AAVI - Cultura Visual

Beca de Estudios en Fotografía

Tue, 24 Nov 2020 17:00:32 GMT

Beca de Estudios en Fotografía ¡Participa!

La Academia de Artes Visuales convoca a la Beca de Fotografía para estudiar gratuitamente en AAVI.

Mediante esta beca, dos personas seleccionadas dentro de los participantes, podrá estudiar el Diplomado en Fotografía Profesional o el Diplomado en Fotografía, iniciando en primavera 2021 y gozar de todos los beneficios con los que cuenta el alumnado.

La participación en la convocatoria es gratuita y está abierta a todos los fotógrafos amateurs, en formación o con ciertos conocimientos, así los amantes de la fotografía aunque no tengan conocimientos previos. La presente convocatoria no tiene requisitos de edad ni nacionalidad.

REQUISITOS Y FORMAS DE ENVÍO

Cada participante podrá presentar un portafolio de 10 fotografías con absoluta libertad técnica, aunque idealmente deberán tener una única unidad temática.

El portafolio deberá ir acompañado de un texto resumido que explique la selección.

Adicionalmente la persona postulante deberá escribir los motivos en donde explique la razón por la cuál considera merecer la beca.

Cada imagen deberá ir identificada con el nombre del autor y numerada: Ej. Juan-Perez-01 y deberá enviarse en formato JPG, cuyo lado mayor no supere los 1500 pixeles a 72 dpi de resolución. El peso final de cada imagen debe ser máximo de 1000 Kb.

Un jurado calificador, compuesto por directivos y profesores de AAVI seleccionarán a dos de los candidatos.

CALENDARIO

Fecha límite de envío de solicitud: 11 de diciembre de 2020 a las 23:59 hrs (CDMX)

Publicación de resultados: 15 diciembre

Ingresa la solicitud AQUÍ

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Yareni Aguado, ganadora del Primer Concurso de Fotografía sobre el Nexo Agua, Energía y ...

Tue, 10 Nov 2020 19:43:53 GMT

Hace unos días cerró la convocatoria del Primer Concurso de Fotografía sobre el Nexo Agua, Energía y Alimentos. El jurado calificador, integrado por miembros de la Fundación México Actúa y de la Academia de Artes Visuales, eligió el trabajo “Carnico” de Yarini Aguado para recibir el primer lugar.

México Actúa es una organización de la sociedad civil, que vincula los sectores académico, empresarial, gubernamental y social para informar, concientizar y actuar en torno al Nexo Agua, Energía y Alimentos para contribuir al desarrollo sostenible en México. En coordinación con AAVI lanzaron la convocatoria abierta a todos los estudiantes de fotografía de Latinoamerica, para participar con fotografías o ensayos sobre las afectaciones de la cadena agroalimentaria en México y en el mundo tras la llegada del COVID-19. Algunas preguntas que motivaron la publicación de la convocatoria fueron: “¿Quiénes son los héroes detrás de estos esfuerzos, que posibilitan alimentos frescos en nuestra mesa? ¿Cuáles son los retos a los que se enfrentan? “.

Yareni Aguado, estudiante de la Academia de Artes Visuales, quien actualmente está concluyendo el Diplomado en Fotografía, participó con una magnífica serie fotográfica. Su motivación la llevó a un estudio económico y social a través de la imagen. En sus palabras. “Este ensayo intenta dimensionar la disponibilidad de alimentos cárnicos en la Ciudad de México, y con ello reflexionar sobre los recursos, el trabajo y el esfuerzo que hay detrás de éstos.“

Yareni Aguado, además del reconocimiento, será merecedora del premio de publicación de su ensayo en la Revista de México Actúa y una beca de estudios en la Academia de Artes Visuales.

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Como Antes. Una reseña de Nuevo Orden

Fri, 30 Oct 2020 19:00:31 GMT

Como antes

Nuevo Orden una película de Michel Franco en la reseña de Mario González Suarez.

Lo que a las buenas consciencias verdaderamente les molesta de los pobres es su fealdad, no su pobreza, y por eso apelan a la corrección política para tundir a Michel Franco. Esa pretendida corrección, teoría y praxis de la hipocresía, hace más fácil acusar de faltas a la moral a Franco que hablar de lo que trata su más reciente película, Nuevo orden.

La lección de Daniel & Ana (2009), su primer largometraje, fue que la delincuencia vulnera los límites, la ética y los tabús de la sociedad entera. La delincuencia le abrió a Daniel la puerta del incesto, tácita y ancestralmente prohibido en su familia burguesa. Por el antecedente de la peli más audaz de Franco yo esperaba que en Nuevo orden nadie quedara a cubierto, que viéramos las raíces de nuestra fealdad. La rebelión que muestra Franco no es la de Joker (Todd Phillips, 2019), ni sus pobres son los de Parásitos (Bong Joon Ho, 2019). En México las clases sociales tienen su principal distingo no en los ingresos económicos sino en el perfil racial. Qué horrorosos son los indios y todos sus descendientes mestizos, blancuzcos, achinados, zambos y etcétera. Eso es lo que no se puede decir porque entonces tendríamos que preguntarnos ¿y a qué se debe tan poca belleza o con respecto a quién son feos?

Qué difícil es hacerse cargo de esa herencia, reconocer que los herederos de los conquistadores son los dueños de todo y los que siempre han gobernado México, y que los descendientes de los perdedores siguen siendo esclavos a sueldo mínimo cuando bien les va. El tema de la Conquista el estado mexicano moderno lo ha malabareado entre la mano derecha de la mentira piadosa y la izquierda del premio de consolación. El establishment nunca va a decir que ese mundo indígena ya se acabó y no va a volver —¿o todavía hay dudas?—, los penachos son para los museos, los pobres pueden legítimamente aspirar a ser reclutas del ejército o de la delincuencia. Y a cambio celebramos toda forma de folklor y arqueología y defendemos en español las lenguas originarias, como les llaman.

Mi objeción a Nuevo orden tiene que ver con su inconsecuencia dramática. Promete mucho al principio y luego su trama decepciona. Empezamos viendo la boda de unos jóvenes de buena familia, sus lujos, sus maneras, su servidumbre y sus guarros. Un pobre hombre que no tiene para pagar la hospitalización de su esposa de pronto aparece en mitad de la fiesta para pedirle ayuda a sus antiguos patrones, a quienes no puede importarles. De no sabemos dónde comienzan a emerger hordas de la gente más fea de la Ciudad de México, obvio, como luciría cualquier persona cuyos antepasados han sido expoliados durante siglos, lo cual tampoco es justificación de nada pero es real. Y esta misma raza que desata revueltas en la urbe se acerca a la casa de los celebrantes y como si portara un virus muy selectivo torna violentos a los sirvientes y guardianes de los ricos. Como despertando se unen en una súbita consciencia de clase y roban y masacran a sus patrones. ¿Y luego?

Luego el gobierno avienta a la policía y al ejército a las calles, cuyo primer movimiento táctico consiste siempre en bloquear el paso. La energía del principio se diluye en una trama secundaria, pues Marian, la chica buena onda que se iba a casar, por ayudar a la esposa de Rolando se sale de su boda acompañada por Cristian, el hijo de una de las sirvientas y pariente de Rolando, para llegarse al hospital y entregar su tarjeta de crédito para que operen a la mujer. En el camino los alcanzan los disturbios y no les queda de otra que refugiarse en la casa de la familia de Cristian, donde efectivos del ejército secuestran a Marian. La acción se desplaza a las atrocidades que cometen los soldados con los niños ricos secuestrados. Ahora todo se centra en rescatar a Marian. La narración se desbalaga para naufragar en un final en que, no obstante lo que el ejército hace con los hijos de los poderosos, se refrenda la alianza entre la oligarquía y los militares. Y ya. Al parecer todo volverá a ser como antes.

Haría falta un profeta para imaginar lo que pasará cuando los mexicanos que muestra Franco se organicen o despierten o se atrevan a un asalto de gran envergadura, lo proporcional a la devastación que dejó la invasión española. Le falta discurso y mucha narración a Nuevo orden. Y porque hablan de lo mismo, aunque desde polos encontrados, debo mencionar Roma (Alfonso Cuarón, 2018). Cleo, la protagonista secundaria, puede parecernos entrañable pero fundamentalmente por sus limitaciones, sus desventajas, que son sistémicas y de las que sin embargo no tiene la culpa la familia de sus patrones, la señora Sofía y su marido viven las vidas más convencionales de su clase social y no le hacen daño a nadie. Cleo se acomoda lo más mansamente que puede en el lugar que le dejan. Nunca podrá alcanzar una mayoría de edad histórica, y además de que nadie puede decir hasta cuándo gente como ella va seguir trabajando de muchacha, todo mundo se mostró muy conforme con el estado de las cosas que presentó Cuarón, a nadie le incomodó que se pretendiera saldar una deuda de sangre con un tierno homenaje al acreedor, y luego exhibir a Cleo en las revistas y pasarelas de la gente bien.

Roma le apostó al preciosismo de la recreación y la ambientación, que mucho distraen de lo que está pasando debajo de tan fastuosa producción. Este documental de época muestra pobres también feos y malos: el padre de la criatura de Cleo, amén de pusilánime trabaja para un grupo de choque del gobierno, de los duros que matan estudiantes. Ese IMSS que ve Cuarón es alemán. Cuando ingresan de urgencia en el Centro Médico a Cleo, el momento más arrobador —además de la impresionante amabilidad del personal que la recibe, el camillero puntual, la seriedad de la atención, la pronta llamada a los médicos— viene cuando la enfermera pregunta ¿sabe usted si la paciente es derechohabiente? Porque si no no importa, adelante, estamos para servirle. Parece una propaganda de esas de la época de tata Cárdenas. Roma edulcora y seduce. Michel Franco va cuesta arriba, porque no gusta lo que muestra y sirve de pretexto para no profundizar en lo que dice.

Nuevo orden, Michel Franco, 2020.

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Convocatoria de Fotografía: AGUA, ENERGÍA, ALIMENTOS

Wed, 21 Oct 2020 17:33:31 GMT

convocatoria fotografia

Te has preguntado ¿cómo la pandemia ha afectado a la cadena agroalimentaria? Nuestro consumo de alimentos, la producción, la distribución y todo el sistema en general puede haberse modificado en menor o mayor medida.

En la Academia de Artes Visuales y México Actúa estamos conscientes sobre estos cambios y queremos verlos en imágenes para difundir y alertar sobre los posibles efectos que esto tenga. Si eres estudiante puedes participar en la convocatoria de fotografia enviando tus fotos al Primer Concurso de Fotografía sobre el Nexo Agua, Energía y Alimentos.

Requisitos:

1. Ser estudiante de fotografía en cualquier institución.

2. Las fotografías enviadas tendrán que haber sido tomadas con cámara fotográfica.

3. Ser mayor de edad.

Fechas:

1. Los participantes podrán enviar sus imágenes mediante el formulario, a partir del 5 de octubre del 2020 y hasta el 31 de octubre del 2020 a las 23:59 horas, horario de Ciudad de México.

2. Los resultados serán publicados el 7 de noviembre del 2020 en las redes sociales de México Actúa y de AAVI.

Premios:

El ganador recibirá una beca para estudiar en la Academia de Artes Visuales (AAVI), un taller de fotografía durante la primavera 2021, por un máximo de 24 crédito y la publicación de la fotografía o ensayo fotográfico ganador en la Tercera edición de la Revista México Actúa.

Es muy fácil participar en este concurso, pues puedes buscar fotos en tu archivo, aventurarte a tomar algunas fotos en el exterior o convertir tus costumbres en un documento visual sobre el consumo de alimentos. Puedes participar con un ensayo fotográfico o con fotografías sueltas. Lo que buscamos es ver cómo los alimentos y la cadena alimentaria están relacionados en la vida cotidiana o en el exterior. Estos son algunos ejemplos del tipo de fotografía que podrías mostrar:

Consulta las bases completas del concurso de fotografía aquí. Cualquier duda será atendida a través del correo: contacto@mexicoactua.org

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Ana Gómez de León: artista seleccionada para recibir la Beca de Estudios en AAVI

Sat, 05 Sep 2020 02:45:57 GMT

En esta primera emisión de la convocatoria de Beca de Estudios en AAVI participaron 79 candidatos, de los cuales se seleccionó, por méritos fotográficos, el trabajo de los ganadores.

Ana Gómez de León recibirá la Beca para estudiar el Diplomado en Fotografía Profesional en AAVI durante un año. Sus fotografías le encantaron al jurado por la capacidad de síntesis y gran fuerza emocional. El jurado encontró, además de talento, un enorme potencial en la formación de Ana G{mez de Le{on como fotógrafa profesional.

Estas son las imágenes con las que fue seleccionada.

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Emilio Hernández: artista seleccionado para recibir la Beca de Estudios en AAVI

Fri, 04 Sep 2020 23:59:51 GMT

En esta primera emisión de la convocatoria de Beca de Estudios en AAVI participaron 79 candidatos, de los cuales se seleccionó, por méritos fotográficos, el trabajo de los ganadores.

Emilio Hernández, un joven estudiante de comunicación, recibirá la Beca para estudiar el Diplomado en Fotografía en AAVI durante un año. Sus fotografías le encantaron al jurado por la sencillez y honestidad con la que se presentan. El jurado encontró, además de talento, un enorme potencial en la formación de Emilio Hernández como fotógrafo.

Estas son las imágenes con las que fue seleccionado.

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Beca de Estudios en Fotografía

Mon, 10 Aug 2020 17:51:32 GMT

Beca de Estudios en Fotografía ¡Participa!

La Academia de Artes Visuales convoca a la Beca de Fotografía para estudiar gratuitamente en AAVI.

Mediante esta beca, dos personas seleccionadas dentro de los participantes, podrá estudiar el Diplomado en Fotografía Profesional o el Diplomado en Fotografía, iniciando en otoño 2020 y gozar de todos los beneficios con los que cuenta el alumnado.

REQUISITOS Y FORMAS DE ENVÍO

Cada participante podrá presentar un portafolio de 10 fotografías con absoluta libertad técnica, aunque idealmente deberán tener una única unidad temática.

El portafolio deberá ir acompañado de un texto resumido que explique la selección.

Adicionalmente la persona postulante deberá escribir los motivos en donde explique la razón por la cuál considera merecer la beca.

Un jurado calificador, compuesto por directivos y profesores de AAVI seleccionarán a dos de los candidatos.

CALENDARIO

Fecha límite de envío de solicitud: 9 de mayo de 2020

Publicación de resultados: viernes 4 de septiembre a las 23:59 hrs (CDMX)

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La Fotografía es la forma de Arte Visual para todos

Tue, 14 Jul 2020 04:17:41 GMT

La Fotografía es la forma de Arte Visual más popular hoy en día. Mira por qué:

Los dispositivos inteligentes de comunicación que utilizamos en la vida cotidiana cuentan con cámara para capturar fotografía. La Fotografía es la forma de Arte Visual que más cerca tiene la gente. Un dato importante a la fecha es que se estima que existen 7,700 aparatos inteligentes registrados, es decir, hay más smartphones que personas en el mundo. Obviamente, esto no quiere decir que cada persona cuenta con uno de estos dispositivos, pero sí que están al alcance cada vez de más personas y que hay quien tiene dos o tres aparatos a su alcance.
Desde el anuncio de su invención, La Fotografía es la forma de Arte Visual más democrática. Muy pronto se convirtió en el medio más accesible para crear imágenes. Con más cámaras, dispositivos inteligentes y materiales para este arte visual, la fotografía hoy se pone al alcance por su diversidad de aplicaciones creativas.
La Fotografía es la forma de Arte Visual que por sus procesos mecánicos y, ahora electrónicos, ha conseguido recortar el tiempo de su proceso de creación. Antes hacer una fotografía, de principio a fin, podía tomar dos días, el proceso se recortó a una hora con los famosos minilabs. Hoy en día puede tomar menos de un minuto la ejecución completa, desde tomar la foto hasta compartirla.
Aunque el video podría competirle el primer lugar, la Fotografía es la forma de Arte Visual que sigue siendo más popular, pues consta tan solo de una imagen fija. El video se vuelve más complejo tanto en elaboración como proceso pues exige al creador utilizar más herramientas audiovisuales.
El valor de la fotografía se extiende más allá de la vida cotidiana. La Fotografía es la forma de Arte Visual más diversa. Ante todo es un recurso para la memoria personal, histórica y social. Sin duda, desde su aparición, la humanidad ha encontrado en esta técnica un espacio de contemplación y transformación del mundo.

Conoce más sobre fotografía como forma de arte visual aquí

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El dios en el que creo es el Amor

Fri, 19 Jun 2020 03:14:51 GMT

Peste Una visión muy acertada y pertinente para este momento, sobre la película La peste en Florencia (Die Pest in Florenz, Otto Rippert, 1919) de la pluma de Mario González Suárez

El encanto que la fotografía en blanco y negro tiene sobre la de color se origina en que revela un mundo mucho más cercano al de la forma ideal de las cosas. En la famosa cueva surgió por primera vez la idea del cine. El mundo que vemos es una sola película que se proyecta simultáneamente a todos lo espectadores que habitan el planeta. ¿Quién la filma y quién la proyecta? es un tema que vamos a dejar para otro día.

Al principio el cine era mudo, independientemente de las limitaciones tecnológicas de ese tiempo, porque no acababa de dejarlo ir su madre biológica la fotografía. Hacer películas debería incluirse entre los trabajos de Hércules. No es lo mismo fotógrafo que cineasta. Entre Nadar y Fritz Lang descendieron los demiurgos. Nadar cree tanto en el mundo fotografiable de la materia que no pierde la fe abordo de un globo aerostático. Fritz logró enganchar el alma romántica al tren del cine. Su adaptación de “La máscara de la muerte roja” (Edgar Allan Poe, 1842) abreva del mito bíblico de Sodoma y Gomorra y coloca la acción en la Florencia medioeval (1348), durante la peste de la que también surgió el Decamerón (Giovanni Boccaccio, 1353).

En La peste en Florencia (Die Pest in Florenz, Otto Rippert, 1919) Julia es una cortesana venida de Venecia que en cuanto entra en la ciudad gobernada por los ancianos, arroba a su soberano y a su heredero. Sin proponérselo, se atreve a interrumpir la procesión de Notre Dame y despierta la ojeriza del Cardenal. Éste reconoce ante sus esbirros que la subyugante belleza de esa mujer puede convertirse en rival para la Iglesia. En una rápida retrospectiva podemos ver que Julia es la abeja reina en la que Fritz Lang depositó los huevecillos para que en las envilecidas urbes capitalistas nacieran personajes como Kitty March (Scarlet Street, 1945), quintaescencia de la femme fatale.

Cesare, el potentado de Florencia y aliado de los ancianos, no se demora en acudir embozadamente al palacio de Julia. Cuando el sexo se mezcla con el poder se convierte en lujuria, pues Cesare le exige a Julia que satisfaga sus deseos a cambio de ser la soberana sin corona de Florencia. Justo cuando empieza a forcejear con ella aparece Lorenzo, su apuesto hijo, que lo echa del palacio y Julia le abre los brazos.

El Cardenal envía a un fraile judicial a interrogar a Julia acerca de su fe. El dios en el que creo es el Amor, proclama ella, y enseguida el judas la acusa ante los ancianos. Mandan una milicia a prenderla, y al instante el fervor popular por ella organiza su rescate y asaltan el palacio de Cesare, que había advertido a Julia que si osaba desdeñar su amor se ganaría su odio. En la refriega se encuentran frente a frente Lorenzo y Cesare, y el hijo mata al padre. Una vez que Julia y Lorenzo han vencido a los ancianos se entregan a una fiesta sin cuartel.

Julia había arribado a Florencia como una peste para acabar con sus decadentes gobernantes. Le abre los jardines de su palacio a todos los estamentos sociales, quiere que hasta el más pobre pueda sentirse contento. Cuando ya Lorenzo es el señor de Florencia los ancianos deciden abandonar la ciudad, como Lot dejó Sodoma. Uno puede suponer que tal estado de disipación pide un correctivo, ese pensamiento judeocristiano lo va a encarnar Medardus, un ermitaño que vive en una montaña y recibe la misión de bajar a predicar y lanzar anatemas contra la pecadora urbe.

Aquí es donde Fritz le tuerce el cuello al mito y como un rayo se da una irresistible atracción entre el enviado de Dios y la reina del Amor. También Medardus caerá rendido al dios de Julia. Verla es amarla, y ni el más justo de los hombres puede decir que está a salvo de la pasión y aún menos de la belleza. Como sacudirse una pelusa de encima, Julia se deshará de Lorenzo para recibir en su lecho a Medardus. Pero antes Julia se pierde durante una partida de caza y llega a la cueva del anacoreta. Muy impresionante es el momento en que el religioso la arrastra a mirar los infiernos para que se atenga a lo que le espera de continuar en su depravación. Como en un pasaje del Inferno de Dante vemos un río de cuerpos humanos pasar a los pies de Medardus y Julia, y aunque se notan los efectos especiales de la época no deja de ser una visión del averno. Pero ya es muy tarde, Medardus prevarica a sabiendas y se convierte en el señor de Florencia.

Comienzan a llegar los rumores de que ahí viene la peste. Y entonces sí, como en el cuento de Poe, Julia se sitia con sus placeres en el palacio a esperar que pase la plaga. Como corresponde a su origen, en medio de tanto refocile Medardus se arrepiente y piensa que para acabar con el descarrío de Florencia buscará una puerta para que entre la peste. En ese siglo sí hubo pandemias, pero a final de cuentas no es Dios quien envía la enfermedad a Florencia sino la misma naturaleza, que no soporta los excesos. Aquí estamos hablando de hybris, no de pecado.

Aunque es muy larga para ser una película muda en ningún momento decae su esplendor; los perfectos escenarios, la exuberancia de los decorados y, sobre todo, la belleza de los intérpretes se conjugan con un profuso trabajo escénico, hay presencia actoral, no son caricaturas. Julia y Lorenzo son gente de otra época, cuando los mortales veían a los dioses y la carne no se dejaba arredrar por un crucificado. A más de cien años de la realización de La peste en Florencia, y después de su restauración por la Fundación Murnau (2014) y su nuevo sound track, no cabe abrigar dudas de que la multitud de seres humanos que aparecen en esta peli, incluidos muchos niños pequeños, al día de hoy están muertos.

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La mejor de las cámaras

Sun, 10 May 2020 04:15:31 GMT

La mejor de las cámaras es la que realmente usas. Descubre cuál es la mejor de las cámaras en esta guía por Juan Carlos Rosas Mejía

Ya decidiste que vas a estudiar fotografía, pero aún no cuentas con cámara. También pudiera ser que ya llevas tiempo con tu instrumento y deseas “algo más”, esta pequeña guía pretende auxiliarte a tomar la decisión más adecuada a tus necesidades e intereses fotográficos. Como asumimos que tu interés en la generación de imágenes es amplio, necesitarás un equipo versátil, que te permita controlar de la mejor manera el acabado de tus imágenes desde la cámara, por tanto, todo lo que se exponga a continuación se refiere a las familias de lo que se conoce como Cámaras Réflex Digital (DSLR, por sus siglas en inglés), así como algunos modelos de cámaras sin espejo (mirrorless), ya que son las que mejor permiten el control mencionado, además de la posibilidad de modificar la óptica.

Dejemos claro de inicio que no nos decantaremos por una marca en particular, sino que nos enfocaremos en las características de los aparatos. Así mismo, los modelos y precios mencionados son los más actuales al momento de escribir esto (abril 2020). Entrando en materia, independientemente del fabricante, podemos ubicar las cámaras fotográficas en tres categorías principales:

Modelos “de entrada”. Aparatos muy livianos y reducidas dimensiones físicas, con todas las funciones esenciales para emprender el camino de la producción fotográfica más allá de lo que permiten los teléfonos móviles promedio. Las cámaras de este rango cada vez cuentan con más funciones antes disponibles en modelos de mayor gama. Su precio puede ir de $8,000.00 a los $20,000.00. Ejemplos por marca:

Canon: modelos cuyo nombre contenga la palabra “Rebel”: SL3, T8i (entre más alto sea el número, más nuevo es el modelo, y por tanto más innovaciones técnicas posee), así como la mayoría de los modelos de la serie “M”, que es el grupo de las “sin espejo” y la EOS RP, parte de una nueva serie también sin espejo, que incorporan una montura para objetivos nueva y con mejoras respecto a la EOS tradicional.
Nikon: números de modelo de 4 dígitos: D3500, D5600, D7500 (esta última en el umbral que separa esta gama de la siguiente). Igual que en Canon, un número más alto indica más prestaciones y que estamos ante un modelo más nuevo.
Sony: Hace años, cuando Sony incursionaba en este mercado con su serie α (Alpha), era común escuchar comentarios de desconfianza hacia estos productos. Hoy Sony marca en varios sentidos el rumbo de la industria, principalmente en lo que se refiere a los diseños “sin espejo”. En esta categoría situamos su modelo α6000.

Gama media. Cámaras más robustas y sólidas, mejor selladas para resistir humedad y polvo, algunas con sensor de tamaño completo (full frame), tecnologías más avanzadas de enfoque automático, temporización del disparo, en general más opciones para el control de la imagen, mayor resolución y opciones de conexión. Los precios pueden ir de $25,000.00 a $50,000.00

Canon: modelos con número de dos dígitos, 90D, 77D. Hay una excepción con el modelo 80D, que a pesar de ser un número mayor al de la 77D, esta última es más reciente. En este espacio incluimos también al modelo sin espejo RP RF.
Nikon: números de modelo de 3 dígitos, D500, D610, D750 y D850, así como las sin espejo Z50 y Z6.
Sony: α99 II, α7 III

Gama alta. Lo más sofisticado en todos sentidos, artefactos aún más robustos y mejor sellados contra polvo y humedad, generalmente con cuadro completo (full frame), mayor velocidad de disparos continuos, resoluciones casi siempre mayores a 30Mp y las más recientes tecnologías… ¿precios? De $50,000.00 a más de $100,000.00 pesos.

Canon: modelos con modelos de un dígito, 5D (todas las variantes), 6D Mark II, 7D Mark II, 1D X Mark III. En cuanto a los modelos sin espejo tenemos la EOS R y la EOS Ra.
Nikon: D6, así como la Df, una cámara sofisticada que, aunque de resolución baja (16.2Mp), su diseño retro puede ser llamativo. Representando las sin espejo se encuentra la Z7.
Sony: α7R III, y la joya de la corona, la α7R IV.

Esperando esta modesta guía sea de utilidad, concluyo mencionando que, si bien la cámara es la herramienta que se suele asociar de manera inherente al quehacer fotográfico (no olvidemos que se pueden obtener imágenes fotográficas sin cámara de por medio), las cámaras actuales con su sofisticación y diseño (aparatos tan atractivos como adictivos) son sólo eso, herramientas que dependen por completo de quien las use. Es cierto que hay aplicaciones en que una resolución muy alta o una velocidad de disparo más rápida, por poner ejemplos, es deseable, pero, lejos de presunciones y clichés, la mejor cámara siempre será la que tengamos entre las manos.

Más artículos sobre cámaras y fotografía en nuestra sección: tips y técnica

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365 de Eugenio Recuenco

Sat, 11 Apr 2020 08:09:09 GMT

La exposición 365 de Eugenio Recuenco, en la Galería Camera Work, en reseña de Beatriz Díaz.

De pronto vino a mi mente una exposición que vi hace unos pocos meses en la Galería Camera Work de Berlin: 365 de Eugenio Recuenco. Creo que lo que recordé fue esta idea de estar entre cuatro paredes pensando que los límites no son de concreto. Que dentro de ese encierro hay miles de posibilidades.

Me acordé así de pronto, no de una sola de las imágenes, sino de todas las que conformar el proyecto 365 de Eugenio Recuenco. ¿porqué de pronto estas fotografías me parecieron importantes? Siento que no hubiera escrito sobre este artista sino fuera una comisión o si no estuviéramos en tiempos de pandemia. La exposición a primera vista, me pareció abrumadora y con una pretendida estilización. En el momento pensé que era barroca y super espectacular, cosa que normalmente me hace rechazar cualquier trabajo artístico, principalmente porque esa sobre exposición de belleza me impide ver bien a bien lo que hay dentro.

Pero he decidido darle una oportunidad, pues las imágenes me llegaron casi obligatoriamente, como si no pudieran abandonarme porque algo me quieren decir.

La serie 365 es básicamente un calendario. Para cada día hay una foto. La base tipológica y la consistencia técnica agrupa muy bien a la serie. En teoría todo está hecho en una habitación vacía, quizás la celda de una cárcel o el encierro de un monasterio. En tonos ocres y oscuros, las cajas de luz gingantes, hacían que estas 365 fotografías se vieran como si fuera un mundo lleno de puertas o ventanas, ocurría una experiencia muy contradictoria y alucinante sobre estar adentro o afuera. Aclaro, yo no vi las 365 fotos, quizás una tercera parte solamente, pues las dimensiones de la galería Camera Work, son limitadas. Aún así, no quedaba espacio ni para el parpadeo de mis ojos.

Este calendario, según Eugenio Recuenco, surge de la necesidad de compartir su visión sobre las imágenes que le han dado forma al mundo. Es una especie de recuento del pasado a partir de lo que hemos visto en la historia, y más aún, a la memoria social. Sin duda una actitud muy postmoderna, hiperseductora, que me causa un poco de ansiedad por su anacronismo.

Cada fotografía presenta a uno o más personajes en una determinada situación, que generalmente es surreal o irónica. Hay muchísima relación con la fotografía de moda y un retoque verdaderamente impecable. Para entender el proyecto en su totalidad hay que saber mucho de historia, tener muchas referencias visuales y conocer la cultura moderna, sino, no hace mucho sentido.

Vuelvo a la pregunta, ¿porqué hablar de estas fotos ahora, porqué me parecen importantes? Pues precisamente porque la idea general, esa de las cuatro paredes y las 365 formas de vivir el encierro, es ahorita lo que nos toca. El poder que tienen estas fotografías ahora para mi, es el de la liberadora imaginación, ese respiro que necesitamos para derribar los muros y pensar que hay salida. No todo se limita a la información, hay que pensar que el mundo real ya no es suficiente, quizás nunca lo fue. Los territorios conocidos de nuestro hogar, los resquicios de nuestra mente, son los lugares más ilimitados y más grandes que existen y quizás todavía no los conocemos.

Mira el proyecto completo en el sitio de Eugenio Recuenco

Más sobre exposiciones

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Ad Astra: El declive de la ciencia ficción

Thu, 09 Apr 2020 07:13:16 GMT

Ad Astra, una película de James Gray en la reseña de Mario González Suarez.

La ciencia ficción casi desde el principio desvió su foco del asombro tecnológico al vislumbre de que la tecnología nos pone contra la pared, saca lo peor de nosotros y refrenda que nunca dejaremos de ser más que seres encarnados. A ese género le queda el mérito de haber llegado antes a lo que vivimos hoy, la ciencia prometía que los robots iban aligerar el trabajo del hombre, y la ficción nos avisó de que la humanidad trabajaría para las máquinas. Los viajes al espacio, quizá el más poético de los tópicos de la sci-fi, tienen la inconfesada intención de sacarnos no de la Tierra sino del cuerpo, que es prácticamente lo mismo. Por más lejos que viaje una nave siempre llegará al negro y estrellado cielo de nuestra psique, en cualquier momento que cierre los ojos de pronto veré una luz que se acerca, parpadea, emite un mayday o la tripulación toda ha muerto hace siglos a la velocidad de la luz o trae un virus a bordo o sólo viene a decirnos que no hay nadie allá afuera.

No sé hasta qué punto haya sido intencional la misteriosa clave en que quiere narrarse Ad Astra. Lo que parece una peli de astronautas va revelándose una exploración de corte gnóstico que empieza con el guiño a El corazón de las tinieblas (Joseph Conrad, 1902), una alegoría sobre la encarnación del mal. En la novela Charlie Marlow va en busca del heresiarca Kurtz, en Ad Astra el mayor Roy McBride es enviado en una misión a Neptuno para localizar y poner fin a quien desde allá está disparando hacia la Tierra partículas de alta energía; en este caso, el hombre tras el cual va el mayor McBride es nadie menos que su padre, el comandante Clifford McBride.

Clifford McBride comandaba el Proyecto Lima, una expedición tripulada al sistema solar externo iniciada hace 29 años. Su nave desapareció hace 14 y al comandante se le dio por muerto, y así lo cree su hijo. Spacecom, la empresa que lo puso al frente del Proyecto Lima, ahora lo considera el culpable de las detonaciones de antimateria y quiere detenerlo a toda costa. McBride sabe utilizar la antimateria y una emisión no controlada de ésta podría desestabilizar el sistema solar y acabar con la vida. Por eso han llamado a Roy, no precisamente por su brillante carrera aeroespacial sino porque es el señuelo que el comandante McBride no podrá eludir. Thomas Pruitt, un experimentado astronauta y viejo amigo de Clifford, cree que éste no despareció sino que se oculta de los hombres, de hecho Spacecom nunca consideró que estuviera muerto y prefirió hacerlo pasar por un héroe antes que permitir que manchara el nombre de la compañía.

Para no llamar la atención en medio de la crisis planetaria, Roy parte en un vuelo comercial a la Luna, desde cuyo lado oscuro volará a la base marciana Ersa, la última estación habitada en el sistema solar. Desde aquí debe enviar el mensaje a su padre, tratar de contactarlo para que responda. No es claro por qué Roy debe apersonarse en Marte, pues se podría grabar el mensaje en la Tierra y enviarlo después desde allá. Enseguida Spacecom lo aparta de la misión por considerar que está muy comprometido personalmente, no quieren decirle que su padre está vivo ni que la intención de la compañía es matarlo. Roy tenía 16 años cuando su padre partió y 29 cuando desapareció. Su misión se cifraba en encontrar no sólo vida sino consciencia más allá del sistema solar. La frustración de Clifford se tornó pesadumbre y se resolvió en ira, pues acabó asesinando a toda su tripulación, que en algún momento se amotinó para volver a la Tierra.

El predecible giro de la trama viene cuando Roy, en contra de las órdenes de sus superiores, se apodera de la nave que irá tras el Proyecto Lima; accidental pero inevitablemente elimina a la tripulación, como su padre. Se propone volar el Proyecto Lima con un arma nuclear y llevar a su padre de regreso a la Tierra. La obsesión de Clifford por hallar vida inteligente, en realidad es una búsqueda de Dios o al menos una seria interpelación, ¿por qué nos has abandonado?, que es la misma pregunta que le hace su hijo Roy. A Clifford no le importó abandonar a su familia, y aunque Roy lo creía un héroe lleva en el alma el abandono del padre. Es un espejo de la herida de Clifford, a quien no puede salvar. El silencio de Dios orilla a Clifford a destruir su Creación, pues si estamos solos, si no tenemos hermanos en el universo, si no hay respuestas a nuestro propio misterio más vale desparecer. Clifford se coloca en el lugar de Dios.

La atmósfera de la peli es de profunda melancolía, el dolor de Roy es el de la insuficiencia, el de quien no puede vivir con nadie, el de una humanidad que no logra estar a la altura de sí misma. Roy se engaña, y creo que a sabiendas, cuando recita su propio credo y dice viviré y amaré. Como Monte, el protagonista de High Life (Claire Denis, 2018), otra peli conmovedora, vive deshauciado. A ambos los sostiene apenas una curiosidad sin expectativas, Monte va en un cajón hacia un agujero negro, Roy abandona a Eve, su mujer, por tomar una misión tras otra. Cuán solo llega a sentirse el hombre sensible. Estas dos películas han ido más lejos que cualquier sonda espacial de la NASA.

Otro vislumbre de Ad Astra es que la inercia del sistema económico mundial no sólo ha devorado todo el planeta sino que ha brincado a la Luna, ya colonizada aunque sin fronteras, donde campean las mismas empresas depredadoras de la Tierra, prosperan las guerras nacionales por los recursos del satélite y ha cundido la consecuente delincuencia. Los depredadores de siempre ya instalaron también en la Luna sus tiendas, vemos fugazmente las marcas Subway y DHL. Una de las mejores secuencias de la peli es la persecución y enfrentamiento entre el mayor McBride y una banda de piratas en los llanos lunares. El que me parece el gran momento cinematográfico de esta peli, después del oscuro encuentro entre padre e hijo, empieza en la secuencia de Clifford luchando cuerpo a cuerpo con su hijo en el espacio, parece un feto con todo y cordón umbilical flotando en el vacío del vientre del cosmos. Se completa cuando Roy alcanza su nave después de atravesar como en un mito el anillo de asteroides de Neptuno. Espero con ansia el día que termine mi soledad y llegue a casa, dice Roy sin mucha convicción.

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Publica una foto y gana una cámara Fujifilm XF10

Thu, 09 Apr 2020 06:57:13 GMT

FUJIFILM MX te invita a participar en el concurso #QuédateEnCasa y gana una Fujifilm XF10.

Son días en los que todos debemos de poner nuestro granito de arena y que esta pandemia concluya lo antes posible, pero también creemos que el confinamiento en el hogar es un momento adecuado para echar andar la creatividad. ¡También en casa podemos capturar momentos y situaciones memorables! Es por ello que te invitamos a ser parte de nuestra dinámica “Mi foto desde casa” y así poder ganar una cámara Fujifilm XF10.

FECHAS

El periodo de participación tendrá lugar desde el 7 de abril al 30 de abril del año en curso.

La temática es libre, siempre y cuando esté capturada dentro de tu hogar: En lugares como pueden ser habitación, sala, baño, balcón, etc. Juega con tu creatividad, los planos, las luces, las texturas, todos y cada uno de los elementos con los que te encuentres cerca.

FORMATO

La mecánica de participación es la siguiente.

-Sólo podrán participar personas residentes en la República Mexicana y que sean mayores de 18 años.

-Síguenos en nuestras redes sociales:
FB: @FujifilmMX
TW: @FujifilmMX
IN: @fujifilmmx
YT: Fujifilm MX

– Subir a tu perfil de Instagram una foto con el hashtag #FujifilmDesdeCasa y etiqueta a @fujifilmMX. Tu perfil de Instagram deberá ser público.

– La fotografía publicada tiene que haber sido realizada durante el periodo de participación de esta dinámica.

– Para la dinámica no será considerada la participación con fotomontajes, ni cualquier tipo de omisión o superposición de elementos mediante cualquier tipo de edición fotográfica.

– No hay límite en el número de posts que puedes etiquetar para la dinámica. Pueden participar las fotografías tomadas por cualquier cámara o dispositivo móvil.

PROCESO DE SELECCIÓN

El jurado estará compuesto por nuestros X-Photographers: Jaime Ávila, José Luis Sandoval, Guillermo Jackson y Víctor Herrera, quienes evaluarán la creatividad y composición para elegir al ganador.

El autor o autora de la fotografía ganadora será contactada por FujifilmMX, vía Instagram en un plazo de 5 días hábiles posteriores a la finalización del concurso. Si el ganador no contesta en un plazo máximo de 24 horas a partir de que FujifilmMX se haya puesto en contacto con él, se contactará al autor de la segunda fotografía elegida por el jurado y así sucesivamente. El premio será entregado en cuanto las circunstancias relativas al confinamiento lo permitan.

Nota. Las fotos publicadas deben de ser de tu autoría, por lo que FujifilmMx se deslinda de cualquier tema legal, ya que el autor de la fotografía asume toda la responsabilidad, en lo que respecta a cualquier disposición establecida en la Ley de Derechos de Autor y demás legislaciones aplicables.
Al participar en nuestro concurso, el autor de la fotografía automáticamente otorga a Fujifilm el total e ilimitado consentimiento para difundir su fotografía en cualquier red o plataforma que así disponga FujifilmMx. En el caso de tratamiento de Datos Personales, puede consultar nuestro Aviso de Privacidad en la dirección, https://www.fujifilm.com.mx/politica-de-privacidad/, ya que al participar en la presente dinámica, acepta tácitamente el contenido y alcance del Aviso antes mencionado. La presente dinámica no se encuentra promocionada, ni patrocinada, ni asociada de modo alguno a Facebook, por lo cual esta última queda completamente deslindada de responsabilidad alguna, respecto de la misma.

Consulta más convocatorias

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Las 5 revistas de fotografía que no te puedes perder

Fri, 27 Mar 2020 03:46:46 GMT

En estos días de distanciamiento, no te puedes perder de revisar estas 5 revistas de fotografía que tienen sus archivos en línea. La mayoría están disponibles de forma gratuita, lo cual te dará horas de excelente contenido. Podrás disfrutar de imágenes y textos de altísima calidad desde la comodidad de tu hogar, además de aprender muchísimo de fotografía y arte.

Luna Cornea

Luna Córnea es una publicación bilingüe (español/inglés) que se plantea como un espacio de reflexión y análisis de la fotografía. Se han editado hasta la fecha 36 números en los que se han abordado las más diferentes temáticas: el Paisaje, el Retrato, Fantasmas, la Ceguera, el Museo, el Circo y la Lucha Libre, entre otros. En sus páginas han colaborado algunos de los más importantes fotógrafos y estudiosos de la fotografía mexicana y mundial.

Es editada por el Centro de la Imagen y es una de las principales revistas de fotografía desde 1992. La calidad de la investigación y redacción es excelente y se considera tanto una revista de investigación como de difusión de la imagen.

Luna Cornea

FOAM Magazine

Foam Magazine es una revista internacional de fotografía publicada tres veces al año en torno a un tema específico. Es una de las más prestigiadas revistas de fotografía

La revista sirve como una plataforma para todo tipo de fotografía: desde documentales hasta moda y contemporánea e histórica, presentando a creadores de imágenes de renombre mundial y talentos emergentes relativamente desconocidos.

Cada número contiene múltiples portafolios impresos cuidadosamente. Las entrevistas y opiniones de expertos en el campo de la fotografía se combinan con opciones editoriales sorprendentes y distintivas. La revista Foam ha recibido varios premios tanto por su diseño gráfico de alta calidad como por la calidad de su contenido.

Es editada por el Museo de Fotografía en Amsterdam desde 2002.

EXIT la revista

Fotografía, cultura y textos críticos situados en contexto. La imagen contemporánea se refleja cada tres meses en EXIT, la revista de fotografía que habla de lo que vivimos, lo que sentimos y lo que vemos.

EXIT nace con el siglo XXI. Aparece por primera vez en noviembre de 1999. Trimestral y temática, EXIT se centra en temas de cultura contemporánea, tratados a través de la imagen fotográfica y de textos de especialistas internacionales. La unión de la imagen y de la palabra es la base de una publicación que trata del pensamiento y de la vida, de temas puramente fotográficos pero también de aquellos que forman parte de la historia del arte y la cultura visual.

Es editada por EXIT y subvencionada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España, y es de las pocas revistas de fotografía en habla hispana.

Exit

Aperture

La revista fue fundada en 1952 por un grupo de fotógrafos: Ansel Adams, Melton Ferris, Dorothea Lange, Ernest Louie, Barbara Morgan, Beaumont Newhall, Nancy Newhall, Dody Warren y Minor White. Fue la revista de fotografía más importante dedicada a entenderla desde y como arte. Así lo explicó en su primer número:

“Aperture se originó para comunicarse con fotógrafos serios y personas creativas en todas partes, ya sean profesionales, aficionados o estudiantes … Aperture está destinada a ser una revista seria en el que los fotógrafos puedan hablar directamente entre ellos, discutir los problemas que enfrenta la fotografía como profesión y arte, compartan sus experiencias, comenten sobre lo que sucede, descubran los nuevos potenciales. Nosotros, quienes hemos fundado esta revista, invitamos a otros a usar Aperture como un terreno común para el avance de la fotografía”

Es la más antigua de las revistas de fotografía, editada por la editorial del mismo nombre en la ciudad de Nueva York.

Aperture

PDN

La industria de la fotografía ha experimentado cambios significativos desde que PDN se publicó por primera vez en 1980, y las necesidades de los fotógrafos profesionales también han cambiado. Photo District New (PDN) anunció al inicio de este año la edición de su último número después de 20 años de publicaciones. Su archivo está disponible para consulta, el cual contiene los principales temas, autores y técnicas de fotografía de actualidad.

PDN

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El hombre invisible

Thu, 26 Mar 2020 08:17:11 GMT

El Hombre Invisible es una nueva interpretación homónima de la novela de ciencia ficción publicada en 1897. Esta es la reseña de Mario González Suarez

¿Por qué querría alguien ser invisible? Para cometer delitos sin que lo vean, para hacer lo que sea sin importar las consecuencias. Se elige la oscuridad de la luz como ser invisible en la oscuridad. The Invisible Man es una nueva interpretación homónima de la novela de ciencia ficción publicada en 1897. Hay una metáfora muy atinada en la primera adaptación de la novela (James Whale, 1933): una pianola que se toca sola y el hombre que pretende teclear en ella, es una premonición de las desconcertantes acciones de lo invisible.

Elisabeth Moss es una pobre mujer que vive como poseída por un hombre hasta que un día junta fuerzas para escapar. Lo que más teme es que él la encuentre, y luego resulta que ese hombre se suicida pero ella sabe que sigue aquí, es un científico muy poderoso. Sale tan alienada de su matrimonio que todos la toman por loca cuando dice que ella es inocente, cuando ve lo que los demás no pueden. En las cámaras de vigilancia no se ve nada de lo que ella afirma, aparece ella sola en la escena del crimen.

El hombre invisible de Herbert George Wells parece que intenta revertir la fórmula que lo hizo así. Al Adrian Griffin de Leigh Whannell no lo detiene nada, asesina a la hermana de Elisabeth y no le importa que ésta mate a su hermano. Griffin es una eminencia de la óptica y ha logrado crear un traje como de buzo pero con innumerables ojos. El que se lo pone se vuelve invisible y adquiere una fuerza física sobrehumana que le permite matar a un policía tras otro sin que le pase nada. Como si los inventos científicos equivalieran a una patente de corso.

Me gusta también el curioso plano en que actúa la invisibilidad de Griffin, no es un fantasma y nadie dice que lo sea. Ya nadie cree en ellos, se pasaron al internet. Ser invisible para aterrorizar, mentir y denigrar, la impunidad te vuelve psicópata y sólo a éste le interesa ese estado de cosas. Chucky, otro psicópata, en el remake de Child’s Play (Lars Klevberg, 2019) ya no es un muñeco poseído por un demonio sino un robot que comienza por atender la literalidad de los deseos de sus dueños, toma decisiones y consigue introducirse en la red, y valiéndose de eso que llaman el internet de las cosas comienza a manipular los aparatos, los automóviles, las puertas con la intención de someter a todos a su tiranía. Lo invisible es el disfraz de los señores la oscuridad.

Más reseñas de Mario González Suárez

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Super guía para ser un gran fotógrafo

Wed, 25 Mar 2020 07:40:57 GMT

Las Máximas del Director, es un texto de aforismos escritos por el fotógrafo y maestro Charles Traub. Podría decirse que esta lista de qué hacer y qué no hacer, es una súper guía para ser un gran fotógrafo.

Este artista norteamericano, ha sido el director de la Maestría en Fotografía en School of Visual Arts desde hace más de treinta años. Estas “reglas” las escribió después de años de experiencia y de repetirlas ilimitadamente en sus clases. Hay mucho humor, perspicacia e ironía en la voz del fotógrafo, tanto como lo hay en su propia obra artística.

Lo que sí ha de hacerse:

Haz algo viejo de una manera nueva

Haz algo nuevo de una manera antigua

Haz algo nuevo de una manera nueva, lo que sea que funcione. . . funciona

Hazlo bien, si no puedes, llámalo arte

Hazlo en la computadora, si se puede hacer allí

Haz cincuenta de lo mismo, definitivamente tendrás exposición

Hazlo grande, si no puedes hacerlo grande, hazlo rojo

Si todo lo demás falla, dale la vuelta, si se ve bien, podría funcionar

Dobla las rodillas

Si no sabes qué hacer, mira hacia arriba o hacia abajo, pero continua buscando

Haz celebridades: si haces muchas de ellas, publicarás un libro

Conéctate con otros: red

Edítalo tú mismo

Diséñalo tú mismo

Publícalo tú mismo

Edita, en caso de duda, dispara más

Editar de nuevo

Lea a Darwin, Marx, Joyce, Freud, Einstein, Benjamin, McLuhan y Barthes

Ver Ciudadano Kane diez veces

Mira todo, observa

Construye tus imágenes desde el borde hacia adentro

Si es el “mundo real”, hazlo en color

Si puede hacerse digitalmente, hazlo

Se egocéntrico, involucrado en ti mismo, empodérate y empuja, mejor ser condenad al infierno por hacerlo

Rompe todas las reglas, excepto estas

Lo que no ha de hacerse:

No lo hagas sobre ti, ni sobre tu amigo, ni sobre tu familia.

No te atrevas a fotografiarte al desnudo

No mires viejos álbumes familiares

No lo colorees a mano

No escribas sobre eso

No utilice un proceso alternativo; si no es directo, hazlo en la computadora

No le busques diez pies al gato: alias menos es más

No hagas video cuando no sepas qué más hacer

No fotografíes personas indigentes, especialmente en tierras extranjeras.

No te quejes, solo produce.

traducción desde la publicación original escrito por Charles Traub en inglés.

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20 películas sobre fotógrafos y su proceso

Fri, 20 Mar 2020 11:12:59 GMT

Estas son las 20 películas sobre fotógrafos y sus procesos que hemos recopilado. Un criterio muy importante fue seleccionar películas documentales o biográficas que mostraran el proceso creativo de fotógrafos que a la fecha están vivos. Nos parece sorprendente que no encontramos una película con estas características en la fimografía mexicana.

Annie Leibovitz: Life through a lens (2007)

Esta película narra la vida y creación artística de Annie Leibovitz, desde la infancia hasta la muerte de su querida amiga, Susan Sontag.

Gregory Crewdson: Brief Encounters (2012)

Esta película sigue la búsqueda del reconocido fotógrafo internacional Gregory Crewdson para crear sus retratos únicos, surrealistas e increíblemente elaborados de la vida suburbana de nortamérica.

Waste Land (2010)

En las afueras de Río de Janeiro se encuentra Jardim Gramacho, el vertedero más grande del mundo, donde hombres y mujeres tamizan la basura para ganarse la vida. El artista Vik Muniz produce retratos de los trabajadores y aprende sobre sus vidas.

What Remains (2005)

Conocida por su uso de una cámara de gran formato y escenas de gran intimidad, cada toma tomada debe ser muy deliberada. Una mirada al proceso creativo de la célebre fotógrafa Sally Mann.

The Salt of The Earth (2014)

La vida y obra del fotógrafo Sebastião Salgado, quien ha pasado cuarenta años documentando sociedades aisladas en rincones escondidos del mundo.

War Photographer (2001)

Documental sobre el fotógrafo de guerra James Nachtwey, considerado por muchos como el mejor fotógrafo de guerra de la historia.

Manufactured Landscapes (2006)

El fotógrafo Edward Burtynsky recorre el mundo observando cambios en los paisajes debido al trabajo industrial y la fabricación.

William Eggleston in the Real World (2005)

documental sobre el fotógrafo William Eggleston dirigido por Michael Almereyda

Bill Cunningham: New York (2010)

Un perfil del destacado y extraordinariamente alegre veterano fotógrafo de moda de Nueva York.

The many lives of William Klein (2012)

Uno de los fotógrafos más influyentes del mundo, William Klein es un pionero de la fotografía callejera.

Rivers and Tides: Andy Goldsworthy Working with Time (2001)

Retrato de Andy Goldsworthy, un artista cuya especialidad son las esculturas efímeras hechas de elementos de la naturaleza.

Cindy Sherman: Nobody’s Here But Me (1994)

La artista con sede en Nueva York, Cindy Sherman, es famosa por sus fotografías de mujeres en las que no solo es la fotógrafa, sino también el sujeto.

No Worries: Martin Parr (2012)

El fotógrafo de Magnum, Martin Parr, se propuso fotografiar tres ciudades portuarias de Australia Occidental, Fremantle, Port Hedland y Broome.

Search for the Afghan Girl (2003)

El fascinante viaje para encontrar a la misteriosa “Chica Afgana” cuya mirada inquietante cautivó al mundo en una portada de la revista National Geographic

Tierney Gearon: The Mother Project (2006)

En 2002, el fotógrafo estadounidense Tierney Gearon va al norte de Nueva York para comenzar un proyecto fotografiando a su madre. En los años siguientes, dos cineastas registraron las visitas de Gearon y proceso creativo.

Arakimentari (2004)

Es una película documental sobre el aclamado y controvertido fotógrafo japonés Nobuyoshi Araki. La película analiza la vida personal de Araki y su arte.

Obsessions: The Art of Bill Henson (2004)

Este breve documental es la primera vez que Henson permite que las cámaras de televisión entren en su vida. Vemos al artista fotografiando de noche y pasando la mayor parte del día en su cuarto oscuro trabajando meticulosamente sobre sus impresiones.

Underfire: The Untold Story of Pfc. Tony Vaccaro (2016)

Tony Vaccaro, un soldado de infantería de la Segunda Guerra Mundial, pasó de contrabando su cámara portátil de $ 47.00 a la batalla para crear uno de los registros más completos e íntimos de la guerra.

Born Into Brothels: Calcutta’s Red Light Kids (2004)

Dos documentalistas narran su tiempo en Sonagchi, Calcuta y las relaciones que desarrollaron con hijos de prostitutas que trabajan en el famoso barrio rojo de la ciudad.

Generation Wealth. Lauren Greenfield (2018)

Un documental que investiga las patologías que han creado la sociedad más rica que el mundo haya visto, al tiempo que registra el proceso creativo de la fotógrafa.

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