artísticas de diferentes partes do mundo.

O Centro Cultural Afrika conta com uma intensa programação cultural de segunda a sábado composta por shows, oficinas, bailes e palestras – tido isso com ingressos a R$ 15.

Nas quartas-feiras, há o projeto fixo Quartas de Cumbia, que promove a diversidade intercultural ao trazer ritmos que mostram o potencial da imigração na cidade de São Paulo. Já nas quintas-feiras tem Quinta de Coco e Forró, que reúne atrações que contemplam esses dois gêneros musicais.

E às sextas-feiras, acontece o Afrika Baile. Com uma proposta musical envolvente e dançante, o baile traz ritmos representativos de gêneros musicais africanos distintos, como Aguaya, Decha, Bulawê, Rumba Congolesa, Sebene, Semba, O’Semba e Makossa, além de canções do povo bantu.

O espaço também oferece aulas gratuitas de canto ancestral, lingala (idioma bantu), dança, guitarra congolesa, contrabaixo e culinária Panc (Plantas alimentícias não convencionais). Demais, né?!

Para se inscrever, basta acionar a equipe do Centro Cultural Afrika pelo direct no Instagram. Por lá, você também acompanha a programação completa do espaço.

Ah, mais um detalhe: o centro cultural oferece almoço que fica disponível no cardápio aos sábados, das 11h30 às 16h30. Nos demais dias e horários, há bebidas típicas e porções.

Sobre Yannick Delaas

Yannick Delass é cantor, compositor e guitarrista congolês. Começou sua carreira com sete anos em um coral religioso na República Democrática do Congo, onde se formou em canto e harmonia musical no “Centro Reveil Du Salut”. Ele integrou bandas que contribuíram em sua evolução musical, como FTR Music, no Congo, e Banda da Ilha, em São Tomé e Príncipe.

Com 20 anos, deixou a República Democrática do Congo para conhecer o mundo e viver de sua música engajada. Esteve no Gabão, na África do Sul, na Indonésia, em São Tomé e Príncipe, em Cabo Verde e no Brasil, onde se estabeleceu definitivamente em 2016.

O artista já se apresentou em diversos festivais aqui e ao redor do mundo, além de ter subido no palco ao lado de músicos, como Chico César, Luedji Luna, Bira Reis, Léo Bazico, Gerônimo (Brasil), Lokua Kanza (Congo), João Seria (São Tomé e Príncipe) e Nicolas (Chile).

Em carreira solo, produziu três álbuns: “Stop” (2013), “Outros Rios” (2015) e seu último disco, “Espoir (esperança)”, projeto de composições autorais lançado em 2017, tratando de temas como igualdade racial, justiça social, imperialismo, imigração e lutas, no qual composições e arranjos africanos são executados por músicos brasileiros. Ouça a faixa-título do álbum, uma linda canção sobre ter esperança!

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Um encontro entre personagens do folclore brasileiro, Macunaíma e o universo de Mário de Andrade é o que propõe o espetáculo infanto-juvenil ”Pindorama Modernista”, com texto de Leonardo Cássio e direção de Débora Dubois. Brasilidade pura!!

“Pindorama Modernista” estreia no dia 11 de março, no Teatro Eva Herz, onde segue em cartaz até 2 de abril.

O espetáculo é gratuito, mas é necessário a retirada de ingressos na bilheteria do teatro, aberta somente nos dias de espetáculo, duas horas antes da atração. A classificação etária é a partir de seis anos.

Na trama, Curupira, Caipora e Saci-Pererê estão desanimados por não conseguirem forças para lutar contra o desmatamento e a poluição do meio ambiente.

Quando Saci menciona que está lendo “Macunaíma”, o personagem indígena de Mário de Andrade aparece ali diante do grupo com uma ideia um tanto ousada: viajar no tempo para pedir ajuda para seu criador.

A ideia do espetáculo é aproximar a criançada dessas duas referências formadoras da cultura brasileira, o folclore e o modernismo, além de conscientizar os pequenos sobre a importância de preservarmos a natureza.

Após a temporada no Teatro Eva Herz, a peça seguirá em circulação pelo município de Sumaré (SP), entre os dias 10 e 19 de abril, com apresentações gratuitas em instituições de apoio a crianças em situação de vulnerabilidade.

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